보통 제가 재즈음악을 녹음하는 장소는 일반적인 모습의 레코딩 스튜디오보다는   클래식 공연장이나. 그밖에 기존의 스튜디오들과는 조금 상황이 다른곳들도 많습니다.     보통의 스튜디오들의 가장 많은 경우가 아마도 약 서른평 정도의 크기에 컨트롤룸과 메인 부스. 거기에 작은 부스 1,2개 추가한 곳이 많을 것 이라 생각합니다.   이번에는 이러한 스튜디오서 녹음한 재즈트리오의 세팅.   아마도 작은 공간에서 어쿠스틱악기들을 좋은 소리로 효율적이게 녹음하는 방법에 대해서 많은 분들이 참 많은 시간을 들여서 연구와 노력을 하시고 계시리라 생각합니다.   저역시 마찬가지이지요.   때로는 녹음장소의 음향특성이 그리 좋지 않은 경우도 많습니다. - 사실 이러한 경우가 더 많습니다.   제대로 잘만들어진 스튜디오에서의 녹음(예를들어 서경대 스튜디오 같은)은 정말이지 훨씬 더 손쉽게 좋은 소리를 얻을 수 있게 해줍니다.   하지만 우리의 녹음현실은 그렇지 않은 경우도 많고.   그래도 어떻게든 좋은 소리를 만들고 싶은 것이 우리의 마음이니까요.   이번에 부산의 샵비지엠 스튜디오에서 재즈트리오 녹음을 하였습니다.   http://www.shopbgmstudio.com/?page_id=315   깔끔한 인테리어와 좋은 시설, 거기에 뛰어난 엔지니어가 있는 곳이지요.     메인부스에서 피아노와 콘트라 베이스를   드럼은 별도의 방에서 녹음하였고 드럼녹음한곳은 약 2평정도로 상당히 작습니다.     별도의 부스가 하나 더 있었지만 저는 피아노와 콘트라베이스가 함께 같은 장소에서 녹음하는 것을 여러가지 이유로 선호합니다.   그럼 우선 피아노 부터.     피아노 마이킹은 DPA의 피아노 전용 마이크라 할수있는 3521을 사용하였습니다.   지금은 DPA 마이크 라인업이 바뀌면서 거의 동일하지만 캡슐과 케이블을 탈착식의 3511ES라는  제품으로 바뀌었습니다.   http://www.dpamicrophones.com/microphones/ddicate/3511es-stereo-kit-with-4011es-cardioid-microphones   구글 검색해 보면 여러 피아노 녹음에 다양하게 사용이 됩니다.   https://www.google.co.kr/search?q=DPA+3521&newwindow=1&biw=1280&bih=633&source=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwid3cGih8fJAhXkH6YKHSSrCJoQ_AUIBigB   제가 녹음시 사용하는 사진처럼 아래 자석이 붙어있어서 피아노에 손쉽게 부탁할 수 있고   XY 부터 ORTF 까지 다양하게 사용이 가능한   DPA 마이크들 가운데 제가 굉장히 좋아하는 마이크이기도 합니다.     이 마이크의 장점은 피아노 자체의 소리가 기본이상 되어있고. 연주자가 어느정도 연주를 할 수 있는 정도가 된다면.   손쉽게 피아노 안에 이 마이크 2개를 위 사진처럼 붙여놓는 것만으로 아주 좋은 소리의 피아노 녹음을 할 수 있다는 것이지요   사실 그랜드 피아노를 깨끗하고 좋은 소리로 녹음하는 것은 상당한 시간과 노력이 필요한 부분인데 이렇게 간단한 세팅으로 좋은 피아노 소리로 녹음할 수 있다는 것은 굉장한 것이라 생각합니다.   무엇보다도 마이크가 상당히 가깝게 설치되어있기 때문에. 녹음공간에 대한 음향특성의 영향을 적게받는 다는 장점이 있습니다.   실험을 해보니 피아노 뚜껑을 낮게 열고 해도 다른 마이크 세팅에 비해서는 소리차이가 적은편이나   마이크를 이렇게 가깝게 설치한다 해도 역시 피아노 뚜껑을 열고 하는 것이 고역의 배음이 더 풍부하게 들립니다.   위 위치는 DPA에서 추천하는 자리에 두고 녹음한것이지만 사용자에 따라서 좀더 다양한 포지션을 연구해볼 필요도 있다 생각이 듭니다.   저는 3개가 있어서 고역. 중역. 저역에 함꼐 사용하면 더 좋을 것 같아서. 이번에 한세트를 더 주문하였답니다.   사진에서도 노이만 U87AI를 저음현에 추가 하였더니 저음이 풍부해지는 것뿐만이 아니라 음상이 오히려 더 선명하게 자리합니다.   보통 야마하. 스타인웨이. 뵈젠도르퍼등 각 피아노마다의 소리가 원체 다르기 때문에 마이크 포지션도 달라지는 경우가 많은데. 이 세팅에서는 어떠한 피아노라도 일율적으로 좋은 소리를 들려주는 것이 대단하다 할 수 있겠지요.   저는 스튜디오에서 녹음시 이 세팅으로 클로즈 마이킹 하고 앰비언스를 PZM이나 DPA 4006 등을 추가하여 무척 만족스러운 피아노 사운드를 얻고 있습니다.   특히나 라이브 공연시 피아노에 아주 가까운 위치가 다른 악기들에 대한 간접음이 적고(특히 심벌) 라이브 상황에서도 마이크안으로 피아노가 들어가 있어서 깔끔하게 무대 세팅을 할 수 있다는 점또한 간과할 수 없겠지요.   부산 샵비지엠 스튜디오의 야마하 C7은 일본에서 들여온것인데. 굉장히 소리가 밝고 여운이 풍부한 소리를 들려주는 좋은 C7 이라 더욱 더 만족스러운 소리를 얻을 수 있었던 것 같습니다.     피아노와 바로 근처에서 콘트라베이스를 함께 녹음하였습니다.   콘트라베이스의 소리가 피아노 마이크로 자연스럽게 들어가면서. 콘트라베이스의 리버브와 같은 효과를 하는 것을 저는 굉장히 좋아합니다.   이경우 공간이 작아도 생각보다는 두 악기소리를 모두 깨끗하게 녹음이 가능합니다만   중요한것은 피아노의 어택음 위주의 초기반사음이 베이스 마이크로 들어가지 않게 하는 것.   