지금의 오디오가이 스튜디오를 만들때부터 이장소에서 바로크악기로 사중주 연주를 하면 울림이 참 좋을 것 같다.. 언젠간 기회가 있겠지.. 라고 생각하였는데. 지난주 스튜디오에서 공연이 진행이되었습니다.스튜디오에서의 공연이니 만큼 녹음이 빠질 수 없겠지요.바로크악기로 연주하는 하이든과 모차르트의 현악사중주. 참으로 많은 음반들이 있지만 바로크 악기로 연주한 음반은 오히려 상당히 드문편입니다 연주자들의 앙상블이 좋다면 이렇게 심플한 원포인트 마이킹이 귀로 듣는 것과 같은 자연스러운 공기감이 있는 소리로 녹음을 해줍니다.숍스사의 MSTC64U ORTF 전용 마이크  최근 오디오가이 스튜디오에서의 중요한 녹음에서 빠질수 없는 아날로그 녹음마이크프리앰프에서 출력을 분리하여 하나는 DSD 레코더로 다른 하나는 아날로그 테이프로 함께 녹음이 됩니다. 새롭게 테스트중인 제네릭의 8260A 신형 모니터 스피커동축에 서브우퍼가 추가된 구성으로 기존의 제네릭 스피커들에 비해서 초고역의 해상도가 훨씬 더 높아 이러한 클래식 음악 듣기에 아주 좋네요아래링크에서 녹음된 음원의 영상을 보고 들어보실 수 있습니다.~아날로그 테이프로 녹음된 음원을 다시 재생하며 아이폰으로 녹음된것입니다^^http://r20757.blog.me/220995912453 

제가 사용하고 있는 룸튜닝재 - 흡음재 입니다. 지난글에서도 소개한 포르투칼의 아트노비온사의 제품으로 현재 시판되고 있는 관련 제품가운데 성능과 가격면에서 무척 신뢰하고 있는 회사이기도 합니다. http://artnovion.com/categories/2-high-end 제가 사용하고 있는 제품은 위사진의 제품으로 링크에서처럼 상당히 흡음도가 높은 편입니다.아무래도 다른 재질에 비해서 패브릭은 중고역의 흡음이 높아 거울이라던가 집의 베란다 앞이라던가 할때는 디퓨저(확산재)가 아닌 이러한 흠읍재를 사용하여야 합니다. - 하지만 많은 사람들이 보기에 좋다는 이유로 흡음보다는 확산재를 더 많이 사용합니다. 이제품은 전용의 스탠드가 포함된 제품으로 동사의 다른 모델에 비해서 스탠드가 필요한경우 상당히 합리적인 금액으로 구입할 수 있어서 위와 같은 구성으로 6개를 현재 스튜디오에서 사용하고 있습니다.스튜디오 내부의 잔향이 굉장히 긴 편이기때문에 음악 특성에 따라서 잔향의 조정이 필요할때마다 사용하지요특히나 뒷면의 경우도 사진에서처럼 흡음을 할 수 있게 되어 있어서 불필요한 잔향이 많아서 감상에 방해가 되는 환경에서 유용한 제품입니다.하지만 패브릭흡음재 특성상 고역대 흡음률이 굉장히 높은편이기 때문에 이와 함께 추가로 사용할 흡음재를 어제와 오늘 최종적으로 주문을 하였네요. 어제 수입처의 쇼룸에 가서 전시되어있는 동사의 모든 제품의 소리를 들어보고 왔습니다. 음향판의 소리를 들어본다? 그것은 설치하기전에 할수없는것이 아닐까? 하겠지만 음향판 구매전 반드시 소리를 들어보아야 합니다.아주 단순합니다.음향판 앞에 입술을 키스할만큼 가까이 가서 그 앞에대고 소리를 내어보세요사람은 자신의 목소리의 음색에 관해서 그 어떤 악기보다도 잘 구분할 수 있습니다. 음향판 바로 앞에서 소리를 내어보면 소리가 흡음이 되는지. 또는 어떠한 소리가 확산이 되는지 들어볼 수 있습니다.어제 수입처에서 테스트용으로 사제품의 원목으로 만든 디퓨터 샘플이 있길래 마찬가지로 소리를 들어보았는데.. 음향판에서 확산이 되는 것이 아니라. 마치 스피커처럼 동굴같은 소리를 내어주던군요청감상 500에서 1k 정도에서 울림이 굉장히 심했습니다.단한개의 디퓨터에서 이러한 좋지 않은 소리를 들려주고 있는데 이것을 제대로 테스트도 해보지 않은채 무턱대고 여러개를 구입해서 사용한다면 분명 사용하지 않은 것보다 훨씬 더 못한 소리를 들려줄 것 입니다.이밖에 유명한 모 제품역시 샘플로 있어서 소리를 내어서 들어보니 1-3k 가 유난히 많이 튀어서 마찬가지로 좋지 않은 음색특성을 보여줍니다. 그렇기 때문에 대부분에 공간에서 룸튜닝재를 구입할때는 디퓨저(확산재)가 아닌 흡음재를 먼저 구입해서 사용하는 것이 대부분 결과가 더 좋습니다. 오늘 최종적으로 자그마치 24개나 주문한 제품입니다. 아마 내일 스튜디오에 도착해서 설치를 하게 될것 같네요.역시 아트노비온사의 제품인데 그냥 단순한 타공판으로 생각이 됩니다만. 제가 지금까지 본 타공판 가운데 구멍이 가장 큽니다. 타공판의 구멍이 크다는 것은 상당히 낮은 주파수의 흡음까지 가능하다는 것이지요. 그리고 외부에 도료가 되어있어서 초고역은 흡음하지 않습니다.  보통의 흡음재 및 타공판등이 대부분 1k 부근부터 시작하는데 이것은 자그마치 500과 1k에서 최대의 흡음율을 보여줍니다. 동사의 다른 제품들과 그래프를 비교해보면 확실하게 알수 있지요. http://artnovion.com/categories/1-pro-audio제가 딱 원하는 높은 고역의 흡음을 최대한 줄이고(고역은 흡음보다는 확산이 좋습니다.) 소리가 뭉치는 중저역 및 중역 부분만 정확하게 흡음을 하여 주는 타공판입니다.게다가 가격도 동사제품중 가장 저렴합니다^^ 타공판의 구멍의 크기를 다양하게 만드는 것등은 이렇게 만들어져있는 제품을 보면 무척 당연하게 느껴지지만 실제로 그렇게 제작하기가 어려운 부분도 많이 있습니다. 뒷면의 경우도 물론 현재 제가 사용중인 패브릭 흡음판의 뒷면과 같은 구조로 되어있습니다. 이렇게 같은 종류의 여러개의 타공판을 조합하여 모습을 만들어 낼수도 있지요. 현대적인 하이엔드 성향의 스피커 시스템을 사용할수록 적당한 흡음이 중요합니다. 반면에 빈티지 기기들을 운용하는 경우는 흡음보다는 확산위주로 꾸미는 것이 더욱 더 좋겠지요. 이밖에 제가 잘만튼 음향재라 생각하는 제품중에 아래의 제품이 있습니다.바로 야마하의 조음패널입니다.   아트노비온의 타공판만큼은 아니지만 굉장히 넓은 대역에서의 적절한 흡음율을 지니고 있습니다.내부 구조로 인해서 저는 특히 중저역에서의 불필요한 소리들을 조정하는데 좋은 결과를 얻을 수 있었습니다.화이트색상을 사용했었는데 시트지 마감때문에 계속 사용하지는 않았습니다만. 상당히 인상적인 제품으로 기억이 남네요. 마지막으로 정리를 해보면검증되지 않은 사제 음향판(특히 확산재)의 경우 대부분 득보다 실이 훨씬 더 큽니다. 음향재 구입시 반드시 자신의 목소리로 소리를 들어보고 판단을 하세요. 인터넷에 올라와있는 사진만 가지고는 모두 보기에는 좋지만 그것이 실제 소리에 좋지 않은 영향을 주는 경우가 많다는 것.차라리 단순히 카페트를 까는 것이 더 음악듣기에 더 좋은 경우도 많습니다. 아주 성능이 좋은 디퓨저외에는 사용하지 않는 것이 좋습니다.이러한 디퓨저는 굉장히 드뭅니다. 시판되는 유명회사의 제품들 역시 정확하게 설계 및 측정을 해서 적절한 장소에 설치하는 것이 아니라면 일반 가정에서 모양으로 보기 좋게 설치하는 경우 역시 소리가 더 나빠집니다.디퓨저가 보기에는 전문 시청실 같이 보이고 좋지만 디퓨저 보다는 흡음재 위주로 선택해서 사용해보세요공간의 크기에 따라서 달라지겠지만 흡음재는 적은수만으로도 효과를 볼 수 있습니다. 다만 흡음재 이던 확산재이던 같은 특성을 지니고 있는 것을 한쪽 벽에 모두 설치한다던가 하는 경우는 좋지 않습니다. - 극히 잘만들어진 디퓨저들의 경우는 예외시판되는 음향재들을 구입해서 사용하는 것도 좋지만 집안의 가구들 카페트. 책장. 화분등을 함께 이용해보세요.룸튜닝에 관한 이야기는 여기서 마치도록 하겠습니다~(오디오가이 스튜디오 녹음공간의 측정표 첨부파일에 있으니 관심있으신 분은 한번 보셔요)

유럽에서 이부영 "미셀그르랑을 노래하다" 와 조정아 "김죽파류 가야금 산조" 의 테스트 프레싱 LP가 도착하여 듣고 있습니다(이밖에 올해 나올예정인 가수 S의 LP)오디오가이에서 발매되는 음반외에 저의 생활하는데 필요한 업은 레코딩.믹싱.마스터링의 엔지니어이기 때문에 그동안 참 많은 가요 LP의 리마스터링 작업들을 하였습니다.이소라.전람회.들국화.부활.신중현 등등..그밖에도 오디오가이에서 이광조의 재즈음반과 김용우의 노들강변 음반을 SACD와 LP로 함께 발매하기도 하였습니다. 많은 사람들이 LP와 CD의 사운드에 관한 이야기들이 있습니다. 누구는 LP가 좋고 또 누구는 CD 혹은 음원이 좋다. 하지요.음악을 좋아하는 취향이 다른것처럼 소리도 역시 사람마다 다른것이 다르기 때문에 내 생각을 다른 모두에게 굳이 강요를 할 필요는 없으리라 봅니다. 우선 LP와 CD(이후의 고해상도 음원에 이르까지를 통칭함)의 소리에 대한 단순 두 음원매체의 차이를 이야기하기에 앞서 아날로그시대의 레코딩과 그리고 디지탈 시대의 레코딩에 대한 차이의 이해가 필요하지 않을까 싶습니다.수년간 오디오쇼 후기들 중에 빠지지 않고 늘 나오는 이야기가 있습니다."음반을 판매하는 복도부스의 소리가 좋다" 라는 것인데요. 이유는 단순합니다. 그 부스에서는 항상 소리가 좋은 음반을 틉니다.^^음악을 재생하는 매체에 따른 차이도 물론 굉장히 중요하지만 어떠한 소리의 음악을 재생하는것인가 역시 좋은 소리를 듣기 위한 굉장히 중요한 부분이겠지요.LP의 전성기 시절에는 대부분 아날로그 녹음을 하였습니다.(80년대 후반부터 90년대 초중반까지 필립스 레이블에서 나온 디지털 녹음 LP도 있지요)이시기를 60년대부터 80년대 초까지로 가정을 한다면 이당시의 음반 레코딩과 지금의 레코딩은 굉장히 많은 차이점이 있습니다.많은 사람들이 과거보다 현대의 레코딩이 좋지 않다. 라고 이야기를 합니다.  이러한 이야기를 하는 사람의 거의 전부는 CD 보다 LP를 선호합니다. 물론 클래식 음악 녹음에 있어서 60년대 영국의 데카 미국의 RCA 의 뛰어난 레코딩 프로듀서와 엔지니어들이 만들어놓은 클래식 오케스트라 녹음의 세팅은 아직도 변함없이 사용이 되고 있지요. 처음 레코딩을 공부할 시기에는 왜 레코딩 엔지니어들은 본인만의 새로운 녹음방법을 개발하기 보다는 과거의 전통을 따르는것을 더욱 더 중요하게 생각하는 것일까.. 라는 것에 의문을 가진적도 있었습니다.과거 50년전과 지금의 레코딩의 가장 큰 차이는 역시 녹음기. 아날로그 레코더와 디지털 레코더(지금은 컴퓨터) 하지만 그 음반들의 차이가 단순히 아날로그 녹음과 디지털 녹음의 차이때문일만일까요? 역사를 바라볼때 시간의 흐름에 맞추어서 함께 보는 것과. 지금의 시대를 기준으로 바라보는 두개의 관점이 다른 것처럼. LP가 사랑받던 시대에는 여기에 맞추어서 녹음이 되었습니다. 빈 소피엔잘에서의 카라얀 녹음세션 - 지휘자 바로 위 데카트리와 사이드의 아웃트리거로 사용된 노이만의 M50 마이크 데카트리와 아웃트리거 마이크의 모습을 좀더 자세히 볼수 있는 다른 레코딩세션의 사진과거의 클래식 음악 녹음에 주로 사용이 되던 마이크가 노이만의 M50(M49)등의 라지다이어프램의 튜브마이크가 중심이라면지금은 숍스. DPA. 제나이저와 노이만의 스몰다이어프램 마이크들이 훨씬 더 많이 사용이 되고 있지요. DPA 의 무지향성 마이크를 사용하여 녹음을 하는 노르웨이의 2L 의 레코딩 세션 올해 1월 베를린 필하모니 메인홀에서의 박성준 지휘자의 공연사진. 사진상에는 잘 보이지 않지만 천장에서 수십개의 숍스 마이크들이 설치되어있습니다.(이날 공연은 녹음되어 다음달에 음반이 발매됩니다.)노이만 M50으로 대표하는 라지다이어프램의 마이크들은 정상동작 하는 것이라면 고역이 굉장히 밝고 화려합니다. 2K 부터 15K까지 상당히 고역이 부스트되어있는 특성의 M50 마이크 그럼 반면에 현대 클래식 녹음의 레퍼런스라 할수 있는 숍스 나 DPA 의 스몰다이어프램 마이크들의 특성을 한번 볼까요? 위가 숍스의 무지향성 MK2 의 주파수 특성. 정말 초고역까지 플랫. 그자체이지요?(마이크앰프 부분은 CMC6)아래의 고역이 부스트되어있는 그래프는 같은 MK2 마이크캡슐을 사용하고 마이크 앰프부분을 고역이 좀더 밝은 특성의 CMC6XT를 사용했을때의 특성입니다.간혹 국내의 음향기기 측정 동호회등에서 주파수 특성이 플랫한것이 소리가 좋다! 라는 일종의 편견이 있는 글들을 많이 보았는데 이것은 완전히 잘못된 것 입니다. 숍스와 함께 클래식 녹음의 메인 마이크로 가장 많이 사용이 되는 DPA의 4006 무지향성 마이크 DPA는 숍스에 비해서 마이크의 정면에서의 소리가 더 밝습니다. 제가 가장 좋아하는 마이크 제조회사이기도 하지요. 오디오가이 스튜디오를 만들면서 정말 많은 수의 DPA 마이크들을 12개월 할부로 구입했는데 작년 일년간 할부금 갚느라 마음고생이 컷다는..^^ http://blog.naver.com/audioguy1/220597408043과거와 지금 사용하는 마이크에 따른 소리- 특히 음색의 차이 위 특성을 보면 대략 이해가 되실것입니다. 물론 지금도 과거의 빈티지 마이크들을 꾸준히 보수해서 레코딩 현장에서 사랑받고 있습니다. 물론 마이크와 녹음기가 아날로그나 디지탈인지 보다 더욱 더 많은 차이가 나는 것은 녹음을 하는 방법입니다.같은 공연장에서의 오케스트라. 같은 마이크와 녹음기를 사용한다 하더라도 어떠한 방법으로 녹음을 하는 것인지에 따라서 가장 큰 차이를 들려주게 됩니다.그럼 과거 60년대의 마이크들은 이렇게 고역이 강조된 특성을 지니고 있는 이유는 무엇일까요? 음반녹음이라는 것은 해당시대의 매체 및 사용환경에 맞추어서 함께 변화해왔습니다. 과거에 주로 사용이 되었던 하이파이 오디오시스템들은 지금에 비해서 고역특성이 현저하게 떨어지지요. 그렇기 때문에 위와 같은 밝은 특성의 마이크들로 레코딩을 하고 거기에 더해서 LP 컷팅시 컷팅머쉰의 이퀄라이저로 대부분 고역을 들어올려 더욱 더 밝고 화려한 사운드로 만들었습니다.이렇게 만드는 것이 그당시 하이파이 시스템을 가지고 있던 대부분의 환경에서 재생시 좋은 소리를 들려주지요. 사진의 1979년도 데카스튜디오의 LP 컷팅룸의 모니터 스피커를 보시면 탄노이 코너요크(혹은 코너 컨테베리) 입니다.앰프는 대부분 쿼드 303을 사용하였지요 - 데카는 로케이션 녹음시도 탄노이에 쿼드 앰프를 가지고 나갔습니다. 60-70 년대의 탄노이 스피커로 모니터링을 하면서 듣기 좋은 밝고 화려한 고역으로 만들어낸 소리가 지금도 많은 사람들이 좋아하는 데카의 사운드이지요이때 녹음이 되고 마스터링 된 음반을 CD로 만들어서 요즘의 재생기기로 들으면 어떨께 될까요? LP로 들을때에 비해서 소리가 훨씬 더 얇고 흔히 디지털 녹음의 단점이라고 하는 메마르고 건조한 소리가 납니다. 그럼 이것은 단지 CD의 소리가 얇고 차갑고 메마르고 건조한 소리이기때문에 그럴까요?물론 CD를 만들면서 생기는 디지털 필터로 인해서 LP 만큼의 가청대역 이상의 초고역이 나오지 않아서 초기의 과거 녹음들을 CD로 매체만 바꾸어서 들을때는 사람들이 CD의 소리를 좋지 않다고 생각을 하는 경우가 많았습니다. 하지만 지금은 재생기기의 물리적 능력이 크게 향상이 되었습니다.60년대 이후 오디오기기의 발전은 없다. 라고 하는 것역시 전혀 잘못된 이야기로 볼 수 있지요.지금 만들어지고 있는 넓은 재생대역의 소리를 표현할 수 있는 소리에서는 굳이 과거처럼 고역특성이 밝고 화려한 소리의 마이크를 굳이 사용할 필요가 없습니다.재생하는 측면에서 충분히 특정 대역을 부풀리지 않아도 자연스러운 오케스트라의 직접음과 공연장안에서 흩날리는 아름다운 반사음을 가정에서도 경험할 수 있기 때문이지요. 저는 개인적으로 데카의 녹음을 좋아하지 않습니다. 아니 정확하게 말하면 제가 사용하는 재생시스템에서 과거 데카의 녹음들은 잘 맞지 않습니다.고역을 지나치게 들어올려서 피곤하게 들리기 때문이지요.언뜻 들어보면 대단히 화려하고 다이나믹하게 들리지만 실제의 오케스트라의 소리와는 어찌보면 상당히 거리감이 있는 소리라고도 할 수 있습니다.하지만 거기에 맞는 재생기기로 들을때 지극히 매력적인 소리라는 것에는 동감합니다. 저는 이보다 좀더 자연스러운 소리를 추구한 필립스 레이블에서 나왔던 소리들을 좋아합니다. 특히 디지탈 녹음 초창기에 CD로는 발매되지 않고 LP로만 발매된 필립스의 음반들이 있습니다. 소리를 들어보면 정말 놀랄만큼 좋은 소리의 LP 입니다. 그럼 LP는 모두 아날로그 녹음으로 되어야 제대로된 소리가 나는 것이 아니야? 라고 생각하는 것은 어떻게 된것일까요? 전세계적인 LP의 유행과 함께 지금 새롭게 나오는 신보의 LP 중 99%는 디지털 녹음입니다. 오디오가이에서 제작된 음반 가운데 가장 많이 판매된 조정아의 김죽파류 가야금 산조의 테스트 LP를 지금 듣고 있습니다. 그동안 여러음반들의 LP용 마스터링과 직접 LP를 제작해보니 LP를 좋은소리로 만든다는 것이 상당히 어려운 부분들이 많이 있더군요. 하지만 이번 조정아와 이부영의 테스트 LP를 들어보니 정말 소리가 마음에 듭니다.. 디지털 녹음에서 마스터링까지 된것을 LP로 만들었을때 고역이 높게 시원하게 뻗지 않고 늘 소리가 답답한 느낌이 들어서..역시 LP를 만들것이면 오리지널 아날로그로 녹음을 해야하는 것인가.. 생각을 해보기도 하고.반면에 필립스의 디지털 녹음 LP를 들어보면 너무나도 멋진 소리는 과연 어떻게 만든것일까 궁금하였습니다.이번에도 LP의 소리가 만족스럽지 않으면 앞으로 LP는 더이상 제작하지 말아야 겠다.. 라고 마음속으로 마음을 먹고 있기도 했습니다만.얼마전 지인댁에 가서 최근에 높은 가격에 발매된 베를린필하모니의 LP 세트를 듣고서도 이것은 단지 CD 라는 매체에 맞는 소리를 유행에 따라 LP에만 담은것일뿐 LP 자체가 지니고 있는 장점을 살린 소리라고 생각이 들지는 않았습니다.이번 오디오가이에서 제작한 LP는 디지털 음반제작에서 습관적으로 사용을 하던 "무엇"을 제외하였고 대부분의 국내 제작 LP가 16/44.1로 컷팅이 되는데 위 음원들은 고해상도 음원에서 바로 컷팅을 하였습니다. 스튜디오에 와서 박스를 열어 LP를 들어보니 소리가 너무 마음에 드네요..ㅜ.ㅜ 확실히 알겠습니다. 디지털 녹음도 좋은 소리의 LP를 만들 수 있습니다. 

