오디오가이 레코딩 스튜디오를 만들고 있습니다. 95년도에 지인들과 녹음실을 운영해본후. 나는 다시는 녹음실을 만들지 않을것이다!! 라고 생각을 했었는데. 수년전부터 녹음실의 필요성이 느껴지게 되어. 입버릇처럼 스튜디오 만든다. 만든다.. 하다가 이제서야 정말로 만들게 되는 것 같네요. 오디오가이에 친구들이 운영하고 있는 스튜디오들이 참 많은데. 녹음때마다 그들의 스튜디오를 빌려서 녹음하면 되지 뭐하러 신경 및 관리를 많이 해야하는 녹음실을 만들어?? 라고 10년넘게 그러한 생각을 지니고 왔었습니다. 한장소에서 녹음을 하는것보다 무엇보다도 새로운 곳에서 또한 새로운 경험을 하면서 녹음을 하는 것에 큰 기쁨을 느끼기도 하였습니다. 영자는 여러 공연장이나 성당등에서 하는 로케이션 레코딩이 70% 그리고 30%정도가 스튜디오 레코딩이기 때문에 더욱더 그러한 생각들이 들었던것이 사실이지요. 하지만 스튜디오를 만들자! 라고 확실하게 마음을 먹게된것은 함께 일하는 식구 남송지 엔지니어 때문인것이 가장 우선입니다. 벌써 이친구랑은 횟수로 5년째 하고 있는데. 다른 녹음실에서 녹음을 하더라도 마이크와 마이크프리는 물론. 케이블과 스탠드까지 가지고 다니다보니. 짐 챙기는데 한시간. 짐들고 녹음하러 가는 데 또 한시간. 녹음 끝나고 다시 짐챙겨서 다시 돌아오는데 최소한 한시간 이상 등등. 차도 없는 영자는 맨날 택시만 타고 남송지씨와 함께 짐 낑낑대며 들고 다니며 녹음하는것도 이제는 힘들기도 하고. 중간에서 너무 많은 시간이 소비되는것 같아 아깝기도 하더라구요 그리고 자주 녹음하는 스튜디오들은 괜찮지만 또 새로운 곳에서 새로운 환경에서 여러가지 소리들을 빠른 시간안에 찾아나가는것에 대해서 저는 무척이나 그 자체를 즐기는 편인데 함께 일하는 송지씨는 무엇인가 늘 바뀌는 새로운 상황보다는 자신이 미리 계획하고 생각한 부분들 안에서 프로젝트를 진행할때 이 사람이 지니고 있는 장점들이 훨씬 더 많이 표현이 되는것을 느끼게 되는순간.. 아..이 좋은 사람과 한팀으로 함께 있는데. 나만 혼자 열심히 한다고 되는것이 아니라 오디오가이에서 만들어 내는 사운드가 영자랑 송지씨랑 함께 만들어나가는 것이니 만큼 우리팀의 효율과 업그레이드를 위해서는 우리만의 스튜디오가 있는 것이 훨씬 더 좋겠구나.. 라는 생각을 지니게 된것이지요. 그리고 저역시도 새로운 환경에서 또 여러가지 소리를 찾아나가는 것은 로케이션 레코딩에서 충분히 만족하고 여러가지 녹음들. 특히 저의 경우는 피아노 같은 녹음 세팅들에 대해서도 좀더 깊게 들어가보고 싶은 부분들이 생기기도 하였습니다. 늘 새로운 세팅들을 많이 시도해보고 실험을 해보는 편이지만 같은 세팅에서도 아주 몇 CM 정도의 마이크 높이나 거리등으로 인한 차이나. 그날의 온도와 습도 등 여러가지 환경적인 부분들..등 조금더 파악하고 알고 싶고. 더 알고 싶어서 마음속이 콱 막혀있는것을 더 많은 실험과 시도를 통해서 알고 싶었기 때문입니다. 그간 가끔씩 매물로 나오는 녹음실도 나올때마다 부지런히 보러다니기도 하고. 그랬는데 무엇인가 마음에 드는 공간은 찾을 수 없었습니다. 저는 조금 아쉬워도 얼른 녹음실을 만들고 싶은 마음에 계약을 하려한적도 있었지만 늘 아내와 함께 상의하고 녹음실 장소도 함께 보았는데. 아내는 좀더 기다려 보면 때가 되면 우리가 정말 좋아하는 공간이 나타날것이다..라는 이야기만 하였었지요. 그러다가 영자가 좋아하는 통의동. 늘 이곳 근처에 녹음실을 만들면 좋겠다..라고 생각을 지니고 있었는데 이곳은 원체 오래된 동네라. 신축건물이 많지 않답니다. 기왕에 녹음실을 만들면 어느정도는 넓은 사이즈로 만들고 싶어요 더빙보다는 대부분 클래식이나 특히 재즈 트리오 정도 이상을 녹음하는 경우가 많으니까요. 그러다가. 우연히 지난달 통의동에 건물이 하나나왔습니다 노출콘트리트로 된 건물인데 그 건물 앞을 지날때마다 이렇게 뒤로 건물이 큰곳인지 몰랐어요. 계약할때 보니 대지가 100평. 건평 70평 의 더 크고 높으면 좋지만 서울 한가운데 제가 가진 예산으로 그렇게 할 수 있는곳은 드물다는것을 알고있었으니까요. 특별히 녹음실을 하려고 미리 예산을 모아둔것도 아니었는데 참 사람의 인연이라는것이 신기하더라구요. 제가 8년전 광화문 용비어천가 라는 오피스텔에 작업실을 4년넘게 있었습니다. 그곳에서 지금 오디오가이에서 진행하고 있는 많은 일들의 자리를 잡을 수 있었지요. 광화문에 있다가 3년전 지금 통의동으로 오면서. 용비어천가 건물주와 참 서로 기분좋게 헤어지고. 제가 사무실을 옮기니 케익까지 보내주시고 하셨는데요. 작년 8월. 집도 통의동에 있는 한옥으로 이사를 왔습니다. 그리고 나서 어떠한 일때문에 바로 뒷집에 방문을 했는데. 이야.. 영자가 있던 용비어천가의 집주인 분이 그곳에 사시고 계신것이 아니겠습니까?? 서로 반가워서 우리가 인연이 있기는 있구나..라고 생각을 해왔지요. 사실 서로의 얼굴은 서로가 잘 기억을 하지 못했다가. 전화번호를 교환하면서 서로에게 전화를 거는 순간 저장해두었던 이름이 뜨는것을 보고 둘다 눈이 휘둥그레 졌답니다. 하하하^^ 그렇게 이분과 다시 만났고 며칠후 통의동에 있는 이분의 친구분들과 영자네 한옥에 놀러오셨는데 그때 놀러오셨던 분중의 한분이 지금 녹음실을 계약한 곳의 건물주 분이랍니다.. 저와 아내가 가서 계약을 하니. 본인들이 올리셨던 보증금도 절반으로 깎아주시기도 하고 공사를 하는데도 참 많은 편의를 봐주시기도 하는 등. 작지만 역시나 사람은 인연과 추억으로 사는구나..라는 생각을 다시한번 들게 만들었어요. 이렇게 10월에 덜커덕 녹음실을 계약하고. 지난주부터 녹음실 공사에 들어갔습니다. 저도 여러가지 스튜디오 컨설팅도 하고 디자인도 하지만. 제가 주변에 추천하지 않는것이 딱 두가지가 있어요 하나는 패치공사는 가급적이면 직접 하지 말고 전문 회사에 맞기는 것 그리고 녹음실 공사역시 직접 하지 말고 조금 비싼것 같더라도 전문 스튜디오 시공 회사에 맞기는 것 을 지인분들께 늘 추천을 하고 있지요. 둘다 직접 한다고 해서 들어가는 시간과 신경쓰이는것이 너무너무 많고 그것을 비용으로 환산해보면 결국은 적절한 비용을 지불하고 경험이 풍부한 전문가들에게 맞기는 것이 더 좋은 결과를 내어줄 수있다고 생각합니다. 우리나라에서 가족이나 사촌. 친구분들 가운데 건설이나 인테리어 업종에 계신분들이 주변에 없는 분은 아마로 없을 거에요. 이렇게 시작했다가 예상보다도 훨씬 더 많은 비용과 더불어. 딱 떨어지는 스튜디오의 분위기가 나오지 않는 경우를 많이 보았기 때문에 저는 주저없이 저는 스튜디오의 내부 설계만 하고. 실제 시공은 스튜디오 전문 시공 회사인 "하모니"에 의뢰를 하였습니다. 이곳은 모조 스튜디오. 그리고 최효영 감독님의 수오노 마스터링. AB 님룸. 리버맨 마스터링 룸등을 한곳인데 우연히도 영자가 컨설팅을 하는 여러 스튜디오들에서 하모니에서 시공을 해주신것을 보니 충분히 만족스러웠습니다. 감사하게도 좋은 조건에서 계약을 하고 공사가 시작이 되었답니다. 공사가 시작이 되니 생각보다 진행이 빠르더군요. 기본적으로 오디오가이 레코딩 스튜디오는 70평 정도로 컨트롤룸. 휴게실.의 공간은 이미 정해져있었고 부스를 어떻게 만들것인가에 참 많은 고민을 했습니다. 부스로 사용할 수 있는 공간은 15m X 6m 사이즈로 상당히 넓게 느껴졌지만 많은 고민을 하고 5m X 6m 정도의 드럼 부스만 만들고 나머지는 통으로 피아노를 위한 부스로 사용. 그리고 고보를 이용해서 레코딩을 하는 것으로 결정을 내렸습니다. 전 클래식과 재즈를 절반씩 하는 편인데 클래식 아티스트들은 부스없이 넓은 공간에서 서로 보면서 녹음하기를 원하는 것에 비해 재즈 아티스트들은 서로 볼 수 있는 환경이면서도 부스에서 분리되어서 녹음하는것을 원하고 있어서 두가지를 어떻게 조율을 할지 마지막까지 많은 고민을 하였지요. 샤워실이 있던 공간을 작은 보컬 혹은 가이드 녹음 부스로 만들게 되면서. 메인 부스는 가급적이면 넓게 사용을 하기로 하였습니다. 그런데 실제 공사를 진행이 되는것을 보니 나중에 스튜디오가 완성이 되면 제가 생각했던 것보다는 공간이 많이 줄어드는 것 같습니다. 건물은 노출콘크리트 건물에 내벽 방한패널이 붙어있었습니다. 이 패널 위에 ARC 콘크리트 블럭을 두겹을 쌓고 거기에 각재를 대고 흡음재를 넣고. 석고보드 2개를 올린다음 다시 또 그위에 각재를 대고 흡음재를 넣고 합판으로 마무리. 바닥의 경우는 기본 바닥에 각재를 촘촘히 그물방처럼 대고. 거기에 방진고무를 넣고 흡음재를 넣고 합판을 올린다음 다시 바닥을 올려서 케이블 배선 선로를 설치해둔다음에는 바닥에 콘크리트를 부어서 다시 단단하게 만들기로 하였습니다. 여러장소들에서 녹음을 해보니 부밍없이 깨끗하고 좋은 소리는 바닥에서 출발이 된다는것을 알 수 있겠더라구요 바닥이 꿀렁꿀렁 대거나 부실하거나 혹은 카페트로 데드하게 되어있으면 꼭 소리가 탁하고 부밍이 생기는 등. 모든 악기의 소리의 출발점이 바닥이니 만큼 많은 사람들이 녹음하는 공간의 천장에 많은 신경을 쓰지만 저는 바닥에 훨씬 더 많은 신경을 쓰고 있습니다. 케이블의 경우도 아예 콘크리트 안으로 들어가서 확실하게 진동이 차단이 되는것도 그렇고요. 천고는 3.2 미터로 그리 높지 않은 일반적인 공간이기 때문에. 이공간에서 무리한 욕심을 내지는 않고 패브릭을 사용하지 않고 합판 소재를 사용해서 흡음을 해서 천장에서의 초기반사음을 줄이고 아주 작은 보컬부스를 제외하고는 메인 과 드럼 부스에도 마감에는 패브릭이 전혀 사용을 하지 않고 모두 확산과 반사로 처리를 할 계획입니다. 물론 컨트롤룸은 흡음으로 합니다. 부스가 어느정도 크기가 있기 때문에 굳이 흡음을 하는 것보다는 확산과 반사를 시키는 것. 거기에 약간의 룸사운드가 있는 것이 최종 녹음때 이 작은 룸사운드로 인해서 소리가 훨씬 더 생동감이 있게 들리는 것이 저는 너무너무 좋더라구요 초기반사가 무조건 없으면 좋을 것 같지만. 초기반사가 너무 없으면 소리의 다이나믹이 반대로 떨어지기도 한답니다. 물론 초기반사가 너무 많으면 소리의 선명도가 떨어지지요. 바닥에는 욕심같아서는 이쁜 원목마루를 헤링본 스타일로 깔고 싶었지만 강화마루로 계획이 되어있고 열선을 넣어서 부스를 따듯하게 해두려 합니다.^^ 스튜디오의 내부 디자인의 경우는 이렇게 기본적인 내용은 끝나고 이달말경에 공사가 끝나게 될 예정인데요. 요즘 저의 머리속에 가장 꽉 차있는것은 딱 두가지. 우선은 역시 피아노. 저는 집에서 듣는 음악의 80%이상이 피아노 음악. 그리고 녹음하는 프로젝트의 절반 이상에 피아노가 있고 피아노 녹음을 하는것을 가장 즐거워 하며 평소에도 많이 생각을 하는 악기이기도 합니다. 야마하로 할것인지 리스로 무리를 해서라도 스타인웨이로 할것인지에 관해 아직 갈팡질팡 결정을 하지 못하고 있는데요. 국내의 중고 및 신품 여러 스타인웨이들을 들어보았지만 올 10월에 새롭게 출시된 야마하의 C7X 의 소리가 너무너무 마음에 들어서. 나중에 내가 녹음실 만들면 꼭 소리 좋은 스타인웨이 풀사이즈를 들여놓아야지..라고 생각했던것에 많은 말성임이 생기게 됩니다. 실제로 스타인웨이 D 국내에 들어와있는 신품도 가서 들어보았는데 제 취향에서는 전혀 마음에 들지 않았습니다. 피아노라는것이 사용자에 따라서 소리가 많이 달라진다고는 하지만 그래도 딱 태어났을때의 기본적인 소리가 야마하가 스타인웨이를 따라가기 보다는 자신들의 맑고 깨끗하고 투명한 장점을 더욱 더 업그레이드 시켜서. 야마하 C7X를 듣고 스타인웨이를 들으면 소리가 너무 답답하게 들리는것이었습니다..ㅜㅜ 그래도 스타인웨이 특유의 중역대의 느낌과 저역의 펀치감. 고역대의 살짝 쇳소리의 피크감이 들리는 그 매력역시 있기는 하지만 야마하 C7X의 경우는 메커니즘이 정말 너무너무 훌륭하고 완벽한 상태로 출하가 되어있는것을 보고 야마하가 C시리즈를 40년만에 모델 체인지를 하면서 보이지 않는 곳에 참 많은 신경을 써서 만들고 있구나.. 라는 생각이 들더라구요. 피아노에 대한 고민은 돌아오는 한주에 더 하게 될것 같고요. 그 다음은 바로 콘솔. 스튜디오 컨설팅을 하면서도 많은 분들에게 콘솔을 뭐하러 사는지. 그 금액으로 차라리 마이크나 프리를 더 많이 사는것이 좋겠다고 늘 이야기를 했는데 막상 제가 녹음실을 만드니. 그래도 녹음실에는 콘솔이 하나 있어야 하지 않을까 하고 생각을 하게 되더군요^^ API 1608 32채널 부터 해서 NEVE VR 중고로 할까 아님 그냥 DM2000나 소리 R100 같은 내가 좋아하는 깨끗한 소리의 디지털 믹서로 할까. 아님 외국에서 API 빈티지 콘솔을 살까. 또는 NEVE CUSTOMS 75 를 할까 하는 등등. 정말 많은 고민이 됩니다. 차라리 콘솔을 할바에 AMS NEVE 1081R 리모트 마이크프리를 하는것이 더 좋지 않을까 생각이 들기도 하고요. 12월에 스튜디오가 완성되려면 얼른 콘솔을 어찌할지 결정을 해야 하는데 정말 중이 제머리 못깍는다고 다른분들 시스템에는 그렇게 확신을 가지고 컨설팅을 많이 하면서 정작 제 스튜디오에는 콘솔을 무엇으로 어찌해야 할지 잠들기전 새벽늦게까지 아이패드 붙잡고 콘솔들에 관한 정보들만 찾아보게 되는 것 같습니다. 아무튼 저는 요즘 이렇게 녹음실 만드는것에 온통 집중하며 11월을 보내고 있답니다!! 곧 시공중인 사진들과 함께 스튜디오 만들기 [2] 탄도 올리도록 하겠습니다^^