그래서 고른 피아노 소리가 들리는 피아노의 꼬리 부분에 베이스를 위치합니다.   이렇게 하면 베이스 마이크로 들어오는 피아노 소리가 너무 가깝지 않고   적당히 "멀게" 들리게 되는데. 이것이 아주 중요합니다.   관건은 바로 피아노와 베이스와 위치이지요   피아노의 강렬한 어택이 나오는 반사판 근처등에 함께 베이스가 위치하면 피아노의 직접음이 바로 베이스의 마이크로 들어가면   나중에 믹스할때 베이스 마이크에 있는 피아노 소리와 피아노 마이크 소리와 어택이 겹쳐지면서 피아노 소리가 지저분하고 불명확하게 들리게 되는 이유가 되기도 합니다.   이렇게 같은 장소에서 녹음하는 경우 역시 음원과 마이크의 거리가 중요한데   베이스의 경우 아주 가깝게 노이만 U87AI를 설치합니다.   U87을 선호하는 경우는 바로 아래 내용때문인데요 한번 주파수 특성표를 보시지요     로우컷이 시작되는 주파수를 한번 유심히 보셔요. 노이만 U87AI는 다른 마이크들에 비해서 로우컷이 초저역대 공진을 제거하기 위한 로우컷이 아닌   보컬녹음시 "근접효과"를 줄이기 위한 로우컷으로 다른 마이크들에 비해 상당히 높습니다.   노이만 U87이 음향이 그리 좋지 않은 홈레코딩 환경에서도 보컬녹음에서 좋은 소리를 들려주는 것 중에 하나도 바로 이 로우컷의 영향이 있다 해도 과언이 아니겠지요   그렇기 때문에 U87은 로우컷을 하고 마이크를 아주 가깝게. 했을때 아주 좋은 결과를 들려줍니다.   콘트라베이스 녹음에서 어려운점은 녹음후 각 베이스현의 음량이 고르지 않은 경우   특히나 저역의 특정음이 너무 붕붕되어 튀기 때문에 이부분을 줄이면 베이스 전체의 소리가 야위어지게 되는데요.   U87을 로우컷하고 콘트라베이스에 아주아주 가깝게 마이크를 설치하면.   결과적으로 대부분의 콘트라베이스 녹음에서 현밸런스가 훨씬 더 고르게 들립니다.   결국에는 연주가 좋고 잘하게 들리지요^^   믹싱때 저역이 너무 가볍다 생각을 하면 저역을 살짝만 이큐로 올려주어도 깨끗하게 원하는 저역만 올릴 수 있습니다.   저역을 이큐로 부스트할때 가장 큰 문제역시 특정 주파수가 너무 많이 튀는 것이니까요   하지만 이미 U87의 높은 로우컷으로 저역이 정리가 되어있기 때문에 믹싱시 원하는 소리를 만들기도 상당히 손쉽고   마찬가지로 컴프레서를 살짝만 걸어도 더욱 고르게 안정되게 들리게 됩니다.   많은 재즈트리오 음반에서 콘트라베이스는 너무 크지는 않아도 너무 작으면 절대 안되는 악기중에 하나이기때문에.   연주자가 연주한 음악의 다이나믹 안에서 베이스는 항상 그자리에서 정위하고 있어야 하는데   U87 로우컷을 사용해서 베이스의 F홀과 브리지 사이에 아주 근접해서 설치(베이스양이 적다면 F홀 방향으로. 좀더 선명한 어택을 원한다면 브릿지 방향으로 마이크를 이동) 하는 것 역시   작은 공간이나 한정된 장소에서 콘트라베이스 녹음을 할때 아주 유용한 방법이라 할 수 있습니다.   사진에서는 야마하의 조음패널을 고보역할로 사용하였습니다.   고보는 크고 무겁고 높은 것이 좋을 것 같다는 편견이 있는데. 어디까지나 고보의 역할은 다른 악기의 크고 높은 레벨의 초기반사음을 막는 용도에 있다는 것을 생각하면   야마하 조음패널도 고보의 역할로 아주 좋은 결과를 들려줄 수 있습니다.     야마하의 조음패널은 저도 사용하고 있는데 우선 가볍고 얇습니다.   이렇게 작고 얇은 패널에서 상당한 베이스 트랩 효과가 있고. 더불어 불필요한 초기반사음을 억제하는 역할이 있어   녹음실에서 고보로 사용하기 정말 좋은 제품입니다.     사진의 설명에서 처럼 내부가 파이프로 되어있어서 낮은 저역을 파이프를 통해 제거합니다.   그동안 수많은 음향관련 제품들을 보았지만 이렇게 얇고 가벼운 소재로 저역을 콘트롤할 수 있는 것은 야마하 조음패널이 처음이지 않나 싶습니다.   실제의 효과는 상상이상입니다.   궁금하여 행드럼이나 몇몇 타악기를 조음패널위에 놓고 연주한적이 있었는데 악기의 저역이 싹~ 사라져 버리더군요^^   이렇게 공간이 크지 않은 장소에서 베이스를 녹음하는 것은 베이스라는 악기 특성상 룸의 영향도 많이 타는 부분이 크기 때문에   노이만 U87AI를 로우컷 하고.   피아노나 다른악기와 함께 녹음하는 상황이라면 조음패널을 고보로 해서 꼭한번 사용해보시기를 추천합니다.   마지막으로 이제는 드럼입니다.     이번에 사운드체크에 가장 많은 시간을 들인(그래도 10분 정도입니다만^^)   드럼입니다.   재즈피아노 트리오 녹음이었지만 드럼이 재즈킷이 아니고.   드럼룸의 공간도 약 2평정도로 작은 공간이지만 충분히 좋은 소리로 녹음을 할 수 있습니다.     이렇게 작은 공간에서 재즈드럼 녹음시 중요한것은   역시 마이크의 수가 적은편이 좋습니다.   탐탐에 마이크를 두어보아야 공간이 아주 큰곳에서는 탐탐 마이크의 소리가 참 좋지만   작은곳에서는 오버헤드로도 아주 큰 탐탐의 크기로 녹음이 됩니다.   이것은 스네어도 그렇기 때문에 유의해야 하는 부분이 있습니다.     먼저 재즈드럼 녹음에서 가장 중요한 오버헤드(심벌) 세팅   재즈드럼에서 오버헤드 마이크의 높이는 어떻게 조정하는 것일까요?   여기에는 많은 사람들이 간과하고 있는 대단히 중요한 부분이 하나 있습니다.   사실 이것은 룸에 따라서. 무엇보다도 연주자에 따라서 다른데요.   