지난 1편에서 레코딩 스튜디오 조정실(컨트롤룸)의 오래된 전통인 아래 사진내용을 이야기한바 있습니다.  그럼 레코딩 스튜디오가 아닌 일반 리스닝룸에서는 어떻게 하는 것이 좋을 까요?위 그림을 자세히 보시면 아시겠지만 레코딩 스튜디오와 일반 리스닝룸에서 아주 큰 차이가 있습니다.바로 주 청취위치인데요레코딩 스튜디오에서는 위의 콘솔앞에 엔지니어가 그리고 일반적으로 뒷벽쪽에 쇼파등에 프로듀서나 아티스트가 앉아서 함께 녹음된 음악을 듣습니다.기본적으로는 콘솔 앞이 가장 정확한 소리를 들을 수 있는 청취위치라 볼 수 있겠지요. 콘솔앞에서는 일반적으로 한명이 음악을 듣고 소리를 조정하는 반면. 뒷면 라이브한 곳에서는 여러명이 음악을 듣는 경우가 더욱 더 많이 있습니다. 리스닝룸서의 청취위치는 어떠할까요? 대부분의 경우 거실 벽쪽에 오디오시스템을 두고. 뒷벽에 가까운 쇼파에 앉아서 듣습니다.사진에서처럼 거실중간에 의자등을 두고 음악을 듣는 경우가 드물다고 볼 수 있겠지요.그렇다면 리스닝룸에서는 위와 그림과 반대로 하는 것이 더욱 더 좋은 결과를 들려줄 것 입니다. 스피커 주변은 디퓨저를 사용하여 약간 라이브 하게 그리고 청취위치는 약간 흡음을 하여 데드하게 만든는 것이지요. 특히나 쇼파 바로 뒤에서 듣는 경우 청취자의 뒷벽의 소리가 다시 반사되어서 들리기 때문에 스피커 뒷쪽 혹은 청취자 뒷쪽중 한곳은 확실한 확산을 시키던가 아니면 아예 상당부분 흡음을 시키는 것이 오히려 좋은 결과를 들려줍니다.대부분의 경우 확산보다 흡음이 더 쉽습니다.지난 1편에서 이야기한것처럼 확산재를 많이 사용하면서 그 확산재 특유의 개성으로 인한 또 다른 좋지 않은 소리가 발생하는 경우가 예상보다 굉장히 많이 있기 때문이지요.같은 종류의 확산재를 스피커 뒤에 병풍처럼 펼쳐놓으면 전문 음악 감상실 처럼 보이고 보이기는 좋을 것이지만 분명 소리는 그렇지 않을 것 입니다.하지만 흡음역시 지나치게 많이 흡음을 하면 소리가 정말 좋지 않게 됩니다.그렇기 때문에 룸튜닝은 어떻게 보면 굉장히 어렵기도 또 다르게 보면 쉽게 느껴지기도 합니다.공간이 작은 곳일수록 확산보다는 흡음에서 효과가 더 좋은 반면 - 작은 공간에서 확산재는 득보다 실이 더 많을 수 있습니다.반면에 공간이 크다면 위 그림처럼 흡음과 확산을 적절히 조합을 하면 참으로 좋은 소리로 음악을 감상할 수 있게 되지요.2004년부터 2008년까지 광화문에 있는 용비어천가라는 오피스텔을 작업실로 사용하였습니다. 그전에는 집의 거실에서 아티스트들이 와서 함께 작업을 하다가 본격적으로 작업공간을 만든것은 처음이었지만 지금 되돌아 보면 작은 공간이었음에도 불구하고 청취환경은 나쁘지 않았습니다. 공간이 아주 작은 오피스텔이었기 때문에 흡음 위주로 하였습니다.청취 공간만큼 바닥에 타일카페트를 깔고 - 바닥 전체를 깔면 흡음이 너무 많이 됩니다. 스피커 뒤에 약간의 흡음재와 확산재 -  이 둘은 대부분 같이 사용하는 것이 같은 종류만 사용할때보다 효과가 훨씬 더 좋습니다.벽에 초기 반사는 패브랙 패널로 흡음을 하고.  복층 오피스텔이 천장이 4미터 정도로 높았는데 커다란 책장을 청취위치 바로 뒤에 만들었습니다.나무도 상당히 두꺼운 것을 사용하고 뒷벽에서 소리가 확산이 되면서 무게가 아주 무거운 책장이다 보니 자연스레 어느정도 베이스 트랩의 역할도 함께 하였지요. 아마 요즘 시판되고 있는 초고가의 룸튜닝재 보다 더 책장이 분명 더 좋은 효과를 두었을 것 입니다.  실제는 사진과 같이 폭이 좁아 스피커와도 상당히 근접 청취로 되어있었습니다.작은 공간치고는 꽤나 큰 사이즈의 스피커였지만 고역부터 저역까지 매끄럽게 모니터를 하면서 작업을 할 수 있었지요. 이 아이디어는 이후 통의동 1층 스튜디오에서도 비슷하게 응용하여 사용하였습니다. 이곳은 오피스텔보다 한결 사이즈의 여유가 있었고 일반적인 가정과 비슷한 상당히 라이브한 느낌으로 만들었습니다.역시 마주보는 양쪽 벽은 아주 커다란 패브랙 패널을 만들어서 벽을 채워 플러터에코를 없애고. 스피커 주변은 약간의 확산. 천장의 청취위치 위에도 약간의 확산. 스카이라인의 효과를 좋게 하기 위해서 틀을 만들어서 스카이라인 뒤로도 소리가 흡음 및 확산이 되도록 하였습니다. 뒷벽에 커다란 사이즈의 책장을 두어서 소리가 확산이 되도록 - 사진상에는 책장이 많이 비어있지만 이후에는 상당히 물건들이 차 있습니다기존에 판매되고 있는 음향재들 보다는 원하는 사양에 맞추어 가구나 인테리어등에 맞춘 흡음패널등을 제작하여 사용한 것이지요. 고가의 음향재들보다는 훨씬 더 금액이 적게 들어갑니다. 이렇게 일반적인 우리 주변에 있는 물건들 가운데 책장 및 LP 나 CD 장들은 상당히 좋은 효과들을 줄 수 있으며. 무엇보다도 커다란 나무가 있는 화분만큼 부작용이 적은 룸튜닝재는 정말 드물것입니다.해외의 오디오쇼에서 중간중간 커다란 화분이 있는 것도 이러한 이유들이지요.무거운 원형의 화분통은 일종의 베이스트랩 역할을 하며 (효과는 크지 않지만) 나무의 수많은 잎사귀들이 소리를 자연스럽게 확산해주는 역할을 합니다.나무가 클수록. 잎이 많을수록 좋겠지요어떻게 보면 무조건 고가의 룸튜닝재를 구입해서 사용하는 것보다 기존의 가구들의 배치등을 바꾸어 보는 것도 분명 좋은 방법 중에 하나일 것 입니다. 저역의 부밍이 있다고 해서 무조건 베이스 트랩을 설치하는 것보다 뒷벽과 스피커의 거리를 먼저 조정해보는 것이 훨씬 더 효과가 큰것처럼말이지요. 그럼 과연 시중에 룸튜닝재들은 모두 제값을 못하는 것일까요? 최근에 판매되고 있는 것중에 눈여겨 볼만한 몇가지 제품들에 대해서 이야기를 해보고자 합니다. 먼저 타공판입니다.타공판 하면 왠지 저렴한 건축자재로 하이파이 오디오에는 잘 어울리지 않을 것 같지만 가장 손쉽고 경제적이면서 효과가 좋습니다. - 특히 마주보는 벽면에서 생기는 플러터에코를 거의 완벽하게 잡아줍니다.  지난 통의동 4 층 오디오가이 스튜디오의 천장에도 타공판을 설치하여 바닥과의 반사음의 중첩을 효과적으로 조정할 수 있었습니다만 이 당시 제가 애타게 찾고 있던것이 바로 사진과 같은 구멍의 크기가 다른 타공판입니다.국내에서 판매되고 있는 대부분의 타공판은 구멍의 크기가 통일되어있고 원하는 사이즈로 타공이 가능하기는 하지만 사진의 제품처럼 하나의 판에 여러 사이즈의 구멍이 있으면 흡음의 주파수를 더욱 더 넓게 할수 있어서 굉장히 효과적입니다.자세한 주파수 특성등의 사양은 아래의 링크에서 확인할 수 있습니다. http://www.artnovion.com/categories/3-architecture-engineering이렇게 룸튜닝재의 주파수 특성을 명확하게 표기하고 있지 않은 제품은 구입을 하지 않는 것이 좋습니다. 특히 위 회사의 타공패널들은 종류와 특성면에서 굉장히 다양하고 탁월하게 성능이 좋아보여 현재 오디오가이 스튜디오의 내부 음향 리모델링에 사용을 검토하고 있습니다. http://www.artnovion.com/categories/1-pro-audio특히 위 링크의 같은 타공판이지만 베이스트랩 역할을 하는 제품과 함께 사용시 굉장히 좋은 결과가 기대됩니다.다음으로 가장 많이 사용이 되는 폼소재의 확산재중 눈여겨 볼만한 제품 http://www.artnovion.com/categories/1-pro-audio위 타공판과 같은 회사의 제품으로 기존의 R사의 것보다 우선 깊이가 더 깊고 측면에도 초고역대 확산을 위한 부분들이 있어 아무래도 최근에 나온 제품이라 폼소재의 확산재 중에 상당히 좋은 효과가 기대되는 제품이라 할 수 있을 것 같습니다. 확산하는 주파수가 그래프와 같이 상당히 넓고 평탄합니다.어지간한 값비싼 나무소재의 확산재보다도 낮은 투자비용으로 좋은 결과를 줄 수 있는 제품이라 생각합니다.이번 오디오쇼에서 마침 샘플을 확인할 수 있었는데 만듬새가 좋지 않은 저가의 중국산에 비해서 만듬새 역시 우수합니다.다음으로는 나무로 된 확산재 사진은 아마도 샘플촬영을 위한 이미지컷이라 생각됩니다. 실제로 이렇게 설치하면 위에서 여러번 의견 드린것처럼 분명 소리 좋지 않을 것 입니다^^하지만 이 제품의 특성을 보면 상당히 평탄합니다. 분산이라는 것이 물리적으로 보면 전기에너지를 열에너지로 바꾸어주는 것이라 볼 수 있는데. 위 그래프에서 처럼 상당히 넓은 대역의 확산이 가능합니다. 그리고 이러한 우리가 딱 음향판이라 생각하는 제품들외에 재미있는 아이디어로 만들어진 제품들도 우리가 미처 발견하지 못했을 뿐 굉장히 많을 것 입니다.예를들어 이러한 제품 한번 보시지요. 인테리어 제품 같지만 음향적인 효과도 함께 합니다. http://www.offecct.se/en/products/acoustic-panels/membrane이밖에도 관심있는 여러 제품들이 있지만 상세한 스펙을 공개되지 않은 제품들에 대해서는 이야기하기가 조금 어려운 점이 있습니다.(제가 모르는 관련 제품 및 내용에 대한 메일 환영합니다. audioguy1@naver.com)룸튜닝재를 선택할때는 현재 룸에서 필요한 부분이 흡음인지 확산인지 생각한후. 무조건 사용하면 좋다! 라는 것보다는 제품의 스펙 및 성능을 정확하게 이해한후에 결정을 해야합니다모든 집의 환경이 다른데 어떻게 항상 좋은 결과만 내어주는 룸튜닝재가 과연 존재할 수 있을런지요?  

편안하고 좋은 곳에서 음악을 듣는 것만큼 기쁘고 행복한 일이 없습니다.   게다가 좋은 소리로 듣는 다면 더할나위 없이 그 음악적인 그리고 음향적인 감동이 배가되지요.    하지만 오디오기기들은 마음만 먹으면 바꿀 수 있지만 음악을 감상하는 환경은 현실적으로 제약이 따르지요.    그렇기 때문에 본인의 청취공간에서 최대한 더욱 더 좋은 소리를 듣기 위해서 많은 분들이 "룸튜닝재" 라는 것을 사용합니다.     저도 스튜디오의 컨트롤룸에서 음악을 들을때와 다른 환경에서 들을때 소리는 차이가 납니다.    사용하는 기기도 다르지만 공간의 울림(성격)이 다르기 때문에 소리도 다르게 들리는 것이지요.      레코딩작업을 하면서 악기의 소리라는 것이 단순히 악기에서 마이크로 전달이 되는 직접음만 뿐만 아니라 공간에 울리는 반사음이 직접음과 조화로워야 좋은 소리를 담을 수 있다고 생각하게 되었습니다.    그렇다면 이러한 소리를 재생할때는?    어느분은 녹음실에서 아티스트와 엔지니어가 최종적으로 결정한 그 소리 그대로를 가감없이 들려주는 것이 좋은 소리이다. 라고 말하기도 하지만 그렇다면 스튜디오의 대부분의 컨트롤룸 처럼 음향환경을 만들면 간단할 것 입니다.   레코딩 스튜디오(마스터링 스튜디오 포함)의 기본적인 룸어쿠스틱을 만드는 방법에 대해서 잠시 이야기해보고자 합니다.    오래전부터 레코딩스튜디오의 컨트롤룸은 지나치게 흡음이 되거나. 혹은 지나치게 반사가 많이 되어 스피커에서 재생이 되는 소리를 정확하게 파악하기 힘들다면 좋지 않겠지요.    전통적으로 오랜시간 동안 변함없이 레코딩 스튜디오의 컨트로룸은 라이브 & 데드 (live end dead)에 의하여 만들어집니다.    데드하다는 것은 소리를 흡음해서 울림이 많지 않다는 것   라이브는 울림을 적절하게 난반사 시키는 것을 의미하지요.     이렇게 스피커 주변은 흡음위주로 하고 스피커 뒷벽은 라이브하게 확산위주로 하는 것이 일반적입니다    위 그림처럼 각도가 되어있는 것은 소리라는 것이 서로 평행으로 마주보는 벽면에서 생기는 플러터 에코 및 정재파(스탠딩 웨이브)를 피하기 위한베이스 트랩인데요   플러터에코 : 마주보는 두 벽에서 초기반사음들이 반복적으로 반사되어 튀면서 생기는 현상으로 이로인해서 소리의 불균형이 생겨 좋지 않습니다.    정재파(스탠딩웨이브) 코너에서 저음부분의 파장이 서로 증폭되는 현상으로 음악 감상시 원음에는 없는 룸에서 생기는 저음과다의 부밍의 주범이기도 합니다.    그래서 대부분의 스튜디오들은 위 그림처럼 가급적이면 직각의 코너를 만들지 않고   서로 마주보는 벽면의 경우 한쪽은 흡음 다른 한쪽은 확산을 해서 플러터에코가 일어나지 않게 합니다.    단순히 이야기하면 그럼 모두 흡음을 하면 쉽지 않을까 하지만.   대부분의 흡음은 중고역 위주이고 저음역까지 골고루 흡음을 하려면 벽체를 굉장히 두껍게 만들어야 하는데 그럼 공간의 30% 이상을 저음 흡음을 위한 공간으로 잃어버리게 됩니다.   지금 오디오가이 스튜디오의 컨트롤룸의 경우는 외부에 디퓨저등을 산만하게 붙이는 것이 싫어서 패브릭으로 마감시 내부에 흡음과 확산을 함께 할 수 있도록 사진과 같이 만들었습니다.   스튜디오 공사에 관한 내용들    http://blog.naver.com/audioguy1/220576175890    그리고 그위를 깔끔하게 패브릭으로 마감을 하였지요.    위 첨부한 그림처럼 벽을 각을 주거나 하지는 않았습니다. 이미 공간 자체가 충분히 플로팅 되어있고 천장으로 1미터. 바닥으로도 상당히 높게 여러 진동과 차음을 위한 공간들을 두었고 이로인해서 내부의 부밍이 생기지 않도록 만들었으니까요.    그래서 스튜디오 컨트롤룸에서 음악을 들을때 스피커 앞에서 듣는것과    뒤에서 듣는것이 크게 차이가 없습니다. - 대부분은 뒷벽과 가까운 뒤에서 들으면 저음이 증폭되어 들리는 경우가 많습니다.      음악을 청취하는 곳에서의 실내음향의 경우도 이러한 레코딩 스튜디오 컨트롤룸의 기준을 적용할 수 있을 것 입니다.   하지만 대부분의 리스닝룸들을 보면 엄청나게 많고 화려한 룸튜닝재들이 설치되어있는 경우를 종종 볼 수 있습니다.   이제는 룸튜닝재는 본연의 효과보다는 "음향적인 인테리어" 적인 효과에 더욱 더 무게가 가는 느낌입니다.      룸튜닝재를 사용할때 꼭 드리고 싶은 이야기가 있습니다.   첫번째는 "세상에 그 어떤 룸튜닝재도 얻는 것이 있으면 잃어버리는 것이 있습니다."   두번째는 "룸튜닝재를 지나치게 많이 사용하면 아무것도 사용하지 않은 것보다 훨씬 못한 소리가 나옵니다."      많은 분들이 룸의 청취환경의 개선을 위해서 룸튜닝재를 사용을합니다. 현실적으로 위 레코딩 스튜디오의 컨트롤룸처럼 아예 음향적인 공사를 할 수 있는 리스닝룸은 많지 않으니까요.   지금 스튜디오 바로 직전의 통의동 오디오가이 스튜디오   http://blog.naver.com/audioguy1/90192318719   좌측에있는 모사의 음향패널은 처음 공사때는 없었던 것이었습니다.    플러터에코를 피하기 위해 마주보는 한쪽 벽면에 우측에 있는 것처럼 상당히 큰 흡음패널을 만들어서 걸었고    반대편은 일반적인 벽마감으로 하였습니다. - 석고보드위에 페인트    혹시나 룸튜닝재를 사용하면 좀더 좋아지지 않을까 하는 막연한 기대감에 좌측에 보이는 것처럼 8개의 음향재를 벽을 파서 넣었습니다. - 외부로 나오는 것은 공간이 좁아져셔 역시 싫으니까요^^   그리고 나서 녹음을 하고 소리를 들어보니 깜짝 놀랐습니다.    이때 확실하게 깨닫게 되었지요.    같은 성향의 룸튜닝재를 모아서 사용하면 그 "룸튜닝재의 성향"이 지나치게 크게 반영이 되어 소리가 변합니다.    위 사진의 공간의 경우는 중역대에서 소리가 오히려 불분명해지고 중고역대에서 위상차이로 인한 음색변화가 느껴져서 나중에 무척 후회를 하였지요.   하지만 보기는 좋았습니다. 무늬목 마감이었지만 나무색도 마음에 들었고요.     사진에서 처럼 같은 룸튜닝재가 많이 사용된 공간에서는 그 룸튜닝재의 특성으로 인한 소리가 바뀌게 되는데.    대부분 이것은 아무것도 하지 않은 것보다 훨씬 더 못한 결과를 들려주게 됩니다.   하지만 보기가 좋고 마음이 안심이 되니.. 좋아졌으려니..하고 듣게되는 경우가 사실은 더 많을수도 있지 않을까요?   사진에서처럼 많이들 사용이 되는 분산재 효과는 이름과 같습니다.    이름이 "스카이라인"이지요. 보통 천장에 위와 같은 룸튜닝재를 붙이게 됩니다.   붙이는 이유는 무엇일까요?    흔히 천장이 높은 곳이 소리가 좋다 - 라고 이야기를 하는데 천장이 높은 곳은 왜 소리가 좋은가요?    이것은 원음과 반사음 - 정확하게 말하면 초기반사음과 관련이 있습니다.   초기반사음 - 소리는 원음이 어떠한 공간에서 울려퍼질때 사방의 벽과 천장으로 크게 반사되는 소리를  초기반사음이라 하고    이후에 수없이 반사되는 소리를 잔향이라 합니다.    대부분 초기반사음은 음색에 직접적인 영향을 주고   잔향은 공간감에 영향을 줍니다.    천장이 높은 곳과 낮은곳은 어떠한 차이가 있을까요?    스피커가 설치된곳의 천장이 낮으면 스피커에서 나오는 소리의 초기반사음이 청취자에게 빠르고(음량이 크게) 전달이 됩니다.    천장이 높으면 스피커에서 나온 직접음을 청취자가 정확하게 먼저 듣고 난 이후에 초기반사음이 청취자에게 전달이 되게 되지요.   스피커의 직접음과 천장에서의 초기반사음이 섞이게 되면 음색이 불문명하게 됩니다.      위와 같은 스카이라인이라 명명된 분산재의 경우 천장이 낮은 곳에서 설치를 하고    소리의 초기반사음이 분산재의 여러 굴곡들에서 반사를 하면서 청취자에게 바로 반사음이 전달되지 않고    천장(룸튜닝재가 설치된)곳에서 소리가 머무는 시간을 길게 만들어주는 효과 입니다.      정말 많은 분들이 흔하게 많이들 이 룸튜닝재를 사용하고 있지만 정작 어떠한 효과를 주는지 어떻게 사용을 해야 하는지에 관해서는 잘알려져 있지 않고 설치가 되면 의례 소리가 좋아졌으리라 하고 생각을 하고 듣게 됩니다.    위 사진에서는 이분산재를 스피커 뒤 벽면에 설치하였고 led 등을 달아서 인테리어 효과로 사용했습니다.^^   굉장히 가벼운 폼재질 특성상 이 분산재의 초기반사는 중고역에 한정되어있고 가격대비 효과가 좋은 제품이고.  다른 룸튜닝재들에 비해서 많이 사용했을때 그 룸튜닝재 특유의 좋지 않은 개성이 적은 편입니다.     잠시 이 회사의 사장이 처음 룸튜닝재를 개발하게 된 사연에 관해서 잠시 이야기를 해볼까요?    음악을 좋아하던 이사람집에 나비 표본이 있었습니다.    지금이야 거의 없어졌으면 우표나 나비의 종류들을 수집하는 것이 과거에는 전세계적으로 크게 유행을 했었지요.    어느날 시간이 남아 벽에 걸려있는 나비표본의 위치를 다르게 바꾸어 보았습니다.   그리고나서 음악을 들어보니 소리차이가 많이 나는 것입니다.    그래서 이후로 수많은 뛰어난 음향재들을 개발하고 만들어내게 되었지요.   늘 세상에 많은 것은 작은 발견에서 시작이 되는 경우가 많이 있으니까요.      1탄은 여기서 마칩니다. ^^    

  월요일 오전. 성악녹음을 하고 있습니다.   오디오가이 스튜디오에서는 정말 많은 클래식 음악 녹음들을 진행하는데 그중에 가장 많은 분야는 역시 성악이라고 할수 있겠네요.   실제 공연에서의 피아노와 성악가의 위치와 이렇게 녹음시의 위치는 또 달라지게 됩니다. - 이것은 레코딩 엔지니어에 따라서 모두 위치하는 부분이 달라집니다.   EMI의 월터레그가 본인의 자서전에서 이야기를 한적이 있습니다.   "내가 프로듀서로 하는 일중 가장 중요한것은 아티스트의 의자 위치를 조정하는 것과. 녹음중에 언제 쉴지 결정하는 것이다" 라고 말이지요.   아티스트가 녹음시 어떻게 자리를 하느냐에 따라서 서로의 마이크들에 들어오는 간섭음의 색깔이 달라지기 때문에 자리는 굉장히 중요한 부분입니다.   이렇게 서로를 마주보면서 연주(녹음)을 하면 호흡을 맞추기 쉽다는 부분이 있고 지향성 마이크를 사용하는 경우 마이크의 뒷면에서 서로 소리들의간섭음이 들어오기 때문에 믹싱시에 더욱 더 깨끗한 소리를 얻을 수 있습니다.   그래도 예상과는 다른 소리를 들려주는 경우도 많이있습니다. 피아노이던 목소리이던 사람에 따라서 전혀 다른 소리를 내어주니까요. 그래서 녹음작업이라는 것이 더욱 더 재미있는 것일런지도 모르겠습니다.