집에 아이가 둘이나 있으니 글을 쓰기가 정말 보통일이 아닙니다. 때론 결혼전에. 그리고 아이가 생기기 전에 그나마 조금이라도 부지런히(?) 칼럼을 써놓기가 잘했다는 생각이 드는군요. 이전에 썼던 글을 가끔씩 다시 보면 참으로 쑥쓰럽고 창피하고 그럽니다. 이제는 영자도 불혹을 바라보다보니 삼십대 초반에 쓴글들을 보면 정말 더욱 더 부끄럽게 느껴지기도 합니다. 그때는 그렇게나 얄팍한 지식을 무엇이 그것이 그리도 대단한 것 인냥.. 혼자 떠들었나 하는 생각이 들기도 하고 그간에 왜 많은 선배분들이 침묵을 하시는것일까 하는 그 마음을 아주 조금은 알것 같기도 합니다. 오늘은 조금더 솔직하고 재미있는 이야기를 한번 해볼까 합니다. 많은 사람들이 묻습니다. 물론 제게 직접적으로 묻지는 않고(하지만 다들 궁금해 하는 것 같습니다.) 함께 일하는 남송지씨에게 많이들 물어보는데요.. "오디오가이는 어떻게 그 많은 작업 의뢰들이 들어보는것인가요?" "오디오가이 최정훈씨는 많은 작업 의뢰가 들어올 수 있도록 어떻게 하는 것일까요?" 라는 부분입니다. 이것 정말 여러분들도 궁금한것이 아니신지요? 저역시 다른 엔지니어들은 어떻게 해서 그 아티스트들과 함께 작업을 하게 되는것일까? 부터 시작해서 어찌보면 모두들 서로 참 궁금한 내용일것 같기도 한 생각이 듭니다만. 오디오가이가 생기고 12년동안 아직 이에 관한 이야기는 한번 도 없었었던 것 같습니다. 오늘은 오랫만에 밤에 맘먹고 쓰는 칼럼이니 만큼 영자의 주특기 대로 이 이야기 하다가.. 또 저이야기 하다가..막 왔다 갔다 하겠습니다 기껏 긴글 열심히 읽었는데 내용 없다고 저 욕하지 말아주셔용~~^^ 얼마전에 울산에서 서울을 오는 KTX안에서 오랫만에 종이신문을 꼼꼼히 읽어보고는 내심 충격을 받았습니다. 제가 개인적으로 좋아하지 않는 J 사의 신문이기는 하였지만. 신문안에 어찌나 주옥같은 내용들이 그리도 많던지요.. 쉽게 인터넷에서 보는(특히 네이버의 메인 페이지화면) 정보들이 얼마나 시야와 폭이 좁은 것인가.. 하고 정말 놀랐습니다. 인터넷이 정보의 바다. 홍수라고들 표현을 하지만 이로인해서 우리가 얼마나 폭이 좁은 지식들을 얻게되는것인가. 얼마나 편향적인 뉴스와 기사들을 보고 있는 것인가.. 하는 내용들.. 네이버 메인페이지 뉴스와 두세가지의 성향이 다른 종이신물들을 보면 인터넷이 우리의 시각을 마치 경주마 처럼 좁히고 있다는것을 알게되었지요. 단순히 스마트폰 세상이 되면서 사람들은 종이책을 읽는것을 부쩍 줄이게 된것 같습니다. 그리고 스마트폰이나 패드등에서 내용을 보는것은 게임이나 짤막한 기사와 소통. 아무래도 종이매체를 통할때에 비해서는 집중도가 확연이 떨어지는것이 아닐까요? 물론 인터넷을 통해서 얻을 수 있는 좋은 정보 역시 너무너무 많다고 생각하지만 저는 갈수록 인터넷에서는 뉴스들을 보지 않게 되고. 어느부터인가.. 온라인에서의 성향이 마음을 함께 나누고 교감하는 초창기 온라인 커뮤니티들에서 이제는 일방적으로 짧은 정보들을 주고 받는것으로 변하고 있는 것이 아닐까 하는 생각들이 듭니다. 쉽게 과거 다음카페 오디오가이에서의 질문글과 답변글과 지금은 질문과 답변글의 차이에서 쉽게 볼 수 있지요. 아래의 질문글을 한번 보시지요. http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=f_recording&wr_id=72789 아마도 글쓴이는 왜 본인에 글에 답변이 아직 없는지 이해하지 못할 것 입니다. KBS 클래식 오딧세이에 출연했다가 아래와 같은 악플을 듣기도 했고 http://www.kbs.co.kr/1tv/sisa/classic/bbs/index.html 위 악플러의 이야기처럼 제가 너무 보수적인것일런지도 모르겠습니다만. 아날로그처럼 따듯하고... 라고 시작이 되는 오디오가이의 문구 처럼. 아무리 이래저래 편한 세상이 되어도 사람과 사람의 소통만큼 중요한것이 또 있을까.. 하는 생각을 하게 됩니다. 이러한 면에서 최근의 오디오가이는 제게 참 재미가 없습니다. 영자로 이런데 다른분들은 더하시겠지요... 아무튼 저는 앞으로 집에서 신문을 구독해보려 합니다.(혹시 추천해주실만한 신문 있으면 알려주셔요?) 그리고 변함없이 집 근처의 교보문고에 가서 책을 사는 것이 참 즐겁습니다. 이렇게 좋아하는 책을 읽는 즐거움 마냥 이곳 오디오가이에서 여러분들과 많은 이야기들을 즐겁게 나누고 싶은 바램입니다. 그럼 다시 오늘의 이야기로 돌아가서. 꿈을 이루는 방법. 올해 5월쯤이었던가요?? 90년대 부터 시작해서 처음으로. "이제 그만두자.." 라고 생각을 했었습니다. 역시나 상투적이기만 곁에서 아내가 큰힘이 되어. 그래도 당신이 지금까지 20년 가까이 해온일인데 지금 힘들다고 그리 한순간에 접으려 하느냐.. 올해까지만 좀더 해보자..라고 저를 설득하였지요. 지금까지 잠시의 슬럼프와는 다르게. 이때는 그냥 모두다 그만두고 쉬고 싶었습니다 마음도 일도 모든것을 말이지요. 하지만 불과 서너달이 지난 지금은 내년에는 꼭 녹음실을 만들어야 겠다..라고 생각을 할만큼 다시 돌아와서 즐겁게 일을 하고 있지요^^ 자주 만나는 지인이 얼마전에 저희집에서 와인을 마시면서 이야기를 하더군요. "너처럼 하고 싶은것 다하고 사는 사람이 어딧냐?" 이 이야기를 듣고 가만히 생각해보니 맞는 것이었습니다. 그리고 오래전 저의 꿈에 대해서 생각해보았습니다. 내가 과거에 꿈꾸던 수 많은 것들이 이미 나의 곁에 함께 있는 것을 무엇을 그리도 내가 가지지 못한것을 가진사람과 비교하며 질투하고 혼자 힘들어 하고. 잠시 어려운 상황에 그리도 마음이 흔들렸는지 말입니다.. 가지고 싶은 것을 모두 다 가지려 하면 그저 스스로를 더 힘들게 하고 마음만 슬플뿐인데. 그리고 세상에 그러한 사람은 존재하지도 않지요. 내가 보기에 모든것을 가지고 있다는 사람 역시. 다른 사람을 보며 내가 그를 보고 느끼는 것과 같은 마음을 지니고 있을테니까요.. 위에서 이야기 한것 처럼 많은 사람들이 서로 궁금해 하는 것. 그사람은 어떻게 해서 그 아티스트의 음반을 작업하게 된것일까? 우선 저의 경우는 이렇습니다. 95년에 지인들 세명과 은평구 역촌동에서 자그마한 스튜디오를 운영하다가. 96년에 예음스튜디오에 어시스트 엔지니어로 들어가서 98년도 ZZ TOP 스튜디오에서 나와 독립하였습니다. 그때 저는 생각했습니다. 앞으로는 MIDI 음악들이 더 발전할텐데. 그쪽 음악에서는 레코딩 엔지니어의 필요성이 줄어들지 않을까? 레코딩 엔지니어가 좀더 필요한 어쿠스틱 음악 녹음쪽으로 나는 집중을 해보아야 겠다. 라는 결정을 하게 되었지요. 이와 함께 모두 다 콘솔로 믹싱을 할무렵. 여러번 리콜해서 믹싱의 완성도를 높힐 수 있는 DAW 안에서 믹싱을 하는것을 비교적 일찍 시작했었습니다. 초반에 독립하고 나서는 제가 어시스트 엔지니어로 참여했던 아티스트들의 다음 음반들 작품에 함께 하게 되었습니다. 이것이 참 중요한것 같습니다. 처음 엔지니어를 시작할때 어떻게 일을 시작할 수 있을까? 스튜디오에서 몇년 어시스트 엔지니어를 하다보면 그래도 그곳서 작업하면서 친한 프로듀서와 아티스트들이 생기게 되기 마련입니다. 그 이후 독립하게 되면 함께 작업을 할 수 있는 기회가 자연스레 생기는 것이지요. 저는 우선 이렇게 독립을 해서 첫 작업을 시작할 수 있게 되었습니다. 어쿠스틱 음악 녹음에 관심을 지니게 되었지만 관심분야는 재즈와 클래식이었습니다. 우선 두음악 장르를 무척이나 좋아하고. 처음 공부할때부터 가장 존경하는 엔지니어인 알슈미트가 주로 재즈음악 작업을 많이 하고 있는 것 역시 진로를 정하는데 영향을 주었지요. 물론 지금까지 재즈나 클래식 외에도 가끔씩 다른 음악 장르들도 작업을 할때가 있지만 20년가까이 작업한 음악의 90%가 재즈와 클래식입니다. 여러 음악 장르를 모두 다 하는것보다 처음부터 "내가 더 즐겁고 잘 할 수 있는 것" 을 찾게 된것이지요. 그리고 참 운이 좋게도 이당시 만났던 프로듀서가 "재즈오텍"이었습니다. 재즈오텍님에게 참 많은 것을 배웠지요. 지금도 생각합니다. 최정훈이라는 사람을 엔지니어로 만들어 준 사람은 재즈오텍 1집 음반이라고 말이지요. 아주 귀가 좋은 이 프로듀서와 함께 오랜시간 작업을 하게 되면서 내가 생각하고 있는 소리에 대한 시야가 훨씬 더 넓어졌을 뿐만 아니라. 무엇보다도 재즈음악에 대해서 더욱 더 많은 것을 배울 수 있었습니다. 함께 오랜시간 여러 많은 재즈음반들을 듣고. 또 함께 녹음하고 믹싱하고 하는 일련의 과정들을 거치면서. 재즈음악 전문 레코딩 엔지니어의 자리를 잡게 될 수 있었던 것 이 아닐까 합니다. 함께 하도 많은 재즈음반들을 듣고 연구하며 재즈음악의 사운드에 대해서 조금이나마 저만의 관점을 지니게 될 수 있었습니다. 이렇게 재즈음악 작업을 하다보니. 전통적인 피아노 트리오 녹음이 너무너무 하고 싶었습니다. 그런데 그때당시는 지금처럼 국내의 재즈 아티스트들이 많지도 않을 뿐더러. 음반을 내는 사람들도 일년에 한두장 정도밖에 되지 않았을 시절이었지요. 그래서 홍대에 있던 JUNE 이라는 라이브 재즈바를 갔습니다. 한때 국내에 엄청난 재즈 동호회 붐이 불었을때가 있어서 이곳서 가입되어있었던 동호회 모임을 하기도 하고. 혼자 돌아다니느것을 좋아했던 저로써는 혼자 가서 강변의 멋진 야경과 함께 음악을 듣거나 재즈 라이브를 듣기도 했던 곳이었지요. 피아노 재즈 트리오 녹음이 너무 하고 싶었던 저는 이곳 JUNE에서 연주를 하던 젊은 재즈 트리오에게 이야기를 했습니다. 저는 레코딩을 하는 사람인데 이곳에서의 당신들의 연주를 한번 녹음해보고 싶다. 라고 용기를 내어보았지요. 이것은 길에서 미인을 보고 말을 붙이는 것보다도 더욱 더 용기가 필요하더군요^^ 그당시 유학을 준비하고 있었던 이 팀의 피아노와 콘트라 베이스 연주자는 유학용 데모테입도 있으면 좋은상황이었기 때문에 흔쾌히 OK를 하였습니다. 저는 그때나 지금이나 차도 없었기 때문에 지금은 예음스튜디오에서 오랜시간 레코딩 엔지니어를 하고 있는 고등학교 동창 최남진 군에게 연락을 해서 홍대근처에 있는 재즈 라이브 클럽에서 연주 하는것을 녹음을 하려 하니 짐 옮기는 것을 도와달라고 해서 그의 차를 타고 그곳에 가서 녹음을 했지요 지금도 그때의 세팅이 생생하게 생각이 납니다. 트리오의 메인으로는 AKG C414 를 블룸레인으로 피아노에는 AKG C391을 AB로만 하고 콘트라 베이스는 앰프를 사용했었고 드럼에는 별도의 마이크를 설치하지 않았었지요. 그당시 집에서 사용하던 AE 사의 AE1 이라는 북쉘프 스피커와 아남 클래식3라는 앰프를 가지고 가서 모니터링도 하였습니다. 믹서는 맥키 1402 VLZ 에 소니 포타블 DAT로 녹음을 했었지요. 지금도 이 CD를 가지고 있는데 지금 들어보아도 생각보다는 들을만 합니다.^^ 저는 이렇게 제가 너무너무 하고 싶었던 재즈 피아노 트리오 녹음의 첫 녹음을 시작하였습니다. 특히나 이때는 케니드류 트리오의 음악을 정말 좋아하고 있을 시절이라 더욱 더 재미있는 경험이었지요. 이렇게 열심히 재즈와 그리고 간간히 클래식 공연의 로케이션 녹음을 하게 되었습니다. 이중에는 지금도 기억나는 재미있는 경험들이 많아요 지금은 레이블 겸 마스터링 스튜디오를 하시고 계신 리버맨뮤직님께 연락을 해서(그는 나그라 4S 아날로그 레코더를 가지고 있었습니다.) 그의 나그라 녹음기를 빌려서 함께 교회에서 색소폰 5중주 녹음을 하기도 했었고. 제가 색소폰 앙상블팀에서 함께 연습을 했던 시절이 있어서 그 팀이었습니다. 95년도에 함께 스튜디오를 했던 분중에 한분이 나중에 수녀님이 되셨답니다. 그런데 몇년후 연락이 와서 카톨릭 대학원생의 졸업연주가 명동성당에서 있으니 이것을 녹음해 달라는 의뢰를 받았었지요 그래서 위 재즈 트리오 녹음과 같은 기기를 가지고 명동성당에서 실황녹음을 하였었는데. 마이크로 들어오는 직접음과 공간음이 어찌나 아름다웠던지.. 마이크로 전해지는 그 소리를 헤드폰으로 듣고 정말 깜짝 놀랐던 기억이 있습니다.(아쉽게도 이때 녹음한 CD는 현재 가지고 있지를 않으네요.) 이렇게 이때까지는 많지는 않았지만 이렇게 소소한 녹음들을 하며 지내고 있을 무렵. 저의 엔지니어 인생에 있어서 재즈오텍님 외에 또 한번의 작업을 하게 됩니다. 바로 김두수라는 아티스트의 "자유혼" 음반 지금도 오디오가이에서 활발하게 활동을 하시고 계신 리버맨뮤직님께서 직접 제작하신 음반으로 이미 녹음과 믹싱이 끝나있는 상태였는데. 재믹싱을 의뢰를 하셨었지요. 그당시 저는 홍대에 있는 9BUS 스튜디오라는 곳에서 녹음실장으로 일을 하고 있었습니다. 이후로도 꼭 음악이 아니더라도 사람과 삶에 대해서 제게 있어 정말 큰 영향을 준 김두수 라는 아티스트(그의 아내분도 물론 함께 포함이 됩니다.)와의 음반 작업을 통해서 참 많은 것을 배울 수 있었고 함께 작업했던 "자유혼"음반이 좋은 결과를 얻게 되면서 한동한 김두수의 자유혼 음반을 작업한 엔지니어 라는 것으로 참 많은 아티스트들의 음반들을 작업할 수 있게 되었습니다. 그리고 나서 생각을 하였습니다. 늘 재즈오텍이나 김두수 같은 뛰어난 아티스들과만 작업을 할 수 있는 것이 아니므로. 내가 좋아하는 아티스트와 음악을 직접 기획을 해서 만들자. 라는 생각 이당시 저는 DMP나 텔락. 체스키 같은 레코딩 프로듀서/ 엔지니어가 세운 레이블들의 음악을 많이 듣고 영향을 받고 있었기 때문에 국내에도 레코딩엔지니어가 직접 레이블을 만들어 보자.. 라는 생각을 하였지요. 그래서 함께 작업을 했었던 클래식 기타리스트 이성준씨의 음반을 첫장으로 해서 오디오가이 레이블을 2000년도 부터 시작하게 되었습니다. 참 많은 분들의 도움이 컸지면 저의 경우는 오디오가이 레이블을 하면서 많은 아티스트들을 알게되고. 그리고 오디오가이 레이블에서 제작한 음반이 4년연속 대중음악상 재즈&크로스오버 부분들에서 수상도 하게 되고 여러 매체들에 소개가 되면서. 재즈쪽에서 참 많은 작업들을 하게 되었습니다 초창기 레이블을 할때는 아티스트들과 불화도 있었고. 유통과 홍보의 어려움등도 참 많았고 지금도 레이블 작업으로 인해서 참 많은 시간과 비용이 소요가 됩니다. 벌써 오디오가이에서 제작한 음반이 45장이 넘는 답니다. 모두 한장한장 기획에서 부터 녹음 믹싱 마스터링에 이르기 까지. 최선을 다해서 만들었지요. 때로는 이렇게 레이블에 투자를 하지 않았으면 훨씬 더 여유로운 경제생활을 할 수 있지 않을까..라는 생각을 해보았지만 그래도 오디오가이라는 레코딩 회사를 많은 사람들에게 알리고. 그리고 오디오가이로 재즈나 클래식 음악에 대한 녹음작업 의뢰가 들어오게 되는 경우의 60%는 바로 오디오가이에서 제작한 음반들과 아티스트들을 통한것이 아닐까 싶습니다. 여기서 꼭 한번 해보고 싶은 이야기가 있습니다. 레코딩 엔지니어가 실력만 있으면 되지. 뭐 다른것이 필요할까? 라는 생각 말이지요. 제가 가만히 보니. 1등을 제외하고는 또는 2-3등까지 겨우 겨우 밀어넣을 수 있겠습니다만. 우리가 생각하는 것보다 우리 엔지니어들의 실력차이가 엄청나게 크지는 않습니다. 아마도 많은 분들이 납득하시지 못하시겠지요?^^ 다 모두 음악과 음향에 대해서 생각하고 바라보는 시선이 다르고 좋아하는 음악이나 영향받는 아티스트 프로듀서도 다른데 말이지요. 제가 크지 않다는 것은 우리의 시선이 아닌 엔지니어를 바라 보는 엔지니어 외의 시선에서 말입니다. 가끔 어떻게 하면 그러한 아티스트들의 음반을 작업할 수 있지요? 라는 질문을 돌려서 받게 되면 내용이 너무 복합적이기 때문에 길게 이야기를 하지 못하고 그냥 짧게 웃고 넘어갈때가 많습니다만 이자리에서는 한번 이야기를 해보고 싶군요. 저의경우는 40%는 아티스트 측에서 그리고 60%는 제작사 측에서 일이 들어오는 경우가 더 많습니다. 아티스트도 그렇고 그들의 음반을 제작하는 제작사측도 마찬가지입니다. 과거에 제가 어시스트 엔지니어를 할때. 어떤 엔지니어들이 서로 그러한 이야기를 하는것을 보았습니다. 누구누구 엔지니어는 사람들과 수다만 떨고 정작 작업은 제대로 하지 않는다.. 라고 말이지요. 하지만 지금 생각해보면 그것은 부족할 실력을 수다나 인맥으로 커버하는것이 아닌. 아티스트이던 제작자이던 그들과 그만큼 대화와 소통을 할 수 있다는것이 얼마나 중요한 것일런지요? 남자가 미인을 얻는 방법이 무엇일까요? 세상에 어떠한 사람이든 누구나 "서로 말이 통하는 사람을 좋아합니다" 말이 통한다는 것은 그만큼 생각을 함께 공유하고 있어야 하는 것이지요. 엔지니어가 무슨 말이 필요해. 녹음과 믹싱만 잘하면 되지.. 이렇게 생각을 하시는 분이 계실런지도 모르겠습니다만 자신의 평가가 아닌 다른 사람의 평가에서 녹음과 믹싱도 별볼일 없다. 라고 평가받게 된다면 그것은 얼마나 외롭고 슬픈일인것일까요? 모든 사람들은 스스로를 객관적으로 바라보고 평가하기가 어렵습니다. 게다가 엔지니어라는 직업은 한 5년정도 되면 내가 천재같고..이 세상에서 가장 많이 공부하고 노력하는 것 같고. 여러 유명 아티스트들의 음반들을 작업 하는 엔지니어들에 비해서 내가 더 낳았으면 낳았지 못하지는 않은것같고.. 등등 많은 생각이 들지만. 그것은 자신 혼자만의 생각과 평가가 아닌 다른 사람의 평가에서는 완전하게 달라질수도 있지 않을까요? 저는 여러 아티스트들과 제작회사들이 제게 다음 음반작업을 함께 하는 이유중에 가장 큰것을 생각한다면 그들이 내가 만드는 소리가 정말 마음에 드는경우? (약 10% 정도라고 생각합니다.) 나머지는 내가 그들과 말이 통한다는 것이 아닐까 싶어요. 이것은 술한잔 마시며 형동생하는 말이 통한다는 것과는 다릅니다. 음악과 소리에 대해서 내가 진정으로 이것을 좋아하고 내일을 사랑하고 있다면 그것이 상대방에게도 분명히 전달이 됩니다. 물론 내가 아무리 이 일을 좋아하기만 하는 의욕만 보인다고 되는것도 아니라 생각합니다. 음악적으로 또 음향적으로 그들이 원하는 것이 무엇인지를 명확하게 발견하고 찾아낼 수 있어야 하는 것. 이것이 내가 좋아하는 아티스트들과 함께 작업을 하게 되는. 또 어찌보면 우리의 작은 꿈하나라를 이루게 되는 가장 중요한 방법이라 굳게 믿고 있습니다. 음반의 홍보때문에 참 많은 고민을 한적이 있었습니다. 그래서 홍보를 하지 않는것 같은데도 참 그친구가 기획하는 프로젝트들은 여러 매체들에 소개가 되는 것을 보고 그 친구에게 홍보가 잘되는 방법에 대해서 물어보았습니다. 그 친구는 조금은 아리송한 표정으로 "결국은 사람이다" 라는 말만 남겨주었지요 하지만 그의 표정과 몸짓에서 알 수 있었습니다.. 이후로는 홍보에 대해서 걱정을 하거나 하는것이 훨씬 더 줄어들고 차분차분히 내가 무엇을 해야 하는 지 조금씩 알겠더군요. 이것은 제가 마치 전설적인 엔지니어인것인냥. 엄청나게 성공한 엔지니어라서 쓴 글이 아닙니다. 음향 엔지니어를 시작하는. 그리고 함께 하고 있는 이들과 적어도 이러한 이야기들을 솔직담백하게 한번 나누어 볼 수 있지 않을까요? 저도 다른분들은 어떻게 해서 그 아티스트들과 작업을 하시게 되셨는지 무척이나 궁금합니다. 하하하.. 가을밤은 역시 좋으네요. 글도 잘써지고(아니.. 잘쓴것일런지는 모르겠지만 단숨에 써지고..^^) 그럼 즐겁고 행복한 가을 되셔요.

아이가 둘이나 생기니.. 이건 뭐..아이 하나일때와 둘일때와는 완전히 천지 차이군요. 아이라는 존재로 인해서 삶의 엄청난 기쁨을 얻기도 하지만 반면에 아이라는 존재로 인해서 나의 시간을 나누는 것또한 엄청납니다. 아침에 어린이집 데려다주고. 늦은 오후에 데리고 와서 집에 와서 놀아주고. 아이가 둘이니 집에서 산후조리하고 있는 아내를 위해서 집안일좀 함께 도와주고 하다보면 금새 잘 시간이 됩니다.^^ 그래도 총각때 오디오가이 칼럼에 이런저런 이야기들이나마 써두길 잘한것 같습니다. 오늘은 마음은 늘 바쁘고 전화기에 쉴새가 없는 월요일이지만 비가 와서 그런지 전화도 별로 없고 마음도 차분하니 참 좋으네요. 얼마전 오디오가이의 초창기 멤버로 12년동안 오디오가이 사이트의 웹마스터를 해주셨던 박상규님이 외국으로 떠나셨습니다.(닉네임데니스님) 영자와는 두살밖에 차이가 나지 않고. 큰아이 나이는 둘다 똑같이 4살. 상규님도 둘째가 곧 태어날 예정인데 과감하게 가족들과 함꼐 외국으로 떠나셨지요. 음향을 공부하는 사람들 가운데 유학을 생각해보지 않은 사람은 아마도 없을 것 같아요. http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=503&page=4 과거에 위와 같은 글을 쓰기도 했었지(벌써 6년전이네요..) 요즘은 유학을 떠나는 친구들이 참 부럽습니다. 유학은 결혼전에 총각때 갔었어야 하는건데.. 라는 생각을 결혼후에 하고 아이를 낳고 나니..가려면 아이 생기기 전에 갔었어야 하는데.. 아이가 둘이 있으니.. 함께 외국을 가더라도 아이가 어떻게 적응을 할 수 있을까 걱정을 하기고 하고.. 상규님꼐서 출국하시기 직전에 뵈었는데. 아이에 관해서 여쭈어보니 어린 아이들은 오히려 더 적응을 잘한다고 걱정하시지 않으신다 하더라구요. 교회음향 칼럼의 지성님도 최근 건축음향 대학원으로 가셨지요.. 인터넷에 아무리 많은 정보가 있다고는 하지만. 그곳에 실제 가서 보고 듣고 느끼고 경험하는것과는 분명 천지차이겠지요. 저는 왜 그간 이렇게 오랜시간동안 용기를 내지 못했을까요? 경제적인 어려움때문에.. 지금 하고 있는 일을 다 두고 외국에 간다는 두려움때문에.. 여러가지 무엇때문이었을지.. 지난 자유게시판에 글을 올려주었던 승빈군이 미국을 간지고 벌써 오랜시간이 흘렀네요 함께 공부를 하며 후딱 준비하더니 미국을 갔지요. 영자가 스무살이 막 넘을 무렵 대단히 친하게 지내던 백길영이라는 선배형님이 몇년후 형수님. 아이둘과 함께 미국으로 훌쩌 떠나셨다.. 제작년에서야 한국에서 소식을 들을 수있었어요 주변에 영자와 절친한 이렇게 많은 분들처럼 저는 왜 이리도 용기를 내지 못하는지 모르겠습니다. 하하하. 결혼한지 벌써 4년. 일년에 한번씩은 아내랑 외국에 나가니 마니..하는 것이 늘 몇번씩 이야기를 합니다. 캐나다 맥길에 가니. 중국어를 전공한 아내가 적응하기 쉽도록 싱가폴에 가니. 등등. 늘 때가 되면 이러한 이야기가 한번씩 나오지요.(이보다 더 아내와 자주 나오는 내용은 내년에는 녹음실을 만드니 마니..하는 내용입니다. 하하하^^) 이제(혹은 벌써) 서른일곱. 몇달이면 서른여덞이 되고 두아이의 아빠인 영자가 과연 외국에 갈 수 있을까요? 길어야 삼사년일텐데.. 그 시간에 회사는 벌써 5년째 함께 일하고 있는 남송지씨에게 맞기고 하면 될텐데. 뭐 이리 걱정이 많고 남겨진 일들이 미리 걱정을 하는것인지 모르겠습니다. 반면에는 그러한 생각도 듭니다. 고등학교때부터 나중에 결혼하면 이 동네 살거야..라고 생각했던 동네에 게다가 꿈을 꾸던 한옥에도 살고 있고.(물론 월세이기는 하지만) 욕심을 내면 한도 끝도 없겠지만 조금 비우니 지금의 생활이 참으로 즐겁고 행복하고 만족스럽습니다. 제가 보기에는 세상의많은 사람들도 즐겁고 행복하게 살면서 스스로 그것을 잘 못느끼는 것 같습니다. 이렇게 행복한 생활을 하고 있는데 굳이 또 외국에 가서 뭐를 할까..하는 생각들도 들고 반면에 나중에 정말 나이가 들었을때. 삼십대에라도 용기를 내어 다녀왔으면 좋았을걸..하는 후회를 남기게 될것도 같고. 참 이런저런 생각들을 다 뒤로 하고. 과감하게 용기를 내어 유학을 간 오디오가이의 친구들이 정말 부럽고 외국에 계신 오디오가이 가족분들에게 이렇게 당신을 부러워하는 영자도 있으니 늘 화이팅이라고 이야기 하고 싶습니다!!! 오랫만에 정말 내용없는 오디오가이 칼럼이 된것 같습니다. 하하

이번에 영자가 운영하는 오디오가이 레이블에서 새롭게 싱어송라이터 전문 레이블 "송텔러스"를 만들어서. 그간의 클래식. 재즈. 국악에서 개성있는 음악성을 지니고 있는 싱어송라이터들을 발굴하여 음반을 제작할 계획을 지니고 있답니다. 이번에 첫번째 음반으로 나온 홍혜림의 음반 http://music.naver.com/todayMusic/index.nhn?startDate=20120802 네이버 뮤직에서도 8월첫주 이주의 음반으로 선정되기도 하고 올레 뮤직어워드에 후보도 오르고 그간의 오디오가이에서 제작했던 아주아주 비상업적인 음반들에 비해서는 역시. 보컬이 있는 팝음악이 다르구나..하고 많은 생각들도 하게 되었답니다. 이 음반의 레코딩했을때의 내용은 아래의 링크 http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=1028 믹싱은 프로툴에서 진행하였습니다. 늘 그렇듯이. 정말 늘 그렇습니다. 이큐 컴프 거의 사용하지 않았고 짧은 리버브는 디버브르 사용 긴 리버브는 M7 미디움 홀 약 2초정도. 녹음때 꼼꼼하게 원하는 소리를 충분히 만들어 놓고 작업하는 편이기 때문에. 믹싱시 각 악기들이 겹치지 않도록 이큐로 주로 컷 하는 부분들이 많이 있었고요. 콘트라 베이스의 경우 이번에 처음 함께 녹음한 베이시스트였는데 그동안의 베이시스트와는 또 다른 음색을 들려주어서 믹싱때 비교적 이큐로 컷을 많이 한 편입니다. 위 칼럼에는 내용이 없지만 보컬녹음에는 여러 마이크를 테스트해보고 최종적으로 DPA 4015 + GML 프리를 사용하였습니다. 곡에 따라서 서밋오디오 DCL-200을 아주 살짝 걸어서 레코딩을 하였고요. 보컬도 애초부터 믹스시에 원하는 이미지에 가까운 톤으로 녹음을 해서 특별히 이큐를 많이 사용하지는 않았습니다. 가수가 음량의 변화폭이 큰 편이 아니기 때문에 컴프레서도 믹스시에 거의 사용하지 않고 오토메이션으로 작업. 스트링스의 경우는 스팟마이크의 소리도 마음에 들었는데. 너무 뻔한 소리가 되는 것 같아서. 스팟마이크는 거의 사용하지 않고. 노이만 KU100 더미헤드 마이크의 소리만 믹싱에는 사용하였습니다. 여기에 리버브를 걸지 않고 녹음했던 올림푸스 홀의 공간감을 그대로 담아두니. 확실히 스팟마이크에 이런저런 리버브를 거는 것보다는 이것이 좋다. 나쁘다를 떠나서. "좀더 색깔이 있다" 라는 느낌이 들어 이것이 참 좋습니다. 아주 열심히 작업한 음반인데. 여러모로 좋은 반응을 얻게되니 참 기쁘기도 하고 뿌듯하기도 합니다. 이것이 바로 음악과 소리를 만드는 우리가 이곳에 함께 있는 이유이겠지요. 오랫만에 녹음된. 그리고 믹싱 완성된 멀티소스 파일을 올려둡니다. 24/96이고 프로툴 세션입니다.(누엔도. 큐베이스 사용자분들께는 죄송합니다..ㅜ.ㅜ) 그리고 이 음반의 마스터링은 마스터링랩의 남상욱님께서 담당을 해주셨어요. 최종 믹스된 2트랙 파일과 마스터링된 2트랙 파일도 함께 첨부하니 들어보시어요^^ 가끔씩 서로 작업하는 결과물들 믹싱 파일이나 마스터링전후의 파일들 함께 들어보고 하면 참 좋겠습니다.