심벌의 음색은 오버헤드를 높이나 띄우나 사실 생각보다는 그리 큰 차이는 없습니다.   다만 좌우의 스테레오 이미지의 경우 마이크를 낮추면 더 넓어지고.   높이면 좁아지지요.   아주 단순한 사실인데 이부분을 아직 모르고 드럼 녹음을 하시는 분들도 많더군요   그럼 중요한 오버헤드의 높이는 어떻게 결정하는 가?   오버헤드 마이크에 들어오는 스네어 드럼의 거리감으로 결정합니다.   이 간단한 사실을 정확하게 알기위해 얼마나 많은 녹음을 해보았는지.. 모르겠습니다.   오버헤드 마이크에 절대로 스네어 드럼이 너무 "가깝게"들어오면 좋지 않습니다.   큰것이 아닌 '가까운" 것이 문제가 되는 것이지요   이경우 스네어의 탑 마이크와 특히 잘 섞이지 않게 됩니다.   그래서 과거에는 오버헤드와 스네어 버텀 마이크 위주로 재즈드럼의 믹스를 한적도 많이 있었지요.   오버헤드에 스네어 소리가 너무 가깝게 들리지 않도록.   적당한 거리감이 느껴지도록 마이크를 두는 것.   저는 이것이 재즈드럼 오버헤드 세팅에서 가장 중요한 부분이라 생각합니다.   그래서 마이크가 드럼 정면을 향하고 있는 AB 방식에 비해서   XY놔 ORTF로 오버헤드 세팅을 하는 편이. 스네어의 거리감과 밸런스가 훨씬 더 자연스러운 경우가 많습니다   특히나 XY로 세팅하면 킥드럼도 다른 세팅에 비해서 더 풍부하게 들려.   킥마이크와 믹스시 더 공간감 있고 입체감있는 킥 드럼 사운드를 얻을 수 있게 됩니다.     그리고 참 재미있는 사실은 라지다이어프램 마이크가 스몰에 비해서 스네어의 밸런스가 더 크고 가깝게 들린다는 것입니다.   그래서 저는 재즈드럼의 오버헤드 마이크로는 스몰다이어프램을 확실히 더 좋아하고 있지요.   게다가 대부분의 스몰다이어프램 마이크들을 라지다이어프램에 비해서 오프액시스 컬러레이션 특성이 좋은 경우가 많아   마이크가 심벌을 바라보지 않아도 심벌의 여운이 아주 생생하게 잘 녹음이 됩니다.   혹시 여러분들의 스튜디오나 작업실 혹은 연습실에서 재즈트리오 녹음을 하시게 된다면 위 방법들이 분명 참조가 되시리라 생각합니다^^    

  새로운 통의동 오디오가이스튜디오의 피아노,   지난 스튜디오에서 함부르크 스타인웨이 D 피아노를 구입하고 60-70대나 되어야 가지게 되지 않을까 생각했던 피아노를 가질 수 있게 되어 정말 행복했습니다.   스타인웨이피아노. 오디오가이에서 녹음하는 프로젝트에서 가장 많이 사용이 되는 피아노이기도 하고(국내의 공연장은 거의 모두라고 해도 과언이 아닐정도로 스타인웨이 D가 있으니까요)    너무나 좋은, 가장 많은 사람들에게 사랑을 받고 있는 피아노라 생각합니다.      하지만 여러 녹음작업들을 많이 해보면,.    특히 합창. 그리고 성악의 반주에 스타인웨이 D 가 자주 사용이 됩니다.   이때마다 저는 늘 어색함을 느낍니다.   음량적으로 밸런스가 잘 맞지 않지요. 스타인웨이는 지나치게 소리가 크고 게다가 강렬하면서도 화려하고.    수십명이 부르더라도 섬세한 합창의 아주 작은 피아니시모는 피아노의 피아니시모에 비해서 훨씬 더 작으며.   피아노의 반사판을 모두 연 상태에서의 포르테는 어떤 성악가의 음성보다도. 그리고 어지간한 합창단의 포르테 보다도 큰경우가 더 많습니다.   그렇기 때문에 피아노 뚜껑을 조금만 열어놓고 연주를 하는 것이 국내 합창 그리고 성악계에서는 일반적입니다.   그런데 림에서 소리를 모아서 반사판으로 보내서 소리를 폭팔적으로 외부로 내보는 스타인웨이의 특성상 반사판을 닫으면 정말 평범한 소리가 되어버리고 맙니다.(차라리 아예 떼는 편이 더 좋습니다.)     하지만 스타인웨이의 진정한 소리는 독주 그리고 오케스트라와 함께하는 협주에서 빛을 발하지요.    이경우 정말 너무 좋습니다.   아참..실내악의 경우도 저는 스타인웨이의 소리가 너무 크다고 생각합니다.     사실 지금처럼 클래식 음악계에서 수많은 유럽의 피아노회사가 문을 닫고 스타인웨이가 성공한 첫번째의 이유는 많은 분들의 예상과는 달리 "음색"이 아닌 "음량"이었습니다.   스타인웨이는 다른 그랜드 피아노에 비해서 강한 장력을 버틸수 있는 림으로 더 큰소리를 모아서 타 피아노들에 비해서 현격하게 큰 음량을 낼 수 있었고.   그때까지만 해도 목재재질을 많이 사용하던 프랑스의 에라르나 플레엘 같은 피아노는 자취를 감추어 버리게 됩니다.   클래식 음악은 과거에 작은 집안의 살롱이나 궁전등에서보다 더 많은 사람들 앞에서 선을 보이게 되었으니까요.   많은 사람들이 모이는 경우는 역시 "음량"이 중요한 요건이었습니다.   이렇게 스타인웨이는 전세계 피아노의 시장을 평정하게 되었고. 수 많은 공연장과 아티스트들은 스타인웨이를 주로 연주하게 되었지요(물론 팝음악 계에서는 야마하 C7도 빠질수는 없습니다)     국내에서 이루어지는 수많은 피아노가 들어가는 녹음은 사실은 독주나 협주곡보다는 반주로 사용이 되는 경우가 더 많습니다.   실제로 오디오가이에서 진행하는 레코딩작업에서 피아노 독주나 협주보다는 반주의 역할이 압도적으로 높지요.   이러한 상황에서 꼭 계속해서 스타인웨이를 고집해야 하는 것일까? 하는 의문이 들었습니다.      이후로 여러 피아노들을 찾아보았습니다.   그중에 최종적으로 선택한것이 오스트리아 빈에서 만들어는 뵈젠도르퍼.    피아노 제작회사에 관심있는 사람이라면 누구나 알고 있지만 연주자가 아니라면 사실 실제로 제대로 소리를 많이 들어본경우는 무척 드믄 악기이기도 하지요.     