시간의 흐름에 몸과 마음을 기대어 음악과 소리에 함께하는 나날들가운데 최근 발매한 이부영의 "미셀르그랑을 노래하다" 음반의 소감이 좋아 감사한 마음이 듭니다.   눈에 보이지 않는 소리를 마이크를 이용하여 녹음후 여러분들에게 아름다운 음악으로 들릴 수 있게 하는 것이 제가 하는 일이지요.   어찌보면 음악이라는 것이 삶에 반드시 필요한것인가 할수도 있을 것입니다.    하지만 그것이 극히 일부분이라도 누군가의 마음을 사로잡으며 그 사람의 인생에 함께 하고 있다는 것 역시 믿으며 지내고 있습니다.     아티스트들이 녹음하는 장소에 와서 음악을 연주합니다.    노래와 기타. 그리고 관악기. 노래가 사람에 따라서 목소리가 다른것뿐만 아니라 많은 보컬리스트들은 자신의 목소리를 통해 음악을 표현하는 데 있어서 그 안에 "소리" 가 포함이 되어있습니다.   그리고 이번음반에 있는 클라리넷이나 바리톤 색소폰도 마찬가지로 연주자가 어떠한 호흡과 주법에 따라서. 사용하는 악기와 그 악기가 길들려있는 것에 따라   기타역시 악기 뿐만 아니라 연주하는 사람의 주법 및 미세한 손톱의 모양에 따라서도 모두다 소리가 크게 달라집니다.    많은 것들이 얼핏보면 생김새가 비슷해 보이지만 그 가운데 정말 같은것은 세상에 존재하지 않는 것처럼 말이지요.    아티스트들은 자신만의 소리를 위해서 자신의 인생에 굉장히 오랜시간을 투자해서 만들어 갑니다.    이것은 단순히 몇달 혹은 일이년만에 만들어갈수 있는 것은 아니니까요.      하지만 녹음이라는 과정을 통해서 그 아티스트만의 고유한 개성 그리고 장점들이 사라지는 경우가 많이 있습니다.    여러 과일들을 믹서에 넣어서 갈아서 짬뽕이 된 이상한 맛이 느껴지는 것보다는 저는 그냥 신선한 과일하나를 다른것 아무것도 넣지 않고 갈아서 마시는 것이 좋더군요.    커피도 아무리 뛰어난 바리스타가 만든 블렌딩 보다도 역시 좋은 원두의 싱글오리진을 훨씬 더 선호하지요.    그날의 기분과 느낌. 마시시는 장소 무엇보다도 함께하고 있는 사람에 따라서 선택하게 되는 커피는 달라지게 되는 것이니까요.      연주하는 것을 보면서 들을때는 음악이 훨씬 더 가깝게 다가옵니다. 우리는 귀 뿐만 아니라 심장으로도 함께 듣기 때문이지요.    하지만 녹음을 하는데 핵심기기인 마이크는 뛰어난 귀는 있지만 심장은 지니고 있지 않습니다.   녹음이라는 것이 디지털로 기록이 되면 숫자가 되어버린다 하지만 그것이 다시 재생이 되어 우리에게 들려질때 그 안에 "감정"을 느낄 수 있도록 하는것이 제가 생각하는 좋은녹음입니다.    많은 음반들에 담긴 소리들은 어찌보면 싸우는 것 같습니다. 갈수록 크고 자극적이고 많은 시간 들으면 귀를 피로하게 만들어 오랜 음악팬들을 음악에서 멀어지게 하는 것을 음반제작계는 최근 십수년간 겪어왔지요.  이를 통해 보다 좋은 소리를 원하는 고해상도 음악파일들이 생겨난것은 반가운일이기도 합니다.      오디오가이 스튜디오안에서 세사람이 사진과 같이 연주를 하였습니다.- 관악기는 보컬앞에 있는 부스안에서 연주.   보컬과 기타는 함께 같은 장소에서 녹음을 하는 것을 저는 굉장히 좋아합니다. 다들 그러면 소리가 섞여들어가서 탁해지지 않는지 반문합니다. 물론 소리가 함께 들어갑니다. 게다가 어쿠스틱 기타는 소리가 작기 때문에 마이크프리앰프에서 많은 레벨을 증폭하게 되는데 이 경우 보컬마이크의 소리가 어쿠스틱 기타 마이크로 간섭음으로 많이 들어가게 되지요.   반대로 보컬마이크에도 보컬과 기타 이 두사람의 거리만큼이나 멀게 기타소리가 들어가게 됩니다.    이렇게 자연스럽게 소리들이 섞이면서 생겨나는 "공간감"이 큰 차이를 만들어 주지요. 악기 앞에 마이크를 가깝게 두고 설치를 해서 녹음을 하고 좋은 모니터링 환경에서 들어보면 음악의 생동감이 녹음이라는 과정을 통해서 사라져 버린다는 것을 느낄 수 있습니다.   위에서 이야기한 것처럼 마이크는 심장이 없으니까요.    그리고 소리라는 것을 우리가 들을때 음원의 가까이 바로 앞에서 듣는것이 아닌 그 음원체와 주변환경에서 울리는 소리를 함께 듣는 다는 것을 기억해야 합니다.    사실상 우리의 뇌는 이 소리를 더욱 더 좋고 자연스럽다 느끼기 때문입니다.    어쿠스틱 기타에는 DPA 4011 마이크는 XY로 설치하였습니다.  사실 이것은 어쿠스틱 기타 소리만을 위한것이 아니라 기타 마이크에 전해들어오는 보컬의 소리를 위함이지요.    기타에 하나의 마이크만 사용하는 경우 기타마이크에 들어오는 보컬의 소리도 모노로 되지만   이렇게 기타에 스테레오 마이킹을 사용하면 기타마이크에 들어오는 보컬의 소리도 스테레오로 됩니다.    좀더 자세하게 이야기를 하자면 공간에 울리는 보컬의 울림을 어쿠스틱 기타의 마이크로 함께 녹음을 하는 것입니다.   기타리스트 박윤우   클라리넷. 바리톤색소폰. 소프라노 색소폰을 연주한 여현우      처음부터 SACD의 발매를 예정한 음반이기에 녹음은 DXD(24bit/352.8Khz) 로 하였습니다만 아쉽게도 일정상 CD 로 출시되었고 SACD 대신 LP로 현재 제작하고 있습니다.   고해상도 녹음 및 재생에 관해서 여러의견들이 있지만. 그 길을 아는 것과 가는 것은 또 다른 문제라고 생각합니다.    머릿속에서 생각하고 아무리 오랜시간 연구만 하고 그 길에 대해서 생각을 하는 것보다는 결국 실제로 걸어보면서 더욱 더 잘알게되는 것처럼 말이지요.    녹음후 아날로그 콘솔을 통해서 믹싱을 하였습니다만 대부분 녹음시 각악기의 밸런스 까지 맞추어서 녹음을 하기에 아날로그 콘솔의 색채감을 살짝 더하는 용로정도로만 페이더로 볼륨만 조정하였습니다.    녹음후 믹싱과정에 있어서 음색을 조정하는 이퀄라이저와 음색 및 레벨을 조정하는 컴프레서를 전혀 사용하지 않았는데 이유는 처음 녹음당시부터 머릿속에 그리는 소리에 최대한 가까운 소리로 녹음을 하고 이후 후반작업에서는 음악적인 밸런스를 조정하는 것에 집중하는 것이 좋다고 생각합니다.    그래서 음반크레딧에 보면 레코딩 믹싱 마스터링 엔지니어가 아닌 "밸런스 엔지니어"라 표기를 합니다.   많이들 중요하게 생각을 하는 마스터링에 관한 부분에 있어서도 오디오가이 레이블의 음반에서 마스터링의 역할은 다른 팝음악들에 비해서 무척 적은 편입니다. 마스터링에서는 곡순서와 곡간의 간격 및 볼륨레벨을 조정하는 작업들을 하고 역시나 마스터링 과정을 통해서 음색을 조정하지는 않습니다.  - 필요에 따라서 조정하는 경우들도 있습니다.   마이크프리앰프는 멀징 호러스의 내장프리앰프 및 AD컨버터. 레코딩 및 믹싱의 모니터 스피커는 PSI AUDIO A25M 이 사용되었으며 마스터링시에는 제나이저 HD800 헤드폰으로 작업하였습니다. (RME ADI2PRO 로 모니터링)   24/96 Flac 샘플음원을 아래에서 다운받아서 들어보실 수 있습니다.  http://www.mediafire.com/file/8ur0pag7xtm26r4/04_I_will_wait_for_you.flac   음반리뷰 http://www.vop.co.kr/A00001110368.html http://www.mydaily.co.kr/new_yk/html/read.php?newsid=201701261728581131&ext=na   오디오가이 음반샵 http://storefarm.naver.com/audioguy/products/616768154  

오디오가이에서 제작한 피아노 솔로 음반 한장이 발매되었습니다.    이한얼 " PIANO IMPROVISATIONS"   사람의 목소리와 더불어 참으로 오랜시간 아마도 평생 저를 강렬히 사로잡는 악기가 있다면 그것은 바로 피아노 일것입니다.   그래서 어떠한 녹음들 보다 여러 녹음방법 및 세팅에 관해서 많은 연구를 하는 악기이기도 하지요.   과거에는 보다 투명하고 선명하고 맑고 깨끗한 소리로 피아노 녹음을 하는 것을 추구했습니다.    DG에서 나온 윤디리의 리스트 음반처럼 말이지요.    넓고. 강렬하고. 귀를 자극할만한 강한 타건이 느껴지는 그러한 녹음.    그러다가 어떠한 한 음반을 만났습니다.      마틴슈타트펠트의 바흐 평균율    이 음반의 피아노소리를 듣고 제가 진정으로 좋아하는 피아노 소리가 무엇인지 알게되었습니다.   풀오케스트라와의 협주곡에서도 밸런스를 맞출 수 있는 그랜드피아노의 강렬함보다는    공연장에서 약간은 피아노와 거리가 떨어진채, 피아노 자체의 소리와 더불어 공간안에 흩날리는 여운이 함께 하는 것을 좋아한다는 것을 말이지요.     레코딩엔지니어가 좋은 소리를 녹음하려면 기술도 중요하지만 아름다운 소리로 음악을 연주하는 아티스트를 만나는 것이 참으로 중요합니다.    특히나 피아노의 경우는 같은 장소  같은 피아노라도 연주하는 사람에 따라서 가장 소리차이가 큰 악기이기도 하지요.   참으로 신기합니다.    우리는 초등학교시절 피아노를 배울때 건반의 강약 그리고 소리의 지속을 위한 페달링을 배웠지. 대부분의 동네 피아노 학원에서는 보다 아름다운. 나만의 소리로 피아노를 다루는 방법을 가르쳐 주는 경우는 드문편이니까요.      새로운 통의동 오디오가이 스튜디오를 만들면서 참으로 많은 고민끝에 선택한 피아노   http://blog.naver.com/audioguy1/220527336831   뵈젠도르퍼는 스타인웨이처럼 강렬한 소리가 아닌 부드럽고 풍부하게 울리는 소리입니다.  많은 피아니스트들에게 익숙한 악기는 아니기 때문에 대부분 악기의 장점보다는 단점이 들어나는 경우가 많습니다.    하지만 이한얼같은 뛰어난 피아니스트의 경우는 어떤 악기를 연주하더라도 늘 섬세하고 아름다운 소리로 연주합니다.      음반녹음에 앞어서 스튜디오에서 솔로로 먼저 공연을 했습니다.   음반에 실제로 이날 공연의 2곡도 수록이 되어있지요.   https://www.youtube.com/watch?v=JhA6w9GN65M   아무래도 이날은 스튜디오안에 관객이 함께 하였기 때문에 소리들을 많이 흡음하며 잔향이 그리 길지는 않습니다.    그렇다고 해도 녹음후 후처리로 이펙터등을 잔뜩 넣어서 그당시만 듣기 좋은 소리를 만드는 것은 제가 좋아하는 것은 아니지요.     녹음세팅과 곡은 위 공연과 거의 동일하지만 실제 음반의 수록된 소리는 보다 울림이 풍부합니다.   억지로 프로세서를 더해서 만든것이 아닌 연주자가 오디오가이 스튜디오안에 되돌아 오는 울림을 충분히 들으면서 거기에 맞추어서 연주를 한것입니다.   투명한 피아노소리와 울림 그리고 깊은 저음을 녹음이라는 과정을 거쳐서 사라지지 않고 그대로 담을 수 있도록 노력하였습니다.    피아노의 저음은 양이 많기 보다는 그 복잡한 배음과 여음으로 인해서 깊이감이 느껴지는 것이 더욱 더 중요하니까요.        하루에 즉흥으로 연주된 음악들은 때론 조금 어렵게 느껴질수도 있겠지만 소리에 빠지며 집중해서 듣다 보면 내가 마치 연주하고 있는 피아니스트인것처럼 느껴집니다.   인간은 누구나 예술성을 지니고 있고 마치 내 몸에서 음악이 퍼져나가는 것 같은 느낌.    이것이 바로 즉흥음악의 매력이라 할수 있을 것 입니다.      그동안 제가 녹음한 피아노 소리 가운데 가장 마음에 드는 음반. (DXD로 녹음했고 SACD로 출시했습니다.)   녹음하는 모든 음반 한장한장 다 이렇게 아름다운 소리로 기록하고 남길 수 있다면 정말 좋겠습니다.    아래 링크에서 첫곡 다운로드 받으실 수 있습니다.   16/44.1 파일   http://www.mediafire.com/file/po2lfgsyda5qnbq/01.+Calling.wav   DSD 파일   http://www.mediafire.com/file/rtk55jcv7bophqj/01_+Calling.dff   http://storefarm.naver.com/audioguy/products/624705048    

여러 하이파이 오디오 관련 커뮤니티에서 고해상도 음원에 관한 여러가지 글들을 보게 되는데 그중에 상당부분 정확하지 않은 내용들이 많이 존재합니다.   개인적으로 "고음질 음원" 보다는 "고해상도 음원"이라 표기하는 것을 선호합니다만 여기서는 일반적으로 많이 사용되고 있는 고음질 음원이라는 단어를 사용합니다.    그중에서 가장 의견이 분분한 DSD 에 관해서 이야기를 해보고 싶습니다.      우선 DSD는 세상에 나온지 상당부분 시간이 흘렀습니다.    국내에서 첫 순수한 DSD로 레코딩되어서 나온 음반은 아래의 음반입니다.   http://www.yes24.com/24/goods/343378   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=205&sfl=wr_subject%7C%7Cwr_content&stx=DSD&sop=and 그리고 위 글을 썼을때까 2002년이었으니까요.   그사이 DSD는 DSD 64에서 DSD 128, DSD 256 으로 더욱 더 높은 샘플링 레이트를 지니게 되며 진화해오고 있습니다.     먼저 DSD 에 관해서 첫번째로 여러분들께서 알고 계셔야 하는 부분은 "순수한 DSD 음원은 없다" 입니다.    녹음이라는 작업 특성상 필연적으로 편집이 함께 하게 됩니다.    여기서 말하는 편집이라는 것은 여러 음악적인 부분들을 잘라서 붙이는 것뿐만이 아닌. 음량을 조정하거나 음반에 수록이나 파일로 만들기 위해서 곡의 앞과 뒤를 자르는 등 음반제작에서 필연적으로 발생하게 되는 이러한 작업들이 DSD의 1비트 상에서는 불가능합니다.    처음부터 DSD로 녹음이 된다 하더라도 이러한 작업을 하기 위해서는 필연적으로 DSD 신호를 다시 PCM 으로 변환 한다음. PCM 상에서 여러 편집작업을 거친다음에 다시 DSD 로 변환하는 아이러니한 과정이 존재합니다.   그럼 처음부터 PCM으로 녹음을 하고 나중에 DSD로 변환을 하는것과 처음부터 순수하게 DSD로 녹음이 되는 것은 차이가 없는 것이 아닐까요?    DSD 는 편집이 어려운 이러한 문제를 처음부터 안고 태어났습니다.   일본에서는 DSD 즉 SACD 에 대한 논의가 오갈시 많은 의견들이 있었지요.   출시된지 20년이 넘은 CD의 포맷 16비트 44.1Khz 가 넘는 그 이상의 고해상도의 포맷이 필요하다는 내용이었습니다.   사실 90년대 후반 DAW 가 출현하면서 전세계의 음반녹음 제작은 16비트에서 24비트 시스템으로 바뀌게 됩니다.    그래서 새로운 SACD의 포맷은 20비트 88.2 나 24비트 96Khz 등의 이야기가 오고갔으나 DSD 라는 새로운 것으로 보이는(?) 포맷으로 결정이 됩니다.    사실 DSD 의 아버지는 많은 분들에게도 친숙한 초창기 CDP에도 있던 컨버팅 방식중에 하나 델타시그마 방식의 높은 오버샘플링 내용을 좀더 확장하고 응용한것으로 볼 수 있습니다.     초기 DSD 제작 시스템은 소니와 플레이백 디자인의 안드레아스 코치. 그리고 EMM LAP 의 에드마이트너가 함께 만든 소니의 소노마 시스템입니다.    http://www.superaudiocenter.com/Products.htm   http://www.superaudiocenter.com/images/Sonoma32.pdf   초창기 발매된 대부분의 DSD 녹음 및 SACD 는 이 레코더를 통해서 작업이 되었습니다.    그런데 위에서 DSD는 1비트가 편집이 되지 않는다고 했는데 소노마에서는 어떻게 하였을까요?    소노마에서는 아주 복잡한 이퀄라이저나 컴프레싱등이 되지는 않습니다 DSD 자체에서 이러한 DSP 자체가 이루어지지 않으니까요.    하지만 단순한 볼륨조정과 페이드인아웃등의 편집은 소노마에서도 가능하였는데.    순수한 DSD 로 녹음을 하고 위와같은 단순한 편집을 하는 지점만 순간적으로 5비트로 변환을 해서 편집이 되도록 하였습니다.      이렇게 처음부터 DSD는 편집의 부재라는 음악제작에서는 치명적인 문제를 안고 탄생을 하게 되었지요.   그리고 소노마는 처음 DSD를 위한 데모스트레이션용이라 할 수 있어서 상업적으로 음악프로덕션에 많이 사용되기에는 여러가지 문제점들이 있었습니다.    그래서 많은 회사들은 포맷은 SACD 이지만 대부분 24/96으로 녹음 및 마스터링을 하고 최종 24/96음원을 DSD64 로 디지털 컨버팅 하여 SACD들을 제작해 왔습니다.   스웨덴의 BIS나 대부분의 회사들이 그랬고 유니버셜 뮤직의 SACD 들은 심지어 24/48 의 마스터 음원을 DSD로 변환을 해서 SACD를 만들었으니까요.    소노마 이후 영국의 SADIE에서도 DSD 작업이 가능한 DSD2 와 DSD8 을 내어놓게 되었고 스위스의 멀징테크놀러지도 DSD 녹음 및 편집을 가능하게 만듭니다.    하지만 이후 SACD는 시장에서 급격하게 사양길에 접어들게 되었고 대부분의 회사들이 SACD를 더이상 제작하지 않게 되었지요.      하지만 음반에서 음원으로 시장이 바뀌면서 DSD는 제 2의 도약을 하게 됩니다.    많은 사람들에게 지적을 받았던 DSD64 의 가청대역과 밀접하게 붙어있는 엄청난양의 노이즈.   실제로 DSD의 높은 용량중에 음원이 모두 차지하는 것이 아니라 불필요한 가청대역 이상의 노이즈 성분들이 많이 차지하고 있습니다   특히나 DSD 64는 가청대역 바로 위에 노이즈들을 이동해두어서 이점을 많이 지적을 받았고   이러한 DSD의 고주파에 있는 노이즈 성분들이 스피커의 트위터나 앰프를 고장나게 할수도 있다는 경고를 받기도 했습니다(하지만 실제로 그러한 일이 있다는 글은 아직 보지 못했습니다.)    DSD 음원이 SACD 포맷인 DSD64를 넘어서 DSD 128 거기에 DSD 256 이 되면서 가청대역보다 훨씬 더 높은 곳에 DSD 제작지 생기는 노이즈 성분들을 올려보낼 수 있게 되었고. 음질상에서도 PCM 24/48 과 24/96의 차이만큼이나 큰 차이를 지니게 됩니다.    하지만 복잡한 편집등을 할 수 없는 치명적인 문제를 해결하기 위해서 스위스의 멀징테크놀러지사의 피라믹스라는 프로그램에서 혁신적인 방법을 만들어 냅니다.   http://www.merging.com/   여기에 DXD가 탄생하게 되는데요.   DXD 는 처음부터 PCM 의 더욱 더 높은 해상도의 녹음이 아닌 DSD 의 편집및 변환을 위한 포맷으로 DXD가 탄생하게 되었습니다.   https://en.wikipedia.org/wiki/Digital_eXtreme_Definition     이 다음에는 DSD 녹음 시장을 평정한 멀징에서 MASSCORE 라는 것을 개발합니다.   http://www.merging.com/products/pyramix/masscore   간단히 말하면 오디오가이 스튜디오처럼 DSD 를 제작하는 전세계 스튜디오의 99% 는 이 프로그램을 사용하고 있는데    컴퓨터에 멀징피라믹스 프로그램과 매스코어를 함께 설치를 합니다.    그럼 컴퓨터 CPU 의 일부 성능을 컴퓨터 CPU가 아닌 매스코어가 피라믹스 프로그램으로 연결을 해서 사용을 합니다.   최근의 컴퓨터 CPU의 성능향상은 눈부실정도이니까요    이것을 통해 피라믹스 프로그램은 굉장히 고속연산의 기능을 수행할 수 있게 됩니다.     예를들어 DSD 128 로 순수하게 녹음을 하고 이것을 편집을 할때는 순간적으로 편집부분들만 DXD로 피라믹스 프로그램에서 변환을 합니다.   당연히 상당한 고속연산이 필요한 작업이지요.    DXD상에서는 단순한 편집외에도 이퀄라이저나 리버브 컴프레서등까지 사용할 수 있게 되어있습니다.   그래서 초기의 순수한 DSD로 녹음된 SACD 나 DSD64 음원들의 수록레벨은 굉장히 낮았습니다만 DXD가 출현하고 나서는 음반과 음원에 수록되어있는 음량이 상당히 올라가 있는 것을 경험할 수 있을 것 입니다.   좀더 자세하게 이야기르 하면 DSD로 녹음을 하고 DSD로 녹음된 파일은 그대로 DSD 형식으로 유지한채    편집모드에서는 DXD 상황에서 순간적으로 DSD를 DXD로 편집을 하면서 DSD 음원을 만드는 것입니다.      참.. DSD 음원 하나 만들기 무척 복잡하지요?^^    이밖에도 여러가지 무척 복잡한 부분들이 많이 있어서 DSD 음원을 제작하는 회사의 수는 그리 많지 않습니다.      정리를 하면 현재 나오고 있는 DSD 음원은 대부분 이러한 과정을 통해서 제작이 됩니다.   처음부터 PCM 24/96 이나 24/192 로 녹음한것을 단순히 DSD 128이나 256 으로 컨버팅만 한것은 DSD 음원이라 할 수 없겠지만.   아쉽게도 현재 많은 DSD 음원들 가운데에서 이렇게 PCM으로 녹음후 컨버팅 된것도 굉장히 많이 존재할 것이라 생각합니다.    특히 오래된 음원일수록 더욱 더 그렇습니다.      오디오가이에서는 처음부터 편집을많이 하는 작업들은 처음부터 DXD로 녹음을 해서 DSD로 변환을 하고 있고 (예를 들어 더빙을 한다던가 하는 등의)   편집을 적게 하는 작업이나 실황녹음은 처음부터 DSD 128이나 256으로 녹음을 합니다.    https://audioguy.nativedsd.com/albums/AGCD0091-bach-goldberg-variations    이음반은 타스캄 DA3000을 통해 DSD128 로 녹음한 다음 피라믹스 DXD 모드(녹음파일은 DSD 유지)에서 악장간의 볼륨 편집등을 하였고   https://audioguy.nativedsd.com/albums/AGCD0062-audioguy-korean-traditional-music-sampler   이음반은 멀징호러스 컨버터와 피라믹스 프로그램을 통해서 처음부터 DSD 256 으로 녹음되었습니다.     최근들어서는 DSD 가 더욱 더 많이 보급이 되고 있다고 생각합니다.   전혀 관계가 없을줄 알았던 독일의 RME (프로용 컨버터 제조 회사)에서도 최근 DSD 지원 컨버터를 출시하였으니까요.       *DSD와 PCM 의 음질    참으로 민감한 부분이 아닐 수 없습니다.    꼭 무엇이 좋다 나쁘다 라고 이야기를 하기는 어렵겠습니다만. 적어도 국내에서 DSD 녹음을 가장 많이 오랫동안 해보고 들어본 사람으로써 PCM과 DSD의 음질적 차이는 몇가지 존재합니다.   우선 소리의 정확성 면에서는 PCM 이 DSD 보다 더 좋습니다.    실제 녹음된 소리를 더욱 더 충실하게 재현하는 느낌은 PCM 24/96 이나 24/192가 좋은데 특히 소리의 어택을 표현하는 트랜전트 특성에서는 PCM 이 DSD 보다 확실히 좋게 들립니다.   예를들어 드럼이나 타악기등의 타격감. 특히 피아노의 경우도 저는 대부분의 경우 DSD 보다 PCM 이 피아노의 강하고 선명한 어택을 더욱 더 정확하게 녹음해준다고 생각하고 있습니다.   하지만 반드시 정확한것만을 우리 귀와 뇌가 좋게 느끼는가.. 에 관해서는 여러모로 생각해볼 여지가 많이 있겠지요.   많은 사람들의 예상과는 달리 초고역의 쭉 뻗는 배음이나 크리스탈 같이 깨끗한 소리는 DSD보다 PCM 이 훨씬 더 좋지요.   DSD는 PCM에 비해서 좌우로 펼쳐지는 공간감의 표현이 확연하게 좋습니다.    음색이 차갑거나 쏘지 않고 부드럽습니다. 이러한 느낌때문에 사람들이 DSD는 아날로그에 가까운 소리가 난다.. 라고 이야기를 하는 것이지요   특히나 청감상 PCM 녹음에서 느끼는 중역대의 피크감이 적어 볼륨을 올려도 귀가 피로해지는 느낌이 덜합니다.    그러면서도 소리가 고역이 적어 답답하지 않고 아주 생생한 느낌의 소리가 납니다.    현악기나 사람의 목소리등은 PCM 에 비해서 DSD 가 장점이 많다고 생각합니다.   물론 위에 이야기한 청감의 모든 부분은 녹음상태에 따라서 바뀔 수 있습니다.   이렇게 부드럽고 풍부한 DSD 의 소리가 DSD 신호를 아날로그로 바꿀때 생기는 급격한 필터에서도 오는 매끄러운 느낌의 청감상의 이유라 이야기를 하는 사람들도 있습니다.       DSD 음원의 진실. 조금은 이해하셨는지요?    이에 관해 궁금한 부분이 있으시면 언제든지 글을 남겨주세요