지난주 주말 합창녹음을 하였습니다. 근래 한 5년간 가장 많이 한 녹음을 꼽으라면 우선은 피아노 녹음. 그리고 재즈트리오 녹음. 마지막으로 합창 녹음일것 같습니다. 피아노 녹음 다음으로 합창녹음을 정말 많이 하고 있는데요. 많이 하고 있는 것 만큼 가장 큰 어려움을 느끼기도 하는 것이 합창녹음이기도 합니다. 5-6년 전부터는 안성소년소녀 합창단에서 지휘를 하시고 계신 장인순 선생님과 합창녹음의 한팀으로 참 많은 녹음들을 하고 있습니다. 이제서야. 우리나라 합창에 있어서 어떠한 소리로 만들어야 하는것인지. 합창녹음의 시각은 어떻게 바라보아야 하는것인지.. 100회가 넘는 녹음과 50여장이 넘는 음반들을 뒤로 하고 이제서야 조금은 알것 같습니다.(이렇게 이야기를 해도 그래도 5년후 10년후에는 그때도 이제야 좀 알겠다..라는 생각이 또 들겠습니다만..^^) 진작에 좀 알았다면 훨씬 더 수월했을텐데.. 어찌보면 그간 어떻게 녹음을 했는지가 신기할 정도이더군요. 이번에 녹음을 한곳은 계명대학교내에 아담스채플관입니다. 이곳은 국내에서 음향이 좋기로 소문이 난곳으로. 작년에서도 같은 팀의 녹음이 같은 장소에서 있었으나 그때는 제가 가지 못했는데 이번에 처음 갈 수 있었습니다. 아담스 채플관의 음향 이야기는 잠시후에 하기로 하고 대구 계명대학교라는 곳이 참으로 아름답더군요 여러 클래식 녹음을 하면서 참 많은 국내의 학교들을 가보았는데 저는 이렇게 아름다운 건물을 일괄적으로 지니고 있는 학교는 처음보았습니다. 대학이라는 곳이 늘 새롭게 건물을 짓는데. 다들 유행하는 유리건물들에 비하여 고풍스러운 근대식 붉은 벽돌 건물들이 차분하면서도 묵직한 느낌을 주어. 이곳에 있으면 차분하게 공부하기 참 좋을 것 같습니다. 특히 아담스채플관은 계명대학교 가장 산꼭대기 위에 있어서 장마전의 시원한 바람과 함께(경비 할아버지는 감기걸린다고 안쪽에 들어와있으라 여러번 종용을 하셨습니다만) 아경이 정말 멋지더라구요. 녹음세팅을 하고 아마도 밖에 서너시간은 바람을 맞으며 야경 구경하며. 이런저런 생각을 했던 것 같습니다. 이럴때는 스마트폰이나 아이패드가 없는것이 참으로 많은 시간을 주는것 같습니다. 오히려 이런것들 때문에 시간이 더 없어지는 것 같아요. 계명대학교 아담스채플관은 음향이 좋기로 유명한곳. 이렇게 음향이 좋은곳에서 녹음을 한다는 것은 정말 레코딩엔지니어라는 직업을 하기를 잘했다..라는 생각이 들만큼 즐거운 일이지요 아담스 채플관은 사진에서보다 실제로는 훨씬 더 큰. 약 1000명이 들어갈 수 있는 공간입니다. 사진에서처럼 벽이 유럽 성당들 처럼 회벽이 되어있고. 멋진 오르간도 있고요. 전형적인 슈박스 형태에 큰 사이즈까지. 정말 좋은 곳인데... 그런데 바닥이 카페트입니다. 소리가 너무 울려서 바닥에 카페트를 깔았겠습니다만 그냥 돌바닥이었으면 얼마나 좋았을까..하는 생각이 들더군요 이 넓은 공간이 카페트 바닥으로 되어있어서 그만큼 소리를 흡음하여서. 잔향의 소리가 길기는 하지만 약간 어둡습니다. 그래도 보통 합창녹음을 하는 일반적인 부채꼴 모양의 시트지로 되어있는 교회들에서의 녹음에 비하면 훨씬 더 좋은 소리를 얻을 수 있었습니다 천정이 사진에서처럼 아치형으로 되어있어서 소리의 전달을 도움입니다. 이번 녹음의 메인 세팅 요즘에는 합창녹음에서 마이크는 다른 생각은 하지 않고 모두 DPA 로만 우선 세팅하고 있습니다. 매번 세팅할때마다 마이크와 프리앰프를 바꾸면 오히려 정리가 되지 않는것 같아아서.. 라지다이어프램 마이크를 스팟에는 사용해보고 싶은 생각도 있지만 당분간은 DPA 와 밀레니아 프리 좋합으로 합창녹음을 계속 진행해보려 합니다. 메인 AB는 DPA 4011 그리고 사진 뒷쪽에 아주 멀리 그리고 넓게 앰비언스로 DPA 4011 (무지향성이 아닌 단일지향성) 스팟에는 소프라노 B&K 4011 (DPA 4011에 비해서 피크감이 좀더 적어서 소프라노 스팟에 좋은것 같습니다.) 알토와 테너는 DPA 2011 신형(DPA 마이크중에서는 비교적 좋은 가격을 지니고 있는 제품으로 이때 처음 사용해보았는데 앞으로도 계속 사용하고싶은 생각이 들었습니다.) 베이스는 DPA 4015 (반무지향성) 늘 합창녹음을 하면 실제 녹음보다 메인 마이크로는 베이스의 소리가 약간 작게 들어오기 때문에 베이스에는 반무지향성을 사용하는것이 저는 좋더군요 메인과 앰비언스는 왠지모르게 AB의 경우는 무지향성이 좋을 것 같다는 생각이 드는것 같습니다. 책에도 대부분 AB는 무지향성을 사용하는경우가 많으니까요. 하지만 이렇게 잔향이 많은 공간에는 단일지향성에서도 충분히 많은 잔향이 들어옵니다. 메인 AB 마이크의 경우는 제가 헤드폰을 쓰고 소리를 들으면서 마이크위치를 5cm 10cm 씩 상하좌우로 움직이면서 좋은 포지션을 찾았습니다. 아담스채플관은 참으로 메인 세팅을 잡기가 어렵더군요 5cm만 벗어나도 정신없이 위상이 얽키고 설키고. 이상한 소리로 돌변해버려서 메인 세팅이 만만치 않았습니다. 합창녹음에서 DPA 4011 을 사용하는 이유중에 하나는 우선 소리가 깨끗하고 무지향성은 직접음과 간접음이 거리에 따라서 달라지겠지만 원음을 해치는 경우가 있는데 단일지향성은 원음 뒤에 바로 잔향이 따라오는 것으로 녹음이 되기 때문에 콘트롤이 훨씬 더 편합니다. 게다가 합창녹음에서는 피아노 스팟마이크 사용의 비중이 믹싱때 높지 않은데 DPA 4006을 메인에 사용하는것보다 4011을 사용하는 편이 오프액시스로 들어오는 피아노의 소리가 훨씬 더 맑고 깨끗하면서도. 음향역시 4006에 비해 크게 부족함이 없답니다. 4006에서는 피아노의 저음이 너무 붕붕거리에 들어오는 경우도 많고 그래서 DPA 어쿠스틱 이퀄라이저를 사용하면 소리는 밝고 깨끗해지지만 합창 소프라노에서 피크감있는 소리가 들어오기 때문에 현실적으로는 합창녹음에는 4006은 여러모로 아쉬움이 많아서 최근에는 거의 사용을 하지 않고 4011로만 사용을 하고 있습니다. 사진을 보시면 아주 먼거리에 DPA 4011 이 AB로 되어있습니다. 게다가 좌우로 공연장의 거의 끝까지 벌려져 있는데요. 당연히 홀인더미들이 생깁니다. 하지만 원포인트 녹음이 아닌 여러대의 마이크를 조합해서 사용을 하는 것이니만큼 앰비언스 마이크에서 생기는 홀인더 미들은 전혀 문제가 되지 않습니다. 전체 마이크들을 올렸을때는 위상변위 없이 오히려 깨끗하면서도 좌우로 아주 넓고. 거리가 먼 만큼 깊은 공간감을 얻을 수 있었습니다. 합창이던 오케스트라이던 이렇게 객석에 두는 앰비언스 마이크는 반드시 필요하다고 생각합니다. 실제로 공간음향이 좋지 않으니 마이크를 가깝게 사용해야한다!~!! 라는 잘못된 지식은 어디서 우리에게 생기게 된것일까요? 이러한 잘못된 속설때문에 거의 몇년은 소비한것 같습니다..ㅜ.ㅜ 공간음향이 좋지 않은 공간에서도 이렇게 객석에 앰비언스 마이크를 두고 믹싱때 적절한 리버르로 함께 믹싱을 하는것이 "깊이감"이 생깁니다. 합창녹음에서 음원과 마이크가 가까이만 있으면 어떻게 믹싱을 해도 절대로 깊이감이 생기지 않고 소리가 평면적이게 되더군요 이 간단한 사실을 깨닫는데 너무나 많은 시행착오를 한것 같습니다..ㅜ.ㅜ 다른 스팟 마이크들의 높이는 비슷하지만 베이스의 경우는 약간 더 높힙니다. 대부분 베이스는 합창단 뒷편에 있으니까요. 4011을 사용한 앰비언스 마이크 합창단과의 거리는 약 20미터가 넘습니다. 고역이 약간 롤오프 되어있기는 하지만 그래도 좌우로 펼쳐지고 깊이감이 생기는 멋진 앰비언스를 얻을 수 있었습니다. 메인 마이크도 여러 높이를 시도해보았습니다만 저는 확실히 높은편이 좋더군요 피크감도 적고요. 그런데 이번에 안사실인데 이번에는 메인 마이크를 지휘자를 기준으로 약간 소프라노쪽으로 설치했습니다. 딱 중앙에 하는것보다 소프라노쪽으로 약간 좌측으로 메인을 설치하는것이 소프라노로와의 거리가 좀더 가까워짐으로 인해서 정위가 뚜렸해지고 소리가 깨끗해지며 피아노 소리도 훨씬 더 좋더군요 꼭 합창의 정중앙을 기준으로 마이크를 두어야 한다는 것도 때에 따라서는 현장에서 직접 소리를 들어보고 판단을 하는것도 좋으리라 생각합니다. 저는 앞으로 메인 AB 마이크는 약간 소프라노쪽으로 치우치게 세팅을 할 것 입니다. 이번녹음에서 크게 깨달은것이 하나 있습니다. 사실 이것은 꺠달고 아니고를 떠나서 바로 3:1 법칙입니다. 녹음을 하다보면 3:1법칙을 잊을때가 많이 있고 실제는 전혀 다른 소리를 들려줄수도 있으리라 생각이 됩니다만 이것때문에 저는 한 5년은 그냥 소비한것 같습니다. 스팟마이크와 메인마이크의 거리가 반드시 3:1이 되어야 하며 메인마이크와 앰비언스 거리가 반드시 3:1 이상이 되어야 합니다. 그래야 믹싱을 했을때 소리가 자연스럽게 섞입니다. 그렇지 않으면 스팟을 거의 사용할 수 없게 음량을 작게 해야하지요. 이렇게나 단순한 원론적인 3:1 을 지키고 세팅을 하느냐 그렇지 않으냐에 따라서 들려주는 소리의 차이는 정말 크다고생각합니다. 녹음현장에서는 왠지 3:1보다 가까워도 소리가 좋을 것 같아서 그렇게 세팅들을 많이 했습니다만 원포인트가 아닌 마이크를 많이 사용하는 경우는 3:1을 지켜야 마이크를 많이 사용하는 효과를 볼 수 있고 그렇지 않으면 마이크의 수가 적은 것이 좋습니다. 한때 원포인트 녹음에 지나치게 집착을 한적이 있었는데 아무리 원포인트가 자연스럽고 깨끗한 소리를 얻을 수 있다 해도 이렇게 여러대의 마이크들에서 얻을 수 있는 공간감과 깊이감은 결코 얻을 수있지 않은 것 같습니다. 그리고 피아노에는 DPA 3521 을 사용합니다. 피아노 리드를 열던 닫던 편하게 세팅을 할 수 있고 어떠한 상황에서도 무난한 피아노 소리를 얻을 수 있습니다. 앰비언스 마이크와 솔로 마이크는 GML 프리를 사용 그밖에는 메인과 합창 스팟마이크는 밀레니아를 사용했습니다. 녹음이 밤늦게까지 진행이 되었는데 늘 어느상황에서나 안정적인 소리를 얻을 수 있는 조코 블랙박스 레코더 조코는 아주 와이드한 소리는 아니지만 합창녹음에서는 적당히 소리를 듣기 좋게 컨버터가 정리해주는것 같습니다. 최근에 2팀의 합창녹음을 하면서 그간의 녹음했던 모든 합창녹음에 비해서 가장 많이 배웠던것 같습니다. 정말 녹음은 끝이없지만 그래서 이렇게 재미있구나.. 하는 생각을 하게 되었지요. 지난주 주말에 녹음한것이기 때문에 아직 스튜디오에서 들어보지 못했는데 현장에서 녹음한 소리는 별도의 리버브 없이도 아주 좋은 소리와 앙상블을 얻을 수 있었는데 기대가 됩니다. 다음주에는 또 울산에서 합창녹음녹음이 있는데 그때도 같은 세팅으로 한번 녹음해보고 녹음기를 남기도록 하겠습니다.

http://blog.naver.com/audioguy1/90145055048 블로그용으로만 짧게 올려둔것이라. 오디오가이 칼럼용으로 곧 이런저런 내용들 추가해서 올려두도록 하겠습니다.^^