모든 피아노 제작회사들마다 각자 고유의 음색과 개성이 있지요.   뵈젠도르퍼는 임페리얼 그랜드 290 으로 인해서 무언인가 소리가 묵직하고 풍부하고.    게다가 오디오가이 스튜디오의 뵈젠도르퍼는 92건반. 임페리얼 그랜드는 97건반으로 저역의 건반수가 더 많습니다.(일반적인 피아노는 모두 88건반)    이렇게 저역의 현이 확장되어있는 뵈젠도르퍼 몇몇 모델의 특징때문에 사람들은 막연히 뵈젠도르퍼 피아노는 저음이 묵직하다. 풍부하다. 라고 생각을 하고, 소리를 들어보기 전에도 대부분 그러한 이미지들을 지니고 있는 것이 사실입니다.     오디오가이 스튜디오의 뵈젠도르퍼 피아노의 저음건반. 추가 4개중 흰건반 2개가 연주자들이 헷갈리지 않게 검정색으로 되어있습니다.    저음에 현이 더 있으므로 인해서 피아노의 모습이 스타인웨이의 날렵한 모습에 비해서 저음쪽 현의 모양, 궁둥이가 조금은 펑퍼짐한 듯한 모습을 지니고 있지요.    하지만 단지 이부분 때문이었다면 저는 뵈젠도르퍼를 선택하지 않았을 것입니다.     스타인웨이와는 완전히 대극에 있는 설계구조.    피아노의 생명이라 할 수 있는 "림"을 스타인웨이는 최대한 현의 강한 장력을 잘 받출수 있고 소리를 모아서 크고 선명한 음량으로 확장해서 반사판으로 내보내는 구조(풀사이즈 피아노에서 스타인웨이만이 림을 붙이지 않고 만들고 있고. 다른 피아노들은 붙여서 만듭니다.) 에 비해   뵈젠도르퍼는 완전히 반대에.    글쎄 피아노의 림안에 바이올린처럼 울림판이 들어있는 것입니다.   피아노의 림안이 중간중간 비어있고. 림에서 소리를 최대한 모아서 반사판으로 보내는것이 아닌   피아노의 림이 마치 현악기처럼 울림통 역할을 합니다.    그래서 스타인웨이에 비해서 강렬한 어택은 확실히 덜하지만. 페달을 밝지 않아도 정말 한없이 길게 울리는 그 여운,.   그 소리에 반해 뵈젠도르퍼를 선택하게 되었습니다.     오디오가이 뵈젠도르퍼의 내부.     많은 사람들의 선입견과는 달리 뵈젠도르퍼는 소리가 저음이 풍부하기 보다는 "울림이 풍부하다" 라고 하는 것이 더 정확합니다.   낮은 저음도 스타인웨이는 확실히 더 빠른 저음을 들려주는것에 비해. 뵈젠도르퍼는 저음에서도 피아노 내부에서의 은은한 울림을 동반한 고급스러움이 있습니다.   때로는 이것이 너무 평범하게 들리기도 하지요.    지금의 많은 사람들은 글도 짧게. 대화도 짧게. 음악과 소리도 짧게 듣는 경우가 많기 때문에 소리의 시작만 듣고 판단하지.    소리가 사라지는 그 긴 시간과 여운까지 즐기는 사람은 많지 않으니까요.       작년엔가 제작년에 ECM에서 발매되었던 정명훈 선생님의 피아노 솔로 음반을 듣고.    처음에는 어..소리가 왜이러지..하고 생각했습니다.   이것은 차갑고 날카로운 ECM 특유의 청명하고 서늘함이 느껴지는 소리와는 다른.    너무 피아노 소리가 뭉뚝하고 답답한 느낌이 들었기 때문입니다.     내지에서 레코딩 엔지니어의 이름을 확인해보니 최근 ECM 음반의 녹음을 많이 하는 스테파노 아메리오(이탈리아)가 아닌.    제가 피아노 녹음에 있어서 만큼은 세계 제일이라고 생각하는 독일 에밀베르리너 스튜디오의 라이너 마리아르 였습니다   전 이사람이 녹음한 윤디리의 리스트 음반을 듣고.   와..세상에 피아노라는 악기를 이토록 생생하게도 녹음을 할 수 있는 것이구나..하고 굉장한 충격을 받았었는데요.     이 음반을 조금 시간이 지나서 차분히 들어보니.    스타인웨이가 아닌 뵈젠도르퍼의 소리였습니다.   소리의 첫음은 스타인웨이처럼 강하지 않지만 뒤로 사라지는 여음이 조금씩 밀려들어오는 것을 들을 수 있었지요(그래도 라이너 마리아르의 녹음치고는 아쉽긴합니다.)      음악,. 그리고 소리의 첫음이 리듬이라면.    소리가 사라지는 것은 바로 감정을 가장 많이 포함하고 있는 순간이라 할 수있지요.      뵈젠도르퍼는 제가 생각하는 소리가 사라지는 이 감정. 이 매혹적입니다.   생각보다 고역의 소리는 금속성의 소리가 적어서 그렇지 그렇게 어둡지 않습니다(스타인웨이는 내부에 고역쪽에 금속적인 광채(컬러)를 더하기 위해 작은 종 같은것이 들어있지요.   피아노라는 악기의 소리를 너무 강하게 우리의 귀로 들으라고 강요하지 않는.   은은한 울림과 매력의 뵈젠도르퍼 피아노의 소리가 저는 참 좋습니다.   특히나 성악반주에 가수 뒤를 감싸주는 음색과 트리오에서도 함께하는 바이올린과 첼로의 음색까지 더 돋보이게 만들어 줍니다.   스타인웨이에서는 아주 연주와 앙상블이 좋은 실내악팀이 아닌 이상은 각 악기가 따로 노는 경우도 상당히 많지요.     음량이 너무 크다 싶으면 반사판을 내리거나. 아예 덮어도 소리 차이가 적습니다.   피아노 몸체안에서 소리가 머무는 시간이 길기 때문이지요.   또는 피아노의 뚜껑 자체를 떼고 녹음해도 역시나 충분한 울림이 그 안에 담겨있습니다.      지금 스튜디오에서 14시간째 피아노 솔로를 녹음하고 있는데. 그래도 귀의 피로함이 덜하네요.    앞으로 이 우아하고 섬세한 피아노와 함께할 녹음들이 정말 기대가 됩니다.     오디오가이 스튜디오에서 연주하시는 피아니스트분들은 피아노에 적응하랴.    울림이 너무 많은 공간에 적응하랴 고생을 하시겠습니다만.   아름다운 소리가 들려주는 결과가 아티스트. 프로듀서. 엔지니어. 모두의 마음을 행복하게 해줍니다.  