  "좋아하는 소리"    어찌보면 좋아하는 소리라는 것이 과연 존재하는 지도 모르겠습니다.    음악과 소리를 경험하는 순간. 좋아한다는 감각을 느끼기보다는 머릿속에서 "이것은 내가 좋아하는 소리야.." 라고 생각을 하게 되는 경우도 있으니까요.   자신이 스스로의 기준안에 취향을 담아버리는 것이지요.     저도 제가 좋아하는 소리는 무엇일까.. 가만히 생각해보면 음악에 따라 상황에 따라 그리고 그당시의 마음속의 생각에 따라서 변합니다.   하지만 음악을 들으면서 마음한편을 공기가 콕콕 찌르는 것 같거나.    괜시리 눈시울이 불거져 눈앞이 흐려진다거나 할때 존재하는 것은 무엇일까요?     음악에서 아름다운 선율이 정신이라면 그것을 표현하는 소리는 그 사람의 모습이라 할 수 있겠지요.     이것은 서로 앞서거니 뒷서거니 하며 자리를 종종 바꿀때가 있습니다.   음악의 시작에서는 곡을 만든사람이 느껴진다면    소리가 사라질때는 연주한 사람의 감정이 느껴집니다.    그렇기 때문에 저는 소리가 사라지는 순간에 집중하고. 또 감동을 하지요.      내가 좋아하는 소리는 이렇게 음악의 여운을 충분하게 들려주는 것을 좋아합니다.    그래서 선택한 스피커중 하나가 사진의 WHT PR4 입니다.     이러한 백로드혼 방식의 스피커들은 음악의 여운이 참으로 잘들립니다.    늘 음반에는 연주가 되고 녹음이 된 장소에 대한 느낌이 들어있지요.    녹음 장소의 특성이 음반에 충실히 잘 담겨있는 것을 저는 좋은 녹음이라 생각을 하고 있습니다.   그렇지 않고 어떠한 장소에서 녹음이 되던지 스튜디오에서 후반작업을 하며 멋대로 소리를 만지막 만지막 한다면  아무리 음향적으로는 좋게 들려도. 그것은 성능좋은 칼라복사기라고 할수도 있을 것입니다.     백로드혼 방식의 스피커들에서는 녹음장소에서 연주자 시작이 되고 그 공간에서 소리가 흩날리며 사라지는 그 순간의 느낌들이 충분하게 들려옵니다.   강한 비트를 박자에 맞추어 타이트하게 들려주는 오디오들과는 전혀 다른.    이러한 기기들은 저역의 반응이 빠르지 않고. 어찌보면 원본에 있는 소리와는 더 다른. 스피커 자체의 나무의 울림을 통해서 음반에 들어있는 그 이상의 울림을 들려주는 것일런지도 모르지요.     하지만 이십년이 넘는 시간동안 녹음작업을 하며 현장에서 듣는 소리   그리고 그것이 음반으로 만들어져서 어떠한 오디오시스템에서 재생이 되어서 들리는 소리에서 아쉬웠던 부분은 바로 이 "사라지는 느낌" 이었습니다.   음색등은 오디오등에서도 너무나도 훌륭하고 멋지게 표현해줍니다.    다만 녹음장소에서 들었던 그 음악이 사라지는 느낌만큼은 다시 오디오로 재생했을때 아쉬운 경우가 있었습니다.       하지만 이러한 백로드방식의 스피커들에서는 그 잃어버린 소리들을 다시 만들어서 청자에게 들려줍니다.    저는 이소리가 너무나도 좋아요.    녹음을 하고나서 다시 들을때. 그 음악에서 연주자의 감정이 느껴지지 않고 그저 소리만 남아버리는 쓰라린 경험들을 많이 해왔으니까요.      지난 내가좋아하는 소리 [1]    http://blog.naver.com/audioguy1/220788464940    에서 이야기한것처럼 심플한 풀레인지 유닛의 구성에 사진과 같은 백로드혼.    백로드혼에 귀를 기울이고 있으면 마치 울림이 좋은 공연장에서 음악을 듣는 것 같은 착각을 들려주기도 합니다.     어찌보면 사람은 그 순간순간의 이러한 환상 때문에 삶을 살아가고 있는 것일런지도 모릅니다.   그것이 음악이든 사랑이든 말이지요.     지금 오디오가이 스튜디오의 라운지에서 지인분이 선물해주신 첼로 음악들을 들으며 글을 쓰고 있는데 위 스피커가 함께 하고 있습니다.    역시 WHT PR4와 거의 동일한 구성.   첼로의 저음의 울림이 백로드혼을 통해서 앞으로 쑤~욱 하고 튀어나와서 양쪽 스피커에서 입체적인 소리가 펼쳐집니다.    60년대 후반에 만들어진 빈티지 탄노이 스피커에서 입체적인 소리를? 이라고 생각할 수도 있겠지만.    양 스피커의 저역의 울림이 스테레오 펼쳐져 소리가 몸을 감싸는 느낌이 참 좋네요   어떨때는 음악을 멀리서 관조하듯 바라보며 듣을때도 있지만 때로는 이렇게 음악의 공간안에 들어가서 듣는 것 역시 음악과 오디오의 좋은 경험입니다.       처음 이러한 방식의 스피커를 경험한것은 LOWTHER 어쿠스타 115 였습니다.    오케스트라 소리 그리고 그랜드피아노의 저음의 울림이 내 앞으로 다가오는 경험을 오래된 스피커를 통해서 들으며   오디오라는 취미에 대해서 다시한번 생각하게 된 계기가 되었고 확실하게 한가지는 알겠습니다.   내가 좋아하는 소리라는 나의 취향에 관해서 말이지요.          

피아노 트리오 녹음을 하고 있습니다.   피아니스트/작곡자 분은 저와 20년전에 함께 많은 시간을 보내고 제가 많은 것을 배웠던 선배님입니다.    이렇게 긴 시간이 지나서 다시 만나서 함께 녹음을 하게 되었네요.    제가 이십대초 정말 참 많은 시간들을 함께 보냈기 때문에. 그때의 기억들이 아직도 생생합니다.      피아노와 콘트라베이스. 그리고 드럼의 트리오.   음악이 서정적이고 아름답습니다.       그간 서로 만나지 못했던 이십년간 선배가 피아노 앞에서 참 많은 시간을 고민하고 생각하며 보냈구나..하는 것이 한음한음에서 느껴지는군요.      오늘 녹음은 위 사진처럼 메인 홀에서 피아노와 콘트라 베이스를 함께 하고 드럼만 드럼 부스에서 하였습니다.     오디오가이의 피아노 녹음은 딱 DPA 4011A 페어    수년간 흔들림 없는. 새로운 것을 시도하고 또 하는 것을 좋아하지만 결국에는 DPA 4011A를 사용하게 됩니다.      피아노 녹음이라는 것은 아름다운 소리로 녹음하기가 좀처럼 쉽지 않은 악기이기도 하지요.   먼저 연주하는 사람이 얼마나 자신만의 소리를 지니고 있는것인가가 사실 가장 중요합니다.   그렇지 않으면 어떻게 해도 피아노를 좋은 소리로 녹음하기가 무척 어렵지요.     보통 해머위에 설치하는 경우가 많지만 저는 피아노의 저곳 근방에서 저음부터 고음까지 균형있는 소리가 되는 것이 마음에 듭니다.   피아노와 마이크간의 거리는 장르에 따라서. 아티스트의 연주방법에 따라서 약간씩 달라지게 됩니다.     베이스는 이렇게 내부에 만들어서 진행하였습니다.   포르투칼의 아트노비온이라는 회사에서 만든것으로 정말 유용하게 잘 사용하고 있습니다.     내부는 이렇게 되었습니다.   마이크는 노이만 USM69를 XY로 세팅. 지향성은 피아노의 간섭음을 멀리서 들리게 하기 위해서 초지향성으로 하였습니다.    콘트라베이스는 초지향성으로 하면 굳이 로우컷 필터를 사용하지 않고 근접 설치해서 저역의 부밍이 덜합니다.    콘트라 베이스 역시 각현의 밸런스가 고르게 되도록 녹음하는 것이 음색 이상으로 중요하다 볼 수 있지요.    지향패턴이 초지향성이라도 스테레오인 XY 세팅이라 고르게 들어옵니다.   오디오가이 스튜디오의 재즈 드럼 마이크 세팅이야 말고 정말 심플 하지요.    과거에는 드럼 오버헤드도 그렇고 마이크가 높고 먼것이 무조건 좋은 것인지 알았습니다.   하지만 이렇게 조용한 재즈 음반의 경우는 오버헤드 마이크를 높게 사용하는 것보다 가깝게 해서 브러쉬 드럼의 세밀한 느낌이 잘 전달되도록 하는 것이 무척 중요하지요.   사진에서는 킥과 스네어 탑에만 마이크를 사용하였지만 중간에 스네어 탑은 녹음을 하지 않았고.    오버헤드와 킥드럼 마이크. 단 3개의 채널로 녹음하였습니다.      오버헤드 역시 XY 로 사용하였는데. 드럼의 경우 AB 세팅으로 하면 좌우의 이미지는 넓지만  오버헤드에 들어오는 악기의 음상이 명확하지 않게 녹음이 되기 때문에 저는 음상이 명확한 XY를 선호합니다.    탐탐이나 스네어에 별도 마이크를 설치하지 않은 이유도.   오버헤드 마이크를 낮게 사용을 하고. 오버헤드 마이크에서 심벌의 거리.    오버헤드 마이크에서 스네어의 거리, 오버헤드 마이크에서 탐탐의 거리... 등이 자연스러운 깊이감을 만들어줍니다.   각각의 키트에 마이크를 사용하게 되면 이러한 공간감이 사라지게 되지요.    물론 이 역시 재즈드럼이라고 해서 모든 경우에 해당이 되는 경우는 아니겠지요.     지금 오버헤드 마이크인 MG사의 M930은 라지다이어프램이라 오버헤드 마이크에도 탐탐의 소리가 오히려 약간 큰듯 할정도로 들어오고.   브러쉬는 딱 자연스러운 거리감이 입체감을 만들어주게 되지요.    이 역시 드러머가 섬세하게 음악을 듣고 연주를 할 수 있어야 가능한 부분이고요.    늘 이렇게 좋은 아티스트분들과 작업을 하면서 자연스레 아름다운 소리를 함께 할 수 있는 것이 참으로 즐겁고 감사한 일입니다.   오늘 음악은 32Bit 384Khz로 녹음 되었습니다.   녹음한곡 하나 남깁니다.   음반에 수록되는 곡은 아니고 녹음전 연습을 녹음하였는데 드러머분의 컨디션 때문에 기침소리가 많이 들어가 있지만   이런 음원 들어보는 것또한 재미있지 않을까 싶습니다^^   http://www.mediafire.com/file/eacmvx9fla6wf51/Largo.mp3    

9월에 마포아트센터에서 있었던 유러피안 재즈 페스티발 가운데 유러피안 재즈 트리오의 공연을 실황 녹음하였습니다.   클래식이나 국악도 그렇지만 특히 재즈의 경우는 공연 실황 음반의 묘미가 더욱 더 있는 것 같습니다.     공연확성과 녹음을 위한 마이크들이 동시에 설치가 되었고 피아노는 덴마크 DPA 사의 3521 이 사용 되었습니다.   3521은 여러 형태로 사용할 수 있는데 이렇게 자석형태로 피아노 내부 안에 설치할 수 있어서 세팅이 편하고.    소리역시 아주 좋습니다.   저는 피아노 외에 합창 녹음의 메인 마이크로 ORTF로 어쿠스틱 기타나 보컬등에 XY 세팅으로도 자주 사용하며 역시 관련 마운트가 아주 편하게 되어있어서 정말 자주 사용하는 마이크이기도 하지요.     이러한 재즈트리오의 공연 실황녹음에서 가장 어려운 부분중에 하나가 바로 콘트라 베이스 인데요.   피아노 드럼 베이스 세사람이 아주 가깝게 붙어서 연주를 하기 때문에 피아노와 드럼에 비해서 상대적으로 소리가 작은 콘트라베이스 마이크에 피아노와 드럼의 상당히 많은 간섭음이 들어옵니다. - 특히 드럼 심벌   게다가 모니터 스피커를 통해서도 여러 소리들이 많이 들어오지요.   콘트라 베이스의 마이크 세팅은 DPA 4018 (초지향성)의 XY 세팅 그리고 앰프에서 나오는 라인출력을 함께 녹음을 하였습니다.    초지향성 마이크를 사용하면서 옆에 있는 피아노와 드럼의 간섭음을 상당히 줄일 수 있습니다.   사실 좀더 정확하게 이야기를 하자면 간섭음의 레벨보다는 베이스 마이크에 들어오는 베이스의 직접음과 드럼의 심벌등의 직접음의 레벨차이가 무척 중요한 요건이라 할 수 있겠지요   이렇게 베이스를 스테레오로 녹음을 하면 베이스의 위치는 거의 중앙에 있고.    이 마이크를 통해서 들어오는 드럼의 간섭음중 심벌역시 스테레오로 들어오기 때문에 베이스소리의 간섭이 덜합니다.     재즈드럼에서는 오버헤드 사운드가 거의 전부라도 해도 과언이 아닌데요.    오버헤드는 노이만 USM 69 를 XY 세팅으로 하였으며 이것의 지향성 역시 단일지향성보다 폭이 좀더 좁은 초지향성으로 하였습니다.   드럼 오버헤드에 초지향성을? 하고 의구심을 지닐 수도 있겠지만 여러 단일지향성 마이크들을 사용한 스테레오 세팅들    예를들어 XY, ORTF, NOS 등은 모두 정확하게 세팅을 하면 초지향성으로도 상당히 좋은 결과를 들려줄 수 있습니다.   마이크에는 수많은 지향패턴들이 있음에도 불구하고 많은 엔지니어들이 대부분 단일지향성만 지나치게 많이 사용하는 경향들이 있지요.     탐등에는 별도의 스팟마이크를 설치하지 않았는데 재즈 드럼에 있어서 저는 탐에 마이크를 잘 설치하지 않는 편입니다.    오버헤드에서 자연스럽게 탐탐의 소리가 들어오면서 심벌과 탐탐 사이에 자연스러운 거리감이 생기는 것이 재즈트리오 전체에 깊이감을 만들어 주기 때문에 보다 선명한 탐탐의 소리보다는 오버헤드의 높이를 높게 하지 않고 탐탐의 풍부한 울림이 충분히 오버헤드를 통해서 들어가도록 설치를 하고 있지요.   물론 이와 전혀 반대로 오버헤드를 거의 심벌로 하고 여기에 룸 앰비언스 마이크와 탐탐 마이크는 물론이고 킥과 스네어에도 아주 많은 수의 마이크들을 사용해서 믹싱때 적절하게 만들어내는 것을 선호하는 엔지니어들도 있지만.    저는 마이크를 적게 사용하는 편이 연주자의 섬세한 느낌이 더욱 더 전달이 잘되어 좋습니다.    이번 녹음에는 제게는 조금 생소한 장비들을 사용해보았는데요   포커스라이트의 레드넷 시리즈입니다.   피아노와 콘트라베이스는 레드넷 MP8R 드럼은 레드넷 4프리를 사용하였습니다.   지금까지 오디오가이의 녹음에 주로 사용하던 멀징이나 DAD 와는 전혀 다른 소리를 들려주더군요.   컨버터에 내장되어있는 마이크프리앰프들의 성능이 최근 몇년간 정말 급속도로 올라가서 외장 마이크프리앰프의 사용이 이제는 무척 드문일이 되어가고 있어서 멀징과 DAD의 마이크프리앰프의 음색도 굉장히 마음에 들어했었습니다만   포커스라이트 레드넷은 이 두기기와는 전혀 다른   소리가 아주 부드럽고 풍부합니다. 그러면서 해상도가 떨어지지 않고. 아주 차분하면서도 고급스러운 사운드랄까요.   약간의 튜브기기를 사용한것 같은 비비드한 색채감이 더해지는 느낌인데 저는 아주 마음에 들었습니다.   나중에 상세한 리뷰를 한번 남기기는 하겠지만 여러 기능들이 함께 있어서  오디오가이처럼 로케이션 녹음에는 무척 잘 맞는 다 생각이 드네요.      유러피안 재즈 트리오 공연의 마지막 앵콜곡 러프믹싱해서 아래 첨부파일로 한곡 올립니다.      