최근에 오디오가이 레이블의 신작 음반을 녹음중에 있습니다. 여러음반들이 있지만 특히나 더욱 더 많은 신경을 쓰면서 진행하고 있는 싱어송라이터 "홍혜림" 의 음반입니다. 오디오가이 레이블에서는 그간 클래식. 재즈. 국악등만 만들었었는데 첫번째의 팝 음반이랍니다. 현재 반주 녹음이 95% 정도 끝난 상태로. 드럼. 콘트라베이스. 피아노(본인이 작사 작곡 노래 피아노를 합니다.) 여기에 플룻. 클라. 오보. 바순 의 목관 8중주가 배킹악기로 들어가는 국내 팝음악에서는 흔치 않은 구성입니다. 편곡과 프로듀서를 담당한 김용은씨는 과거 "애덤즈 애플" 시절부터 저와 꾸준히 함께 작업을 하고 있는 아티스트로 개인적으로 그가 만드는 음악을 무척이나 좋아해서. 이번 프로젝트도 김용은씨가 프로듀서를 담당하는것을 조건으로 시작하게 된것이랍니다. 팝음반이지만 드럼과 콘트라베이스는 재즈씬의 연주자들이 연주를 한관계로. 거의 재즈음악의 녹음과 비슷합니다. 하지만 드럼의 경우 사이즈가 작은 재즈킷이 아닌 일반 킷을 사용하였고요. 최근 재즈계열의 드럼 녹음에 있어서 저의 세팅이 바뀐것이 하나 있다면 그것은 오버헤드 마이크의 높이가 상당히 낮아졌다는 것입니다. 왜 과거에는 마이크가 멀수록 무조건 공간감이 좋고 소리가 좋을 것이라 미리 짐작하며 생각을 했던것일까요? 팝이나 락음악 전문 드러머들에 비해서 재즈 드러머들은 드럼 특히 심벌의 플레이가 대단히 섬세한편인데요. 그렇기 때문에 이번에 함께 작업한 뛰어난 재즈 드러머 오종대씨 같은 사람의 경우는 굳이 오버헤드 마이크를 심벌에서 높게 설치하지 않아도. 피크감없이 아주 섬세하고 화려하면서도 고급스러운 질감의 심벌 사운드를 얻을 수 있습니다. 사진에서처럼 마이크도 과거에는 드러머의 등뒤에서 마이크를 설치했다면 지금은 드럼 정면에서 마이크를 설치하고 있습니다. 마이크는 노이만 USM69i 재즈드럼 녹음에서는 오버헤드 마이크의 사운드가 거의 80%이상 차지하기 때문에 그간 참 많은 MG DPA 숍스. 마이크텍. MBHO 등 다양한 오버헤드 마이크들을 시험해보았지만 제게 있어서는 노이만 USM 69I 의 XY 세팅된 소리가 참 마음에 듭니다. 좌우 이미지는 AB에 비해서 넓지는 않지만 노이만 USM69는 중역이 부드러우면서도 고역이 날카롭지 않아서 심벌의 소리가 아주 고급스럽게 들립니다. 저는 개인적으로 심벌의 고음이 날카롭게 들리는것을 무척이나 싫어하는 편이거든요. 마이크프리는 드럼 오버헤드 킥. 스네어 버텀에 GML 4채널 프리를 사용. GML 프리는 중역의 엣지감이 있어서 때론 중역이 너무 부드러운 USM69가 약간 맥아리가 없게 들리는 경향이 있는 것을 중역의 펀치감을 단단하게 잡아줍니다. 물론 초고역의 확장도 아주 좋구요 사진의 오버헤드 마이크의 위치를 보면 딱 심벌의 가운데 정도를 향하고 있습니다.(드럼 안쪽으로 너무 들어가 있지 않답니다.) 오버헤드 마이크 설치에서 가장 중요한것은 오버헤드 마이크로 들어오는 스네어 사운드의 정위 입니다. 대부분 오버헤드 마이크로 들어오는 스네어 사운드가 정중앙에 위치하지 않고 한쪽으로 약간 쏠리게 되는 경우가 있지요. 이렇게 되면 최종적으로 스네어 마이크와의 블렌딩이 좋지 않게 됩니다. 위상변위로 인한 소리의 펀치감도 사라지고 음색도 좋지 않게 되는경우가 많지요 그렇기 때문에 엔지니어들에 따라서 AB로 하는 경우는 마이크의 각도를 조정한다던가 저는 XY로 하면서 킥 드럼 정중앙에서 마이크 스탠드를 두지 않고 킥드럼에서 약간 우측으로 2시방향 정도를 향하게 마이크 스탠드를 둡니다. 이렇게 하면서 주의할점은 양쪽 심벌의 정중앙을 마이크가 향하면서 킥 드럼도 약간 비스듬히 중앙을 향하고 스네어도 비스듬히 중앙을 향하게 해서 최종적으로 심벌은 LR 확실하게 스테레오 이미지가 생기고 오버헤드 마이크에 들어오는 킥과 스네어 의 정위도 완벽하게까지는 아니지만 거의 중앙에 가깝게 되도록 설치하는 것입니다. 사진으로 이렇게 찍어두었으면 좋았을텐데 오랫만에 생각을 글로쓰려니 쉽지 않네요.. 하하^^ 마이크가 너무 안쪽으로 들어가면 오히려 XY중 한쪽 마이크로 스네어 소리가 더 많이 들어가기 때문에 스네어쪽으로 오버헤드 마이크가 너무 깊숙히 들어가지 않는 편이 저는 좋은 것 같습니다. 세팅후 반드시 오버헤드만 들어보면서 좌우의 이미지와 킥과 스네어의 정위를 확인해야 하고요. 다음으로는 킥드럼. 세상에는 참 많은 킥드럼용 마이크들이 있지요 EV RE-20이나 AKG D112 슈어 BETA52 등등.. 하지만 저는 킥에 SM57을 사용합니다 SM57은 위 마이크들보다 저역이 확실히 적게 나옵니다. 그런데 많은 사람들이 위 저역이 풍부한 마이크로 녹음을 하고 믹스때 대부분 킥마이크의 저역을 커트하는 경우가 많은데요. 그럴바에는 처음부터 내가 원하는 만큼의 저역이 나오는 마이크로 녹음을 하면 되지 않을까요? 그래서 제가 찾은 것은 SM 57 입니다 \ SM57은 딱 제가 원하는 만큼의 저역이 나옵니다.(킥드럼에 사용시 생각보다 저역이 많이 나옵니다.) 그리고 무엇보다도 중역의 펀치감이 좋아서 킥드럼의 소리가 너무 멍청하게 들리지 않고 중역이 단단하게 들립니다. 또한 킥마이크로 들어오는 다른 간섭음의 소리도 상당히 괜찮습니다. 다음으로 스네어 드럼 스네어는 꼭 마이크를 2개 사용합니다. 만약 1개만 사용하는 경우 저는 탑이 아니라 오히려 버텀에 사용합니다. 믹스시에 스네어 탑마이크를 사용하지 않는 경우도 많이 있습니다. 여러가지 테스트들 해보았는데 전 스네어 탑은 꼭 콘덴서 마이크의 밝은 소리가 마음에 듭니다. 타앙~!! 하는 스네어 드럼이 튕기는 소리가 SM57 같은 다이나믹 마이크를 스네어 탑에 설치했을때는 타앙~~ 하고 시원하게 울리는것보다는 너무 "철푸덕~~!" 하고 스네어 소리가 난다고나 해야할까요?(조금은 과장 했습니다.^^) 스네어에는 DPA 의 콤팩트 마이크 3521을 사용하는데. DPA의 콘덴서 마이크들은 킥 이든 스네어든 더 큰 타악기. 심지어 기타앰프 마이킹으로 사용하여도 마이크에서 디스토션이 잘 생기지 않습니다.(그런데 성악에서는 중역대에서 디스토션이 생기더군요^^) DPA 3521 혹은 4011 을 스네어 탑에 사용하면 탑에서 너무 가죽소리만 나는것이 아니라 림 소리가 시원하게 함께 울려주는 소리가 저는 너무도 좋습니다. 재즈드럼에서는 사이드스틱으로 연주할때도 무척 많기 때문에 이경우 사이드 스틱 소리가 무척이나 경쾌하지요. 브러쉬의 경우는 더할나위 없구요. 스네어 버텀. 처음에는 스네어 버컴에 AKG C414 나 DPA 의 3521 같은 콘덴서들을 사용해왔었는데. 탑과 버텀을 함께 믹스해보면 버텀의 여운이 항상 조금씩 길게 들려서 아쉬운 것이었습니다. 그래서 믹스시에 때에 따라서 정확한 리듬감이 필요할때는 스네어 버텀에 콘덴서 마이크를 사용한 경우 게이트로 살짝 음의 꼬리를 잘라주기도 했었는데요. 이 역시 "내가 원하는 만큼의 여음을 얻을 수 있는 마이크"로 바꾸니 그러할 필요가 없었습니다. 제게는 슈어 BETA 57 입니다. (제가 슈어 마이크를 너무 좋아하는 것 같아요^^) 스네어 버텀에 BETA 57을 사용하면 SM57에 비해서 우선은 소리가 더 밝고. 탑의 콘덴서 마이크와 함께 섞을때 여음이 거의 같게 떨어집니다. 여음이 같게 떨어져야 리듬감이 살아나거든요. 사진에는 아쉽게도 버텀 세팅은 잘 보이지 않네요(사실 함께 일하는 남송지씨가 설치했습니다.^^) 하이햇은 사진과 같이 DPA 의 단일지향성 마이크로. 방향을 약간 하이햇 끝을 향하게 합니다. 이것은 하이햇 마이크에 들어오는 스네어 간접음의 비율을 줄이는 것도 있지만 하이햇의 경우 가운데에서는 기본음이. 양 끝쪽에서 배음이 나오기 때문에 끝쪽을 향하는 것이 중역대 지저분하고 거친소리가 없이 깔끔하고 깨끗한 하이햇을 얻을 수 있었습니다. 사실 재즈음악 녹음이라면 저는 하이햇 마이크를 거의 사용하지 않는데 녹음전 리허설에서 편곡된것을 듣고 하이햇 마이크를 설치하였답니다. 저로써는 정말 오랫만에 하이햇 마이크를 사용한것이었는데(거의 3년정도^^) 녹음시 들어보니 없었으면 큰일날뻔 했습니다~~ 콘트라 베이스는 브릿지 부분에 노이만 U87을 사용. 하지만 생각해보니 KM140이 더 좋지 않았을까..햐는 생각도 듭니다. KM140이 U87에 비해서 딱 제가 원하는 만큼의 콘트라베이스의 저음을 얻을 수 있는 것 같습니다. U87의 경우는 콘트라 베이스 녹음시 포지션에 따라서 달라지기는 하겠지만 초저역이 너무 많이 집음이 되는 경향이 있어 믹스시 40hz 정도에서 필터로 커트를 해주게 됩니다. 마지막으로 피아노. 참 제가 사랑하는 악기 피아노. 세팅은 뭐 거의 변함이 없습니다. 해머근처에 DPA 4011 AB 스타인웨이의 경우는 이포지션에서 소리가 그리 좋지 않은데 야마하 피아노는 이 포지션에서 소리가 정말 좋은 것 같습니다. 마이크프리는 트루시스템 P2 (40Hz 로우컷 사용) 늘 저는 마이크프리앰프들을 녹음실에 가지고 가서 부스안에 설치하고 마이크와의 거리를 최단거리로 하려고 노력한답니다.. 트루시스템의 경우는 피아노녹음에 있어서 저는 밀레니아 보다도 피아노의 배음을 정돈되고 깨끗하게 들려주는 경향이 있어서 참 좋아합니다. 같은 마이크로 마이크프리를 밀레니아로 하는경우 약간 부자연스러운 고역대 배음이 느껴지는 반면에 트루시스템은 배음이 퍼지면서 오히려 기본음이 더욱 더 선명해 집니다. 참으로 신기하더라구요 소리라는 것이 무조건 밝은 성향의 마이크프리를 사용한다고 해서 밝은 소리로 녹음이 되는것만은 아닌것 같습니다. 실제로 트루시스템보다 밀레니아 프리가 소리는 더 밝은 성향을 지니고 있지만 피아노에 위의 포지션으로 사용시에는 불필요한 지저분한 배음과 여음들이 적게 들리는 트루시스템 P2 프리가 소리의 배경이 깨끗해지면서 소리 자체도 더욱 더 선명하게 들린답니다. 피아노녹음에 있어서 절대로 빠질수 없는 앰비언스 마이크 이번 홍혜림씨 음반은 팝음악이면서도 보컬을 제외하고는 리버브를 전혀 사용하지 않고 믹스를 할 계획입니다. 완벽한 어쿠스틱한 팝음악 사운드로 한번 만들어 보고 싶어서요 (보컬녹음에도 마이크텍 CV4 마이크에 노이만 KU100 더미헤드 마이크를 룸앰비언스로 함께 사용할까 하는 생각도 지니고 있어요^^) 앰비언스 마이크는 DPA에서 새롭게 나온 콤팩트 마이크를 사용했습니다(캡슐은 단일지향성) 역시나 DPA 는 녹음을 해도 소리가 답답해 지지 않고 우리귀에서 실제로 듣는것처럼 중역과 고역이 밝아서 참 좋아요. 그간의 세팅보다는 마이크를 좀더 높게 하였는데 이편이 해머위에 설치한 피아노 메인 마이크와의 블렌딩이 훨씬 더 좋은 것 같습니다. 때에 따라서는 앰비언스 마이크 포지션이 잘못되면 두 세팅을 섞을때 마치 디튠된것 같은 소리가 나거든요. 보통 비율은 해머위 메인 마이크가 70 앰비언스 마이크가 30 혹은 35 정도 됩니다. 잊었지만 위에 스네어의 경우 탑과 버텀의 비율이 저의 경우는 50 : 50 입니다. 버텀의 소리가 어느정도 있어야 실제로 귀로 듣는 스네어 소리처럼 강하고 날카롭게 들리는 것 같습니다. 이렇게 트리오 녹음을 완성하고 어제 올림푸스 홀에 가서 녹음대관을 하여서 목관 8중주를 녹음하였는데요. 올림푸스홀은 사이즈에 비해서 정말 울림이 길고 아름답습니다. 그래서 최근에는 녹음대관으로 무척 인기가 좋다고 해요. 이곳에서는 메인 마이크로 DPA 4011 AB 세팅 각 목관마다 노이만 TLM170R 을 사용. 플룻의 경우는 TLM170R에서 100Hz 로우컷 필터를 사용하였답니다. 그밖에도 올림푸스 홀 자체에 설치되어있는 4006 메인 마이크도 함께 녹음을 해서 더욱 더 공간감있고 풍부한 목관 앙상블 사운드를 얻게 되어서 저나 프로듀서나 무척이나 만족한 녹음이 되었답니다. 그간 칼럼을 쓰려고 참 많은 메모들을 남겨두었는데. 정작 글은 거의 쓰지 않았네요. 오랫만에 글쓰니 참 좋네요. 저는 녹음하는 것도. 그리고 이렇게 글을 쓰고 이야기하는 것도 참 좋습니다.^^

2011년 11월 25일 고양 아람누리에서 지오반니 미라바시 트리오와 30인조 오케스트라의 공연을 녹음하였습니다. 이 공연은 전세계 유통되는 음반으로 만들어질 목적으로 처음부터 공연과 동시에 녹음도 기획이 된것인데요. 저는 레코딩만 담당을 했고 믹싱과 마스터링은 뉴욕에서 진행을 한다고 합니다. 무엇보다도 이날 피아노 레코딩이 무척이나 재미있었습니다. 팀의 베이시스트인 지안루카가 베이스와 함께 레코딩엔지니어도 함께 하는 사람이라 공연전 서로 연락을 주고 받으며 녹음 세팅에 관해 여러가지 회의도 할 수 있었습니다. 피아노의 경우 2가지의 세팅으로 녹음을 하였는데 하나는 일반적인 DPA 4011 페어를 사용한 세팅과 더불어 지안루카가 추천한(마이크도 본인이 가지고 왔습니다.) 피아노의 저음현에 SM57을 고음현에 SM58 을 아주 가깝게 설치하는 세팅. PA 확성이 아닌 레코딩을 위한 마이크 세팅으로는 어찌보면 무척이나 생소하게 느껴지는 것이었는데요. 사진에서처럼 두 다이나믹 마이크가 피아노의 현과 무척 가깝게 설치되어 있어서 가운데가 비게되지는 않을까..하고 생각도 들었었습니다만.. 컨트롤룸에서 소리를 들어보니.. "이야.. 역시 피아노 녹음의 세계는 내가 모르는 세팅이 아직도 정말 많구나.." 하고 느끼게 되었습니다 예상외로 굉장히 또랑또랑하고 중역대가 아주 선명하고 깨끗합니다. 클래식 피아노 라면 전혀 어울리지 않겠지만 드럼과 베이스와 함께 연주하는 재즈 피아노 세팅에서는 딱 소리가 재즈스럽습니다. 연주자들도 컨트롤룸에서 소리를 들어보고는 고개를 끄덕이며 만족하더군요. 피아니스트인 지오바니의 연주 스타일이 아주 어택이 강하고 선명한 편이라. 이러한 세팅이 참으로 잘 어울렸습니다. 게다가 아람누리의 스타인웨이의 좋은 컨디션. 지안루카와 이야기를 해보니. 오히려 밝은 SM57을 저음에 사용하고. 풍부한 SM58을 고역에 사용하는것이 서로의 소리를 상쇄해주어서 듣기가 더 좋다고 하는 군요. 베이스는 일렉트릭 콘트라를 사용해서 앰프에는 AEA R92 리본 마이크를 사용 킥드럼은 슈어 58 드럼은 사전에 아크릴 쉴드를 요청하여 설치하였습니다. 오버헤드는 노이만 USM 69 스네어는 슈어 57입니다. 이날 녹음이 참으로 재미있었던 이유중에 하나는. 스트링스와 함께 하는 이유때문에 피아니스트와 베이시스트는 모니터스피커를 아예 사용하지 않았습니다. 본인들이 녹음과 함께 하는것이기 때문에 간섭음을 우려해서 사용하지 않겠다고 하더군요^^ 드럼의 경우도 모니터 스피커에 피아노와 스트링스만 약간 넣고 들었습니다. 스트링스의 경우 세팅하느라 정신없어 사진을 찍지는 못했지만. 마이크를 꽤 많이 사용했습니다. 거의 2명에 1대꼴로. 노이만 KM140과 KM184. 첼로에는 TLM170R을 사용. 컨트롤룸에서 연주자들은 주로 스트링스 마이크에 드럼등 다른 악기 간섭음이 얼마나 들어가는지 무지 섬세하게 듣고 체크하더군요^^ 스트링스 마이킹의 경우도 지안루카는 양지향성 마이크를 두대의 현악기 사이에 가깝게 두는것을 추천하더군요. 이번에는 양지향성 마이크가 그렇게 많이 준비를 하지 못해서 사용해보지 못했지만 다음에는 꼭 그렇게 시도를 해보아야 겠습니다. 가끔씩 외국 아티스트들과 작업을 할때면 참 즐겁습니다. 우선 모두들 성격들이 밝고. 내가 늘 하던 세팅에서 벗어나 또 다른 세팅을 시도하게 되고. 배우게 되는 것이 참으로 큰 경험입니다. 음반이 지금쯤이면 믹스가 끝났을 것 같은데. 어서 들어보고 싶으네요.^^

클래식. 재즈. 국악녹음만을 하는 영자의 칼럼에서 갑자기 왠 밴드음악 이야기가? 하고 의아하게 생각하시는분들이 계실것 같습니다만 최근에는 어떤사람의 포크락음반의 믹싱을 하고 있습니다. 오랫만에 밴드음악 믹싱을 하니 클래식과 재즈와는 따르게 여러가지 시선에 대한 생각들이 들어 짧게 한번 남겨보고자 합니다. 우선 믹싱을 하며 기본적인 생각이 든것이 있습니다. 우선 "내가 익숙한 소리에서 탈피하자" 자연스럽게 스네어에 약간의 꼬리가 달린 리버브를 걸고. 킥의 중심을 낮추고. 킥과 베이스가 잘 묻게 하고. 패드계열은 공간감을 주어 뒤로 밀고. 보컬은 중고역을 살짝 올려서 앞에서 들리게 하고 하는 등등. 기본적으로 지금까지 제가 해오던 믹싱의 "관점"을 조금 바꾸어보려고 노력했습니다. 우리는 우리자신도 모르게 우리가 익숙한 소리를 만들어 갑니다. 저는 여기서 믹싱에 참 중요한 핵심이 있다고 생각해요. 늘 들어서 익숙한 소리. 나에게 익숙한 소리는 다른사람에게도 익숙한 소리일수도 있습니다. 그래서 믹싱을 하며. 가장 나에게 있어서 생소한 소리. 내가 평상시에 잘 들어보지 못한 "개성적인 소리"로 만들어보자! 하는것에 가장 큰 중점을 두었습니다. 예를들어 제가 믹싱했던 김두수님의 포크계열 음악의 경우. 믹싱시 컴프. 이큐. 심지어 리버브조차 사용하지 않고 그냥 담담하게 믹싱을 하니. 잔뜩 이펙터 처리가 되어있는 음악들 사이에서 오히려 이렇게 심심한 음악이 더 튀는 소리로 들리기도 하는 세상이라 생각합니다. 저는 음악외에도 건축과 미술. 디자인에 아주 관심이 많은 편인데. 디자인도 갈수록 점점 더 화려하고 짧은 순간에 사람들에게 인상을 남길수 있는 "팝"한 요란한 디자인이 참 많습니다. 그런데 이렇게 요란한 디자인들 사이에서는 오히려 기본에 충실한 "수수한"디자인이 더 눈에 잘띄이게 되는것과 비슷한 이치라고도 생각합니다. 이번 음반에서는 늘 모든사람들이 만들어가는 일반적인 가요음반들에서의 느낌과는 조금 다른 관점으로소리를 만들며 믹싱을 해보았습니다. 먼저 드럼. 보통 팝음악에서의 비중보다 재즈를 작업하는 탓인지 역시 오버헤드의 비중을 높게하고. 탐탐 스팟마이크는 사용하지 않았습니다. 드러머의 실력이 좋아서 오버헤드의 밸런스가 아주 좋았기 때문이고 탐의 경우도 오버헤드로 부족함이 없다 생각이 들었습니다. 기본적으로 드럼사운드는 오버헤드를 60-70%로 여기에 킥을 10-20% 정도 스네어를 20%-30%정도 더합니다. 오버헤드는 고역을 올려보기도 했으니 애초부터 밝은 성향의 마이크로 녹음을 하였기 때문에 대부분 이큐를 전혀 사용하지 않고. 짧은 룸리버브(750msec 정도)를 걸어 소리에 개성을 더하였습니다. 많은 사람들이 롱리버브보다는 룸리버브의 사용이 적은 것 같은데 2초이상의 긴 리버브가 들어가면 왠지 느낌이 상투적으로 되는것 같아 룸리버브 사운드 위주로 이번 음반의 믹싱을 하였는데요. 킥의 경우는 리버브를 더하지 않고. 킥의 에너지감만 더하는정도로 살짝 더해주고. 사실 오버헤드에서의 킥 밸런스도 충분했지만 킥이 조금 뒤에서 들려서 좀더 킥이 가깝게 들리는 용도로 해보았습니다. 여기서 주의할점은 빵빵한 사운드를 만든다고 킥의 밸런스를 너무올리면 아무리 락음악이라 하더라도 드러머의 "바운스감"이 떨어집니다. 사운드도 중요하지만 아티스트가 연주한 느낌을 너무 벗어나서 전혀 다르게 들리는 드럼 밸런스는 개인적으로는 선호하지않는 편입니다. 다음은 스네어. 많은 사람들이 스네어사운드에 대한 고민을 많이 하는데요. 저는 스네어에 이큐를 걸기전에 스네어 마이크를 무조건 역상을 한번 걸어보시라고 이야기하고 싶습니다. 전 최근 녹음에서는 스네어의 탑 마이크를 거의 90% 마이크프리에서 역상을 걸고 녹음합니다. 스네어탑 마이크가 역상이 되어야 오버헤드와 위상이 잘 맞는경우가 훨씬 더 많습니다. 스네어 탑 마이크의 역상을 건것만으로 스네어 소리가 훨씬더 앞으로 튀어나오게 됩니다. 이번 녹음에서는 스네어 버텀은 사용하지 않았습니다. 스네어에도 2.4초 정도의 긴 리버브를 걸어보았지만 이 역시 조금은 상투적인 사운드가 되는것 같아. 마찬가지 짧은 룸리버브를 걸고. 곡에 따라서 쉘빙으로 3.5K에서 위로 쭉 올렸습니다. 이퀄라이저를 사용하는 경우. 저는 피킹보다는 쉘빙을 더 많이 사용해보시라고 이야기를 드리고 싶습니다. 쉘빙이 원하는 소리가 피크감없이 더 자연스럽게 동작하는 것 같습니다. 그리고 믹싱시 반드시 해보아야 하는것. 드럼 오버헤드. 킥. 스네어. 베이스등에 이큐를 건다음에. 드럼 그룹을 들으면서 이큐를 반드시 바이패스해서 한번 들어보세요 그래픽 믹싱세대인 우리는 이큐의 그래프를 보고 그냥 눈과 생각만으로 소리가 저렇게 바뀔것이다..라고 생각만 하는 오류를 범하기도 합니다. 실제로 이큐로 고역을 올렸는데 바이패스 해보면 오히려 고역이 더 잘들리는 경우도 많이 있습니다. 어떤 한 악기에 고역을 올리면 그 소리가 다른 악기소리의 고역을 마스킹을 하기 때문입니다. 스네어 사운드의 좀더 이야기를 해보면 스네어의 고역을 좀더 밝게 만들고 싶었습니다. 스네피소리가 좀더 시원하게 들렸으면 해서요. 이경우 오버헤드에서 쉘빙으로올리거나. 가장 간단한 방법은 스네어 마이크에서 고역을 올리는 방법이 있지만. 포크락음반에서 빠지지 않고 들어가는 어쿠스틱 기타 스트로크. 기타 스트로크에서 올렸던 고역을 내려서 기타 소리를 자연스럽게 만들어 보았습니다. 이렇게 하니 스네피의 울림이 훨씬 더 잘들리고 소리가 시원합니다. 모든 소리들을 밝고 선명하게 만들어야 한다고 해서 스네어에 고역을 올리고 스트로크 기타의 고역을 올리면 그것이 과연 소리가 밝아질까요? 오히려 이경우 이큐를 만지지 말고 그대로 두어보셔요. 그리고 스트로크 기타의 패닝을 스네어 사운드와 겹치지 않게 살짝만 비틀어 보셔요 각 악기들의 배음이 섬세하게 잘 들리고. 오히려 전체적인 사운드의 분리도와 선명도도 좋아지게 됩니다. 스네어 사운드를 조정하는데 역시 베이스 사운드를 조정하였습니다 베이스기타 사운드의 조정은 왠지 킥드럼하고만 연관이 있을 것 같지만 베이스기타의 저역 콘트롤과 밸런스가 전반적인 사운드의 색채감에 큰 영향을 줍니다. 베이스를 앞에서 들리게 할것인지 조금 뒤에서 들리게 할것인지. 저음의 양등에 따라서 드럼의 전반적인 사운드가 완전히 달라지게 됩니다. 드럼 그룹의 사운드를 마음에 드는데로 만들어두었다면 거기에 베이스 사운드를 더했을때 내가 생각하는 드럼의 사운드가 베이스와 함께 울려도 변함이 없는지 유심히 들어보아야 합니다. 드럼에 베이스를 더했을때 드럼사운드가 싹 탁해진다면 드럼 사운드를 손보는것이 아니라 베이스사운드를 조정해야 합니다. 어찌보면 드럼사운드를 위해서 베이스사운드를 조정하는것으로 보면 됩니다. 전체적으로 소리를 들어보면서 베이스사운드의 이큐를 조정할때. 베이스의 음색 뿐만 아니라. 드럼사운드의 음색도 함께 들으면서 조정을 하는것이지요. 이렇게 음악의 근간이 되는 드럼사운드의 조정은 단순히 드럼의 소리를 만드는데 끝나지 않고 다른 악기들과 믹싱이 끝날때까지 계속해서 연관이 되는 것 같습니다 모든 악기들이 서로 보이지 않는 끈으로 이어져 있는 것. 하지만 서로에게는 엄청난 많은 영향을 주고 있는 것. 이것이 바로 믹싱인것 같습니다. 다음은 기타사운드. 기타 사운드를 만들때마다 느끼는 것이지만 기타는 녹음상태에서 최대한 좋은 소리로 녹음을 한후. 믹싱에서 억지로 고역을 늘리거나. 저음현의 튀는 저음을 커트하지 않고 두는것이 중요한것 같습니다. 모든 믹싱이 다 마찬가지이겠지만 역시 녹음때 원하는 음색은 충분히 그대로 담아두고 믹싱때는 서로 악기들과의 유기적인 연관관계를 생각하며 음악적인 밸런스와 음향적인 음색밸런스를 조정하는것. 이것이 믹싱에서 가장 중요하다고 생각합니다. 특히나 기타의 음색을 밝게하면 스네어의 소리가 순식간에 어둡게 들리기도 하기 때문에 이부분을 유심히 들어보며 기타의 음색을 조정해야 합니다. 기타의 음색을 조정할때도. 기타의 음색으로 인해서 드럼사운드가 어떻게 바뀌는지. 기타의 음색으로 인해서 보컬사운드가 어떻게 바뀌는지 유심히 들어보아야 합니다. 패닝이라는 것이 얼마나 음악적으로 들리게 하는것을 결정하는것도 있지만 악기들이 모두 함께 나올때 얼마나 서로의 음색에 나쁜 영향을 주지 않고 있는지를 결정하는 대단히 중요한 작업이라 생각합니다. *컴프레서. 이러한 락음악에서 컴프레서의 용도는 "음량을 고르게 해서 음악 중간에 음량이 들쭉날쭉해서 존재감이 없어지지 않도록 컴프로 존재감을 유지" "소리의 어택을 살리거나 어택을 눌러서 다른 악기들과의 앞뒤의 공간감을 만드는것. 어찌보면 팬이 좌우의 악기의 위치를 정하는 것이라면 볼륨과 컴프레서는 악기의 앞과 뒤의 위치를 정하는 것입니다. 킥의 소리가 좀더 분명하고 잘 들리게 하고 싶다면 베이스 기타의 컴프레서의 어택타임을 아주 짧게 해서 컴프를 -6dB이상 걸어보아도 좋다고 생각합니다. 음악의 클라이막스 부분에서 모든 악기들이 다 함께 나올때가 컴프레서의 세팅을 가장 꼼꼼히 챙겨야하는 시간이라 생각합니다. 클라미막스에서 악기들이 정신없게 막 나오고 왠지 믹싱이 잘 되지 않는다고 생각할때는 컴프레서의 파라미터를 아주 과감하게 조정해보세요 여러가지 악기가 많이 나올때 어떤 악기는 컴프를 아주 많이 걸리고. 또 다른 악기는 그저 피크만 살짝 누르는 정도로 컴프를 먹게 하는것입니다. 얼마전 칼럼에서 이야기했던 "대비" 가 되도록 말이지요. 마지막으로 보컬. 보컬은 역시 가사가 잘 들리게 합시다. 그리고 음악안에서 보컬이 확연하게 분리가 되도록 들려야 한다고 생각합니다. 때로는 보컬역시 리버브를 완전히 빼보고 들어보세요. 분명히 리버브 없이도 악기가 녹음당시에 녹음과함께 담겨있는 공간감과 컴프레서로 만든 공간감으로 리버브없이 오히려 더 독창적인 소리를 들려줄 수도 있다고 생각합니다. 보컬의 이퀄라이저 역시 늘 우리가 듣는 소리가 아닌 지금까지 많이 듣지 못했던 생소한 소리가 되도록 한번 만들어보는것도 참 좋은것 같습니다. 오랫만에 락계열 음악 믹싱을 해보니 조금 알겠더군요. 믹싱이라는 것 소리라는것은 정말 끝없이 내 마음속 그리고 아티스트들의 마음속을 향해서 떠나는 깊숙한 여행인것을 말이지요.