  한동안 정말이지 가장 모르겠는것이 합창녹음이었습니다.   피아노 녹음과 더불어 수많은 세팅들. 정말 다양하고 여러가지 방법들. 그리고 좌절또한 가장 많이 한 분야가 합창녹음이 아닐까 싶습니다.     이제는 조금 합창녹음 방법에 관한 생각이 어느정도는 정리된것 같습니다. (어찌보면 이제는 더 이상 새로운 시도를 하지 않게된것일까요?)     합창녹음에 가장 중요한 점.   *어찌되었던 앙상블이 최우선.   합창녹음은 마이크를 너무 가깝게 설치하는 경우 마이크 정면의 사람 (혹은 파트)들의 소리만 도드라지면서.   지휘자가 열심히 만들어놓은 합창에서의 "앙상블"이 레코딩엔지니어의 실수로 사라지게 됩니다.     -이경우 노래를 굉장히 못하게 들립니다.   -인원의 수가 60명인데도 마치 35명 정도의 소리로 들립니다.(리버브를 아무리 많이 걸어도 소용이 없습니다.)     먼저 이 두가지가 합창녹음에 가장 어려운 점입니다.   앙상블을 좋게 들리게 하려면 어떻게 해야할까요?     합창은 오케스트라나 다른 악기들  모든 녹음이 마찬가지이겠지만   유독. 심플하고 정확한 메인마이크 세팅에서. 좋은 앙상블과 소리를 얻을 수 있습니다.     파트별로 가깝게 설치되어있는 스팟마이크에서는 메인 마이크와 얼마나 잘 섞는다 하더라도.   합창음악 특유의 앙상블 그리고 리듬감이 스팟마이크의 소리를 더하는순간 깨져버리게 됩니다.   결과적으로 노래를 정말 못하는 합창단 처럼 들리게 됩니다.     지휘자가 듣는것에 비해서 훨씬 더 각 파트가 고르게 섞이지 않고 음색이 도드라지면서 소리가 시끄럽게 들리게 되는 것이지요.   역시 이경우 리버브나 이퀄라이저를 얼마나 섬세하게 조정하느냐에 따라 달라지겠지만.   클래식은 팝음악과는 달리 섬세한 후반작업보다는.   보다 섬세한 처음의 레코딩이 훨씬 더 중요한 음악분야입니다.   합창음악을 가장 손쉽게.  앙상블있는 소리를 얻을 수 있는 세팅은   무지향성 마이크 3대를 L C R로 배치하는 것입니다.(저는 DPA 4006AE를 주로 사용합니다)   단일지향성 마이크에서는 역시 앙상블이 좋지 못합니다.(녹음하는 공간의 음향이 아주 좋다면 단일지향성 마이크를 멀리 설치하는 방법도 괜찬습니다. 하지만 음향이 아주 좋은 곳에서 녹음하는 것보다는 그렇지 않은 곳에서 녹음하는 경우가 더 많습니다)     많은 레코딩 엔지니어분들이 합창녹음시 사용하는각 파트별 단일지향성 마이크 4개를 사용하고 지휘자 뒤에 메인마이크 페어를 두는 것보다   차라리 지휘자 뒷.   혹은 합창단의 실력이 괜찮다면 지휘자 앞쪽으로 높이 약 3미터 정도로 무지향성 3개 마이크를 L C R 이렇게 두는 것만으로도 상당히 고른 밸런스(앙상블)을 얻을 수 있습니다.   이는 지휘자가 실제로 듣는 소리와 상당히 비슷한 소리를 얻을 수 있습니다.   사실상 여기에 파트별 마이크를 추가할 필요는 전혀 없습니다.   만약 필요하다면 지휘자에게 다가가 조용한 목소리로. 지금 곡 부분에서 어느어느 파트의 부분이 조금 약한것 같다..라고 정중하게 이야기를 하거나.    단을 세우는 방법도 있습니다.   가장 효과적인것은 작은 파트의 사람들이 좀더 소리를 자신있게 내는 것입니다.       (L C R 마이크의 간격은 녹음하는 공간. 합창단의 구성에 따라서 달라집니다.)      이렇게 3대의 무지향성 마이크로 지휘자 자리에서 듣는 합창의 밸런스와 에너지를 들을 수 있다면.   관객이 듣는 소리와 같은 자연스러운 소리를 위해서는 무대에서 아주 멀리 떨어진 곳에(적어도 객석 중간정도)  무지향성 마이크를 AB로 넓게 설치합니다.     앞에 마이크에 나중에 리버브를 더하면 되지 왜. 번거롭게 객석쪽에 앰비언스 마이크를 설치할까.. 라고 생각할 수 있지만   리버브로는 스테레오 스피커상에서의 "깊이감"이 표현이 어렵습니다.   대부분 좌우의 확산감 위주이며.   이러한 앰비언스 마이크가 앞의 3대의 메인 마이크와 더해질때. 비로소 소리의 깊이감이 생깁니다.   그리고 녹음하는 장소만의 개성이 표현이 되는 것 역시 중요한 부분입니다.   그렇지 않으면 어느 장소에서 녹음하더라도 믹싱작업에서 일율적으로 비슷한 소리로 만들어버린다면.   또는 어떤 합창단이 노래를 하더라도 믹싱에 따라서 비슷한 소리로 만들어버린다면.    아무리 소리가 좋아도 그것은 음악이 없는 그저 소리만 있는 것이 되겠지요.   (오디오가이에서 사용중인 렉시콘의 리버브. 합창음악에서 녹음과 이후 음향적으로 가장 중요한것이 있다면 자연스러운 공간감을 만들어주는 리버브이겠지요)     현대의 레코딩 엔지니어들은 과도한 리버브(게다가 저를 포함 사용하는 리버브의 종류까지 동일합니다.ㅜㅜ)의 사용으로 어떤 장소에서 녹음하더라도 그 장소의 특성이 제대로 표현이 되지 않는 비슷비슷한 소리들을 들려주는 경우가 많이 있습니다.   과거의 작품들과 비슷한 내용의 음악을 전달하는 것이라면   이미 엄청나게 많이 쌓여있는 녹음유산가운데에서 굳이 새롭게 만들필요가 있을까요?   새롭게 만들어지는 작품들이라면 무엇인가 과거에 만들어진것과는 다른. 잘만들어진 복제품이 아닌.   그만의 개성을 지니고 있는 결과물이 중요하다 생각이 듭니다.   실황녹음의 경우 사진에서처럼 객석에 앰비언스 마이크를 세우기 어렵습니다.   이경우는 무대바닥에서 객석을 바라보게 PZM 마이크를 설치합니다.   PZM 마이크는 확실하게 녹음하는 공간의 음향특성을 그대로 담아줍니다.   많은 국내의 레코딩엔지니어들은 PZM 마이크를 거의 사용하지 않습니다만. 합창녹음. 혹은 클래식 음악 녹음.   게다가 공연실황의 녹음이라면 저는 늘 PZM 마이크를 4개정도는 챙겨서 다닙니다.   늘 PZM 마이크 추가설치로 인한 정말 좋은 결과를 얻었던 녹음들이 무수히 많습니다.   PZM 마이크에 관한 과거 글   http://blog.naver.com/audioguy1/220203738427   앞에 무지향성 마이크 3대만으로는 절대로 음악이 연주되는 그 공간의 느낌을 정확하게 표현하기가 어렵다고 생각합니다.     그리고 합창음악의 믹싱에 있어서 중요하게 생각하는 것은    앞의 3대의 무지향성 마이크에는 원하는 만큼의 리버브의 음색과 공간감을 살짝 더합니다.   하지만 조금 소리가 답답하거나 건조한것 같아도 앰비언스 마이크에는 리버브를 사용하지 않는 것이 좋습니다.(앰비언스 마이크는 녹음장소의 음향특성을 가장 잘 표현해주는것이니까요)   앰비언스 마이크 소리만 듣고 이큐로 고역을 올리거나, 앰비언스 마이크이니 리버브를 더 많이 걸어서 소리를 뒤로 인위적으로 보내야 겠다. 라는 것은 좋은 결과를 들려주지 못한다고 생각합니다.   