커피를 음악과 책 만큼이나 사랑했건만. 최근들어서는 커피를 마시면 잠이 잘 오지 않네요.    아마도 세상사 걱정과 염려가 많은 탓이 아닐까 싶습니다.   첫아이 재율이의 배꼽친구들(조리원 동기) 들이 근 십년에 가까운 인연을 함께 하며 집에와서 두밤을 함께 자고 가며 부산에 좋아하는 카페중 한곳 인얼스에 가서 정말 기분좋게 커피를 마시고(거의 삼일만에 처음으로) 저는 이른새벽 기차를 타고 서울에 올라가야 하는데.    잠이 전~혀 오지 않습니다.   이전같으면 이럴때는 늘 생각하는 내용을 차근차근 글로 남기는 것을 좋아했었는데 지금은 글을 쓰기 보다는 핸드폰을 만지작거리며 "그 안에서만 보여지는 세상사" 보는 것이 편하게 느껴지기도 합니다.   저의 삶에 있어서 가장 크고 많은 시간을 함께 하고 있는 취미중에 하나인 "오디오"    소리라고 하지 않고 오디오라 한 이유는 음악이 포함된 "소리"는 최정훈이라는 사람의 인생 그자체이니까요.     오늘 문득 생각이 들더군요.   오디오가 재미있는 이유는 세상에 아직도 내가 잘알지 못하는 오디오(소리)가 너무너무 많기 때문이 아닐까 싶어요.   비단 최신의 새상품들만을 이야기하는 것이 아니라 내가 모르는 과거 하이파이 오디오의 전성기와 그 다른 시기에 제작된 수많은 오디오들 까지 포함해서 말이지요.    어찌보면 사람은 모르는 것에 대한 궁금함으로 살아가는 것일런지도 모르겠습니다.     하이파이 오디오에 있어서 제가 좋아하는 소리가 몇가지 있습니다.    사실 좋아하는 것을 꼭 집어서 이유와 함께 이야기를 하는 것보다는 싫어하는 것을 콕 찝어서 하나하나 그 이유를 이야기 하는 것이 더 먼저 떠오르기는 합니다만.      최근에 함께 하게된 WHT 의 PR4MK2 스피커처럼 풀레인지 스피커 그리고 탄노이 처럼 동축형 스피커를 좋아합니다.   풀레인지 하면 하나의 유닛에서 네트워크를 거치지 않고 울리는 것과 더불어. 아주 낮은 저역부터 높은 고역까지 넓은 주파수 범위를 재생할 수 있는 스피커를 역시 풀레인지라고 부르기도 하지요.   같은 단어에 내용이 완전히 다르다는 것이 참으로 아이러니 하면서 재미있지 않나요?    일반적인 풀레인지 스피커들은 재생할 수 있는 주파수 대역이 상당히 좁은편이지요   특히나 낮은 저역은 유닛 자체로 재생하기에는 어려운 부분이 많아서 아주 커다란 스피커통(인클로저)를 사용하거나 내부 구조를 미로형으로 복잡하게 만들거나 하는 것으로 스피커의 통울림을 이용해서 저역을 들려주지만   그래도 큰 사이즈의 하이엔드 톨보이 스피커가 재생하는 낮은 저역에는 비할바가 되지 않습니다.   높은 고역역시 최근의 다이아몬드 트위터 같은 소재들에서 나오는 엄청나게 밝고 화려하고 높은 고역은 단 하나의 풀레인지에서는 좀처럼 경험을 할수가 없지요.     동축형은 우퍼와 트위터가 한점에서 나옵니다. 그렇기 때문에 서로 유닛간에 간섭이 있을수는 있지만 무엇보다도 두 유닛간의 시간차가 존재하지 않기 때문에 깨끗한 음상정위.    더불어 저처럼 작은 음량으로 음악을 감상하는 사람들에게는 무엇보다도 중요한 소음량에서의 재생의 충실도가 뛰어납니다.     제가 처음 동축형 스피커를 경험한것은 역시. 탄노이 입니다.   탄노이 하면 프레스티지 시리즈의 GRF 메모리나 웨스터민스터 로얄이 자연스레 먼저 떠오르지만    사실상 탄노이의 레코딩 모니터 스피커의 역사는 꽤나 오래되었지요     야마하 NS10M 이라는 전설적인 스튜디오 모니터 스피커(저는 별로 좋아하지 않았습니다.)가 전세계 레코딩 스튜디오를 석권한 이후. 이와 함께 많이 사용이 되던 스피커가 탄노이 사의 DMT 시리즈였습니다.   DMT 시리즈는 실제로 탄노이의 스피커들 가운데 스튜디오에서 "실제적으로" 가장 많이 사용된 시리즈 일것입니다.   한때 많은 하이파이 스피커 제조회사들에서 모니터 스피커라는 단어를 유행처럼 사용하기는 했었지만 실제로 레코딩 스튜디오에서 모니터 스피커로 사용된 경우는 거의 한정적입니다.   그렇기 때문에 오히려 "모니터 스피커 다운" 소리를 들려준다. 라고 하는 것이 어찌보면 정확한 해석일 것 입니다.     탄노이의 경우는 과거 60년대 데카의 메인 모니터 스피커이기도 하였습니다.   70년대 데카스튜디오의 컷팅룸입니다. 이밖에도 여러 레코딩 및 마스터링 룸에도 모두 탄노이의 스피커들이 사용이 되었었지요.   모니터 실버부터 레드가 출시되었을때도 가장 먼저 데카스튜디오에서 데모를 진행했다 합니다.    그리고 이후 레드와 함께 데카스튜디오에서 사용이 되었던 앰프중에 하나는 쿼드 303 이 있습니다^^      클래식 음악의 녹음, 특히 오케스트라 녹음 기법에 관해서는 50년대 후반부터 60년대 초반. 영국의 데카의 레코딩 프로듀서와 엔지니어들이 만든 데카트리 https://en.wikipedia.org/wiki/Decca_tree 는 클래식 음악 레코딩 엔지니어들 사이에 변하지 않는 기준이자 말그대로 "클래식" 입니다.   분명히 앞으로 수십년이 더 지나도 전세계의 수많은 레코딩 엔지니어들을 오케스트라 녹음을 하는데 있어서 변함없이 데카트리 방식을 사용하고 있을 것입니다.   이러한 클래식 음악 녹음에 있어서 한획을 그은 데카의 엔지니어들이 소리를 판단하는 기준으로 하였던 스피커가 탄노이 였습니다만.   이자리에서 꼭 탄노이가 좋다 나쁘다를 떠나서.    물론 이당시의 스피커들은 지금처럼 네트워크나 현대적인 인클로저 제작기술들이 없었기 때문에 음반에 담긴 원음의 재생 측면에서는 최근의 스피커와는 전혀 비할바가 되지 못합니다    하지만 제게 있어서 탄노이는 제가 경험한 첫 동축형 스피커였습니다. (레코딩 스튜디오에서)    그런데 글을 쓰고 있는 지금 가만히 생각해보니.    93-4년도 쯤 세운상가에 놀러갔다가 현대전자 라는 곳에서 ATC SCM10 + 마란츠 7 프리 + 소닉프론티어 파워2 의 조합의 소리를 듣고(게다가 나오는 음악은 뽕짝이었습니다.) 아연질색하여    하이파이 오디오의 세계로 입문하게 되었는데 세운상가와 용산을 다니며 심사숙고 하고 고른 스피커가 KEF 의 레퍼런스 모델 1 이었습니다.   이당시 저는 음악과 소리에 대한 공부는 하고 있었지만 하이파이 오디오에 대한 많은 지식이 있지는 않았기 때문에 열심히 돈을 모아서 직접 여러곳을 다녀보고 직접 소리를 듣고 판단하여 구입한 첫 스피커가 KEF 레퍼런스 1.    구입한곳은 정상오디오. 그때당시 약 170만원을 주었던 것 같네요.    지금도 그때의 기억이 생생합니다.  그당시 탠드버그의 프리파워와 CDP로 구동하여 정상오디오에서 들었었고   집에와서는 크라운의 DC300A2에 일년 넘게 너무너무 행복한 나날들을 보냈었지요   제게 정말 좋은 추억으로 남아있는 스피커인 사진의 가장 우측 KEF 레퍼런스 모델 1    저에게 있어서 하이파이 오디오의 황금기를 이야기한다면 저는 60년대와 더불어서 90년대를 이야기할 것 입니다.   이부분은 나중에 다시한번 자세하게 의견을 남기겠습니다.     지금보니 이 스피커도 동축형 스피커였네요.    이십년전이나 지금이나 저는 변함없이 동축형. 거기에 더 발전하여 풀레인지 유닛의 소리를 좋아하는 취향은 변하지 않나 봅니다.     KEF 의 이 스피커는 이당시 3.5평 정도 되었던 제방에서는 충분하게 아주 낮은 저역.    특히 이 스피커로 들었던 훌리오 이글레시아스의 라틴음반은 지금까지도 무척이나 좋아하는 음반입니다.    그리고 깨끗하면서도 충분한 고역을 들려주었었는데 아마도 지금 들어보면 요즘의 스피커들 보다는 분명 해상도가 낮게 들리지 않을까 싶습니다.     스튜디오 스피커의 경우도 최근 제네릭에서 신형으로 동축형의 스피커가 나와서 바로 들어보니. 역시 제가 딱 좋아하는 소리더군요.      저는 음악을 감상할때 우선 저역의 스피드가 지나치게 빠른 스피커를 그리 좋아하지 않습니다.   최근의 하이엔드 스피커들은 스피드가 지나치다 못해 음반에 담겨있는 소리(원음) 보다 오히려 저역이 더욱 더 다이나믹 하게 들리지요.     저는 이러한 소리를 "컴프레서가 걸린듯한 소리" 라고 표현을 하는데요.    https://en.wikipedia.org/wiki/Dynamic_range_compression   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=208&sfl=wr_subject&stx=%EC%BB%B4%ED%94%84%EB%A0%88%EC%84%9C&sop=and   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=221&sfl=wr_subject&stx=%EC%BB%B4%ED%94%84%EB%A0%88%EC%84%9C&sop=and   본래 음악이 지니고 있는 소리에서 지나치게 과장되어 소리가 강하게 들리는 경우. 잠깐씩 듣기에는 아주 드라마틱 하고. 말그대로 시원시원 하고 좋지만   이러한 소리는 장시간 청취시 쉽게 피로하게 들리게 됩니다.     저는 음악을 무척 좋아하기 때문에 건강한 몸과 마음으로 긴시간 음악과 함께 하고 싶습니다.   잠깐 듣고 좋아하는 음악이 다 끝나기도 전에 귀가 피로해진다면. 너무너무 아쉬운 부분이 많을 것 입니다.     물론 무조건 동축형이나 풀레인지는 듣기가 좋고 다른 스피커를 그렇지 않다. 라고 이해하시는 분은 없으시겠지요?^^       사실 우리가 듣는 음악의 수 많은 정보들 가운데 가장 많은 부분(양)을 차지하는 것은 중역 입니다.    그리고 사람의 귀가 가장 민감하게 반응을 하고 소리를 잘 듣는 부분 역시 "중역" 이지요.     동축형이나 풀레인지 스피커들은 저역과 고역에서는 다른 구조의 스피커들에 비해서 확실한 구조적인 약점은 있지만 반면에 중역에 재생에 있어서는 나름대로의 장점을 지니고 있습니다.   최근 원체 좋게 잘 만들어진 스피커들이 많이 있어서 이제는 이 이야기도 점점 힘을 잃어가는 느낌이 들기는 합니다만     저는 변함없이 이러한 약간은 오래된 듯한 소리를 좋아합니다.    스튜디오에서 하루 종일 많은 정보량의 모니터 스피커 그리고 모니터링 헤드폰으로 귀를 상당히 혹사 시키며 작업을 하는 경우가 많기 때문에    집에 와서 음악을 들을때는 이렇게 귀에 부담이 적게 느껴지는 소리가 좋습니다.      그러다가 이내 빈티지 오디오까지 곁에 두게 되는 것 같습니다.     

갑자기 오디오가이 영자의 칼럼에서 힙합음악의 믹싱? 이러한 제목은 처음인것 같습니다.   제가 주로 작업하는 장르의 대부분이 클래식. 국악. 재즈이니까요.     통의동에 새롭게 스튜디오를 만들고 벌써 열달이 흘렀네요.    변함없이 클래식. 국악. 재즈를 가장 많이 작업을 하지만 얼마전 오디오가이 레이블로 단편선과 선원들 2집 "뿔"이 발매되기도 했었고   다양한 장르 아티스트들의 레코딩 작업을 합니다.   웅산의 블루노트라는 UHD 방송의 녹화를 오디오가이 스튜디오에서 하는데 이번회에서는 MC 스나이퍼의 작업이 있었습니다.   스튜디오안에서 수십명의 사람들이 함께 와서 조명 및 영상을 함께 하면서 녹음을 했고요.    드럼 베이스 기타 건반 랩 2명 모두 영상을 촬영하면서 녹음.    이후 믹싱 작업에 관한 글을 한번 남겨보려 합니다.    우선 음원은 아래의 링크에서 들어보실 수 있습니다.     먼저 드럼 오버헤드   저는 드럼에서 오버헤드 사운드를 가장 중요하게 생각하는데 오버헤드 사운드는 드럼 전반적인 모든 킷트의 음색 및 공간감에 영향을 줍니다    말그대로 드럼사운드의 전반적인 색깔은 오버헤드 사운드에서 나온다고 할 수 있지요.   오버헤드는 노이만 USM 69 XY 로 녹음     원하는 소리를 얻기위해서 상당히 많은 이큐를 하였습니다.   사실 모든 스튜디오마다 녹음되는 소리가 다 다르기 때문에 이러한 이큐나 컴프의 파라미터들이 그대로 적용될 수 있는 것은 무척 드물것입니다만   어떠한 방향을 지니고 이큐나 컴프를 사용하는 가에 관해서는 이야기를 나누어 볼 수 있다 생각합니다.    장르특성상 킥드럼의 사운드를 분리시키기 위해서 오버헤드에서 킥드럼의 많은 부분을 사용하는 200hz 는 대부분 커트   별도의 하이햇 마이크를 사용하지 않았기 때문에 하이햇이 섬세하게 들리도록 18k를 살짝 들어올리고   오버헤드에 있는 스네어 사운드를 밝고 화려하게 만들기 위해서 쉘빙으로 6k 부터 올렸습니다. - 사실 이 소리가 스네어 사운드의 색깔을 만들어 줍니다.      다음으로는 킥드럼.   킥은 슈어 beta52를 사용하였습니다    모든 드럼의 녹음은 오디오가이 스튜디오의 LAWO MC36 디지털 콘솔의 프리와 컨버터를 사용.    콘솔의 프리앰프가 정말 좋아서 여러 녹음에 무척 마음에 들게 사용하고 있습니다.    킥드럼은 비터가 드럼에 닿는 느낌을 살리기 위해서 초고역을 많이 올렸습니다.    음악 특성상 킥이 상하 좌우로 움직이지 않고 정확하게 제자리에서 들리게 하기 위해서 킥에 리미터를 살짝 사용.     스네어의 경우는 서두에서 오버헤드 사운드에서 충분한 스네어의 음색을 조정하였기 때문에 별도로 이큐나 컴프는 사용하지 않았습니다.   다만 스네어는 항상 탑과 버텀을 함께 녹음을 하고 있고 버텀의 양을 상당히 높게 설정하였습니다.   마이크는 모두 BRTA57      이큐도 중요하지만 음색을 변화하는데 많은 영향을 주는 것중에 하나로 짧은 룸 리버브 인데요.    스네어의 펀치감 및 화려함을 더하기 위해서 사진과 같은 짧은 룸 리버브를 사용.   이러한 짧은 룸 리버브는 초기반사음 위주로 되어있기 때문에 적정량을 더하면 소리가 훨씬 더 화려해지면서 드럼셋 안에서 스네어 소리를 딱 분리되어서 들리게 하는 용도로도 참 좋습니다.     그리고 스네어에 2.5초의 리버브를 사용. 너무 많이 사용하면 소리가 흐려지기 때문에 적절한 양으로 공간감이 느껴질만큼만 사용하는 것이 중요합니다.    프리딜레이는 그때그때마다 귀로 들어보면서 미세하게 설정 합니다.   이건 베이스의 컴프레서인데요   베이스의 컴프레서의 모든 파라미터는 킥드럼과 함께 들으면서 결정을 합니다.   드럼 앞에서 나오게 할것인가 아니면 킥과 함께. 혹은 킥보다 약간 뒤에.   저는 킥보다 약간 뒤에서 나오게 하기 위해서 짧은 어택과 짧은 릴리즈.    컴프 파라미터를 조정하는데 가장 많은 시간이 들어가는 것은 바로 베이스 기타가 아닐까 싶습니다.    보통 한개의 악기들 이큐나 컴프 조정하는데 3-5분 정도를 사용한다면 베이스 기타와 보컬은 약 10분 정도의 시간을 들려서 스피커와 헤드폰으로 번갈아 가서 들어보면서 세밀하게 파라미터를 조정합니다.     이렇게 리듬의 기본 사운드를 조정하고    건반등에도 컴프를 사용합니다.    컴프에서는 특히 어택의 설정을 저는 가장 중요하게 생각하는데요   어택의 설정에 따라서 악기의 음상이 앞에서 들릴지. 뒤에서 들리게 할지 결정이 되기 때문입니다.   리듬이 중요한 음악의 특성상 피아노 역시 어택을 위와 같이 하고 릴리즈는 길게.    그러면서 음악안에서 고르게 들릴 수 있도록 파라미터를 조정하였습니다.   다음은 일렉기타입니다.   기타는 앰프에 BETA57을 사용하였고요.  오픈된 공간에서 기타와 베이스. 랩 2명이 동시에 하고   드럼부스에 문을 열어둔 상태에서 녹음을 하였기 때문에 200Hz 의 공간 부밍을 약간 내리고. 쉘빙으로 중고역부터 부스트.    다만 기타 소리는 너무 고역을 밝게 하면 가벼워 지기 때문에 위와 같이 중역의 에너지를 더하는 용도로 이큐를 하였습니다.   기타는 한개의 마이크로 녹음을 하였기 때문에 입체감을 더하기 위해 스테레오 딜레이를 위와 같이 사용.    그래서 모노이지만 약간 스테레오 적인 느낌이 살짝 듭니다.     다음은 랩입니다. 마이크는 MG의 CMV 563 과 MG UM930을 사용하였습니다.   이큐는 살짝 앞으로 나오게 할만한 주파수만 살짝 올리고.   컴프역시 위와 같은 파라미터로 설정하였습니다. 게인리덕션은 약 3~5dB 정도.      랩의 이큐나 컴프보다 더 중요한 것은 딜레이의 설정인데요   여러대의 딜레이를 사용해서 약간의 효과를 더합니다.     먼저 랩은 녹음된 상태는 너무 "생" 음에 가까운 소리이기 때문에 늘 짧은 딜레이로 만든 코러스를 살짝 더해서 약간의 더블링 느낌을 주고     이보다 좀더 긴 딜레이를 주어서 발음의 리듬감을 살려줍니다.     좀더 긴 딜레이는 공간감을 더해주고요.      마지막으로 상당히 리버브 타임이 길지만 그만큼 양을 적게 사용하였습니다.    이렇게 해서 믹스를 완성.    오디언트 ASP 8024 콘솔에 DAD AX32 를 16채널 서밍으로 해서 믹싱을 하였습니다.(스크린샷은 별도로 오디오인터페이스 없이 만들어서 출력이 비활성화 되어있습니다.)   콘솔에서는 밸런스는 거의 유니티에 되어있고. 서밍의 용도로만 사용하였습니다.   장르특성상 내부 믹싱과 서밍을 통한 소리는 분명하게 차이가 많이 있으니까요.     2트랙에서는 세콰이어에서 18K를 1.2k 올렸고. MS 리미터로 2.5dB 올렸습니다.      위 올린 곡은 아니지만 거의 하루에 전곡을 믹싱하였기 때문에 세팅은 거의 동일한 곡 한곡 더 샘플 링크합니다.  