음향엔지니어 - 과연 자식에게 물려줄 수 있는 직업인가? 이러한 생각들 여러분들도 분명해보신적이 있지 않으실런지요? 잠시 턱을 괴이고 생각을 하게 만듭니다. 사람들이 이제갓 세살인 영자네 아들을 보고 가끔씩 아버지가 하는일 아이가 했으면 좋겠냐고 묻는답니다. 그러면 저는 한치의 망설임도 없이 그렇다고 이야기를 해왔어요. 왜냐하면 어릴적부터 음악과 녹음에 아무래도 관심을 지닐 수 있을테고. 아버지와 함께 작업하는 친한 아티스트들과 그리고 무엇보다도 든든하게 구입해놓은 녹음장비들..^^ 영자의 아버지는 목공예를 하셨지만 저희 아버지가 녹음실을 하셨다면 저는 너무너무 좋았을 것 같습니다^^ 하지만 때로는 이러한 생각을 망설이게 되는 경우도 가끔씩 생기는 것 같습니다. 과연 오디오가이에 있는 우리의 20년 30년후는 어떨까요? 많은 엔지니어들이 10년전에 비해서 참으로 힘들어진것 같습니다. 이것은 비단 외국도 마찬가지인데요. 얼마전 스털링사운드의 테크니컬 엔지니어 크리스뮤스의 인터뷰를 보았는데. 본인이 이일을 처음 시작했을때 함께 시작했던 사람중에 지금도 이일을 하고 있는 사람은 거의 없다고 하더군요. 본인은 다행이 레코딩엔지니어보다는 테크니칼엔지니어쪽을 선택해서 지금까지 계속 일을 할 수 있었다고 하는 조금은 오래된 기사를 보았습니다. 단순히 음향엔지니어의 일이 줄어들고 급여가 줄어든것을 떠나서. 그래도 이렇게나 재미있고 기쁜일이라는 생각에 이부분들은 괜찮지만 아들에게 추천을 해주기 조금 망설이게 되는 부분이 있다면 그것은 역시 "사람"입니다. 세상에 어떤 분야이든 사람이 가장 중요하겠지만 갈수록 어려워지는 상황에 따라서 엔지니어의 마음또한 여유를 많이 잃어버려가고 있는것이 아닐까 하는 생각이 들어요. 지나친 경쟁의식. 세상에 모든것이 경쟁이 없는 사회는 없지만. 그래도 함께 동일한 일을 하는 사람들이라면 서로 얼마나 재미있는 이야기들을 많이 나눌 수 있을까요? 저는 오디오가이 운영자 라는 것때문에 그래도 새로운 엔지니어분을 뵐때마다 참 반갑게 맞이해주시는분들도 많으셔서 이부분을 참 감사하게 생각하고 있습니다. 하지만 서로가 만든 결과물에 대해서 단편적인 시선으로만 보고 좋지 않게 이야기를 하거나. 서로 얼마든지 아주 가까운 친구가 될수도 있는법인데 너무 지나치게 서로에 대해서 경계를 하는것은 아닐까요? 기어슬럿을 보면 그래도 저는 부러운것이 있습니다. 우리가 책이나. 그리고 정말 대단한 음반들에서 크레딧을 볼 수 있는 사람들이 활발하게 본인들의 의견을 이야기하고 서로 교류를 합니다. 엔지니어라는 직업이 어찌보면 대단히 페쇄적인 일이라서 그러할 수도 있겠습니다만. 저는 이곳 오디오가이를 통해서 좀더 많은 부분들을 서로 이야기할 수 있으면 참 좋겠습니다. 오랜시간 내가 작업을 하면서 느끼는 나만의 생각들. 방법들. 선배후배를 떠나서 먼저 조금이라도 앞서서 경험한 사람들이라면 뒤를 보고 찾아오는 후배들을 위해서 아낌없이 생각들을 나누어 주어야 한다고 생각합니다. 다만 이렇게 나누어 주고 싶을만큼 이쁜 후배들이 원체 없어서 그러한것일런지도 모르겠습니다만..^^ 가끔씩 이제막 시작한 재능있는 친구들을 만나게 되어서 제가 생각하는 바를 이야기하면. 아무래도 다른사람의 생각이나 관점보다는 자신만의 생각과 관점들에 고정이 되어있는것을 느낍니다. 얼마전 제가쓴 칼럼에 모 엔지니어분이 "소통"에 관해 의견을 주셨었지요. 참 이러한 소통이 중요한것 같은데. 우리는 무엇인가 이것이 막혀있다는 생각이 들어요. 물론 국내에도 대를 이어 엔지니어를 하시는 분들이 계시지만 얼마전에 함께 작업을 했던 전 프라하필하모닉의 부지휘자가 그러더군요(한국분입니다.) 프라하쪽에 클래식 레코딩 엔지니어들은 할아버지 아버지 손자 이렇게 3대가 엔지니어를 하는 경우가 참 많이 있다고요. 물론 음악도 마찬가지라고 합니다. 물론 그들이 가지고 있는 악기나 녹음기기들은 변변치 못할런지 모르겠지만 어떠한 일이들 3대를 이어서 장인정신으로 하는것이 그들만의 저력이라고 말이지요.. 참으로 공감이 되는 이야기였습니다. 우리도 3대가 이어서 엔지니어를 하는 집안이 많아졌으면 좋겠습니다. 국악녹음 엔지니어의 경우 만약 3대가 이어서 국악녹음만 한다면. 우리의 국악음반의 사운드가 얼마나 더 좋아질 수 있을까 하는 생각을 해봅니다. 단지 10년 20년에 생기는 것이 아닌 오랜시간 부모를 통해서 전해지는 국악과 소리에 대한 생각들이 그대로 전해진다고 한번 생각해보십시오 이것은 상상만으로 얼마나 두근거리고 멋진 일일까요? 저는 제가 하는 레이블을 그대로 아들이 이어받았으면 좋겠습니다. 그래서 어릴적부터 녹음장소에도 자주 다니고. 제작 프로듀서이나 음악 프로듀서로써 아티스트들과 음악에 대한 생각들도 많이 나누고. 레코딩엔지니어로써 소리에 대한 생각도 많이 하며 말이지요. 여러분들은 어떠셔요? 우리가 하고 있는 일이 아닌 다른 일들은 어찌보면 참 편할것 같게 생각이 들기도 합니다. 하지만 세상에 편한일이라는것이 과연 존재할까요? 내가 가지고 있지 못한것을 남이 가지고 있으면 왠지 그것이 훨씬 더 실체보다 커보이기 마련이지요. 하이파이 오디오를 좋아하는 분들을 만날때마다 그분들이 제게 이야기들 하십니다. 본인이 생각하는 꿈의 직업을 제가 하고 있다고 말이지요. 내가 가지지 못한것을 남이 가졌을때 그것을 부러워하고 시기. 질투하기보다는 내가 가지고 있는것에 대한 만족감과 행복감을 내안에서 더욱 더 찾는 사람이 되보면 어떨까 싶습니다. ..

지난 오디오가이 재즈 녹음 세팅 [1] 을 보고 이것을 단순히 외워서 기억을 하는 것보다는 왜 그렇게 해야하는것인가 생각을 하고 이해를 하는것이 중요합니다. 단순히 악기와 마이크의 거리. 마이크와 마이크프리의 선택 그리고 녹음레벨 조정으로 메뉴얼대로 어느정도의 소리를 얻을 수는 있겠지만 녹음할때마다 음악이 다른경우가 많기 때문에 거기에 맞추어서 세팅도 바뀌어지게 됩니다. 그럼 그때는 세팅을 어떻게 바꾸어야 할까요? 기본적으로 재즈 사운드에 대한 이해가 있어야 합니다. 지금까지 제가 가장 많이 한 이야기겠지만 평소에도 클래식과 더불어서 재즈음반들을 들어보세요. 우선은 사운드가 좋은 음반들을 찾아서 구입하기 보다는 내가 좋아하는 음악의 재즈음반들을 구입해서 들어보세요. 클래식과 재즈를 함께 작업하는 우리 오디오가이의 특성상 클래식의 경우는 여러분들의 취향이 어느정도 있으리라 생각합니다만 재즈의 경우는 과거 오래된 재즈도 좋습니다. 클래식을 좋아하는 사람들이 쉽게 재즈에 이해할 수 있는 음반들로는 먼저 빌에반스가 떠오릅니다. 재즈 피아니스트이지만 정말 아주 훌륭한 클래식 피아니스트들처럼 물흐르듯히 유려하고 깨끗한 피아노 터치에. 거기에 맞는 사운드를 지니고 있는 사람입니다. 클래식을 듣다가 재즈를 듣는 사람들에게는 저는 먼저 피아니스트들의 음반을 추천합니다. 빌에반스. 그리고 케니드류 "리콜렉션" ( 정말 재즈의 맛과 흥미. 그리고 사운드를 알기위해 좋은 음반입니다.) 그리고 듀크조단의 덴마트 앨범. 여기에 티에리랭의 첫음반 등등. 이러한 조용하면서 아름다운 피아노 음악들도 재즈음악을 입문해보는것도 좋겠습니다. 실제로 저도 위의 음반들을 들으며 재즈를 좋아하게 되었습니다. 제가 많은 영향을 받은 독일의 ECM의 경우 창립자가 뉴욕에 가서 빌에반스의 연주를 직접 보고. 거기에 영향을 받아 ECM을 창립했다는 이야기도 있지요. 실제로 ECM 재즈는 표방하지만 사운드는 거의 클래식에 가깝습니다. 오디오가이 재즈 녹음 세팅 [1] 에 있는 내용들을 부지런히 메모하고 적는 것도 중요할 것 입니다. 하지만 그전에 중요한것은 "재즈에서는 어떠한 소리가 좋은 소리인가?" 라는 대명제를 여러분들이 분명하게 이해를 하고 있거나 자신만의 생각이 있어야 합니다. 저는 위의 피아노 음악들을 들으면서 재즈에 입문을 했기 때문에 블루노트의 재즈음반들은 거의듣지 않게 되었습니다. 물론 블루노트의 재즈 음반에서의 사운드의 박력은 정말 멋지다고 생각이 들지만 루디반겔더가 만든 피아노 소리는 정말 피아노 같이 들리지 않아서 듣기가 힘들기 때문입니다. 물론 그는 피아노 사운드를 포기하는 대신 정말 멋진 브라스와 드럼사운드를 만들었지요. 이러한 영향이 지금 제가 만드는 재즈 사운드에도 그대로 영향을 주고 있는 것 같습니다. 얼마전 다른 스튜디오에서 녹음된 재즈 음악을 믹스할때 참 많은 생각을 했습니다. 음악과 악기의 전체적인 그림을 생각을 하고 마이킹을 하는 저에 비해서 각 악기들이 선명하게 부각이 되는 그 스튜디오의 녹음방식도 믹스를 해보니 음악이 참 박력이 있고 좋더군요. 어찌보면 제가 만든 재즈 사운드가 사람들에 따라서는 조금 메가리없고 퍼지게 들릴 수도 있겠습니다만 ECM의 영향을 많이 받은 탓인지 저는 재즈도 "나의 소리와 음악을 들어!!" 라고 강요를 하는 소리보다는 자연스럽게 은근슬쩍 다가오는 소리가 더 좋습니다. 오디오가이 재즈사운드에서의 기본적인 저의 생각은 이렇습니다. 꼭 저의 생각대로 여러분들의 재즈 사운드를 만들어가야 한다는 것은 아닙니다만. 우리가 함께 일을 하고 있고 또 늘 함께 녹음을 하고 있기 때문에 이러한 생각들도 여러분들께서 알고있어 주시면 좋겠습니다. 재즈음악을 많이 들어보세요. 세상의 모든 장르의 음악들이 다 마찬가지 이겠지만 재즈에도 너무너무 아름다운 음반들이 참으로 많습니다. 우리가 알고 있지 못하고 눈을 가리고 있다 뿐이지요. *오디오가이 재즈 녹음 세팅 [2] 킥 드럼 킥드럼의 경우 최근 약간 생각을 달리 하고 있습니다 .과거 많이 사용하던 AKG D112 보다는 SM57을 좀더 선호하게 되었습니다. D112 로 녹음된 재즈 킥드럼의 경우 작고 큰소리에서의 음색차이가 큰 반면. SM57로 녹음을 하면 킥 드럼의 소리가 작았을때와 컸을때의 음색차이가 아주 많이 적습니다. D112의 경우 큰 소리에서는 저음이 지나치게 부각이 되어 필터로 커트를 해야하는 경우도 가끔있습니다만 SM57로 킥드럼을 녹음하면 필터로 저음을 커트해야하는 경우가 거의 없습니다. SM57의 경우 킥 드럼의 포지션은 D112와는 조금 다르게 킥 드럼의 가운데를 기준으로 약간 측면 위에 설치합니다. 정면의 경우는 SM57의 어택이 강하기 때문에 킥드럼의 어택이 너무 강하게 됩니다. 그리고 마이크를 근접효과를 이용해서 상당히 킥 드럼에 근접하여 설치를 합니다. 그럼 소리만 들어보면 SM57 같지 않게 저역이 풍부하게 녹음이 되며. 초저역은 깔끔한 소리로 되는 것 같습니다. *스네어 스네어는 역시 DPA 3521 이 좋은 것 같습니다. 특히 브러쉬가 많이 나오는 경우는 가급적이면 스몰다이어프램 콘덴서를 사용해주세요 DPA 3521이나 DPA 4011 아니면 마이크텍의 C5 도 좋습니다. 스네어 마이킹을 한다음에는 오버헤드와 스네어 마이크만 열어서 만드시 위상 체크를 해주세요. 거의 대부분의 경우 저는 스네어의 마이크를 역상으로 합니다. 믹스때 결정하지뭐.. 라고 뒤로 미루지 마시고 녹음시에 면밀히 들어봅니다. 오버헤드만 듣다가. 스네어 마이크의 뮤트를 풀었을때 스네어 소리가 플랜징이 걸린다던가. 스네어의 소리가 뒤로 들어간다던가 한다면 마이크의 포지션(특히 높히)를 바꾸거나 스네어 마이크의 위상을 바꾸어 주세요. 무수히 많은 마이크프리앰프들에 위상 버튼이 있는것은 일년에 몇번 사용하거나 몇년에 한두번 사용하라고 있는것이 아니더군요.^^ 저는 많은 재즈음악의 믹스에서 스네어 마이크를 사용하지 않는 경우도 아주 많이 있습니다. 탐탐 탐탐은 역시 콘덴서가 좋은 것 같습니다. DPA 4006을 기본 탐탐 마이크로 사용해주세요. 무지향성이라 간섭음이 많이 들어올것 같지만 드럼녹음에서는 단일지향성과 큰 간섭음의 차이는 없습니다. 무지향성 마이크는 가깝게 사용을 해도 근접효과가 일어나지 않습니다. 그렇기 때문에 탐탐에 아주 가깝게 설치해주세요. 무지향성 콘덴서는 저음의 양이 아주 풍부하기 때문에 이렇게 탐에 가깝게 설치하면 근접효과로 인한 저음의 과잉도 없고 게다가 다른 드럼 킷들의 간섭음도 아주 적게 들어오고 소리는 아주 좋습니다. 다만 녹음레벨을 절반에서 살짝 넘는 정도로. 너무 큰 레벨로 녹음이 되지 않게 해주세요. *중요한 오버헤드 노이만 USM69가 드러머 바로 머리위에서 약간 각도가 올라가야 합니다. 그래야 심벌의 피크감 이 적습니다. 오버헤드 세팅에서 가장 중요한것은 심벌을 강하게 칠때 소리가 중고역으로 몰리는 피크감이 없이 자연스럽고 부드럽고 고급스러운 심벌소리로 녹음이 되면서 좌우의 스테레오 이미지가 넓도록 세팅을 해주세요. 오버헤드 마이크의 방향이 드러머 꼭 머리위에서 각도가 동일해야 한다는 것은 완전히 버려도 되는 선입관입니다. 많은 재즈드러머들마다 심벌의 세팅이 다릅니다. 마이크의 센터는 각 좌우의 심벌을 기준으로 설치를 해주시고 킥 드럼이 가운데서 들릴 수 있도록 해주세요 결국에는 대부분의 경우 오버헤드 마이크가 드러머의 등뒤에서 약간 사선으로 되는 경우가 많습니다. 드러머 등뒤에서 바로 일직선으로 설치되는 경우는 없습니다. 제가 녹음시 세팅을 해둔것을 드러머 머리위의 각도와 거리만을 유심히 보시지 마시고 드러머 등뒤에서 마이크 스탠드의 각도를 유심히 보시고. 각 좌우의 심벌과 마이크의 위치를 유심히확인해주세요. *콘트라 베이스. 노이만 KU100을 사용때는 그래도 괜찮습니다만 다른 U87이나 TLM170R등을 사용할때 마이크를 악기에 너무 근접하지 마시고 악기와 마이크의 거리를 50 ~70cm 정도 떨어트려 주세요. 마이크 두개 사용하지 않고 한개만 사용하는 경우 오히려 이편이 믹스할때 편한 깨끗한 소리를 얻을 수 있습니다. 재즈 베이스 마이킹이 어렵다.. 생각이 되면 마이크를 무조건 멀리 설치해주세요. 가장 중요한것은 각각의 현마다의 마이크로 들어오는 밸런스가 동일하도록. 어느 한 현에서 음량이 너무 올라가지 않도록 하는것이 중요하며. 마이크 위치에 따른 음색차이는 생각보다는 적은 편입니다. 마이크의 위치는 브릿지를 향하는 방향으로 50cm 정도 두면 됩니다. 지향성은 단일지향성. 만약 DPA 4006등의 무지향성 마이크를 사용한다면 마이크의 거리가 30cm 정도로 가까워도 괜찮습니다. 깊고 아래로 깔리는 베이스 사운드를 원하는 경우는 DPA4006 같은 무지향성 마이크를 사용해주시고 베이스의 워킹이 선명하게 들어나야 하는 경우라면 U87 같은 고역이 밝은 라지 다이어프램 마이크를 브릿지 근처에 설치를 해주세요. 베이스 컴프레서 베이스 컴프레서는 생각보다 부자연스러워지는 경우가 많으니 피크만 살짝 쳐준다는 느낌으로 최대 게인리덕션이 -3dB가 넘지 않도록 해주세요. 비율은 4 : 1이나 8: 1 정도로 높게 사용해도 좋습니다. 마이킹이 제대로 되어있다면(어느 한 현이 너무 튀거나 하지 않는다면) 위 정도의 약한 컴프레싱으로도 충분히 좋은 효과를 볼 수 있습니다. 마이킹을 하고 컴프레서 세팅을 하면서 어느 한 음에서 컴프레서가 과도하게 움직이고 있다면 그것은 컴프레서 세팅이 잘못되었다기 보다는 마이크 세팅이 잘 못된것입니다. 녹음할때는 톤잡느냐. 연주자 큐모니터 확인하느라 늘 정신이 없지만 그래도 꼼꼼히 확인해주세요. 녹음시 편안하게 세팅을 할 수 있는 부분이 좋은 소리를 만드는데 참으로 중요한 것 같습니다.