내가 원하는 것이 어디선가 많이 들어본듯한 소리를 목적으로 하는것이 아니라면 말이지요.        *합창음악에서의 피아노 밸런스   대부분 합창을 녹음해보면 피아노에 별도의 스팟마이크를 더할필요가 없을 정도로. 피아노소리가 메인마이크에 크게 들어옵니다.   이경우 피아노 뚜껑을 아예 제거하고 녹음해보는 것이 좋습니다.   오히려 피아노의 뚜껑을 떼고 여운을 줄이는 편이. 메인마이크로 들어가는 피아노의 밸런스와 음색이 더 자연스럽게 들리는 경우가 많습니다.     이렇게 해도 메인마이크의 피아노의 밸런스가 지나치게 크다면. 그때는 반주자 분께 조금 작게 연주해달라고 이야기를 하는 것이 좋습니다.(하지만 잘 되지 않는 경우가 더 많습니다.)     이때는 단일지향성 마이크 4대의 세팅으로 합니다.   합창단 가운데 XY 마이크. 양사이드에 단일지향성 하나씩.   그리고 변함없이 앰비언스 마이크는 필요합니다.   진 : 가운데 AKG C33E 스테레오 마이크 XY 세팅.    양 사이드 AKG C414 단일지향성 세팅.   앰비언스 DPA 4006A       이경우 마이크를 너무 가깝게 설치하면 좋지 않습니다.   합창에 단일지향성 마이크를 설치하는 경우는 스팟이던 메인이든 거리가 상당히 떨어져 있어야 합니다.   그렇지 않으면 마이크 정면주변의 사람들 목소리의 밸런스만 크게 들어가서 합창음악에서 가장 중요한 "앙상블"이 사라지게 됩니다.   거리는 공간음향의 특성에 따라서.    공간음향이 좋다면 생각보다도 마이크를 멀리 사용해보는 것도 좋습니다.   합창음악 녹음에서. 그리고 어쿠스틱 악기 녹음에서 많은 사람들이 마이크의 높이에 집착(혹은 환상)을 하는 경우가 있습니다.   마이크가 높으면 왠지 더 소리가 좋을 것 같다는 생각.    마이크의 높이보다는 음원과의 마이크의 거리가 훨씬 더 중요합니다.      항상 합창음악은 선명도 보다도 "음악적인 밸런스와 앙상블"을 최우선해서 생각을 하며 녹음을 하는 것이 가장 중요한것 같습니다.       합창녹음을 해오면서 참 많은 녹음방법들을 사용해본것 같습니다.   그동안의 합창녹음에 관한 글들   http://blog.naver.com/audioguy1/90192257975   http://blog.naver.com/audioguy1/90147056014   http://blog.naver.com/audioguy1/90162409819   http://blog.naver.com/audioguy1/90148563471   http://blog.naver.com/audioguy1/90180390629   http://blog.naver.com/audioguy1/90041278703   http://blog.naver.com/audioguy1/90041572988   http://blog.naver.com/audioguy1/90098288671   http://blog.naver.com/audioguy1/220065158707   http://blog.naver.com/audioguy1/90176348934   http://blog.naver.com/audioguy1/220220880322   http://blog.naver.com/audioguy1/90079569726   http://blog.naver.com/audioguy1/90118164197   http://blog.naver.com/audioguy1/90092105081   이렇게 참 많은 합창녹음.    지금도 오디오가이에서 가장 많이 진행하고 있는 분야이기도 합니다.   이글을 쓰는 2015년 9월23일에도 내일은 광주에서 하이든의 천지창조 녹음이 있으니까요.     어느덧 합창음악과 녹음작업이 자연스레 저의 인생의 한부분이 되었고.   여러사람이 함께 마음을 다해 만들어내는 음악이 지금은 참 좋아졌습니다.

  오디오가이 레이블 새음반 창작국악그룹 '불세출' 의 음반 표지입니다.   음악의 곡길이를 형상화 해서 디자이너분이 만들어 주셨습니다.   쥬얼케이스와 아웃케이스의 표지 이미지도 이렇게 다르게 되어있어서 참 재미있지요.   음반에는 음악뿐만 아니라. 여러 사진이나 디자인등 많은 분야가 함께 필요합니다.   저는 지난주 지나친 과욕을 부려 정말 머리가 깨질것 같이 생각들로 꽉 차게 보내고. 이제 조금 정신을 차리며 잠시 주변을 돌아보니.   오디오가이 레이블을 늘 도와주시는 디자이너분들께 참 감사의 말씀을 드리고 싶습니다. 많은 분들이 잘 아시다 싶히 음반판매로 인한 경제적인 창출효과(?)가 굉장히 적기 때문에. 저도 무척 빠듯하고 적은 예산으로 음반을 만들게 됩니다.   하지만 안에 들어가는 사진도. 그리고 무엇보다도 음악을 담고 있는 음반의 디자인도. 안에 정성껏 담겨있는 음악만큼이나 잘 만들어서 하나의 결과물로써 음반을 만들고 싶은 욕심이 있지요.   늘 빠듯한 예산으로. 음악이 좋아서 함께 해주시는 디자이너분들께 드리는 비용이 무척이나 적습니다.. 오늘 상암동에서 녹음을 끝내고 전철역으로 15분가량 터벅터벅 걸어오는데 그러한 생각이 들더군요.   사람들이 가끔 묻습니다. "오디오가이는 왜 그렇게 녹음비용이 비싼가요?" 다른데는 한프로에 10만원에 엔지니어비용 포함인곳도 있고 그 이하인 곳도 많이 있는데.. 라고 이야기를 하는 분들이 과거에는 종종 있었지요.   저는 제가 정성껏 정말 할 수 있는 온힘을 다해서 하나하나의 작업에 집중하고.   좋은 결과를 만들기 위해 노력하고. 또 아주 작은 차이라도 보다 더 좋은 소리를 얻기위해서 밤낮으로 생각하고 연구하고   공부하고. 호주머니에 조금이라도 여유자금이 생긴다 하면 바로 레코딩 장비들에 투자하며 내가 그동안 경험하지 못한 또 무엇인가 새로운 소리에 대한 상상을 해보기도 하고.. 그렇기 때문에 이 정도의 녹음비용을 받는 것은 당연하다..생각을 하고 있지요.   저는 다른 사람들에게 많은 비용을 받고 녹음 비용을 받으면서   정작 제가 음반을 제작할때는 사진이나 디자이너분들께 제대로 드리지 못하는 저의 이기적임을 다시한번 돌아보게 됩니다..   오디오가이로 녹음을 의뢰하는 아티스트들도 마찬가지이지요.   본인의 음반이 얼마나 판매될런지도 모르는데. 음반 제작비에 거의 70~80%에 달하는 비용을 녹음관련 비용으로 지출을 하게 되는것이니까요.   내가 누군가에게 받는 것은 당연하다 생각하고 반면에 내가 누군가에게 주는 것은 현실탓을 하며 책임을 회피하는 스스로를 좀더 잘 볼 수 있도록.   더 많이 걸어야 겠습니다.   *덧쓰기 : 며칠전 7월17일은 오디오가이 사이트 15주년입니다.   이때마다 초창기 오디오가이 사이트의 많은 분들 생각이 많이 나고 궁금하기도 하고 또 그립기도 그렇습니다..