레코딩엔지니어가 이야기 하는 원음과 재생음 두번째 의견 음악도 소리도 그리고 하이파이 오디오에 관한것도 그 사람의 개인적인 경험을 토대로 모두들 생각하게 되는 것 같습니다. 저는 이것을 바로 "느낌"이라 이야기를 하고. 때론 그 어떤것보다 더 믿고 신뢰하기도 합니다.   사진의 스피커는 영국 LOWTHER 사에서 1950년대 후반에 만들었던 TP-1A 라는 스피커로. 저는 이 스피커의 소리를 처음 들었을때 일종의 "원음에 가까운 소리" 라는 생각이 들었습니다. 참으로 의아하게 생각하실런지도 모르겠습니다. 물리적 특성이 굉장히 뛰어난 현대 하이엔드 스피커들이 음원에 담긴 정보를 남김없이. 때론 그 소리를 녹음한 사람들보다도 더욱 더 많은 정보량을 듣고 있는 현대 하이파이 오디오계의 기라성 같은 스피커들 보다 오래된 빈티지 스피커에서 원음과 가까운 재생음 이라는 이야기를 하는 것이 말이지요. TP-1A 스피커의 내부. 위 내부 그림을 보면 PM3라는 풀레인지 유닛이 보통의 스피커들 처럼 스피커의 정면을 바라보고 있는 것이 아니라. 글쎄 유닛이 바닥을 향해있고. 반사되는 소리가 스피커의 정면으로 나오는 구조로 되어있습니다. 낮은 저음은 내부의 미로를 돌아서 바닥에서 나오게 되고요(실제 낮은 저역은 그리 많이 재생되지 않습니다.) 이 스피커로 재생이 되는 피아노와 현악. 그리고 목소리를 들었을때. 마치 내부가 나무로 이루어진 공연장에서 음악을 듣는 것 같은 느낌이 들었습니다. 저는 그래서 이 소리가 아주 좋았습니다. 커다란 콘서트홀의 좋은 자리에서 듣는. "직접음과 반사음"의 절묘한 조합에서의 소리와 비슷한 느낌이 개인의 가정안에서 들을 수 있었기 때문이지요. 비단 위 스피커가 특별한 것은 아니라 60년대 스테레오의 황금기 시대를 앞두고 그때당시에는 정말 재미있는 소리에 대한 관점이 있는 스피커들이 탄생들 하게 되었었지요. 우리는 늘 직접음과 반사음을 어떠한 공간에서든 함께 듣고 지내고 있으며 이것은 음악감상과 소리에 있어서 음색이나 공간감 등 수 많은 거의 모든 요소를 판단하는데 있어서 굉장히 중요한 부분입니다. 이것역시 영국 LOWTHER 사의 헤게만 이라는 스피커로 TP-1A보다 좀더 일찍 1951년에 출시된 스피커입니다. 이 스피커로 처음 성악을 들었을때. 저는 벽이 석재재질로 되어있는 유럽의 어느 멋진 홀 바로 앞에서 성악가가 노래를 부르는 줄 알았습니다. 소리를 전공하고 소리라는 것으로 삶을 보내고 있는 제가 들어도 말이지요. 단면을 보면 내부의 석고로 만들어진 혼 안에 유닛이 들어있습니다.     소리가 석고 혼 뒤에서 반사되어 앞으로 쏟아져 나오게 됩니다. 마찬가지로 저역은 인클로저 내부의 여러 반사를 통해서 커다란 몸통에서 나오지만 양은 그리 많지는 않습니다 . 스피커에서 재생이 되는 소리가 우선 석고의 벽을 통해서 반사, 확산이 되어 청자가 듣게 되는 것이지요. 그렇다고 해서 마치 성당안에서 소리를 듣는 것처럼 웅웅 거리는 소리정도까지는 아닙니다만 이 소리는 오디오에서 재생이 되는 소리라고는 생각할 수 없는 정말 재미있는 경험이 었습니다. 물론 이때보다 지금은 레코딩 기술이 더 발달했기 때문에 좋게 녹음된 음원을 좋은 시스템으로 들으면 정말 소리가 좋습니다. 하지만 지금처럼 고해상도의 녹음이나, 클래식 음악 녹음이 상향평준화 되기 전에는 재생측에서도 이렇게 새롭게 재창조 해서 재생이 되는 경우들을 과거의 오디오시스템들에서는 종종 찾아볼 수 있습니다.   자 그러면 과연 무엇이 원음이고 무엇이 재생음일까요? 저는 위 두 스피커,. 특히 두번째 스피커에서 재생되는 소리를 듣고는 공연장에서의 원음의 체험 이상의 소리를 느꼈습니다. 정말 아름다운 소리를 가진 성악가의 공연을. 세계에서 손꼽힐만큼 음향이 아름다운 홀에서 공연을 보고 소리를 들을 수 있는 경험은 거의 대부분의 사람들에게는 극히 드문일이니까요.   많은 분들(아티스트) 들이 오디오가이 스튜디오에 처음 방문해서는 굉장히 당황스러워 합니다. 스튜디오 내부의 잔향이 너무 많다는 것이지요. 통의동 오디오가이 레코딩 스튜디오 스튜디오 내부가 일반적인 다른 스튜디오처럼 흠음재로 둘러쌓여있는 것이 아니라. 차음을 먼저 튼실히 한후. 그 위에 회칠을 하였지요. 마치 위의 로더 헤게만 스피커에서 흘러나오는 소리처럼 음악이 울리는 공간을 만들고 싶었기 때문입니다.   어떠한 면에서 레코딩 엔지니어로 오디오를 좋아하면서 음악의 재생에 관해서도 시간을 함께 하다보니. 이제는 재생의 체험이 반대로 녹음에 영향을 주는 경우도 많이 생기게 되었습니다. 독일 부퍼탈의 라우렌치에스 성당 10년전 독일의 한 성당에서 카운터테너와 류트 듀오 연주를 레코딩 할때.  그 소리는 이후로 제게 참 많은 영향을 주었고. 통의동의 오디오가이 스튜디오 역시 그때의 경험이 기초가 되었습니다. 유럽의 동네 성당중에서도 사진에서처럼 상당히 크기가 큽니다. 이렇게 잔향이 길고 풍부하고 긴곳에서 아티스트가 연주를 하고. 그앞에 마이크를 두고 레코딩을 하니. 그간 제가 경험하지 못한 울림들이 마이크를 통해서 들어왔습니다. 저도 참 다양한 곳에서 레코딩 작업들을 하면서 여러 소리들을 들어보았다 생각하고 있었는데 이러한 장소는 처음이었지요.   잔향이 풍부한 공간에서는 아티스트와 마이크와의 거리와 위치가. 녹음되는 소리의 거의 모든것을 결정한다 해도 과언이 아닙니다. 이때 확실히 듣고 깨달았습니다. 클래식 음악을 위주로 한 어쿠스틱 악기에서는 녹음되는 장소의 특성이 좋은 소리의 음반을 만들기 위해서 정말 중요한 요소라고 말이지요.     네델란드 델프트의 성당에서의 녹음작업(2010년) ㅇ유럽의 여러 성당이나 오디오가이 스튜디오라 하더라도 실제 녹음되어 재생이 되는 소리에서의 느낌은 심플하게 아티스트와 마이크의 거리로 결정이 된다는 것이 저는 너무나도 즐겁고 재미있습니다. 아티스트와 마이크와 거리가 가까울수록 직접음이 커지고 반대로 멀어질수록 반사음(공간음)이 커지게 되지요. 물론 음향특성을 특별히 고려하지 않은채. 그저 아티스트 바로 앞에 마이크를 두고 녹음한후 그것을 믹싱작업을 통해서 리버브를 더하거나 하는 것이 훨씬 더 쉽고 편리하지만.   저는 이보다는 녹음당시 제가 더 몸을 움직이며 생각하고 있는 최적의 소리를 찾기 위해 마이크를 위치를 찾는데 집중합니다. 오디오가이 스튜디오에 처음 온 아티스트들도 잔향이 너무 많아서 당황하면 레코딩을 해서 들려주면 모두들 깜짝 놀랍니다 . 사실 잔향의 양이라는 것은 위에서 이야기 한것처럼 아티스트와 마이크를 거리를 가깝게 하는 것만으로도 쉽게 조정할 수 있는 부분이니까요. 이때 아티스트들은 먼저 그 공간안에서 귀로 듣는 소리와. 녹음되는 소리의 차이에 대해서 인지하게 됩니다. 늘 우리가 귀로 듣는 소리가. 녹음되는 소리와 같을 것이라 생각이 들지만 사실 그렇지 않습니다.   귀로 들리는 소리 (원음) 녹음이 되는 소리(재생음)은 분명히 많은 차이가 존재합니다. 좋은 소리라는 것은 원음을 최대한 충실하게 녹음하는 것이다.. 라는 반론이 나올수도 있겠습니다만. 음악과 소리에 있어서 기준이라는 것은 굉장히 유연하고 때에 따라서 애매모호한 경우가 많습니다. 음악의 장르. 아티스트와 프로듀서 엔지니어의 취향. 그리고 그시대에 사람들의 청취환경에 따라서 좋아하고 추구하는 소리가 모두 다 다르기 때문이지요. 저는 재생음을 사랑합니다. 때론 원음보다 더욱 더 말이지요. 여기서 무엇이 좋다 나쁘다. 그리고 꼭 원음이 기준이다. 라고만 이야기할 수 없습니다. 공연장에서 울리는 그 소리는 아티스트가 과연 마음속에서 여러분들에게 들려주고 싶어하는 소리와 늘 일치할까요?  

*사진 : 베를린 에밀베르리너 레코딩 스튜디오   원음과 재생음. 오랜시간 동안 오디오를 좋아하는 많은 오디오파일들 그리고 음악팬들에게 있어서 이 두가지에 관한 많은 이야기들이 오고갔습니다.    이에 관한 이야기를 하는데 있어서 먼저 우선시 되어야 할것은 장르의 구분으로 클래식 음악과 국악의 예를 먼저 이야기 할 수 있을 것 같습니다.   팝음악이나 재즈음악에서의 PA 시스템을 통한 소리 역시 원음보다는 "재생음"에 더욱 더 가깝습니다.(정확하게 말하면 원음 + 재생음)     저는 실제로 녹음현장에서 많은 원음들을 듣게 됩니다. 그리고 공간안에 울려퍼지는 원음에 마이크를 더해 녹음을 해서 그것을 "재생음"으로 만드는 일을 하고 있지요.   물론 각자의 자신의 취향에 맞추어 섬세하게 꾸며진 오디오시스템에 따라서 "재생음"이 전혀 다르게 되기도 합니다.      많은 사람들이 "기준"에 대한 이야기들을 합니다만 과연 기준이라는 것이 음악과 소리에 존재하느냐..라고 누군가가 물어보게 된다면 한참을 숙고할 것 같습니다.   모두 마음속에 자신만의 기준은 지니고 있지만 그것이 다른 사람에게도 맞는 기준이 될수 있을런지는 의문입니다.     녹음을 하는 사람 조차도 본인이 좋아하는 소리에 맞추어서 악기와 마이크의 거리. 그리고 녹음후 믹싱이나 마스터링 작업을 통해서 각 악기의 밸런스 조절과 이퀄라이저. 리버브등을 더하여 원하는 소리를 만들어내는 것이니까요.    어찌보면 대다수의 녹음된 음반중 녹음 현장의 소리를 그대로 내포하고 있는 경우는 굉장히 드물다고 볼 수 있습니다.   모두들 프로듀서와 엔지니어의 일종의 "연출"이 들어가 있는 것이지요.       원음이 제일이다. 재생음이 좋다 등을 떠나서 원음에서 재생음이 만들어지는 것 까지의 과정에 대해서 먼저 이해를 해보면 어떨까요?    카펠라 무지카 서울의 토마스 아퀴나스 합창곡집 녹음현장 - 강화도 온수리 성공회 교회   http://storefarm.naver.com/audioguy/products/286438291     위 사진은 제가 레코딩 장소로써 무척 좋아하는 강화도에 있는 성공회 교회입니다. 녹음장소로써 스튜디오나 일반적인 나무로 이루어진 클래식 공연장 보다 벽이 돌로 되어있는 성당을 아주 선호합니다. 이유는 단순합니다. 성당같이 잔향이 아주 길고 풍부한 장소에서 녹음을 하면 음악이 시작되는 순간부터 공간안에서 사라지는 데 까지의 느낌을 그대로 담기가 좋습니다. 많은 레코딩 엔지니어들마다 관점이 다르겠지만 저는 녹음한 장소의 음향적인 특성이 녹음에 그대로 표현이 되어야 한다 생각합니다. 그렇지 않으면 굳이 음향이 좋은 곳에서 녹음을 할 필요성이 크지 않은 것이니까요.  처음 음향을 공부할때 좋은 소리를 얻으려면 음향이 좋은 공간에서 녹음을 해야 한다. 라고 누구나 배우게 되지만.  문제는 음향이 좋은 곳에서 녹음을 할 수 있는 경험이 많은 엔지니어들에게 주어지지 않은 다는 것이 있습니다. 가끔씩 음향이 좋은 곳에서 녹음작업을 하더라도 이전에 보편적인 스튜디오에서 녹음을 하는 방법과 동일하게 하는 경우를 종종 볼 수 있지요.    그래서 저는 늘 찾습니다. 지금까지 녹음해본 곳이 아닌 새로운 장소. 더욱 더 조용하며 길고 아름다운 잔향을 지니고 있는 그러한 녹음장소들을 말이지요. 온수리 성공회 교회는 잔향이 아주 길지는 않지만 정말 조용한 곳. 그래서 소리의 끝이 잘 들립니다.  http://storefarm.naver.com/audioguy/products/330908451   위 음반은 같은 장소에서 게다가 같은 음악단체의 음악을 녹음하였지만.  녹음되어 재생되는 소리는 전혀 다르지요.  보다 스케일이 크고 풍부한 소리는 첫번째 아퀴나스 음반이라면 실제의 온수리 교회 안에서 울리는 소리에 가까운 음반은 위 MASS 음반일 것 입니다. 같은 장소에서 여러번 녹음을 하다 보니 그 장소의 특성을 파악하게 되었고.  실제로 제가 더 원하는 이미지에 가까운 소리로 만들 수 있었던 음반이기도 하지요. 클래식 음악 작업에 있어서 나중에 이퀄라이저로 음색을 과도하게 조정을 하는 것을 선호하지 않습니다. 이것은 이퀄라이저가 나쁘다는 뜻이 아니라. 나중에 후반작업에서 음색을 조정할 일이 있으면 그 판단을 녹음당시에 녹음현장에서 해서  원하는 소리를 찾아야 한다고 믿고 있기 때문입니다. 녹음작업에서 그리고 이렇게 잔향이 풍부한 곳에서 녹음할때 특별히 집중하고 있는 부분은.  음악을 잃어버리지 않은 상태에서 공간안에 울려퍼지는 소리의 직접음과 반사음의 최상의 마이크를 두는 위치를 찾는 것이 제가 하는 일이고. 또 가장 중요하게 생각하는 부분입니다. 아무리 성당과 같이 울림이 풍부한 공간이라도 마이크를 아티스트와 가깝게 설치하게 되면 공간의 울림보다는 실제 연주하는 소리, 즉 직접음이 크게 들어오고 마이크를 지나치게 멀리 설치하면 직접음보다는 공간의 반사음이 더 크게 녹음이 됩니다. 그래서 많은 엔지니어들이 여러대의 마이크를 사용해서 녹음을 하는데 이것은 직접음용 마이크. 그리고 반사음용 마이크를 별도로 해서 후반작업(믹싱)에서 소리를 섞어서 원하는 소리를 얻어냅니다. http://blog.naver.com/audioguy1/220220880322 마이크를 최대한 심플하게 사용하는 원포인트 레코딩 방법과 여러대의 많은 수의 마이크를 사용해서 후반에 믹싱을 하는 멀티 마이크 녹음에 관한 글입니다. 음원 샘플이 있으니 비교해서 들어보실 수 있습니다. 지금의 음악 제작과정은 멀티 마이크가 일반적입니다.  실제 완성되어진 결과물의 완성도가 중요한 것이지. 꼭 둘중 어느것이 더 좋다 나쁘다를 말할 수는 없습니다. 이렇게 원음이 녹음이 되는 과정에서부터 정말 많은 차이가 발생하게 됩니다. 오케스트라 소리는 역시 공연장에서 들어야 제맛이야! 라고 많은 이야기들을 합니다. 저 역시 좋은 음향을 지닌 홀에서. 게다가 좋은 자리에서 듣는 오케스트라의 사운드는 정말 몸을  감싸는 강렬함이 있지요.  반면에 잘 꾸며지고 세팅된 하이파이 오디오로 듣는 오케스트라 사운드는 또 어떤가요?  대부분 우리 귀로 듣는 실연에서보다 더욱 더 세밀하고 섬세한 소리들. 무엇보다도 잘 된 녹음일경우 녹음 장소의 음향 특성이 실연에서 보다 재생음에서 더욱 더 잘 느껴지는 경우가 많습니다. 대부분 실연에서는 사람들이 음악을 이끌어 가는 직접음에 더욱 더 집중하고 듣게 되니까요. 중요한 것을 이 둘을 균형있게 경험을 하는 것이 중요합니다. 실제 좋은 공연장에서의 소리와 나의 하이파이 오디오시스템의 소리를 함께 비교해서 들어보며 원음과 재생음에 대한 차이에 대한 생각들을 지니게 되는 것이지요. 가급적이면 공연장도 예술의 전당 콘서트홀 말고도 실제 악기의 소리를 더욱 더 잘 들어볼 수 있는 하우스 콘서트나. 그리고 주요 성당들에서는 하는 음악회(명동성당이나 시청의 대한 성공회 주교좌 성당에서도 자주 음악회가 있습니다.)  들에 자주 가서 들어보는 것이지요. 가서도 자리에 따라 어떻게 소리가 달라지는 지. 실제 악기들의 소리와 더불어 공간안에서 그 악기의 소리들이 어떻게 퍼져나가는 지등을 유심히 들어보며 원음에 대한 나만의 생각들이 하나둘씩 쌓아지게 되겠지요. 제가 실제 연주로 꼭한번 들어보기를 추천드리고 싶은 악기중에 하나는 파이프 오르간.  이것은 도저히 어떤 오디오시스템이라도 실제 소리만큼의 재생이 어려운 악기중에 하나. 라고 볼 수 있습니다.  양재동의 횟불센터나 계명대학교 아담스채플관 같은 곳에서 파이프 오르간의 소리를 들어보는 것은 음악과 소리를 좋아하시는 분들이라면 꼭 한번 경험해보시라고 추천드려 보고 싶습니다. 이밖에도 오르간 소리를 들을 수 있는 공간은 우리 주위에 생각보다 훨씬 더 많습니다. 녹음된 소리보다 실제 소리를 들었을때 훨씬 더 강한 인상을 받게 되는것으로 국악기가 있습니다. 대부분의 사람들이 실제악기들의 소리도 국악기 보단는 서양악기의 소리에 훨씬 더 많은 경험이 있는 것이 사실이니까요. 국악기를 녹음할때마다 공간안에서 울리는 소리를 들으면 그 아름다운 음색에 정말 마음이 두근거리며 취하게 됩니다. 실제 귀로 들리는 국악기의 소리를 그대로 녹음에 담아서 재생하고 싶은 마음에 아래의 음반을 만들었습니다. http://storefarm.naver.com/audioguy/products/285914117     가야금 산조를 클래식 공연장에서 더미헤드 마이크를 사용하여 원포인트 바이노럴 레코딩.    일반 국악음반에 비해서 잔향이 상당히 긴곳에서 녹음을 하였는데. 늘 마이크를 가깝게 설치해서 지나치게 과도한 리버브가 걸린 국악기의 소리를 들을 때보다.   차라리 이렇게 공간감이 풍부한 곳에서 국악기를 녹음해보자. 하는 생각으로 기획 제작된 음반입니다.   아래링크에서 음원을 들어보실 수 있습니다.   http://www.mediafire.com/download/qs6r60dkandvx73/06+%E1%84%8C%E1%85%A9%E1%84%8C%E1%85%A5%E1%86%BC%E1%84%8B%E1%85%A1+-+%E1%84%80%E1%85%B5%E1%86%B7%E1%84%8C%E1%85%AE%E1%86%A8%E1%84%91%E1%85%A1%E1%84%85%E1%85%B2+%E1%84%80%E1%85%A1%E1%84%8B%E1%85%A3%E1%84%80%E1%85%B3%E1%86%B7+%E1%84%89%E1%85%A1%E1%86%AB%E1%84%8C%E1%85%A9+-+06+%E1%84%92%E1%85%B1%E1%84%86%E1%85%A9%E1%84%85%E1%85%B5+.wav   바이노럴 레코딩 특성상 헤드폰이나 이어폰으로 들으면 좋지만. 스피커로 들어도 좋습니다.    이렇게 녹음을 하는 방법에 따라서 원음이 재생음으로 되기 까지 많은 차이들이 존재합니다.        저는 하이파이 오디오로 음악을 감상하는 것을 무척 좋아합니다.   하루의 가장 많은 시간을 녹음현장에서 보내면서 또 집에서도 음악을 듣는것에 관해서 의아하게 생각하는 사람들도 많이 있지만.    아름답고 좋은 소리를 들려주는 오디오로 음악을 감상하는 것 역시 저의 삶에 있어서 가장 큰 부분중에 하나이지요.    이렇듯 녹음에 관계하고 있으면서 또 재생되어지는 음악을 소리를 긴시간동안 즐기고 있습니다.      녹음에 따라서 참 많은 소리의 차이가 존재하는 것처럼 재생은 더욱 더 큰 차이를 들려주지요.    [2]탄에서는 재생음에 관해서 좀더 이야기를 해보도록 하겠습니다^^    