요즘 TV에 얼굴이 자주 나오는 모 성악가의 음반 작업을 하고 있습니다. 여러 음반작업들이 있지만 참으로 진행내용들은 다양합니다. 함께 일하는 식구들과 함께 열심히 녹음을 하고 그리고 조용히 혼자 믹싱을 하면서 이런저런 생각들이 들었습니다. 어찌보면 지금까지 많이 했던 이야기중에 하나일런지도 모르겠습니다. 바로 "기준"에 관한부분이지요. 이부분은 늘 고민이 되고. 망설이게 되는 것 중에 하나인것 같습니다. 어떠한 음악에서는 바로 이 "기준"이 바로 머릿속에 떠올라서 음악과 소리를 만들 수 있는 반면. 가끔식 생소한 음악을 접하거나 할때는 "기준"이라는 부분에 잠시는 고민을 하게 됩니다. 이번에는 많이 알려져있는 대중적인 클래시컬한 곡. 목소리를 믹싱하며 느꼈습니다. 자신도 모르게 내가 지금까지 많이 들어왔던 국내 성악음반의 목소리처럼 음색을 만들고 있는 자신을 발견한것이지요. 그저 컴퓨터 앞에 앉아서 마우스로 플러그인 이큐를 만지는데. 찾아서 들어본것이 아닌 어쩔 수 없이 들었던(라디오라던가 선물받은 음반 등등) 정말 신기했습니다. 내가 그동안 많이 아쉬워 하던 늘 듣던 여러 성악음반들의 불편한 목소리. 무엇인가 반주와는 저멀리 동떨어져있는 목소리와 답답한 반주. 쨍쨍한 목소리. 아내의 차에서는 늘 93.1을 듣고 집에서도 식탁위에 티볼리 라디오가 있어서 93.1을 듣는터라 라디오를 통해서 음악들을 많이 듣는편인데 들을때마다 개인적으로 아쉬워했던 그 소리로 저도 그렇게 만들고 있는것을 말이지요. 사람들과 아주 사운드가 멋진 음반을 들으며 과거에 이러한 이야기들을 많이들 나누었을것입니다. 외국의 그사람은 어떻게 이러한 사운드를 만들 수 있었던 것일까? 참으로 궁금한 부분들이 많았었지만 결국은 모두들 입을 모아.. "태어날때부터 듣는 음악이 늘 소리가 좋으니. 소리만드는것을 직업으로 하더라도 늘 듣던 좋은 소리를 만들게 되는것이 아닐까?" 하는 생각들도 말이지요. 가끔씩 음향엔지니어를 지망하는 친구들에게 큰 스튜디오를 추천하는데에는 몇가지 이유가 있습니다. 반드시 그러한것은 아니지만 큰 스튜디오에는 우선 좋은 프로듀서와 아티스트들이 많이오고. 반드시 그러한것은 아니지만 실력이 뛰어난 엔지니어들도 많이 있습니다. 그렇기 때문에 어시스트 엔지니어를 할때부터 늘 좋은 연주와 그곳 녹음실에서 모니터 스피커로 들려오는 늘 좋은 소리만 듣다보면. 굳이 거기서 무엇인가를 구체적으로 배우지 않아도 늘 그곳에서 듣게되는 좋은 연주와 좋은 소리가 바로 자신의 큰 재산이 된다고 말이지요. 저역시 어시스트 엔지니어를 할때. 거의 늘 프로페셔널한 스튜디오에서 좋은 연주자들과 좋은 소리들만 들으며 있었던 것 같습니다. 어시스트 시절에 처음 소리를 접하기 시작할때의 소리에 대한 경험이 15년이 넘은 지금까지도 그때의 소리에 대한 기억이 강렬하게 마음속에 남아있습니다. 그때의 마이킹. 여러 이펙터 세팅. 많은 부분들을 녹음이나 믹싱이 끝날때마다 혼자만의 노트에 꼼꼼하게 기록을 하고 남겨두었기도 하지만 참 많은 부분들을 그때 배울 수 있었던 것 같습니다. 지금은 누군가를 고용하는 입장이 되어서. 새롭게 우리회사에 들어오는 식구에게 내가 어시스트 엔지니어 시절처럼 내가 가지고 있는 것을 함께 공유하고 싶지만. 과연 그것이 잘 되고 있는지는 잘 모르겠습니다. 이번 성악음반 믹싱을 하며 느꼈습니다. "아 정말 좋은 소리를 늘 듣고 있어야 하는구나.." 음악도 중요하지만 소리를 만들어가는 입장에서는 늘 좋은 소리만을 머릿속에 기억을 하고 있어야 하는구나..라는것을 말이지요. 녹음과 믹싱이라는것이 구체적인 방법에 대해서 참으로 많은 사람들이 궁금해합니다만. 이렇게 좋은 소리를 들은 경험이 있다면 아무것도 모른상태에서도 분명히 좋은 녹음을 할 수 있고 또 좋은 믹싱을 할 수 있다고 생각합니다. 물론 그렇게까지 근접하는데 분명 시간은 좀더 걸리겠지요. 가끔씩 음악과 소리에 대해서 확고한 신념을 가지고 있는 아티스트들이 직접 녹음을 하거나 믹싱을 한것을 들어볼때의 놀라움처럼 말입니다. 음향에 대해서 전혀 공부를 하지 않은 상태에서도 짧은 시간안에 정말 멋진 사운드로 녹음을 하고. 또한 정말 멋진 사운드로 믹싱을 하는 아티스트들을 우리는 분명히 많이 보았을 것 입니다. 확실히 음향엔지니어는 다양한 장르의 음악들을 폭넓게 듣는것이 중요한것 같습니다. 최근 몇년간 피아노 녹음에 빠져있고 집에서도 늘 피아노 음악을 많이 듣다보니. 클래식 보컬음악에는 저도 조금은 소원해진것 같습니다. 몇년전 포레의 꿈을꾸고난후에의 성악버젼이 너무 좋아서 여러 성악가들의 음반을 들었던 것처럼. 비발디의 스타바트마테르에서의 독창이 너무 아름다워서 여러 음악단체들의 스타바트마테르를 들었던것처럼 다시 성악음반들좀 꺼내서 들어야 하겠습니다. 음향엔지니어는 음악이 가장 가까운 친구이자. 소리역시 마찬가지로 가장 가까운 가족인것 같습니다.

아래글에 구체적인 큐믹싱에 관한 이야기를 더 하면 글이 너무 길어질 것 같아 2부로 나눕니다. 드럼 녹음시 큐믹싱에 관한 방법은 이야기를 했습니다. 다음은 베이스. 베이스 녹음때는 우선 드럼 그리고 본인의 베이스 연주가 특히 잘들려야 합니다. 음정이나 박자가 불안한 부분은 없는지 프로듀서나 아티스트가 명확하게 모니터를 하려면 베이스를 녹음할때는 리듬악기들 외에 멜로디 악기들의 밸런스를 약간씩 낮추어 주세요. 가이드 보컬의 경우는 거의 들링뚱말뚱 작아도 괜찮습니다. 가이드 기타의 경우도 오블리가토가 너무 많이 있는경우라면 많이 줄여도 괜찮아요 하지만 가이드 기타가 비교적 정확한 박자로 아르페지오를 함께 한 경우라면 어느정도 베이스연주자가 잘 들을 수 있으면 좋습니다. 때론 콘트라 베이스에 2개의 마이크를 사용하는 경우가 있지요? 이 경우는 f홀쪽의 낮은 음이 나오는 마이크보다는 지판쪽에 설치한 마이크의 음량을 올려주세요. 베이스의 아주 낮은 음들은 음정을 정확하게 캐치하기가 어려운 경우도 있습니다. 다음은 기타를 녹음합니다. 기타를 녹음시는 우선 기타가 상당히 크게 들리도록 해주세요. 반주가 6이라면 기타가 4 때론 반주 5 기타 5 정도로 기타의 모니터를 크게 들려주세요. 다만 볼륨을 너무 크게올리면 박자가 빠르게 들릴 수도 있으니 그 접점은 상황에 맞추어서 찾아야 합니다. 피아노 녹음시. 피아노 녹음시에는 생각보다 베이스가 중요합니다. 베이스의 꾸밈음들과 피아노의 음이 겹치지 않는지 모니터하기 위해서는 베이스가 어느정도 크게 들려야 합니다. 대부분의 녹음에서 많은 연주자들은 베이스의 모니터를 대단히 중요하게 생각함을 유념해주세요 그렇기 때문에 베이스의 사운드도 아주 좋아야 합니다. 확실히 사운드가 선명하고 깨끗하고 좋은 소리로 애초부터 녹음을 해야 모니터 밸런스를 맞출 수 있습니다. 대충 녹음한 소리에서는 연주자들이 편하게 연주에만 집중할 수 있도록 모니터 밸런스를 빠르게 조정하기가 참으로 어렵습니다. 저는 늘 좋은 소리를 들어야 한다고 생각합니다. 녹음을 할때도 밸런스를 맞추며 늘 좋은 소리로 들려주세요. 보컬녹음을 할때는 반주의 밸런스를 믹싱때처럼 완벽하게 맞추어 주세요. 다만 기타의 경우는 약간 줄여도 좋습니다. 드럼 베이스 피아노 그리고 화성악기들을 기본으로 밸런스를 잡아주세요. 화성악기들이 있어야 보컬들이 노래할때 음정을 잡기가 편합니다. 기타의 오블리가토등은 약간은 작게 해도 괜찮습니다. 그리고 역시 중요한것은 보컬의 밸런스가 작지 않게 크고. 시원하게 들리도록 해주세요. 소리가 너무 어둡지 않고 밝아서 노래의 미묘한 감정표현과 테크닉들이 그대로 녹음시에 가수가 들을 수 있도록 해주세요. 저는 그렇기 때문에 보컬녹음시에 반드시 컴프레서를 사용합니다. 어느정도 잘 조정된 컴프레서를 걸어서 녹음을 하면 가수가 오히려 노래하기 편한경우도 많습니다. 과거 시절에는 녹음시에 컴프레서를 걸면 가수들이 답답하다고 이야기한적도 있었습니다. 이렇다고 해서 녹음시 컴프레서를 빼고 해서 현재 상황을 회피하지 말아주세요. 다시 조정해주세요. 컴프레서를 사용해서 녹음을 해도 가수들이 답답해하지 않고 오히려 더 노래부르기 편하다..라고 생각이 들수 있도록 세팅을 해주세요. 대부분의 가수들은 약간의 촌스러울정도로 모니터 리버브가 있는 것을 좋아하는 경우가 많습니다. 우선은 모니터 리버브를 충분히 가수에게 들려주세요. 그리고 현재 모니터 상황에 가수가 어느정도 적응을 한것 같다..싶으면 그때 아주 조금씩 줄여주세요 모니터 리버브가 너무 많으면 음정과 비브라토등이 명확하게 들리지 않는 경우도 많으니까요. 가수들이 녹음할때. 처음 녹음을 하는 사람이더라도 살짝 옆가서 본인과 키를 한번 재어보세요. 그리고 가이드 녹음이라 할지라도 마이크의 높이나 각도 수정없이 바로 녹음에 들어갈 수 있도록 세팅을 해주세요. 보컬녹음시에는 항상 우리의 메탈팝필터를 챙겨가서 이것으로 녹음을 진행해주세요. 가수들이 녹음을 할때는 노래는 서서하지만 중간에 모니터할때는 앉아서 쉬며 할 수 있도록 수평이 잘 맞는 튼튼한 의자를 미리 준비해놓아 주세요. 그리고 노래 녹음시에는 커피나 오렌지 쥬스. 탄산등은 목을 더 건조하게 만들 수 있으므로. 작은 생수병 하나를 보면대 옆에 스툴등을 두어서 거기에 준비해주세요. 물을 종이컵에 마시지 않게 우리가 함께 녹음하는 가수들 옆에는 가수가 마시던 마시지 않던 애비앙 생수 작은 것 하나를 곁에 두어주세요. 노래를 할때는 조명이 중요합니다. 조명이 너무 밝으면 시각이 자극이 되어 오히려 좋지 않아요 적당히 가수가 노래부르기 편한 조명으로 미리 만들어주세요. 다만 조금 어둡게 한경우 가사가 보이지 않으면 안되기 때문에 이경우에는 보면대에 클립식 조명을 달아도 좋습니다. 보컬을 녹음하는 장소의 습도를 40-45%정도로 유지해주세요. 40%미만 특히 30%정도의 건조한 상황에서는 좋은 목소리가 나오지 않습니다. 너무 건조하다 싶으면 녹음전에 부스에 가습기를 틀어놓았다가 녹음직전에 습도를 확인하고 꺼주는것도 좋습니다. 엔지니어가 해야할일은 콘솔 앞에서 소리만 듣고 만지는 것이 아닌 지금 녹음시 함께 하고있는 아티스트들이 얼마나 녹음에만 집중을 할 수 있는 환경을 만들어 주는 것입니다. 그럼 분명히 알게 될거에요. 어느새 좋은 아티스트들이 점점 더 우리 주변에 많아지게 된다는 것을 말이지요. 어제 녹음실에서 잠시 이야기를 했던 것 같아요. 10년전에는 드럼 사운드때문에 너무너무 많은 고민을 했지만. 10년. 15년이 지나니 아티스트가 참 많은 부분을 해결해주더군요 어제 드럼 오버헤드와 퍼커션에 사용한 저렴한 마이크이지만 연주자가 역시 소리에 많은 부분을 지니고 있음을 잊지 말아야합니다. 떄론 마이크 세팅도 소용없을때가 있어요. 어떤 마이크를 선택해서 어떠한 포지션에 대충 마이크를 툭 던져두듯이 두더라도. 좋은소리를 얻을 수 있는 경우도 많이 있습니다. 이렇게 좋은 아티스들과 함께 작업을 하는 기회가 있어야 결국 엔지니어의 능력도 발전을 하고 스스로에게도 만족할 만한 결과물들이 나오게 되는 것 같습니다.. 다르게 생각하시는 분들도 계시겠지요. 믹싱룸에서 한곡 가지고 10시간 이상씩 붙들고 있다가 좋지 않은 소스를 어떻게든 좋게 만들어주는것 역시 인정할만하다고 생각이 듭니다만 저는 그것이 멋지다고 생각은 들지 않습니다. 누군가와 소통하지 않는 엔지니어는 어찌보면 소리만 좋아하는 오타쿠일뿐일런지도 모르지요. 내가 이 일을 왜 하게 되었는지 내가 진정으로 좋아하는것이 무엇인지를 잊지 않고 피곤하고 힘들더라고 놓히지 않았으면 합니다. 그리고 마지막으로 잔소리 같은 이야기를 첨언하자면 새벽까지 늦은 세션이 된다고 해서 프로듀서나 아티스트에게 마치 유령같은 눈빛과 표정을 보여주지 마세요. 피곤해서 눈은 충혈되고 피부는 거칠어지었을 지언정. 그들이 먼저 돌아가기 전까지는 반짝이는 눈빛을 그대로 유지해주세요.. 물론 아티스트들이 늦은 시간까지 밤새는 것은 이 순간이고 우리 엔지니어팀은 어제도 그리고 밤샘 작업 다음날도 오전부터 작업이 있어서 피곤한것은 어쩔 수 없습니다만. 피곤한 모습들을 사람들에게 보이기 보다는 그때는 잠시 휴식을 요청해 주세요. 아무리 피곤한 시간이 되더라도 프로듀서와 아티스트들의 이야기에 귀를 기울이고 거기에 반짝이는 눈빛과 밝은 목소리로 화답해주세요. 그리고 그들의 음악을 정말 존중하고 좋아해주세요. 화이팅!!

어제는 새로운 작곡가(프로듀서)와 함께 작업을 하면서 모처럼만에 새벽 늦게까지 녹음을 진행한 날이었습니다. 녹음하면서 들었던 생각중에 하나. 오디오가이에서 영자와 함께 일하고 있는 식구들은 이부분들을 반드시 명심해주었으면 합니다. 바로 "모니터 믹싱의 중요성" 녹음시 프로듀서와 아티스트에게 들려주는 모니터 믹싱. 사실 저는 여기에 마음속 깊은 곳의 솔직한 이야기를 하자면 최종 음반에 수록되는 "믹싱"보다도 녹음시 프로듀서. 특히 아티스트들에게 들려주는 모니터 믹싱이 훨씬 더 중요하다고 생각합니다. 이상하게 들릴런지도 모르겠습니다. 본래 엔지니어라면 녹음을 지나 믹싱에서 최선을 다하고 가장 중요하게 생각해야하는 작업이 아닐까 하는 생각을 하실런지도 모르겠습니다. 하지만 아무리 좋은 믹싱도 음악과 연주가 우선이 됩니다. 어찌보면 믹싱때 오토메이션을 수많이 하는 것보다. 녹음시에 아주 정확하고 아티스트들이 연주하기 아주 편한 환경과 모니터 믹싱을 해서 들려주어 녹음을 하면 오히려 믹싱시의 오토메이션 작업외에 믹싱 시간이 훨씬 줄어들 뿐만 아니라.. 오히려 최종 결과물도 더 좋게 나온다고 저는 생각합니다. 아무리해도 믹싱엔지니어는 일년에 한두장만 믹싱을 하는 것이 아닌 자신의 취향과 음악과 음향적인 분석등으로 믹싱작업을 하게 됩니다. 믹싱때는 물론 프로듀서와 아티스트의 코멘트를 들으며 함께 진행하게 되지만 많은 부분 믹싱엔지니어의 머릿속 구상에서 많은 부분이 이루어지지요. 그런데 어느정도 많은 시간 믹싱을 하다보면 믹싱엔지니어 특유의 나름대로의 방법(세팅)이 생기게 됩니다. 이러한 세팅들은 짧은 시간안에 일정 수준 이상의 좋은 결과를 내는데에는 아주 좋습니다. 하지만 음악은 우리가 모두 알고 있다싶히 전부 다 다르지요. 하지만 믹싱엔지니어는 늘 비슷한 자기만의 세팅값을 가지고 있어서 그것을 적용하며 믹싱을 시작합니다.(물론 그렇지 않은 사람들도 많습니다.) 여기서 부터 어찌보면 음악의 생동감이 사라지는 순간. (물론 사라졌다가 훌륭한 믹싱엔지니어에 의해서 더욱더 음악성이 극대화 되어서 재탄생하는 경우도 아주 많습니다.)입니다. 많은 음악적인 느낌. 생동감은 바로 녹음당시에 살아있는 것 같습니다. 오디오가이에서 많이 녹음하는 어쿠스틱 음악. 특히 재즈. 클래식 심지어 국악도 마찬가지라고 생각합니다. 저는 녹음시 가장 중요한 것 몇가지만 꼽아보겠습니다. 1. 마이크 세팅(마이크프리와의 조합 포함) 2. 녹음 레벨 3. 모니터 믹싱 이 세가지가 녹음에 있어서 제가 가장 중요하게 생각하는 부분입니다. 반드시 놓히지 않고 지켜져야 합니다. 모니터 믹싱이라는것이 어찌보면 그 음악을 듣다보면 엔지니어도 자연스럽게 그 음악의 밸런스가 느껴지는 경우가 있습니다. 하지만 본인이 음악 밸런스를 자연스럽게 몸으로 받아들이는것이 부족하다면 아래의 순서와 방법대로 모니터 밸런스를 만들어주십시오 먼저 우리가 자주 녹음하는 재즈 음악 녹음에서 *클릭 확인을 우선 체크. 드럼 콘트라베이스 피아노(혹은 기타) 가이드 보컬 대부분이 이렇게 기본 테이크로 녹음을 합니다. 기본 테이크 녹음시에 반드시 악보를 보면서 프로툴 편집창에 각각의 음악적인 구성과 파트들을 기록하고 저장해주세요 (제가 말하는 저장은 컴퓨터에 마커를 표기하는것과 더불어 자신의 머릿속에 저장을 해야한다는 것입니다.) 그리고 나서는 대부분 기본 가이드 녹음된것을 듣고 드럼을 녹음합니다. 오디오가이에서는 녹음시에 최종 믹싱된 사운드와 다름없이 나중에 믹싱때 이큐나 컴프를 많이 걸지 않아도 녹음시에 모니터 밸런스로도 최종 음반의 90% 정도 사운드가 나오도록 작업을 하고 있습니다. 녹음시에 모두가 만족할만한 사운드가 나오지 않는다면 결국 최종 믹싱에서도 잘 되지 않는 다 생각합니다. 그렇기 때문에 콘솔 혹은 DAW의 페이더가 디자인 센터에 가있는 상태에서 드럼이나 베이스같이 큰 악기들은 크게. 그리고 챠임이나 핸드벨. 패드등 작아도 되는 악기들은 애초부터 밸런스를 맞추어서 작게 녹음을 하고 있습니다. 각 악기들은 하나하나 더빙을 할때마다. 기본적으로 채널 페이더를 만져서 밸런스를 조정하는것이 아닌 아예 밸런스를 모두 O 에 두어도 밸런스가 딱 맞을 수 있도록 녹음레벨을 설정합니다. 이경우 녹음레벨이 너무 크거나 작게 되지 않도록 음악의 피크에서 마스터페이더에서 -3dB정도까지는 피크가 올라가야 합니다. 그렇기 때문에 저는 녹음시에는 프로툴 마스터페이더로 최종 피크를 반드시 확인을 하고 있으며. 녹음시 마스터페이더에서 음악의 클라이막스 부분에서 피크가 넘지 않게 합니다. 큰레벨로 녹음해서 나중에 줄이는 것보다 처음부터 밸런스를 맞추어서 녹음을 하는것이 오디오가이의 세팅 방법중에 가장 큰 핵심입니다. 자 그럼 모니터 믹싱. 기본 가이드 녹음을 한다음에는 드러머는 클릭을 들으며 그리고 가이드 녹음된 악기들을 들으며 드럼을 다시 녹음합니다. 이때는 드러머가 최대한 연주하기 편한 밸런스로 맞추어 줍니다. 물론 멀티큐 박스를 사용하는 경우는 연주자 스스로 밸런스를 맞추는 방법도 있습니다만. 녹음시 연주자들이 밸런스에 대해서 굳이 엔지니어에게 수정요청을 하지 않아도 엔지니어가 알아서 조정을 해주는것입니다. 이래저래 모니터 밸런스 신경쓰다보면 어느새 음악적인 영감은 점점더 옅어집니다. 저는 정말 이것이 너무너무너무 싫습니다. 녹음시에 엔지니어팀의 문제. 기기의 문제. 모니터나 큐의 문제등으로 연주에 집중할 수 없는 상황이 5분이상 되는것이 내가 엔지니어를 하면서 가장 부끄럽고 창피할때 입니다. 사실 언젠가부터 녹음할때 저와 함께 일을 하는 식구들이 편하고도록 세팅을 바꾸고 싶어도 잘 바꾸지 않을때도 종종 있습니다. 이때 마이크도 바꾸어 보고 싶고 이 상황에서 마이크프리도 바꾸어 보고 싶고 컴프레서도 한번 넣어보고 싶고.. 하지만 세팅을 바꾸는 시간동안 무엇인가 시그널체인에 문제가 생겨서 녹음중에 아티스트는 한창 녹음을 하며 그 음악에 집중되어 머리와 가슴이 뜨거워져 있는 상태에서 무엇인가 기술적인 문제로 녹음이 지연되거나 중단이 될때마다. 그들의 음악적인 영감이 떨어지는것을 너무도 많이 보아왔기 때문입니다. 우리가 좋은 소리를 위해서 엔지니어를 한다고 하지만 결국은 좋은 음악안에 좋은 소리도 있습니다. 아무리 소리가 좋더라도 이러한 부분들에 문제가 있다면 그것은 아무것도 아니라고 생각합니다. 드럼을 녹음할때. 많은 드러머들이 늘 같은 이야기를 우리에게 합니다. 혹시 어떠한 이야기가 머릿속에 떠오르세요? 바로 "베이스좀 올려주세요. 그 다음은 "가이드 보컬좀 줄여주세요" 입니다. 드럼은 녹음시 본인의 악기 소리가 크기 때문에 마스킹이 되어 다른 악기들. 특히 베이스가 잘들리지 않는 경우가 많기 때문에 드럼 녹음을 할때는 베이스를 올려주세요. 드러머가 올려달라고 하기 전에 먼저 올려서 들려주세요(아니면 멀티큐에서 베이스를 따로 뽑아서 큐박스에 마킹테이프로 정확하게 "베이스"라고 적어주세요) 단지 베이스와 가이드 보컬만 이야기 했지만 음악을 녹음하는 환경에 있다보면 딱 느낌이 옵니다. 지금 이사람이 연주를 하기 위해서 어떠한 밸런스로 하는것이 가장 중요한것인가.. 내가 소리를 듣는사람이 아닌. 드러머가 녹음을 할때는 드럼을 연주하는 사람이라고 생각을 해주세요. 보컬을 녹음할때는 내가 녹음을 하는 사람 이라고 생각을 해주세요. 기타를 더빙할때는 내가 기타를 연주하는 사람이라고 생각을 해주세요. 코러스를 녹음할때는 내가 코러스를 하는 사람이라고 생각해주세요. 베이스를 녹음할때는 내가 베이스를 연주하는 사람이라고 생각을 해주세요. 녹음시에는 항상 프로듀서와 아티스트에게 귀를 쫑긋 세우고 집중을 하고 있어야 합니다. 이것이 사운드보다 먼저입니다.(사운드는 짧은 시간에 실수없이 무조건 좋게 나와야 합니다.) 그들이 지금 필요한것이 무엇인지. 어떠한 밸런스로 음악을 듣기 원하는지. 어떠한 악기와 타이밍을 지금 이 순간에 듣기 원하는지. 무엇보다도 녹음시 프로듀서와 아티스트들이 서로 대화를 하고 나서 그것을 엔지니어에게 다시 프로듀서가 똑같은 이야기를 설명해야 하는 일은 너무너무너무 끔찍합니다.ㅜ.ㅜ 엔지니어는 소리만 들을 줄 알고. 프로듀서와 아티스트의 음악적인 대화를 듣지 못하는 불쌍한 존재가 아닙니다. 물론 녹음하면서 편집도 해야하고 좋은 소리도 만들어야 하고 그렇기 때문에 세팅도 바꾸어야 하고.. 하지만 이것들은 다 뒤로 하고 프로듀서와 아티스트. 그리고 아티스트와 아티스트들이 녹음시 서로 이야기 나누는것에 가장 집중해 주세요. 엔지니어는 녹음시 다른 공간에 있는 "음악적 관망자"가 아닌 정말 이 순간은 아티스들과 더 좋은 음악과 음향을 위해서 함께 하는 "팀" 그리고 "멤버" 그리고 "가족"입니다. 프로듀서나 아티스트들은 서로서로 나눈 이야기들을 녹음시 우리 엔지니어에게 똑같은 이야기를 다시 하는동안(그것도 엔지니어가 알아듣기 쉽게 풀어서) 그들의 서로 음악적인 대화(여기에는 눈빛도 포함)에서 생겨났던 마법같은 음악적인 시너지 효과는 프로듀서나 아티스트가 우리에게 다시 설명을 해주는 그 몇초동안 정말 놀라우리만치 영감은 사라져 버립니다. 그것도 정말 빠른속도로 말이지요... 녹음시에는 함께 하는 프로듀서와 아티스트와 같은 심장박동으로 엔지니어가 함께 해야 합니다.. 왜 그러지 못할까요? 그렇지 않다면 정말 슬프다고 생각합니다. 과거에 글을 남겼을거에요. 늘 함께 녹음을 하던 프로듀서가 건반을 연주하고 DAW가 아닌 테이프로 녹음을 하면서 연주자(프로듀서)는 이야기 했습니다. 떄론 짧은 말로. 그리고 떄로는 눈빛으로. 다시 펀칭해야 할 곳을 몇마디 부터 몇마디 이고 어쩌구 저쩌구 그래서 가 아닌.. "거기" "거. 기" "거기" 때로는 그냥 아무말없이 녹음을 하다가 연주를 그만둡니다. 그럼 엔지니어는 알아서 다시 테이프를 플레이 시키고 녹음을 하고 펀치 아웃후 연주자에게 들려줍니다. 이때 서로는 몇번 서로의 눈빛만 볼뿐. 말로써 이렇쿵 저렇쿵 거기가 그래서 저래서 어쩌구 저쩌구 하고 이야기를 하지 않습니다.. 이제 우리 팀도 이렇게 녹음을 했으면 정말 좋겠습니다. 물론 어제처럼 처음 작업을 하는 프로듀서와는 이러한 부분은 정말 어려울 수 있겠습니다만. 가만히 생각해보세요. 프로듀서와 제가 뒤에서 우리 엔지이어팀에에게 공통적으로 하는 이야기 볼륨좀 올려서 들려주세요. 어떤 악기 좀 내려 주세요(또는 올려주세요) 물론 편집과 여러가지 녹음진행에 관한 생각들을 하다보면 이러한 부분을 잘 캐치하지 못할 수도 있습니다. 하지만 때로 집중하다 보면 프로듀서와 아티스트이 심장박동이 들려옵니다. 그 사람들이 지금 어떻게 듣고 싶고. 어떻게 하고 싶어하는지 굳이 우리에게 이야기를 하지 않도록(그것도 반복적으로!!) 해주세요. 녹음시 모니터 믹싱이 톤과 음색이 아주 잘되어있다면 연주자는 놀랍게도 훨씬 더 멋진 연주를 우리에게 들려줄것입니다. 그냥 나중에 믹싱하면 되는데... 라는 생각은 완전히 머릿속에서 삭제해야 합니다.. 녹음시 믹싱된 사운드로 연주자들에게 들려주세요. 반드시 밸런스를 맞추어서 들려주세요. 밸런스가 맞지 않는 음악은 고통입니다. 연주자가 녹음시 자신의 악기 소리와 음색이 마음에 들게. 연주에만 집중할 수 있도록 해주세요. 그럼 정말 멋진 연주로 우리와 주변에 모두를 행복하게 해줄겁니다. 무엇보다도 그들이 지금 원하는것이 무엇인지. 바로 알아챌 수 있어야 합니다. 어제 잠시 생각해보았습니다. 어떻게 하면 이러한것을 알 수있을 까요..??? 음악을 정말 사랑해주세요. 내가 함께 녹음하는 프로듀서와 아티스트들을 존중해주세요. 때로는 그들이 프로가 아닌경우도 있습니다. 그리고 그들의 음악에 귀귀울여 주세요.. 음악에 귀를 기울여 주세요. 그리고 내가 지금 녹음하는 음악을 좀더 사랑해주세요. 함께 연주하는 연주자들의 음악을 더 좋아해주세요. 어떤 아티스트와 함께 작업하는동안은. 그 아티스트의 진정한 팬이 되어주세요. 저는 어제 참 좋았습니다. 연주도 좋고. 곡도 참 좋았어요. 저는 음악이 참 좋습니다.. 우리 함께 하는 식구들도 음악의 사랑을 관심으로써 좀더 생각해고 표현해주세요. ..