얼마전에 모처럼만에 팝음악 레코딩을 하였습니다.   국악. 클래식. 재즈등 어쿠스틱 음악을 주로 진행하는 오디오가이 운영자가 녹음한 팝 음악 사운드 궁금하시지 않으신지요?^^     녹음은 정말 소리가 좋은 스튜디오.   서경대 스튜디오에서 진행을 했습니다.   사진처럼 스튜디오가 굉장히 큽니다. (정확하지는 않지만 콘트롤룸과 휴게실 포함 약 200평은 충분히 될듯 하네요)   서경대 스튜디오에 SSL G+ 콘솔이 있어서 모든 프리는 콘솔 프리를 사용했고.   스네어 탑만 AMS NEVE 1073DPA 를 사용했습니다.(그냥 이건 궁금해서^^)     킥드럼에는 오디오테크니카 AE2500 이라는 마이크를 사용   http://www.audio-technica.com/cms/wired_mics/4359efa46266c7e9/       사진에서처럼 하나의 마이크안에 다이나믹 마이크 + 콘덴서 마이크가 함께 들어있습니다.   꼭 드럼. 게다가 음량이 큰 킥드럼 하면 다이나믹 마이크만 먼저 떠오르는 것이 사실이나. 콘덴서와 믹스에서 훨씬 더 좋은 결과를 들려줄때가 많습니다.   이 마이크를 킥드럼의 구멍에 마이크가 중간에 걸치도록 세팅 - 킥 마이크를 비터쪽으로 가깝네 넣는 것보다는 저는 이정도의 세팅을 선호합니다.   그리고 추가로 노이만 U87AI 를 로우컷 해서 킥 아웃 마이크로 사용하였습니다.   사실 아주 일반적인 레코딩 세팅이지만 홈레코딩에서는 많이 사용이 되지 않고 있는 것이 킥드럼 약간 외부에 U87을 설치하는 것입니다.   이렇게 킥드럼에는 3개의 마이크가 사용이 되었습니다.   각각의 소리를 모두 하나씩 드리면 좋으나. 트랙을 간편하게 16트랙으로 정리하면서. 킥 트랙을 오디언트 콘솔에서 그룹으로 묶어서 1개로 모은 음원입니다.   샘플파일의 모든 소스가 다 그렇지만 별도의 이큐나 게이트. 컴프레서등은 전혀 사용이 되지 않았고   녹음된 소스를 DAD AX32에서 프로툴로 플레이백해서  콘솔에 연결후   16트랙으로 모아서 받았습니다.(2믹스 가이드 트랙있습니다.)   모든 샘플링레이트는 24/96 파일입니다.       스네어는 역시 일반적인 세팅 슈어 SM57 탑. SM57 버텀입니다.   저는 스네어에 SM57보다는 좀더 밝은 BETA57을 선호합니다만 이번에는 준비가 되지 않았습니다.   사실 스네어 마이크의 소리도 중요하지만 제가 가장 중요하게 생각하는 부분은 오버헤드 마이크에서 들어오는 스네어 소리.   그리고 하이햇 마이크에 들어오는 스네어 소리입니다.   샘플트랙은 스네어 탑. 버텀. 하이햇 세개의 마이크 트랙을 1개의 트랙으로 모은것입니다.   하이햇은 AKG C451     탐탐은 역시 스탠다드의 제나이저 MD421   이러한 드럼 스탠다드 마이크들은 늘 어디서나 기본 이상의 소리를 들려줍니다.     오버헤드는 AKG C414 TL2 를 사용, 단일지향성에 로우컷 필터 한 소리입니다.   이번 녹음에서 중요하게 생각하는 부분이 바로 모노 앰비언스와 스테레오 앰비언스인데요.   모노앰비언스 마이크로는 드럼의 정면을 향하고 텔레푼켄 USA U47 마이크를 무지향성으로 설치.   그리고 녹음 부스 양 끝에 DPA 4006A 마이크 2대를 스테레오 앰비언스를 하였습니다.   최종 믹싱에서는 모노 앰비언스 마이크에 컴프레서를 약 -10dB 게인리덕션이 동작하게 하고(어택은 빠르게)   스테레오 앰비언스의 양을 아주 높혔습니다.   그래서 별도의 리버브를 사용하지 않고 각 마이크와 앰비언스 마이크들로만 공간감을 만들어 보았습니다.   이렇게 다양하게 믹싱에서 새로운 소리를 만들 수 있다는 것이 팝음악 믹싱에 쾌감이 아닌가 싶습니다.     트랙에는 여러 기타트랙이 있는데   기타의 경우도 SM57 1대 + 로이어 R121 + DPA 4006A 마이크 페어   이렇게 녹음해서 몇몇 기타트랙은 아예 앰비언스 마이크트랙인 DPA 4006A 만 사용하기도 했고요.   이렇게 넓은 환경에서 녹음하는 딱 정석적인 팝음악의 드럼 레코딩으로 이번에는 진행해보았습니다.   오히려 이러한 방법과 세팅이 믹싱에서는 더욱 더 큰 자유도를 줄수도 있는 것 같습니다.     *첨부한 음원은 아직 발매되지 전에 음원이기 때문에 다른곳에는 절대로 올리시면 안됩니다."   완성된 음반은 아니고 기본 악기 트랙킹만 되어있는 음원으로 모니터용 2믹스는 리버브나 이큐 컴프등이 사용되지 않은 녹음 원본에서 밸런스만 살짝 조정하였습니다.     아래 링크에서 다운받으실 수 있습니다. 받으신 후 압축 푸셔야 합니다.(24/96파일)   http://www.mediafire.com/download/ba0hev43hm3o9nf/REC-Audioguy.zip    

  오늘 저녁 유니버셜 아트센터에서 실황녹음이 있어. 공연장에 이른시간에 홀로 조용하게 와서 글을 남깁니다.   지난번의 원포인트 vs 멀티마이크 녹음   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=1262   과도 비슷한 내용입니다만 지난주 정동교회에서 베토벤 피아노 콘체르토와 베토벤 미사를 녹음하였습니다.   피아노 콘체르토와 미사곡. 서로 내용이 전혀 다른 곡을 양쪽 다 효율적인 세팅으로 하는 것이 무엇이 있을까 참 현장에서 많은 고민을 하였는데요.   이번에는 피아노에 마이크를 아주 멀리 사용해보았습니다.   최근 뜨고 있는 클래식 레이블인 라보클래식스   https://www.facebook.com/LAWOclassics/photos_stream?tab=photos_albums#!/LAWOclassics/photos_stream     를 보아도 확실하게 클래식도 악기와의 마이크의 거리가 점점 더 가까워지는 느낌입니다.   갈수록 클래식이나 재즈의 사운드의 팝 사운드의 경계가 슬슬 없어지고 있는 것 같은 느낌도 듭니다.   최근의 클래식 오케스트라들 음반 들어보면 브릭월 리미터 팍팍 걸려있는 경우도 아주 많습니다. (특히 DG 레이블)   라보 클래식의 경우도 물론 메인 마이크가 있지만 스팟 마이크를 상당히 가깝게 그리고 아주 많이 사용해서 믹싱을 해서 소리를 만들고 있는 곳인데요.   