  제가 운영하는 오디오가이 레이블에서 한대수 선생님의 14집 음반을 함께 만들고 있습니다.    지금으로부터 12년전. 2004년에 10집 "상처" 라는 음반을 함께 작업을 했었지요.     이후 긴시간이 지나서 많은 시간동안 오디오가이 스튜디오에서 함께 음악을 듣고 이야기를 나누며. 즐거운 과정으로 녹음을 진행하였습니다.   사진으로 여러장 남겨봅니다. (사진 김훈, 원춘호)      이번 녹음은 오디오가이 스튜디오의 메인 홀에서 여러악기가 함께 진행하는 경우가 많았습니다.   그래서 보컬에는 DPA 3521 마이크를 XY 로 사용.    기타는 DPA 4018 초지향성 마이크.    보컬을 이렇게 스테레오로 녹음을 하면 다른 악기들의 소리가 보컬 마이크에 아주 공간감 있게 들어갑니다     기타는 홀에서 살짝 비껴나간 위치에 세팅.    기타마이킹은 정말 연주하는 사람에 따라. 기타에 따라 같은 듯 하면서도 다르지요.   첫녹음은 기타리스트 신윤철씨와 함께 하였고.    신윤철씨의 기타에는 DPA 4011 을 XY로. 세팅.   일렉기타야 정평이 있으니 잘 알고 있었지만 어쿠스틱 기타도 이렇게 잘 연주하는지 듣고 감탄했습니다.   게다가 정말 좋은 소리로 연주를 하시더군요.   소리가 서로의 마이크들에 아름다운 소리로 들어가는 것을 감안해서 마주보는 세팅으로 하였습니다.     다음곡은 아코디언 연주자 심성락 선생님과 함께한 녹음 세팅.   여기서는 한대수 선생님의 기타 마이크를 AEA R44C를 사용하였습니다.   바로 옆에서 다른악기와 함께 녹음을 하는 경우는 측면 지향패턴이 좁은 양지향성 마이크가 참으로 유용 합니다.     아코디언 마이크는 DPA 4041 무지향성 마이크를 양쪽에 AB 를 세팅.      세팅하고 진지한 표정으로 소리들을 들어봅니다^^ 제 좌측은 함께 일하는 최정은 엔지니어 다음은 최고은씨와 듀엣으로 2곡을 함께 하였는데.    아..두사람의 목소리가 정말 잘 어울리더군요. 이번 음반중 가장 기대되는 트랙가운데 하나입니다.     최고은 기타에는 DPA 4011 을 AB 로 세팅     보컬에도 DPA 4011    보통 악기에 많이 사용하지만 여자 보컬에도 상당히 좋은 소리를 들려줍니다.   다음곡은 한상원 밴드와의 작업.    오디오가이 스튜디오 식구들이 녹음하며 감탄에 또 감탄한 팀.   기타앰프 클로즈에는 AEA R44C 와 BETA57 잔향이 아주 풍부한 오디오가이 스튜디오에서의 녹음에서 빠질 수 없는 앰비언스 마이킹은 역시 스테레오로 DPA 4011 XY    사진처럼 베이스 앰프 녹음도 함께 하였습니다.   베이스앰프에도 역시 앰비언스 마이킹. MG M930 스테레오 페어를 XY로.    기타든 베이스든 믹싱시 리버브를 전혀 사용하지 않고 작업하였습니다.   드럼 오버헤드 DPA 4011 NOS    스네어는 옆에 하이햇의 간섭음을 생각해서 엠 4017 초지향성 마이크.    버텀은 오디오테크니카 ARM 25HE   밴드 녹음후 보컬을 하였기 때문에 보컬은 노이만의 TLM170R을 준비하였습니다.   1차 녹음후 컨트롤룸에서 모니터링.        다음곡은 피아니스트 이우창 선생님 팀과의 작업.    이번 음반에서 가장 서정적인 아름다움을 들려주는 곡이라 할 수 있지요.   12년전에도 함께 작업했던 피아노와 베이스. 바이올린    오디오가이 스튜디오의 스탠다드 피아노 마이킹인 DPA 4011 AB 세팅입니다. 베이스와 동시에 녹음을 하였고. 역시 베이스도 DPA 4011 XY.    4011을 정말 많이 그리고 자주 사용하는 편입니다.     바이올린은 DPA 4041 AB 로 세팅.      캐나다의 보컬 피터제임스와도 2곡을 함께 했습니다.    역시 녹음은 이렇게 한 공간에서 동시에 하는 것이 참 좋습니다.   녹음후 모니터링.    이날은 저는 셋째 아이가 태어나는 시기라 부산에 있었습니다^^    마지막 녹음은 남궁연 밴드와 국악과 함께 했습니다.    국내 젊은 세대에서 가장 유명한 스타플레이어 국악인. 그리고 남궁연 님의 드럼 연주도 아주 좋더군요.    무엇보다도 녹음을 하면서 작은 실수를 한 저희 어시스트 엔지니어를 제가 나무라니.    오히려 괜찮다. 긴장해서 그렇다 하며 그 친구를 다독여 주는 모습에. 그의 인품에 참 많은 생각이 들었습니다.       마지막으로 녹음의 후반에서 수입처에서 데모로 빌려준 MG의 CMV563 진공관 마이크   정말 정말 소리가 좋더군요.ㅜ.ㅜ    나중에 꼭 이 마이크를 구입해야 겠다..라고 마음먹게 되었습니다.     사진에는 없는 여러 아티스트들과 함께 한 음악들이 있답니다.   음반은 5월에 SACD 및 LP로 발매예정입니다.

레코딩 엔지니어를 하면서. 제가 가장 소중히 다루는 물건이 있다면 바로 그것이 마이크입니다.    아주 작은 공기중의 떨림을 전기신호로 만들어서 녹음해주는. 제게 있어 정말 소중하면서 가장 중요하게 생각하는 기기이지요.     같은 악기와 환경에서 녹음이라도 어떠한 마이크를 어떻게 사용하는 것인가에 따라서 참 많은 소리차이를 들려준답니다.    무엇보다도 마이크의 퀄리티가 굉장히 중요한데요.      그동안 참 여러가지의 다양한 마이크들을 많이 사용해보았지만 이번에 스튜디오를 새롭게 만들면서 오랜시간 마이크의 종류나 수량에 대한 녹음시의 아쉬움이 없도록 이번에는 다양하고 많은 수의 마이크들을 준비하였습니다.   마이크도 스피커처럼 여러 제조회사들이 있지만 이번에 선택한 회사는 덴마크의 DPA 사의 마이크들입니다.   독일의 숍스, 노이만 과 함께 전세계 클래식 음악 녹음에 가장 많이 사용이 되고 있는 마이크이지요.   DPA사의 마이크의 특성을 한마디로 정의하면 "투명하고 깨끗한 소리" 라고 할 수 있습니다.   숍스가 보다 자연스러운 소리를 들려준다면 DPA는 상당히 트랜전트 특성이 빠르고 그래서 타악기나 피아노 녹음에 특히 좋습니다.    전반적으로 고역이 밝고 선명한 편입니다.        이번에 들어온 DPA 사의 마이크들. 동사의 모델들 가운데에서도 플래그쉽 모델들로 주문을 하였습니다.   특히나 제가 굉장히 좋아하는 노르웨이의 2L 레이블에서 DPA 4041 6대로 거의 모든 녹음들을 하기 때문에 무엇보다도 DPA 의 유일한 라지다이어프램 마이크인 4041에 대한 기대가 무척 컸었지요   https://www.youtube.com/watch?v=Ym4sH9VaHbU     DPA 아시아 담당자도 DPA 역사상 고가의 마이크들이 한번에 이렇게 많이 판매가 된적은 처음이라 하더군요^^    무엇보다도 DPA의 국내 수입처인 (주)BLS 에서 정말 많은 도움과 또한 파격적인 조건을 주셔셔. 이렇게 한번에 많은 마이크들을 구입할 수 있게 되었습니다. (물론 리스할부로 구입했습니다.)     사진의 가장 앞에 있는 마이크는 오디오가이 스튜디오 오픈이후 가장 많이 그리고 자주 사용하는 DPA 3521 이라는 마이크로 피아노에 주로 사용이 됩니다.     마이크 홀더 아래부분이 아주 강력한 자석으로 되어있어서 피아노안에 단단하고 깔끔하게 고정을 할 수 있습니다.   피아노 현과 마이크의 거리가 너무 가까운것이 아닐까 하고 생각이 들지만 녹음해보면 상당히 소리가 자연스럽습니다.   http://blog.naver.com/audioguy1/220570321900     피아니스트의 페달링과 터치에 따라서 재즈를 녹음하면 또랑또랑한 피아노 소리를 들을 수 있지요.    이세팅 외에도 다양하게 XY 및 ORTF 세팅을 할 수 있어서 피아노 외에도. 최근에는 합창녹음시에도 메인 마이크로 자주 사용하고 있습니다.     케이스 안에 이렇게 여러 악세사리 들이 들어있어서 다양한 환경에서 정말 유용하게 사용할 수 있는 마이크.    써보고 너무 좋아서 한세트를 더 주문하기도 하였습니다.     이렇게 가방에 깔끔하게 넣어서 다닐 수 있고 내부에 DPA 스티커가 들어있어 외부에 붙여놓으면 눈에 잘 띄입니다^^     다음으로는 DPA 4011 5개가 매치드되어있는 세트인 5011 을 3세트(총 15개)    아무래도 단일지향성인 4011은 피아노부터 타악기. 보컬. 현악기에 이르기까지 정말 만능으로 사용할 수 있는 마이크라. 가장 많은 수를 주문하였습니다.   한개의 가방에 5개의 마이크가 들어있고. 내부에는 사진의 우측처럼 윈드스크린과 홀더등이 있습니다.   5011 3세트. 그리고 반무지향성의 4015가 5개 매치드되어있는 5015 1세트.    가방은 작고 가볍지만 마이크가 20개나 들어있어서 대규모의 로케이션 녹음시 정말 편리합니다.     사진은 DPA 4011/4015의 주파수 특성표입니다.    사진에서처럼 높은 고역에 악센트가 있어 적당하게 듣기좋고 반짝이는 소리를 들려줍니다.     최근의 DPA 마이크들은 숍스처럼 모듈러 타입으로 앰프부분과 다이어프램 부분으로 나뉘며 서로 호환이 됩니다.   두마이크는 지향성의 차이뿐만 아니라 아주 큰차이가 하나있는데요     4011은 다른 단일지향성 마이크들에 비해서 음원에 아주 가깝게 설치해도 중저역의 근접효과가 무척 적게 되도록 설계가 되어있는 반면   4015는 애초에 다른 DPA 마이크들 처럼 원거리용 보다는 보컬등의 근접마이크로 출시가 된제품이라   적극적으로 보컬이나 음원과 가까이 사용하면 마치 라지다이어프램 마이크처럼 풍부한 저역이 자연스러운 근접효과를 통해 생성되도록 되어있답니다.    그래서 4011은 마이크를 가깝게 사용하거나 멀리사용해도 특유의 밝고 선명한 소리를 들려주는 반면   4015는 가깝게 설치하면 스몰다이어프램 마이크의 소리같지 않은 풍부한 저역을 들려줍니다.     오디오가이에서 제작한 바리톤 정록기의 슈베르트 겨울나그네의 목소리 녹음도 4015를 사용한 것 입니다.     다음으로는 4017 샷건마이크.    음악레코딩 스튜디오에 왠 샷건마이크? 라고 생각하실지 모르겠지만    울림이 큰 홀에서 여러 악기를 동시에 녹음하는 경우 원하는 소리의 선명도를 위해서 샷건 마이크도 음악 녹음용도로 종종 사용합니다.   특히나 오디오가이 스튜디오처럼 잔향이 풍부한 경우는 샷건이나 초지향성 마이크도 국악이나 재즈에서는 자주 사용이 되고 있습니다.   샷건 아래는 컴팩트 마이크로 캡슐은 다른 시리즈와 동일하게 호환됩니다.   http://storefarm.naver.com/audioguy/products/286413989     최근 수십종의 DPA 마이크들이 들어오기 전에 오디오가이 스튜디오의 메인 마이크라 할 수 있는 4006 무지향성의 AE 버젼입니다.   지금의 모듈러 방식에 비해서 중역부터 초고역까지 좀더 밝은 특성을 지니고 있습니다.(감도는 현모델이 더 높습니다.)    클래식 오케스트라부터 국악 합주에 이르기까지 이 마이크 3대로 L C R 세팅을 하면 어디서나 실수를 하지 않는 소리를 들려준 존재입니다.   그래서 이번에는 4006의 신형인 4006A 시리즈는 별도로 주문을 하지는 않았습니다.     DPA 이전 B&K 시절의 4006도 가지고 있어서 함께 비교로 남겨봅니다.   B&K는 마이크의 감도는 좀더 낮지만. 출시이후 단숨에 전세계 클래식 음악 녹음에 레퍼런스로 자리잡은. 지금의 DPA가 있게 만든 마이크로    무지향성 마이크의 기준. 이라 할 수 있는 마이크입니다.   여러 공연장등에서 로케이션 레코딩. 게다가 공연실황을 녹음하는 경우가 무척 많습니다.   때론 방송국이나 영상 녹화등과 함께 하는 경우가 대부분이지요.   마이크 스탠드의 위치나 모습이 아티스트가 연주하는 것을 가리는 경우가 있기 때문에 이때는 늘 카메라 팀과 함께 조율을 해야 합니다.   두꺼운 마이크 스탠드와 스탠드에 붙어있는 치렁치렁한 마이크케이블이 카메라를 통해서 볼때는 더욱 더 눈에 거슬리는 것도 사실 틀리지는 않았지요.   제가 카메라 감독이라도 내가 만드는 영상을 보다 더 퀄리티 있고 내용에 집중할 수 있도록 만들도록 노력할테니까요.   언젠가는 위와 같은 마이크 시리즈로 공연실황 녹음시에도 레코딩 엔지니어가 원하는 마이크 포지션에 마이크를 두고.   카메라 감독님도 영상에 방해를 덜 받게 되는 위와 같은 마이크들을 잔뜩 구입해서 공연실황 녹음에 사용해보고 싶다. 라고 생각한지 4-5년이 되어 이번에 8대를 함께 하게 되었습니다.   4대는 4011로 다른 4대는 초지향성인 4018 입니다.   특히 콘체르토 녹음시(바이올린이나 피아노)  솔리스트 악기에는 단일지향성(혹은 초지향성)을 한개보다는 스테레오 사용 하는 것을 굉장히 좋아합니다   DPA에 MS 마이크가 있었다면 금상첨화였을텐데..하는 아쉬움은 있지만.    이 마이크는 스튜디오에서 영상촬영과 함께 하는 녹음외에도 일반적인 녹음시에도 굉장히 자주 사용이 되고 있습니다.     위는 초지향성인 4018 아래는 4011 인데.    사진은 찍지못했지만 고역이 밝은 특성의 4011에 비해서 4018은 주파수가 훨씬 더 평탄하고 자연스럽게 되어있어서 현악기 스팟마이크로 정말 좋고.   얼마전 정동교회에서 헨델 메시아 녹음시 솔리스트 마이크로 사용하였는데 솔리스트의 음색이 오케스트라 사운드에 구애받지 않고 정말 깨끗하게 녹음이 되어 좋았습니다.   특히 솔로마이크에 들어오는 오케스트라 소리가 저멀리 앰비언스 사운드로 들어오는 것은 초지향성 마이크만의 매력인것 같습니다.   실제로 초기반사음은 마이크의 뒷면보다는 옆으로 더욱 더 많이 들어오게 되니까요.     그리고 이번 DPA 마이크의 가장 핵심.    DPA 4041 마이크. DPA사의 유일한 라지다이어프램 마이크이기도 하고 높은 가격때문에 국내외에서도 쉽게 찾아볼수는 없는 제품이지요.    DPA에는 이미 4006이라는 정말 걸출한 무지향성 마이크가 있는데 4041의 의미는 과연 무엇일까..라고 생각했습니다.   실제 사용을 해보고 놀란점은 먼저 감도.. 마이크프리앰프의 게인을 10 넘기는 일이 없네요 때론 +4dB 만으로도 됩니다.   음량이 큰 악기는 팬텀만 넣어주고 라인레벨로 출력해도 될정도로 이렇게나 감도가 높은 마이크는 처음입니다.   그런데 전 사실 마이크의 좋고 나쁨과 감도는 크게 관련은 없다 생각합니다^^     가방에 전용 스테레오바와 홀더등이 들어있고. 사진에서 처럼 마이크의 캡슐이 큽니다.   소리도 중고역부터 초고역까지 정말 굉장히 밝고 섬세한 소리.    L C R로 바이올린 솔로를 녹음해보니 바이올린의 높은 배음이 이렇게나 깨끗하고 정확하게 녹음이 되는 마이크는 처음이네요.    정말 후회막심한 생각이 들었습니다.   지금까지 20년의 레코딩 엔지니어 생활동안.. 왜 이마이크를 진작에 사용하지 않았을까.. 하고 말이지요.ㅜ.ㅜ      이후로 다양한 악기들에 테스트를 해보고 있고 아래의 플룻 영상도 이 마이크로 녹음을 하였습니다.   http://blog.naver.com/audioguy1/220593078506   정작 구입은 했지만 현재까지는 스튜디오안에서만 사용하고 로케이션 레코딩때는 변함없이 4006AE를 가지고 나가고 있습니다.   우선은 스튜디오에서 한 6개월간은 이마이크의 특성등을 좀더 파악해고 싶습니다.   제가 가지고 있는 것은 TR 버젼으로 과거에는 튜브버젼도 나왔었는데 나중에 기회가 되면 꼭 튜브버젼도 사용해보고 싶네요.    빈티지 노이만 M50 같은 전설적인 마이크들에 대한 환상을 한번에 사라지게 만든. 제게는 그러한 마이크입니다.   중역이 상당히 뚜렷해서 마이크를 멀리 사용해도 직접음은 가깝게. 간섭음은 적당히 멀게 들리는 참 신기한 마이크입니다.      여러대의 PZM 마이크와 악세사리, 그리고 MG 사의 KEM970 라인어레이 마이크등은 빠졌지만 오디오가이에서 사용되고 있는 마이크들.    노이만의 경우도 구입한지 10년이 다되어 수많은 녹음들에 사용하고 있지만 새것처럼 깨끗한 상태를 유지하고 있고 습도에 민감한 마이크의 특성상 데시케이터에 온도 습도를 항상 최적화 하여 보관하고 있습니다.     수많은 음향기기들 가운데에서 역시나 제가 가장 사랑하는 기기인 마이크..    녹음을 하다 연주자 혹은 성악가분이 긴장을 하면 그들에게 이러한 이야기를 종종합니다.      노래를 보고 듣는 사람은 눈과 귀. 그리고 가슴이 있어서 음악을 이 세가지로 받아들이지만   마이크는 눈과 가슴은 존재하지 않은 채 오로지 귀만 지니고 있기 때문에.    마이크 앞이라 해서 너무 긴장하지 말고. 마이크를 연인이나 가족이라 생각하고. 그 앞에서 당신이 지니고 있는 음악을 들려주세요.. 라고 말이지요.     음악이 아티스트로 부터 시작이 되어 공간을 통해 마이크로 전달되는 그 순간 부터 어찌보면 마이크는 저의 몸의 일부일런지도 모르겠습니다.   앞으로도 변함없이 저의 삶에서 음악과 소리에 함께하고 싶네요.                   