녹음 세팅이라는 것이 지금까지 늘 무엇인가 조금 더.. 조금 더.. 조금 더..를 찾아서 참 많은 시도들을 해본것 같습니다만. 함께 일하는 식구들의 입장에서는 늘 바뀌는 세팅때문에 때로는 힘들 수도 있다고 생각합니다. 저는 세팅을 바꾸어서 들어보는것이 참 재미있지만.. 함께 하는 사람들은 아무래도 좀더 쉽고 편하게 진행을 했으면 할때도 있지요. 그렇기 때문에 어떨때는 세팅을 바꾸어 보고 싶어도.. 함께 하는 식구들이 번거로울까봐 그냥 넘어가게 되는 일도 종종 있답니다.^^ 아래는 우리가 자주 애용하는 성북동의 소닉엣지 스튜디오에서의 재즈음악에서의 오디오가이 세팅입니다. 먼저 드럼. *노이만 USM 69i XY로 세팅을 해서 드러머 등 뒤에서 마이크를 설치합니다. 마이크의 높이는 드러머 머리위에서 70-90cm 정도 마이크의 방향은 심벌을 향해서 40도 정도의 각도로 마이크를 올립니다. 마이크가 드럼에 들어가 있는 깊이는 드러머의 머리 안쪽으로 20-30cm 정도 들어가게 설치를 하면 됩니다. 재즈 드럼에 여러가지 세팅들을 참 많이 해보았는데. 이 경우가 항상 좋은 결과를 들려주었습니다. 재즈 음악에서 드럼 오버헤드의 녹음은 정말 절대적이라다고 볼 수 있을 만큼 중요한데. 제가 원하는 재즈 드럼 사운드는 우선 심벌이 날카롭지 않고 부드러우며 섬세하게 녹음이 되고. XY이기 때문에 높이를 너무 높게 하면 좌우의 스테레오 이미지가 좁아질 수 있기 때문에 스테레오 이미지가 넓으며. 오버헤드 마이크로 스네어나 탐의 소리가 정확하고 충분한 음색과 음량으로 들어와야 합니다. 드럼 오버헤드의 녹음레벨은 브러쉬와 스틱에 따라서 많이 다르기 때문에 각 곡마다 녹음레벨을 조정해서 적어도 피크에서 -3dB정도는 올라오도록 녹음을 합니다. 브러쉬가 너무 작게 녹음되지 않도록 반드시 유념해서 녹음을 진행해주세요. 이곳의 드럼 부스에서의 마이크프리앰프는 중음이 까칠하지 않고 부드러운 성향의 프리들을 사용해야 합니다. 포실의 2채널 마이크프리 ATI 마이크프리가 현재 까지 사용해본 재즈 드럼 오버헤드에서는 가장 만족스러운 소리를 들려주었습니다. 많이 사용하는 밀레니아는 오버헤드에 사용시 중역이 너무 강하게 들어오고 그레이스는 펀치감이 떨어져서 오버헤드로 들어오는 탐의 소리가 너무 둔하게 들어오는 경향이 있는 것 같습니다. 노이만 USM 69가 다른 녹음에 사용이 되고 있을때는 차선책으로 노이만 KM140을 AB로 사용합니다. 이 경우 킥과 스네어와 두 마이크 AB 의 중간에 들어오도록 설치를 해서 오버헤드에서 스네어가 한쪽 마이크로 더 크게 들어오지 않고 동일한 음량으로 들어오도록 마이크를 스네어 쪽 마이크는 드럼의 약간 바깥쪽으로 설치를 합니다. *스네어 드럼 스네어에는 항상 DPA 3521 콤팩트 마이크를 사용합니다. 많이 사용하는 SM57에 비해서 콘덴서 쪽이 확실히 소리가 밝으며 실제의 브러쉬 소리가 그대로 녹음이 된다고 생각합니다. 마이크프리는 트루시스템 4번 사용 *킥드럼. 주로 AKG D112를 사용하지만 노이만 SM57처럼 중역이 너무 돌출되어있는 마이크가 아니라면 여러가지 킥 용으로 나온 다이나믹 마이크들은 크게 관계가 없습니다. 트루시스템 마이크 프리 3번 사용 *콘트라 베이스 재즈음악 녹음에서 가장 고민을 많이 하는 부분이 저는 바로 콘트라 입니다. 여러가지 세팅들을 해보았는데 지금은 노이만 KU100 더미헤드를 사용합니다. 마이크프리는 우선 GML. 아니면 트루시스템(5/6번) 대부분의 콘트라 베이스 녹음을 보면 너무 어택 위주로 녹음이 되는 경우가 많은데 콘트라베이스의 서스테인이 충분히 녹음될 수 있는 위치에 마이크를 설치합니다. 다만 중저역대에서의 피크감으로 인해서 공진음이 발생하지 않도록 마이크의 포지션을 두어야 하며 1곡 녹음이 시작될때마다 베이스 연주자와 마이크 위치가 바뀌지 않았는지 꼭 포지션을 확인해 주세요. *피아노 마이크는 DPA 4011 을 K&M 스테레오바에 설치. AB로 해머에서 현으로 20cm 정도 거리에 마이크 높이는 35-45cm 정도로 설치. 마이크프리앰프는 트루시스템 7/8번 모든 곡에 있어서 가장 중요한것은 좋은 소리를 얻을 수 있는 마이크 포지션 그다음은 적절한 녹음레벨입니다. 콘솔의 페이더가 유니티에 있는 상태에서 곡마다 각 악기의 밸런스를 맞추어서 녹음을 합니다. 그렇기 때문에 곡마다 녹음음량 체크를 유심히 하여야 합니다. 밸런스를 맞추어서 녹음후. 전체 음량이 마스터페이더에 -3dB 정도까지 올라가도록 녹음합니다. 너무 크거나 작지 않게 녹음을 하는것이 대단히 중요합니다. *보컬 보컬 마이크는 보컬마다 테스트를 해보며 바뀝니다. 우리는 주로 노이만 UM57 빈티지. 노이만 U87 혹은 AEA 의 리본 마이크들을 테스트 해봅니다. 마이크프리는 그레이트 리버. 컴프레서는 LA2A를 사용하며 LA2A의 기본노브는 모두 가운데 놓고 세팅을 시작합니다. *색소폰등 관악기 AEA R92 리본마이크와 노이만 U87중 사운드 테스트후 결정합니다. 마이크프리는 트루시스템. *모니터 리버브 보컬을 제외한 모든 악기에는 녹음시 모니터 리버브를 넣지 않습니다.(연주자가 특별히 요청하는 경우 제외) 보컬에만 AUX 1으로 해서 D-VERB의 디폴트값으로 세팅해주세요. 보컬트랙 AUX 양은 -20정도로 세팅을 해주시고요. *녹음시 각 악기들마다 연주자의 큐 앰프에서 본인들이 원하는 밸런스로 조정할 수 있도록 멀티큐로 반드시 세팅을 해주세요. *녹음전 피아노 조율여부를 확인합니다. 이 스튜디오에서는 김은희 조율사분께 조율을 의뢰하며 오디오가이 녹음시에는 피아노의 음색을 조금 밝게 만들어달라고 이야기를 해주세요 조율시 기존 조율되어있는 440HZ에서 442HZ로 바꾸는 경우는 꼭 제게 미리 상의를 해주세요.

최근에 열심히 작업하고 있는 재즈음반. 재즈보컬 박성연씨의 스탠다드 재즈 음반입니다. 이전부터 오케스트라가 들어가는 재즈보컬 음반을 꼭한번 작업해보고 싶었는데. 그동안 오케스트라 반주에 성악가 녹음은 무척이나 많이 했었지만 이러한 구성의 재즈 음반 녹음은 저도 처음이라 무척이나 재미있게 진행했답니다. 아래에 과거 레코딩에 관한 칼럼. http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=949 우선 믹싱은 위 스크린샷에처럼 처럼 모든 채널에 이큐는 걸려있지 않습니다. 보컬에만 살짝 컴프가 걸려있습니다. 보컬 컴프는 비율 2:1 어택 : 15ms 릴리즈 : 150ms 게인리덕션은 보컬이 가장 큰 부분에서 -8dB정도 걸리게.(녹음시에도 보컬에 약 -10dB정도의 게인리덕션이 걸리도록 컴프를 걸고 녹음하였습니다.) 보컬 녹음은 AEA R44 리본마이크 + GML 마이크프리 + CL1B 그런데 얼마전 보컬에 LA2A 컴프를 사용해보았는데 왜 내가 지금까지 보컬컴프에 튜브텍만 고집했을까..하고 엄청 후회했습니다. 앞으로 보컬이나 멜로디 악기 녹음에는 반드시 LA2A를 사용해야겠다..라는 생각이 들더군요 기본적으로 밸런스로만 믹싱을 하였고. 리버브는 3종류를 사용하였습니다. 드럼과 피아노에는 프로툴스의 d-verb hall 2.9 초 프리딜레이 10ms 보컬에는 TC VSS 리버브 홀 2.5초 프리딜레이 30ms 스트링스에는 유일한 외장 리버브로 M7의 라지홀 2.8초 프리딜레이 10ms 이렇게 설정이 되어있으며 프로툴에서 믹싱을 해서 디지털 출력이 TC 마스터링 6000으로 연결해서 TC 마스터링 6000에서 토탈이큐로 14kz를 +1.7dB 살짝 올리고. 이큐뒤에 리미터를 2dB정도만 걸어서 현재의 작업을 만들었습니다. 재즈의 경우 일반 팝음악들처럼 높은 음악을 사용하지 않기 때문에 최종 음량을 그리 많이 올릴 필요는 없답니다. 물론 아직 작업본을 프로듀서에게 보내기 전이라. 프로듀서의 코멘트에 따라서 바꿀 수도 있겠지요^^ 칼럼에 글과 사진만 올리면 음원을 들어보고 싶으시다는 분들이 계서서 음원을 함께 첨부합니다. 모니터 CD를 만든후 걍 윈도우 미디어에서 CD 리핑했습니다.(16/44.1) 음원을 들어보시고 궁금하신 부분이 있으시면 코멘트로 남겨주셔요^^

그제 안동을 다녀왔습니다. 안동은 오디오가이의 반호철님의 고향이기도 하고. 전통문화를 무척이나 좋아해서 곧 사무실 근처 한옥으로 이사까지 예정된 영자로써는 그간 가보고 싶었던 곳이었는데요. 안동의 첫방문은 전통적인 마을이 아닌. 아마도 안동에서 가장 현대적인 건물이 아닐까 라고 생각이 되는 안동예술의 전당. 이곳의 백조홀이라는곳에서 안동시립합창단의 녹음이 있었습니다 합창녹음. 오디오가이의 많은 가족분들도 합창녹음에 대한 경험이 많이 있으시리라 생각을 합니다. 저는 지금까지 그 어떤 녹음보다도 가장 어렵게 생각이 되고 있는 녹음분야가 바로 합창입니다. 참.. 쉽지 않더라구요. 저도 벌써 5년넘게 합창만 정말 무수히 많이 녹음을 해보았지만 할때마다. 아.. 정말 합창녹음의 내가 원하는 나만의 사운드는 무엇일까?? 하고 참 많은 고민을 하게 됩니다. 피아노나 색소폰. 오케스트라의 경우는 오히려 훨씬 더 쉽게 녹음을 하고 있는것에 반해서 합창은 그렇지 못하기도 하였지요. 최근 합창에는 작년에 선덕원 소녀 합창단 녹음때 좋은 결과를 얻었던 DPA 4011 NOS(혹은 ORTF)원포인트를 메인으로 해서 솔리스트와 피아노등에 약간의 스팟마이크를 추가하는것이라 이번에도 이렇게 설치를 하였습니다. 다만 NOS나 ORTF는 좌우의 확산감이 조금 아쉬울때가 있어서 DPA 4006 무지향성을 AB로 설치해서 좌우의 확산감과 공간감을 더하는 용도로 설치를 해보았습니다. 그리고 나서 최종적으로는 모든 마이크를 제거하고 DPA 4006에 고음특성을 좋게 하는 볼형식의 어쿠스틱 이퀄라이저를 장착해서 사진과 같은 높이로 AB로 원포인트만으로 녹음하였습니다 피아노의 경우도 별도의 마이크를 사용하지 않았고. 곡 중간의 솔리스트가 있는 경우만 노이만 TLM-170R을 약간 사용해서 엑센트를 더해주었지요. 오랫만에 다시 사용해본 스페이스트 페어(일명 AB)방식 늘 오케스트라나 합창녹음은 녹음 장소의 천장이 높아야 한다는 일말의 선입견때문에(물론 녹음장소의 천장이 높으면 대부분 좋은경우가 많습니다) 클래식 녹음에서는 마이크높이도 높아야 소리가 좋을 것 같다는 왠지모를 선입견이 나에게 있었는지 모르겠습니다. 늘 발전의 발목을 잡는 가장 큰 부분이 "고정관념" "선입견"들인데 그간의 합창녹음에서도 이러한 저의 생각들때문에 마음에 드는 결과를 얻지 못했던것이 아닐까 합니다. 이번에는 사진의 높이에 상당히 낮고 가깝습니다. DPA 4006 AB 페어 합창녹음에서 가장 중요하게 생각하는 몇가지 요건을 꼽는 다면 첫째로 : 앙상블 메인 마이크이든 스팟마이크이든 가장 중요한것은 마이크를 설치했을때 지휘자가 생각하는것과 같은 각 파트마다의 앙상블 = 즉 밸런스가 맞아야 한다는것입니다. 소프라노 알토 테너 베이스 가 모든 부분에서 다 들려야 하는것은 아니지만 이러한 밸런스가 음악적으로 잘 맞고 어울리는 것 저는 이것을 "앙상블"이라 표현을 합니다. 합창녹음에서는 이러한 앙상블이 가장 중요하다고 생각합니다. 이번 AB 에서는 무엇보다도 이 앙상블이 참 좋게 들렸습니다. 보통 DPA 4011 단일지향성역시 이러한 앙상블은 참 좋게 들려옵니다만 여기서는 앙상블의 "깊이"감이 부족합니다. 그런데 이번의 무지향성 AB페어에서는 이러한 깊이감이 완벽하게 표현이 되어. 저와 함께 녹음을 했던 장인순 선생님 모두 무척이나 예상외의 결과에 놀라워 하며 만족을 하게 되었답니다. 이렇게 원포인트에서 다른 스팟마이크가 필요하지 않을정도로 마음에 드는 세팅을 하고 나니. 음악이 참 많이 들려오더군요. 녹음이 끝난 후 피아노 반주자분께 우리가 다음번에 함께 녹음을 하게 되면 이러한 부분에 관해서 한번 생각해봐주세요..라고 말씀을 드렸습니다. 그것은 바로 대비(contrast) 비단 이것은 합창 녹음 뿐만 아니라 믹싱에서도 가장 중요한것이 아닐까 합니다. 반주자분께 말씀드린 내용은 아래와 같습니다. *영자 : 오늘 피아노 연주가 참 좋으셨습니다. 터치와 페달링이 훌륭하셔서 피아노에 마이크를 사용하지 않고도 무척이나 깔끔하고 이쁜 소리로 녹음이 되었습니다.(이것은 멘트가 아니라 실제로 그러하였습니다.^^) 다음에 우리가 이팀으로 다시 한번 녹음을 하게 된다면 그때는 "대비"에 관해서 한번 생각을 해봐주세요. 합창음악에서 피아노 반주라는것은 어찌보면 많은 사람들이 반주의 중요성을 너무 간과하는 경향이 있습니다. 저는 개인적으로 합창음악을 만들어가는데 있어서 합창과 피아노 반주가 50:50의 비중을 지닌다고 생각합니다. 이것은 단순히 음량의 크기가 아니라 음악적인 부분에 관한것이지요. 예를들어 음악의 포르테 부분이 있습니다. 이경우 합창단과 반주는 모두 악기의 표기대로 크게 연주를 합니다. 하지만 이경우 반주자선생님께서는 악보와 반대로 오히려 포르테에서 합창이 크게 연주를 할때. 반주는 조금 작게 연주를 해봐주세요. 그러면 이것이 "대비"가 되어 전체적으로 음악이 훨씬더 음악적이고 드라마틱하게 들려옵니다. 성악도 마찬가지이지만 피아노 반주라는 것은 지휘자의 커다란 음악적 테두리 안에서 때로는 작곡자의 악상 표기를 반드시 그대로 따르지 않아도 됩니다. 예를들어 작곡가가 어떠한 곳에 포르테라고 표기를 했다면. 그 음악이 더욱 더 포르테로 들리는 방법으로 연주를 해야합니다. 단. 그렇다고 해서 꼭 반주도 합창과 함께 포르테로 연주를 한다면 그것은 음량만 커진것일뿐. 전혀 포르테로 들리지 않는 경우도 많습니다. 오히려 반주는 클라이막스에서 조금 감정을 절제하면 오히려 전반적으로는 훨씬 더 음악적인 표현이 잘 되는 것이지요. ********** 실제는 이보다 훨씬 더 짧게 이야기를 했습니다만 조금더 살을 붙였습니다. 세팅을 마음에 드는 원포인트로 해놓고 나니 참 많은 부분들이 보이더군요. 공간의 공간감. 피아노와 공간감 그리고 플룻과 윈드차임은 지휘자의 뒷쪽 객석쪽에서 마이크 없이 연주를 하였습니다.. 이경우 플룻과 차임의 느낌. 합창의 깊이감. 등등.. 확실하게 저는 깨달았습니다. 오케스트라면 몰라도 적어도 합창음악에서 내가 좋아하는 소리는 "정확한 위치에 설치된 원포인트"구나..라는것을 말이지요. 때론 무지향성 마이크는 공간음향이 좋은곳에서만 사용해야 한다..라는 선입견 원포인트는 무엇인가 위험할수 있으니 나중에 사용하지 않더라도 우선 스팟마이크도 받아는 두자..라는 이러한 안이한 시각 등등이 그동안 수많은 합창녹음의 경험에도 불구하고. 늘 아쉬움을 함께 따라다니게 했던 이유들이라 생각합니다. 이번기회는 그동안은 메인 세팅으로 사용하지 않던 AB에 대해서 다시한번 돌아보게 만드는 세팅이었습니다. 이 마이크의 위치는 어찌보면 제가 합창녹음을 처음 막 시작했을때 두었던 위치와 비슷하게 보이는지도 모르겠습니다. 하지만 소리는 전혀 다른것 같습니다. 내가 원하는 소리와 음악이 있는 상태에서 마이크를 설치하는것과 그렇지 않은 것은 정말 큰 차이가 있으니까요. 비단 합창녹음 뿐만 아니라 여러 녹음과 그리고 믹싱을 하는데 있어서 "대비"에 대해서 다시한번 생각해보실 수 있는 시간들이 되시면 좋겠습니다.

지난주 재즈 세션이 끝나고 프로듀서가 제게 이야기를 했습니다. "모두들 편한 분위기에서 녹음진행이 되어 연주자들이 무척이나 만족했다".. 라는 이야기였습니다. 녹음을 하는데 있어서 많은 경우. 때론 사운드보다 "분위기"가 더 중요할 때도 많은 것 같습니다. 아티스트들이 편한분위기에서 음악과 연주에 집중할 수 있도록 최선을 다하는 것이지요. 무엇인가 녹음진행에 문제가 있어서 아티스트들이 기다리게 될때는(예를들어 컴퓨터가 다운된다던가. 시그널이 잘들어오지 않거나. 큐모니터가 잘 되지 않는 등의 여러 기술적인 문제들때문에 녹음이 지연이 되는 경우) 아무리 좋은 소리로 녹음이 잘 되고 있더라도.. 이 소리는 프로듀서와 아티스트들에게는 전혀 들리지 않습니다. 사람들에게 중요한것은 시간이 많이 걸리고 문제가 여기저기서 터져나오는 기술적인 문제들로 인해서 시간이 지연되면서 본인들의 음악적인 감성이 자꾸 떨어지는 것이 더욱 더 중요한것이지요. 소리의 퀄리티는 그 다음이라 생각합니다. 어떠한 상황에서든지. 일정수준 이상의 소리를 얻을 수 있으면서도 이것을 아주 "빠르고" "정확하게" 일을 진행하는 것은 엔지니어 에게 있어서는 반드시 필요한 능력이며. 음악의 이해와 더불어 가장 중요하다고 생각합니다. 간혹 이러한 이야기를 듣습니다. "제가 본래 좀 느려서..." "제가 몸이 피곤해서 지금 잘 집중이 되지 않아서..." 우선 녹음 진행하는데 있어서 프로듀서나 아티스트들에게 "느리다" 라고 인상을 받게 되는것은 바로 그 엔지니어는 사람들에게 "능력이 없는" 것으로 인식이 되게 됩니다. 너무 지나친 비약이라 생각이 들수도 있겠지만. 이것은 엄연한 현실입니다. 아티스트들이 성격이 급해서 그러한것은 아닙니다. 이것은 무조건 우리 엔지니어의 몪입니다. "몸이 피곤해서 잘 집중이 되지 않아서..." 너무 냉정하게 들릴 수도 있겠지만 어떠한 상황이든 녹음진행에 있어서 문제가 생기지 않고 원활하게 진행을할 수 있도록 스스로의 컨디션을 관리하는것 역시 본인 몪입니다. 회사의 스케줄이 이렇게나 많은데 .. 제대로 쉬지도 못해서 정신이없는데... 등등.. 레코딩 처럼 작은 팀일수록 한사람이 담당하는 업무의 무게와 책임이 더욱 더 크게 됩니다. 이렇게 작은 회사일수록 스스로가 본인의 자기관리를 철저하게 해야 합니다. 제가 너무 딱뿌러지게 냉정한 이야기만 하는것일런지는 모르겠습니다.. *스튜디오에서의 구체적인 녹음 진행 방법. *음악의 이해 녹음을 하는곡이 내가 잘 모르는 곡이면 미리 음원을 구해서 듣거나. 혹은 아티스트가 녹음 전 최종 리허설을 할때 장소에 방문해서 음악과 각 연주자의 소리를 들어봅니다. 우리는 반드시 녹음전에 음악을 들어보고 미리 준비하고 있습니다. 제가 여러분들께 하고 이야기하고 싶은 녹음진행 방법은 2가지가 있습니다. 먼저 철저하게 준비를 해서 녹음 진행하는것. 예를들어 미리 음악과 아티스트의 특성들을 파악을 하고. 악보를 미리 받아서. 세션파일에 각 구성에 대해서 마커를 미리 만들어 둡니다. 아티스트가 펀치로 수정을 할때. "자 수정할 곳이 여기가 맞는지 한번 들어봐주세요.." 라고 하면서 플레이백을 해서 아티스트나 프로듀서에게 들려두며 확인받는것은 제발하지 맙시다. 기본 녹음이 진행된후. 아티스트가 "어디어디서부터 어디까지 다시 녹음하겠습니다.." 라고이야기를 하면 적어도 5초안에 '넵. 녹음전 4마디 이전부터 들려드리겠습니다." "녹음이 끝난후도 자연스럽게 연결이 될 수있도록 계속 연주해주세요" 라고 5초안에 토크백을 눌러 이야기를 해야 합니다. 이것이 아니라 "잠시만 기다려주세요. 녹음 장소를 확인해보겠습니다." 플레이백 한후 "여기가 맞나요?" "여기 이전 인가요? 다음 인가요? 지났나요? 죄송하지만 어디인지 잘 모르겠네요..." 라는 단어들은 녹음실에서 듣기 가장 두려운 문장입니다. 아티스트가 녹음 수정부분을 이야기하면. 그 즉시 파악을 해서 바로 진행을 할 수 있도록 해주세요. 미리 완벽하게 각 음악과 부분들에 마커를 해놓고 준비하는 방법이 있고 다음 방법으로는 "녹음하면서 음악을 아예 전체를 외워버리는 것 입니다." 이것은 과거 제가 어시스트 엔지니어를 할때 메인엔지니어분께 배운것인데요. 그분은 예를들어 기타솔로를 한번 녹음을 하고 나면 바로 16마디의 기타라인을 외워버려서. 중간에 펀치 인 아웃을 하더라도 완벽하게 진행하시는것을 보고 많이 놀랐습니다. 이렇게 음악을 외우는능력은 녹음뿐만 아니라 믹싱할때 정말 필요합니다. 페이더로 오토메이션을 하면서. 음악을 외우면 다음에 어떠한 선율와 화성으로 나올지 알고 있기 때문에 더욱 더자연스럽게 음악적인 페이더 오토메이션을 할 수 있습니다. "음악을 외우는 것이 말처럼 쉬울까?" 라고 생각을하실런지도 모르겠습니다. 하지만 쉽습니다. 아주 쉽습니다. 우리가 녹음중에 음악을 유심히 들으며 외우려고 하지 않기 때문입니다. 가만히 생각해보십시오. 녹음에 따라서 한프로에 같은 곡을 수십번 이상 듣는경우가 허다합니다. 이렇게나 같은 곡을 반복해서 수십번 이상 듣는데.. 누구라도 외울 수있는 것입니다. 바로 방법과 관점의 차이입니다. *음악을 외우는 방법 대부분의 아티스트가 녹음세팅후 첫테이크는 끝까지 한번 연주하는 경우가 많습니다. 이때 반드시 음악의 구성별로 마커를 찍어주세요. 전주. A파트.B파트. 반복. 간주. 후주 등등.. 이때 마커를 찍으면서는 우선은 음악의 구성에 대해서 기억을 하세요. 처음부터 중요한 테마를 제외한 다른 멜로디등은 외우려고 할 필요는 없습니다. 이다음에는 대부분 전주를 지나 간주 이전까지 녹음을 하게 되는경우가 많습니다. 전주 간주 후주는 누구든지 쉽게 외울수 있으므로. 가장 중요한것은 "메인테마"를 기억하고 그에 관한 변화가 나오는 B파트의 멜로디 정도만 기억을 하면 됩니다. 다음은 A파트 메인테마의 반복이 많습니다. "음악을 외운다"라는 것에 지레 부담을 느끼는 경우를 보아왔는데 이것은 음악인 재능이나 그러한것과는 크게 관계가 없습니다. 먼저 음악을 외우려는 생각을 하지않는 것이 첫번째. 다음으로는 외우는 방법을 모르기때문입니다. 위의 방법으로 녹음시 음악을파악하고 외워주세요. 그러면 내가 마커로 미리 표기를 해놓지 않은 경우라도. 아티스트가 어디부분을 이야기하면 그 즉시 그 부분을 찾을 수있을것입니다. 저는 2마디마다 다 마커를 하고 악보에 타임체크를 하는것보다는 음악을 외우는것을 더 추천하고 싶습니다만. 역시나 안전한것은 음악의구성별로 마커를 찍어놓고. 그리고 중요마디마다 타임 체크를 해두는것이 가장 중요하겠지요. *대부분 우리는 새로운 아티스트들과의 작업들도 많지만. 늘 오랜시간 함께 하는 프로듀서와 아티스트들과의 작업이 많습니다. 이 경우는 이 프로듀서와 아티스트의 성향과 그러한 부분들을 알고 있습니다. 이 경우는 이렇게 되도록 합시다. 녹음을 진행하고 있습니다. 아티스트가 열심히 수정을합니다. 그리고는 당신께 이야기를 합니다. "아..그부분 다시하겠습니다..^^" 그러면 당신은 고개만 조금 끄덕이거나 아이콘택트로만 답변을 하며. 그저 말없이 음악을 플레이 하고. 그곳에 녹음을 해주세요. 그리고 나서 이제서야 토브백 버튼을 누릅니다. "지금 수정하신곳 들어보세요" 빠른곡이거나 솔로거나 하면 2마디 이전부터 들려주시고 느린곡이거나 곡의 흐름이중요하게 생각되는 부분이라면 새로 수정된 4마디 이전부터 들려주세요. 제가 아티스트라면 전 반드시 이런 엔지니어에게 제 녹음을 맞깁니다. 나는 그냥 음악에만 집중을 할수 있으니까요. 펀치를 다시 할때마다 여기가 맞다 틀리다. 연결이 자연스러운지 아닌지 확인할 필요도 없이. 그냥 눈빛만으로 서로 대화를 하고.. 최대한 짧은 문장으로만 함께 녹음을진행하는 것입니다. 때로는 침묵이 가장 아름다운 음악이자 소리가 되는 것처럼 녹음의 진행역시. 여러가지 상황을 주절주절 변명하는 것이 아닌. 불안해하지 않고 자신감 있는 눈빛. 그리고 녹음실 안에서 만큼은 아티스트와 같은 생각을 해주는 엔지니어.. 우리 팀은 모두 이러한 엔지니어가 될 수 있도록 노력합시다..

레코딩 메뉴얼 [1] - 녹음전 준비사항 제가 가장 두려워하고 싫어하는것이 있습니다. 녹음시에 아티스트들에게 토크백을 눌러서 "잠시만 기다려 주세요" 라고 이야기를 하는것입니다. 이것은 정말 끔찍합니다. 최악입니다. 어찌보면 전 이것이 사운드보다 더 중요할때도 있다고 생각합니다. 아티스트가 우리에게 어떠한 이야기를 했을때. 토크백을 눌러 "넵 알겠습니다. " 라고 바로 대답을 할 수 있을만큼 늘 변화하는 상황속에서 철저하게 녹음준비를 하고 녹음 진행을 해야 한다고 생각합니다. 컨트롤룸에서 자유롭게 이야기도 하고 하면서 녹음 진행을 하고 있는 우리와는 달리. 아티스트들은 녹음시 고립된 부스에 들어가서 외부와 차단이 된 헤드폰을 쓰고. 최대한 집중을 하면서 연주를 합니다. 우리가 무엇인가 시스템. 혹은 준비미흡으로 시간이 걸려서 토크백으로 아티스트에게 "지금 이런저런 문제가 생겨서 잠시만 기다려주세요.." 하고 이야기를 하고 제를 해결하기 까지의 약 몇분동안 혼자 무음의 정적안에서 이 시간들을 기다리고 있는 아티스트 입장에서는 심장박동이 커지고 빨라지며. 왠지모르게 시간은 더디게 가며, 간이 갈수록 음악적인 영감은 잃어버리게 됩니다. 엔지니어는 우선 아티스트의 요구에 즉시. 대처할 수 있어야 합니다. 이렇게 할 수 있도록 완벽하게 준비를 합시다. 이제 처음부터 한번 생각을 해봅시다. 우리가 어느 스튜디오 혹은 어느 홀에서 녹음을 해야합니다. 무엇을 가장 먼저 준비를 해야할까요? 어떠한것을 생각을 하고 준비를 할때. 늘 "신호의 흐름대로 생각을 하고 준비를 해주세요" 이렇게 해야 중간에 놓히거나 잃어버리는것이 적습니다. 늘 체계적인 사고를 하는것이 중요한데 특히나 기기들의 연결을 할때도. 신호의 흐름 순으로 연결을 하는것이 좋습니다. 그럼 내일 녹음을 해야한다고 하면 어떤것을 먼저 준비를 해야할까요? *녹음준비 사항 *레코딩 하드의 경우는 레코딩 버퍼가 있기 때문에 녹음하고자 하는것보다 늘 2배의 용량이 있는것으로 준비를 해아합니다. 기본적으로 오디오가이에서는 스튜디오 녹음시 스튜디오 컴퓨터에 있는 하드에 녹음을 하고 우리 하드로 카피를 하지 않고. 처음부터 우리 하드를 연결해서 녹음을 합니다. 저는 하드로 데이터들을 카피하는것을 대단히 싫어하는 편입니다. 파이어와이어 400보다는 800을. 그리고 PC로 하는 경우라면 SATA를 사용해서 가급적이면 가장 빠른 전송속도에서 녹음을 진행할 수 있도록 해주세요. *프로툴 세션 준비 먼저 프로툴 세션 준비를 합니다. 우리는 스튜디오의 상황이 96이 지원이 되지 않거나 24트랙 이상인 경우를 제외하고는 반드시 24/96으로 녹음을 합니다. *녹음할때 한개의 세션에 한곡의 폴더와 오디오파일이 정리되어있어야 합니다. *미리 아티스트들에게 곡제목과 악기구성을 받아서 세션을 만들어놓아 주세요. (곡제목이 정해지지 않았다고 하면 악기 구성등을 미리 받아서 세션을 만들어놓아 주세요) *셋업에서 딜레이 보정은 오프로 해놓아 주세요. *아래는 재즈 녹음시 트랙의 순서입니다. 반드시 이 순서대로 트랙을 만들어주세요.(항상 사용하는 트랙의 순서를 결정해서 외워 놓으면 진행이 좀더 빠르게 됩니다.) *가장 위에 마스터 페이더 1/2 : 드럼 오버헤드 3 : 킥드럼 4 : 스네어 5/6 : 탐탐 7 : 콘트라베이스 MIC 1 8 : 콘트라 베이스 MIC 2 9/10 : 피아노 11~ : 리드악기 가장 아래 AUX : AUX는 D-VERB의 라지홀 기본 프리셋 사용 드럼과 콘트라베이스에는 모니터 리버브를 걸지 않고 피아노와 리드악기에만 모니터리버브를 사용 BUS 1/2 로 설정 리버브 값은 피아노 : -20.0 리드악기 : -15.0 이것이 오디오가이 재즈녹음 세팅에 기본입니다. 아래는 클래식 녹음 세션시 순서입니다. 가장 위 마스터페이더 1/2 : 메인 마이크 3/4 : 앰비언스 마이크 5 : 1ST 바이올린 6 : 1ST 바이올린 뒷쪽 7 : 2ND 바이올린 8 : 비올라 9 : 첼로 10 : 첼로 뒷쪽 11 : 콘트라 베이스 12 : (예비) 13/14 : 목관 15/16 : 타악기 17/18 : 팀파니 19/20 : 솔리스트 21/22/23/24 : 합창 25/26 : AUX 트랙(D-VERB 라지홀) 이 트랙을 보시면 알 수 있겠지만 스테레오 트랙의 경우 항상 홀수가 L 짝수가 R 입니다. 이렇게 되지 않을때는 중간을 아예 비워주세요. 예를들어 드럼 오버헤드가 8-9 트랙으로 설정이 되는일이 없도록 해주세요. *셋업리스트 녹음세션이 있는날의 적어도 2일 전에는 스케줄러에 각 악기별 세팅을 제가 올려둡니다. 이대로 기기들을 챙겨주세요. 기기를 챙길때 역시 시그널의 순서대로 챙겨주세요. *스튜디오 녹음 마이크스탠드 - 마이크 - 마이크 케이블 - 마이크프리앰프 - (마이크프리와 스튜디오의 벽체 패널로 가는 케이블 확인) - 컴퓨터 하드 및 컴퓨터 용품 *콘서트홀 녹음 마이크스탠드 - 마이크 - 마이크 케이블(멀티릴 케이블) - 마이크 프리앰프 - 전원관련 용품들(멀티탭) - 레코더(메트릭할로 LIO-8 혹은 새디 LRX-2 나 조코 블랙박스) - 컴퓨터 하드및 컴퓨터 용품 - 모니터 시스템 - 악세사리(변환커넥터. 종이테이프와 팬 등등) *장비이동 스튜디오에서건 콘서트홀 녹음에서건 우리는 아주 많은 기기들을 가지고 이동하기 때문에 기본적으로 단골 콜밴기사님께 전날 미리 예약을 해주세요. *녹음장소의 장비 확인 스튜디오나 콘서트홀에 기본적으로 어떠한 기기들이 있는지 확인해서 우리가 가지고 있는 기기들과 중복이 되면 우리 기기를 가지고 가지 않아도 됩니다. 이 역시 녹음 2일전까지는 제게 업무메일로 알려주세요.

*레코딩 메뉴얼 레코딩 메뉴얼을 시작하며.. (레코딩 메뉴얼은 오디오가이에서 영자와 함께 일을 하고 있는 식구분들을 위해 쓰기 시작하는 글이라 함께 일하고 있는 식구들에게 하고 싶은 이야기로 개인적인 내용도 많고 문체도 조금은 다르게 될 수 있음을 미리 말씀드립니다.) 어제 녹음을 하면서 문득 이러한 생각이 들었습니다. "우리회사는 어찌보면 정말 뛰어난 아마추어들의 집합이구나" "내 혼자 가지고 있는 생각대로만 녹음일을 진행하고 있다 보니 함께 일하고 있는 식구들을 프로처럼 체계적으로 교육을 시키지 못하고 있구나.." 하는 생각이 들었지요. "뛰어난 아마추어"라는것은 어찌보면 참으로 슬픈것입니다. 아무리 뛰어난 아마추어라도 그것은 "프로"가 아니니까요. 앞으로 우리팀이 녹음을 할때 좀더 "프로"의 모습을 지닐 수 있었으면 해서 이 레코딩 메뉴얼을 시작하게 되었습니다. 그냥 한두번 읽고 지나치지 마시고 제가 녹음시 중요하게 생각하는것들을 모두 차근차근 정리해 둘테니 반드시 지켜주시기 바랍니다. 최근들어 제가 생각하고 있는것은 어떻게 하면 합리적이고 효율적인 작업을 할 수 있는것일까? 라는 것입니다. 음악과 음향 분야에서 어떻게 보면 합리.효율은 그다지 어울리지 않는다고 볼수도 있겠지만. 16년간 레코딩 회사를 운영하면서 참 많은 시행착오들을 거쳐왔습니다. 대부분이 여러가지 장비들을 들어보고 만져보고 하는것에 무척이나 많은 시간들을 보냈고 컨트롤룸에서 이큐나 컴프레서로 원하는 소리에 근접한 소리를 만드려기 보다는 컨트롤룸과 부스사이를 부지런히 뛰어다니며, 마이크 세팅이나 마이크와 프리앰프의 조합등으로 원하고자 하는 순수한 소리 그자체를 얻기 위해서 참으로 많은 시간을 보낸것 같습니다. 지금, 그리고 앞으로도 이렇게 새로운 소리를 찾아 떠나는 여행 역시 두근거리고 즐거운 일이지만 이제는 조금씩 몇몇 부분에 있어서는 제가 아닌 함께 오디오가이에서 일을 하는 식구들이 녹음을 하더라도 몇몇의 녹음방법을 메뉴얼화 해보고자 합니다. 과거에는 다른 엔지니어들은 늘 같은 세팅으로만 하는것에 대해서 조금은 의아한적도 있었습니다. 내가 지금 듣는 소리외에. 왜 또다른 미처 경험하지 못한 소리의 세계에 대해서 진지하게 탐구를 하지 않는것일까..라는 생각조차 든적이 있었지요. 하지만 지금 다시 돌이켜 보면 늘 하루에 정해진 시간들 안에서 다양한 작업들을 정해진 시간안에 끝마쳐야 하는 입장에서 이러한 자신만의 방법/공식 등이 대단히 중요하다는 생각이 들었습니다. 하지만 이제는 지금까지의 소리에 대한 지나친 방황을 끝마치고 늘 일정 수준이상의 소리를 얻기 위해. 그리고 함께 일을 하고 있는 식구들을 위해 제가 지금까지 생각하고 느낀바를 아주 짧고 완곡한 문장들로 정리해보겠습니다. 이 내용들은 제가 특별한 이유가 없는 이상은 오디오가이에서 스텝 엔지니어로 함께 일을 하고 있는 사람이라면 100% 지켜야 합니다. 때로는 여러가지 상황들이 다 다르고 음악이라는것이 다 모두 다른데. 어떻게 같은 음악. 연주자. 들마다 이렇게 일률적인 세팅으로 해도 괜찮은것인가? 라고 생각을 하게 될때도 분명 있으리라 생각합니다. 저역시 16년전에는 그러하였으니까요. 하지만 "프로"라는것은 어떠한 상황에서는 빠른 시간내에 아티스트나 프로듀서가 원하는 바를 바로 만들어줄 수 있어야 하는것. 집에서 나혼자 꿍짝꿍짝 녹음을 해보고 믹싱을 해보는것이 아닌. 시간의 흐름에 따라서 정확하게 금액이 계산이 되는 녹음실에서. 그 순간안에 자신이 지니고 있는 최대한의 음악을 녹음하고 싶어하는 아티스트나 프로듀서나 아주 편하고 만족스럽게 작업을 진행하고 마칠 수 있어야 하는 것. 지금 우리에게 가장 필요한 것은 바로 이러한 것이라 생각합니다. 제가 지금까지 추구하던 "나만의 독창적인 소리" "우리만의 색깔" 무엇보다도 우리만의 "느낌" 이러한 것들을 담을 수 있는. 제가 정리한 세팅. 이것도 중요하지만 먼저 아티스트들이 무엇을 원하고 있는지를 명확하게 파악을 하는것이 더 중요하다고 생각합니다. 녹음의 진행이 자연스럽지 않은 상태에서는 그안에는 아무런 소리도 존재하지 않으니까요.