  스튜디오 공사 소개글 이후 두번째.      지난 통의동 스튜디오에서 나오면서 다음번 스튜디오는 조금 기존의 스튜디오들과는 다른모습으로 만들어보고 싶었습니다.   음악을 만들고 녹음하는 공간들이 천편일율적으로 비슷한 모습을 하고 있는 것보다는 새로운 분위기에서 아티스트들이 영감을 얻고 함께 작업을 해보고 싶은 마음이 컸기 때문이지요.   그동안 국내의 구석구석 여러장소와 세계의 여러나라들 독일, 프랑스, 네델란드, 일본, 심지어는 몽골에 이르기까지.. 다양한 장소에서 녹음작업들을 해보면서   꼭 음악을 녹음하는 공간이라는 것이 우리가 녹음실이라는 것으로 머릿속에 떠올리면 바로 생각이 나는것이 아닌   성당이나 음향이 좋은 콘서트홀 처럼 길고 깊은 소리를 지닌 스튜디오를 만들자. 하고 생각하게 되었습니다.     눈에 보이는 공간과 사물의 아름다움에 관해서도 지난 몇년간 심플한것이 곧 아름다움이라는 인식이 많은 사람들에게 퍼져있지만.   오히려 반대로 아주 화려한 장식이 있는 유럽의 오래된 박물관이나 건물등과 같은 분위기로 만들어보고 싶었지요     유럽여행할때마다 미술관이나 성당. 그리고 국내에서 관련 장식미술에 관한 서적들. 또 잡지들에서의 틈틈히 스크랩을 하여 지금의 스튜디오 분위기를 정하게 되었습니다.      스튜디오의 출입구.    이번 오디오가이 스튜디오는 수많은 몰딩장식(웨인스콧)이 기본으로 되어있습니다.    지난 녹음실에서 출입문의 크기가 작아서 오르간과 팀파니가 들어가지 못했던 아픈 기억이 있어서 이번에는 출입문을 여유있게 하였습니다.^^   스튜디오는 여러개의 색을 사용하지 않고 화이트. 그레이. 블랙.    출입구를 열고 들어가면 이렇게 복도가 있고 우측이 메인 레코딩 홀로 들어가고 라운지를 지나 컨트롤룸이 있습니다.   저는 타일에 관한 로망이 있어서 나중에는 집을 지어서 살게된다면 정말로 화려한 타일장식의 바닥을 꼭 한번 시도해보고 싶습니다.(색상도 이미 정해두었습니다. 노란색과 밝은 파랑. 그리고 주황색)     라운지를 넓게 만들어서 녹음시 아티스트들이 충분히 휴식을 취하면서 커피를 마시거나 담소를 나눌 수 있게 하였습니다.   (사진의  슬라이딩 도어 안쪽에는 아담한 오디오가이 식구들과 저의 책상이 있는 사무실이 있고. 꽃무늬 벽지 안에는 음료와 차등을 넣어두는 벽장을 만들어서 넣었습니다.)     라운지 한켠에는 이렇게 하이파이 오디오시스템을 설치해서. 아티스트들과 함께 음악을 듣거나 오디오가이 식구들과 함께 아티스트분들이 보내온 데모테입을 듣거나 하는 용도로 사용합니다.   스튜디오의 컨트롤룸은 이렇게 생겼습니다.   바닥에는 카페트. 그리고 벽과 천정은 모두 패브릭으로 되어있습니다.    오디오가이 스튜디오의 메인 콘솔은 독일 LAWO 사의 디지털 콘솔로. 1960년대부터 콘솔만 제작하고 있는 회사입니다.   니브 88RS 같은 아날로그 콘솔과 많은 고민을 하였는데.    동시에 여러 프로젝트들을 진행하는 경우가 많고. 서라운드 작업의 용이. 그리고 무엇보다도 콘솔에 내장된 마이크프리앰프와 컨버터의 퀄리티가 아주 뛰어나기 때문에. 이 콘솔로 결정하게 되었습니다.   레코딩스튜디오외에도 방송이나 공연음향에도 함께 사용할 수 있는 다용도의 콘솔입니다.     콘솔자체에 32채널 마이크프리앰프를 내장하고 있고 40페이더 모델로 사용중입니다.   디지털 콘솔답게 여러 루팅들외에도 채널마다 스테레오 양을 조정할 수 있는 기능과 무엇보다도 동시에 3개의 미터로 모니터링 가능, 특히 라우드니스 미터를 기본적으로 탑재하고 있습니다.   또한 컴퓨터와는 MADI외에도 라베나로 바로 연결해서 녹음 및 재생이 가능하다는 것 역시 IPAUDIO 기반의 레코딩용 컨버터를 사용하는 제게있어서는 음질과 용도면에서 최적의 제품이었습니다.   콘솔의 리어패널.    레코딩 메인 홀에는 이렇게 LAWO 의 별도의 스테이지박스(32채널 마이크프리 장착. 출력 라베나) 를 함께 사용중이라 마이크프리앰프만 동시에 64채널의 기본 입력이 가능합니다.   몇몇 녹음들을 LAWO 콘솔을 사용해서 해보니. 참 디지털 콘솔 같지 않은 상당히 아날로그 적인 느낌의 마이크프리앰프를 장착하고 있습니다. 콘솔의 퀄리티는 역시 내장된 마이크프리앰프가 가장 중요하다 생각합니다.   믹싱때도 모든 소스들을 콘솔로 디지털로 보내서 DAW 안에서는 플러그인을 거의 사용하지 않고. 콘솔로 믹싱을 하고 있습니다.   믹싱 세션마다 모두 저장이 되니. 한결 편합니다.   이번에 무척 심사숙고해서 만든 LAWO의 콘솔데스크 양사이드에 레코딩 기기들을 수납할 수 있도록 랙을 만들었습니다.   타스캄 DA3000 DSD 레코더.   멀징사의 호러스(DSD 256 녹음 및 마스터링)    DSC 사의 972 DD 컨버터입니다.    반대편랙에는 히어백 프로 16채널 큐앰프.   녹음시 16채널로 아티스트들에게 별도의 큐를 줄수 있어서 정말 편하게 모니터링이 가능합니다.   그리고 제가 좋아하는 렉시콘 300L 리버브   잔향이 아주 긴 오디오가이 스튜디오 특성상 리버브를 사용하는 경우는 상당히 드뭅니다.    하지만 출시된지 오래되어도 변함없이 너무 좋은 소리를 들려주는 렉시콘 300L 리버브. LAWO 콘솔에 디지털과 아날로그로 모두 연결이 되어있습니다.   그리고 국내는 물론이고 해외에서도 레코딩스튜디오에서 사용이 되는 스피커는 아닙니다만.    제가 정말 좋아하는 스피커.    몇해전 하이파이쇼를 하면서 이 스피커를 빌려서 오디오가이 레이블 부스에서 음악을 들려주며 음반을 판매한적이 있었습니다.   그동안 제가 녹음한 음악들이 이 스피커에서 재생이 되는 것을 들으며.   "아...녹음이나 믹싱시부터 이 스피커로 작업을 할 수 있다면 얼마나 좋을까?" 라고 생각을 하게 되었었지요   그리 크지 않은 사이즈임에도 불구하고 아주아주 낮은 저역까지 재생이 되고.   중역에서 고역에 이르기까지 특이성향이 느껴지지 않고 자연스러우면서도 일반 레코딩 스튜디오의 모니터 스피커들에 비해서 훨씬 더 높은 해상도를 지니고 있습니다.   특히나 저처럼 낮은 볼륨으로 믹싱하기를 선호하는 사람에게는 작은 볼륨에서의 충실한 밸런스를 들려주고   아주 큰 음량에서도 음색 밸런스가 무너지지 않은 이 스피커의 가능성을 보고   언젠가는 꼭 스튜디오에서 사용해보고 싶다. 라고 마음을 품게 되었는데 드디어 사용할 수 있게 되었네요   영국 LINN 의 아큐바릭(액티브) 스피커입니다.   5개의 유닛에 스피커 한조당 5개의 파워앰프가 들어있는 모델이지요.   사진에서처럼 앰프부부는 스피커 인클로저의 진동이 앰프부로 전달이 되지 않도록 내부에서 플로팅 되어 후면에 위치합니다.   그리고 각 대역별 밸런스 조정 및 로우컷 필터 조정. 기능이 있지요 - 프로용 액티브 스피커에서는 당연하게 있는 기능이지만 하이파이 스피커들에서는 좀처럼 발견하기 힘든 기능입니다.   특히 이 스피커를 설계하고 만든 LINN 의 수석디자이너 필립홉스는 스피커 제작 뿐만 아니라 영국에서의 저명한 레코딩 엔지니어기도 합니다.   LINN 레코드의 수많은 음반들의 레코딩과 믹싱, 마스터링 뿐만 아니라. EMI나 DECCA등의 여러 레이블 음반들의 레코딩 엔지니어로도 활발하게 활동을 하고 있는사람입니다.   이 스피커가 아주 큰 사이즈가 아님에도 불구하고 굉장히 낮은 저역 (스펙상 24Hz)까지 재생되는 것은 아래와 같이 두개의 유닛이 서로를 마주보게 하여 한쪽 유닛을 역상으로 걸어서 풍부한 저음을 얻는 탠덤 구조로 되어있기 때문입니다.   늘 믹싱과 마스터링을 하다보면 내가 현재 듣는 소리의 저음이 다른 장소에서는 어떻게. 얼마만큼의 저음의 양이 들리게 될까가 작업하면서 마음속에 남는 부분중에 하나인데   이 스피커를 사용하면서 비로소 아주 낮은 저역까지 듣고. 컨트롤 하면서 녹음작업을 할 수 있게 되었습니다.   또한 녹음실 특성상 장시간 청취해도 귀에 부담이 적습니다.   후면은 심플하게 파워코드와 입력(XLR) 단자뿐.      다음은 드럼 및 타악기 녹음 부스 입니다.   바로 옆이 컨트롤룸이기 때문에 드럼을 아무리 세게쳐도 컨트롤룸으로 소리의 진동하나 느껴지지 않도록 만들었고.   홀의 긴 잔향과는 완전히 대비되는 아주 데드한 울림을 지니고 있는 곳입니다.   음악에 따라서 울림이 전혀 필요없는 경우도 많이 있으니까요.    벽과 천장 모두 패브릭입니다.   드럼은 그레치의 최상급 USA 커스텀 재즈킷.    오디오가이 스튜디오의 메인 이라 할 수 있는 곳.   2초가 넘는 잔향을 지니고 있어서 다른공간과는 전혀 다른 소리를 들려줍니다.   한달에 한번씩 스튜디오 콘서트를 진행하고 있는데 최대 100명의 관객이 와서 공연관람이 가능한 공간입니다.   예산상의 문제로 헤링본을 원목마루가 아닌 강마루로 한것은 아쉽긴 하지만 그래도 헤링본으로 바닥을 만든것에 위안을 삼습니다.^^    오디오가이 스튜디오의 뵈젠도르퍼 92건반 피아노.    피아노에 관한 내용은 아래 링크에 자세하게 나와있습니다.   http://blog.naver.com/audioguy1/220527336831   벌써 통의동에서만 네번째인 오디오가이 스튜디오는 이렇게 생겼습니다.   마음은 이장소에서 10년은 머물고 싶습니다.      스튜디오를 만들면서 하모니 임채회 대표님과 공사반장님. 목수분들, 스튜디오 인피니티 의 성금실. 김지영 실장님, LAWO 콘솔의 사운드폭스 모영석 대표님과 한보련 차장님. 드럼창고 장요셉 대표님. 그리고 스튜디오 건물의 김창영 상무님(거의 공사 현장 감리를 저대신 매일같이 하루종일 현장에 계시면서 해주셨지요..) 등등    정말 평생에 잊지 못할 너무너무 많은 분들의 도움으로.    제가 가지고 있는 능력밖에 이렇게 과분한 공간을 얻게 되었습니다.     참 많은 분들의 마음을 받아서 만드니. 이 마음을 다시 누군가에게 전하고 싶은 생각또한 간절하더군요..    앞으로 오디오가이 스튜디오의 일정부분은 수익을 떠나, 또한 이유도 목적도 없이   그저 제가 받은 이 감사한 마음을 이 장소를 필요로 하는 아티스트분들께 전하고 또 나누고 싶은 소망을 꿈꾸어 봅니다. 

제게있어 올해는 지금까지의 삶의 시간가운데 잊지못할 많은 기억이 있는 해로 남겠습니다.   나이앞의 숫자가 새롭게 바뀜과 동시에. 셋째아이를 기다리게 되었고.    지금도 꿈인지 생시인지 아직도 실감이 잘 나지 않을만큼 과분한 공간(녹음실)을 만들게 되었습니다.     처음 장소를 계약할때까지만 해도 녹음실을 만들 준비(특히 경제적인)가 제대로 되어있지 않은 상태였는데.    간신히 건물 보증금만 마련하고 계약을 해둔후.    공사 계약금 마련에 어려움을 겪고있는 제 모습을 보고 오랜시간 제 스튜디오와 주변의 친구들의 스튜디오를 만들어준 하모니 인테리어 임채회 대표님이.    장소가 참 좋으니. 공사 시작할 준비도 되었으니. 먼저 시작하자..해서 공사가 시작이 되었지요.    계약금도 없이 말이지요.   게다가 목수 6명이 30일가까이 공사를 진행하였습니다.     저는 공사후 한달이 지나서야 공사 계약금을 마련할 수 있었어요.   여러 배움의 시간과 사연의 시간이 지나고 10월15일 스튜디오 오픈식때.    잠시 바람을 쐬러 나와서 공사해주신 하모니 인테리어 대표님을 얼싸안고 정말 감사한 마음에 펑펑 울었던것이 생각납니다.   회사 대표님 뿐만 아니라 공사하는 목수팀도 정말 마음을 다해서 만들어 주셨지요..     녹음실 공사라는 것이 지난번처럼 예산문제에 양보하여 허술하게 하면 무엇인가 문제가 생길 수 있다는 것을 사무치게 경험을 한터라.    이번 녹음실에서는 할수 있는 최선을 다해서 준비를 하여 진행하였습니다.     사실 처음 스튜디오 장소의 경우도.    처음에는 녹음실보다는 그냥 깔끔한 오디오가이 레이블의 음반 전시 및 판매를 하는 쇼룸 겸   외부에서 녹음한 음원들을 믹싱 & 마스터링 하는 정도를 생각했었지요.     그런데 통의동을 지나다.    우리의 통장님(영원한)을 뵙고 통의동에 새로운 자리를 알아보고 있다는 이야기를 드리니 제 손을 잡고 지금의 공간을 소개해주셨고.    정말 좋은 조건에 계약하게 되었습니다.(금액도 금액이지만 계약기간 5년)      스튜디오 만들면서 있었던 에피소드에 대해서는 향후에 정리해서 글을 한번 쓰기로 하고요   이번에는 스튜디오를 어떻게 만들었는지.    지금의 화려한 외장 안에 어떠한 내장이 들어있는지 공사내용을 보면서 이야기해보고자 합니다.   파노라마로 찍은 사진입니다만 처음의 철거를 한 공간은 이렇습니다.   무엇보다도 녹음공간(홀) 중간에 건물의 보가 없다는 것이 매력적으로 다가왔지요.    기존의 사무실 및 창고로 사용이 되던 공간이었기에 많은 철거들을 깔끔하게 하고.    구획관리를 바닥에 먹줄로 표시해둔다음.    레코딩 스튜디오 공사에 있어서 가장 중요한 부분중에 하나인 바닥부터 시작이 됩니다.   마이크스탠드도 바닥에서. 그리고 악기들도 모두 바닥에서 소리가 발생하기때문에 중요성이 큽니다.   바닥에 사진처럼 아주 단단한 방진고무들을 촘촘하게 잘라서 깔아둡니다.     가까이서 보면 이러한 모양입니다.    미리 방진고무 놓을자리들을 정확하게 구획을 해둡니다.   그리고는 방진고무 사이에 이렇게 흡음재들을 넣고 위에 아주 두꺼운 합판으로 1차 바닥을 만듭니다.(바닥은 이후로도 여러번의 과정들이 추가됩니다.)   이번 스튜디오의 경우는 합판의 두께도 바닥 및 벽에 따라서 각기 다른 두께들을 사용하였습니다.   바닥이든 벽이든 동일한 재질과 동일한 두께를 사용하는 것보다 약간씩 차이를 두는 것이 더 좋습니다.     이렇게 방진고무위에 두껍고 무거운 합판을 올리고 1차 바닥면을 만들고 합판 양쪽에 틀을 만듭니다.     이렇게 합판 모서리에 틀을 만드는 것은 이위에 무엇인가가 부어질것이라는것을 의미하는것이지요^^      케이블 배선 배관 준비는 이때부터 함께 시작이 됩니다.   미리 어떻게 배관이 되고 배선이 되어야 할지. 레코딩 스튜디오에서 사용이 되는 장비 들 케이블링 까지 모두 정해서. 케이블 및 전기콘센트들의 위치까지 바닥공사를 하기전에 결정이 되어있어야 합니다.   정말 며칠동안 머리가 쥐나도록 도면들 다시 고치고 고치고 해서. 전기 및 케이블 배선에 대한 부분도 도면에 그려서 시공팀에 전달하였습니다.     중간에 벽을 세우는 사진은 아쉽게도 찍지 못했습니다만 요즘 레코딩 스튜디오 공사에는 경량콘크리트 블럭(ARC)를 많이 사용합니다.   이 넓은 공간의 벽을 이틀만에 세웠습니다.   벽을 세울때부터 스튜디오의 시창 부분도 미리 계산해서 사진과 같이 준비해둡니다.   레코딩 스튜디오의 공사라는 것이 공사 초기에 상당히 많은 부분이 준비가 되어있어야 나중에 후회하는 일이 생기지 않습니다.     위 사진에서 처럼 방진고무에 띄워져있는 1차 바닥면에 거미줄처럼 촘촘하게 철근을 설치합니다.      그리고는 여기가 레코딩 스튜디오 바닥공사의 정말 핵심.    1차바닥면 위에 철근으로 무게를 잡고. 레미콘을 불러서 이렇게 콘크리트로 바닥을 만듭니다.   콘크리트 바닥이 건물 자체의 바닥에 공중에 떠있는 구조로 되는 것이지요.   이것을 플로팅 이라 하는데 레코딩 스튜디오의 바닥이 이렇게 플로팅되어 있지 않거나 또는 잘못 플로팅되어서 바닥이 꿀렁거리거나 하는 경우는 녹음시 깨끗한 소리를 얻을 수 없습니다.   좋은 녹음실에서 녹음시 깔끔하고 깨끗한 불필요하고 탁한 저음의 공진음이 들어오지 않는 이유는 여러가지 벽면에서의 음향 처리보다도 오히려 단단한 바닥면이 더 중요합니다.   벽을 세우는 곳 역시 이렇게 바닥면과 맞닫아서 바닥과 벽의 진동이 서로에게 직접적으로 전달되지 않도록 세웁니다.      이렇게 2일정도 바닥을 말린후. 이때는 공사시작이후 유일하게 휴가기간입니다.   이번 스튜디오 공사는 주말에도 공사를 하였습니다. (그래도 2달반의 시간이 걸렸지요)    바닥을 이렇게 완성하고 이후에는 본격적인 차음공사가 시작이 됩니다.   사진에서처럼 벽에 나무 각대를 세우고 안에 흡음재를 넣습니다.      스튜디오 벽들의 단면의 시작은 사진처럼 됩니다.   다양한 콘크리트. 흡음재. 나무. 석고보드등 다양한 소재들을 사용하고. 무엇보다도 각 소재들의 공간이 떨어져 있는 것이 무척 중요합니다.   소리의 에너지는 벽이 두꺼운것보다 이렇게 공간이 떨어져 있을때 더 사라지게 만들 수 있습니다.   이렇게 만들어진 이후에도 각기 다른 두께의 석고보드들이 위로 올라가고 그위에 각재에 흡음재. 그리고 석고보드 각재 흠음재가 여러번 반복됩니다.   이번공사때 석고보드 총 3600장 이상    합판도 2000장 이상 사용   흡음재는 1톤트럭으로 7번이상 왔다갔다 했습니다.    일반 건물의 8층 정도는 충분히 인테리어를 하고도 남을만한 정도의 많은 자재가 1개의 층에 사용이 되었지요.     그리고 드럼부스의 경우는 사진처럼 바닥을 한번 더 띄웁니다.   제가 바닥에 너무 집착하지요?^^    기본 콘트리트(습식)으로 플로팅되어있는 바닥에 합판과 여러장의 석고보드를 사용한(건식)으로 한번 떠 띄웁니다.     컨트롤룸과 드럼부스가 바로 붙어있기 때문에.   드럼부스에서 아무리 드럼을 크게 연주를 해도 컨트롤룸으로 진동이 전혀 전달이 되지 않게 되었습니다.   물론 드럼부스와 컨트롤룸사이의 벽 두께도 1미터 50cm 미터입니다. ㅜ.ㅜ      그래서 컨트롤룸과 드럼부스가 완전히 동일한 사이즈의 공간인데 드럼부스가 30%는 더 작아보입니다.    드럼부스의 경우는 천정에 저음을 흡읍할 수 있는 사운드 홀을 만들었기 때문에 천정도 더 낮게되어있습니다.     이렇게 바닥과 벽체의 기본공사를 어느정도 진행하면서 천정공사도 합니다.   이번 스튜디오는 20년전에 제가 처음만들었던 스튜디오 이후로 처음으로 지하라.    외부 공기의 흡기 및 배기를 위한 공조공사도 함께 진행하였습니다.   공조와 함께 여름에 에어컨을 틀어놓은 상태에서도 에어컨 소음에 신경쓰지 않고 녹음작업이 가능하도록. 소음닥트를 사용해서 냉난방이 가능하도록 함께 되어있고요.    공조와 냉난방. 어찌보면 기본이라 할 수 있지만 상당히 비용이 많이 발행이 되기 때문에. 이역시 고민을 많이 하였습니다.   그래도 이번 스튜디오에서는 아쉬움을 남기지 않고 만들고 싶었지요.     천정도 바닥과 마찬가지로 여러 자재들이 중복적으로 계속 사용이 됩니다.    배관부분까지 함께 있기 때문에 현재 오디오가이 스튜디오의 천장은 거의 1미터나 내려가 있는 상태입니다.   이번에는 천장까지 확실한 차음이 되도록 만들었습니다.     다음은 컨트롤룸과 드럼부스의 실내 음향을 위한 내용입니다.   많은 레코딩 스튜디오들에서 기본 차음공사를 한후. 흡음재를 넣고 그 위를 패브릭으로 마감을 합니다.   그런데 이렇게 하면 늘 똑같은 문제가 발생합니다.    공간에 따라서 같은 흡음재가 비슷한 대역을 흡음하기 때문에(대부분 고역)    고역은 흡음이 너무 많이 되어 답답한 소리가 나고   저음은 전혀 흡음이 되지 않아서 콘트롤룸의 위치에 따라서 저음의 양이 다 다르게 들립니다.      그래서 이번 오디오가이 스튜디오에서는 사진과 같이 만들었습니다.   일부분은 흡음재. 또 일부분은 합판(합판을 벽에 띄워서 저음흡음이 되도록 설치)    그리고 중간에는 아예 공간을 띄워놓고 사진과 같이 한후 위에 패브릭으로 마감을 하였습니다.     물론 이러한 일련의 작업들이 단순히 흡음재위에 패브릭을 씌우는 것에 비해서 시간이 더 들기 때문에 그만큼 비용이 더 발생합니다만   만들어보니 효과에는 만족합니다.   컨트롤룸과 부스가 너무 데드하지 않으며(너무 데드한곳에서 오랫동안 소리를 들으면 귀도 더 쉽게 피로해집니다.)    무엇보다도 콘솔바로 앞에서 듣는 소리와 프로듀서의 쇼파뒤에서 소리를 들었을때 소리가 차이가 적습니다. 특히나 저음의 양은 더욱 더 그렇고요     그래서 컨트롤룸의 위치에 관계없이 비교적 고른 소리를 모두 다 함께 들을 수 있다는 점에서 앞으로 레코딩 스튜디오 공사를 생각하시는 분들은 꼭 이러한 방법으로 컨트롤룸이나 부스를 만들어보시기를 추천드려보고 싶습니다.     드럼 부스의 경우는 이렇게 사진과 같이 완성이 되었고요. - 아쉽게도 컨트롤룸 사진은 아직 없네요.    천장의 경우도 하얀색 패브릭입니다.     또하나 이번 오디오가이 스튜디오에 오신 많은 분들이 물어보시는.    왠 콘센트가 이렇게 많아요? 라고 합니다만.    공사할때도 전기공사 기사님도 꼭 이렇게까지 해야하는지 여러차례 제게 다시 확인을 하였습니다.   전기공사도 정말 많은 시간이 걸렸지요. 전기공사 인건비만 1000만원이 넘게 나왔으니까요. ^^    드럼부스도 그렇고 컨트롤룸. 그리고 메인 홀에도 전기 콘센트의 수가 아주 많습니다.    그 이유는 아래의 사진을 보시면 아실 수 있습니다.     분전반을 2개로 나누었습니다.   하나의 분전반은 냉난방기나 전열 및 사무용 전기용도의 분전반.      다른 하나는 오디오기기용 분전반.    게다가 한쪽은 아날로그기기용. 다른 한쪽은 디지털 기기용으로 분리.   오디오가이 스튜디오에는 멀티탭을 사용하지 않습니다.   아날로그 기기는 아날로그 기기용 콘센트에. 디지털은 디지털 기기용 콘센트에 모두 각각 꼽아서 사용하게 됩니다.   스튜디오로는 380V로 30K의 전기가 들어오고 있으며.    모든 내부 배선은 LS 산전의 단심선 아날로그 3.5스퀘어. 디지털 2.5 스퀘어 케이블 사용(중요한것은 역시 연선이 아닌 단심선 사용)    분전반도 내부 점퍼를 사용하지 않고 모두 케이블들로 배선했습니다.   일체의 AVR이나 차폐트랜스등 전원관련 악세사리등은 사용하지 않고. (물론 기기마다의 파워케이블들은 선별하여 사용합니다.)    이렇게 사진과 같이 세팅하였습니다.     오디오가이 스튜디오의 메인홀.   처음의 지하실이 최종적으로는 이렇게 완성이 되었지요   이렇듯 지금의 화려한 모습안에는 정말 공사해주신 수많은 분들의 노력과 시간. 땀이 함께 하고 있답니다.