저는 이번에는 반대로 피아노 마이크를 피아노에서 약 5미터 떨어져셔 세팅   지금까지 제가 진행하는 피아노 녹음의 평균이 피아노에서 약 1-2미터 정도 인것에 비해서는 상당히 멀리 설치를 한것이지요.   그리고 지향성도 무지향성의 DPA4006AE 를 사용하였습니다.   유럽의 많은 클래식 레코딩 회사들이 피아노에 5미터 정도 떨어져서 노이만 TLM50을 사용하는 경우가 무척 많은 듯 하더군요(물론 가깝게 설치하는 페어도 존재)   그간 많은 마이크들을 사용해보았지만 아직 TLM50은 사용해보지 못해서 엄청나게 궁금해하고 있는 마이크이기도 합니다.ㅜ.ㅜ   이번에는 오케스트라의 메인 AB 로 DPA4006AE    그리고 오케스트라 스팟 TLM170R 반무지향성 세팅(사실 미사곡의 솔리스트 마이크를 겸하기도 했습니다.)   그리고 피아노에 DPA 4006AE AB 페어. (높이는 약 2.5미터 정도로 그리 높지는 않습니다.)     음원을 한번 들어보시지요   http://www.mediafire.com/listen/5zp6slkna7oy2oq/01_Allegor_con_brio.wav   오케스트라와 피아노를 함께 레코딩할때 피아노에 마이크를 너무 가깝게 사용해서.   프리딜레이 짧은 리버브를 잔뜩 걸어서 선명하고 듣기 좋게 만들수도 있지만.   이번에는 오케스트라안에 피아노가 자연스럽게 스며들어가는 느낌.   실제로 정동교회안에서의 오케스트라와 피아노의 울림도 이러한 느낌이었습니다.(오케스트라는 약 20명 정도의 체임버 구성)   녹음후 오디언트에서 밸런스와  스팟마이크에 팀파니 소리가 너무 크게 들어온 부분을 이큐로 살짝 커트하고.   스팟마이크에만 살짝 리버브를 더하였습니다.   요즘엔 클래식도 콘솔도 믹싱하는 것이 편하게 느껴집니다.     녹음한 공간이 아무리 잔향이 없고 그래도.   메인 마이크에 리버브를 더하면 공간이 지니고 있는 느낌과는 전혀 다른 소리로 마무리 될 수 있기 때문에   저는 녹음한 공간의 그 느낌이 그대로 살아있는 그러한 녹음이 좋습니다.   모차르트의 영향이 강하게 느껴지는. 베토벤 스럽지 않은 베토벤피아노 콘체르토 1번.   이러한 봄날에 듣기 참 좋은 곡인것 같습니다.    

진짜 오랫만에 글을 올리네요.   늘 짧은 글만 보면서 지내는것이 익숙해지다 보니. 어느새 긴글도 쓰기가 어려워진것이 요즘의 현실인것 같습니다.   저는 변함없이 여러 녹음들을 하면서 지내고 있습니다.   특히 최근에는 국악 음반들을 더욱 더 많이 하고 있고 국악기 소리의 매력에 푹 빠져있지요.     너무 오랫동안 오디오가이 칼럼에 새글이 없으면 저는 무엇인가 압박을 받는다고나 해야할까요?^^   그래서 가볍게 지난주 녹음했던 피아노와 바이올린 실황녹음과 작년 연말의 오케스트라 녹음의 음원.   그리고 최근 오디오가이의 메인 기기로 사용하고 있는 DAD AX32 마이크프리/컨버터에 관해서 짧은 이야기들을 해볼까 합니다.     이번녹음은 LG 아트센터에서 있었습니다.   전날 바로 기획사의 대표님께 급하게 연락이 와서 진행한 녹음이었고요.(영상과 함께 진행이 되었습니다.)   우선 소리를 한번 들어보면서 이야기를 하면 좋겠습니다.     http://www.mediafire.com/listen/wq435eg98az2nep/CKW_Track5.wav   영상촬영이 있는 실황공연이기 때문에 솔리스트 바로 앞에 높고 커다란 마이크 스탠드를 세울수는 없지요   로케이션 레코딩에서는 늘 영상과 공연에 지장을 주지 않고 그러면서도 원하는 소리를 얻을 수 있는 방법이 참으로 중요한 것 같습니다.   이럴때 늘 마음 든든한 친구 MBHO 의 648 PZM 마이크를 앰비언스로 사용   위 사진 윗편 양 바닥에 PZM 마이크가 무대가 아닌 객석을 향해서 있습니다.   거의 10년 가까이 이 마이크를 사용하고 있지만. 사용할때마다 PZM에서 이렇게나 좋은 소리가..하고 놀라게 되는 그러한 마이크입니다.   어지간한 잘못 세팅된 메인 마이크보다 훨씬 더 좋을 때가 많이 있고, 이렇게 실황공연에서의 중요한 녹음에 실수가 적은 제게 있어 참 든든한 친구입니다.   그러고 보니 저도 이제 새로운 장비들 특히 마이크들은 거의 바꾸지 않게 된것 같네요.   현재 사용하는 마이크들은 메인으로 DPA 4006AE  넉대와 MBHO PZM 마이크 6대 그밖에 AKG C33E 빈티지 스테레오마이크와 노이만 KM140과 TLM170R 페어. 그밖의 바이올렛 마이크들이 현재 오디오가이의 메인 마이크 시스템인데   상당히 오랫동안 이 세팅으로 사용중입니다.   하지만 늘 마음같아서는 무척 구입하고 싶은 마이크들이 있기도 한데요   실황녹음에서 요긴하게 쓰일수 있는 숍스의 MS 마이크세트나 이번 녹음에 피아노에 사용했던 제나이저의 MKH800 같은 마이크가 그렇습니다.   사진의 피아노의 꼬리부분에 마이크를 설치, 이 자리는 그동안 오디오가이 칼럼을 통해서 여러번 이야기한것과 같이 오디오가이에서 클래식 피아노 녹음의 메인 마이크 세팅 자리입니다.   이렇게 피아노와 상당히 떨어뜨려두어도 소리를 들으면, 참 소리가 생각보다 가깝게 들리기도 하지요.   마이크의 높이는 피아니스트의 얼굴정도를 향하게 약 140cm에서 170cm정도까지, 고역쪽 마이크가 피아니스트의 정면을 바라보게 하고.(혹은 이보다 약간 낮게, 높이는 공간에 따라서 직접음과 반사음의 비율에 따라 달라집니다.)   저역쪽 마이크는 고역쪽 마이크에서 약 40에서 50cm 정도 띄운 AB 세팅입니다.   페달등의 잡소리가 들어가지 않는 정말 깨끗한 소리를 들려주는 마이크 포지션이지요.   제나이저 MKH800은 제가 아주 좋아하는 피아노 소리를 만들어내는 독일 베를린의 에밀베르리너 스튜디오의 메인 마이크이기도 하지요   이곳은 피아노는 물론이고 성악가(여성) 그리고 오케스트라의 메인 마이크로도 이 마이크를 자주 사용하는 것을 유투브 동영상등에서 볼 수 있습니다.   이 마이크는 여러가지 기능이 있는데요     이렇게 정말 다양한 지향성 패턴   마이크의 레벨   8K 부스트 - 이것 정말 요긴하지요   50hz 로우컷과 로우컷 레벨 조정 - 로우컷 주파수도 너무 마음에 들고 레벨조정!!!   처음에는 제가 좋아하는 밝고 청명한 소리를 얻기 위해. 8K 부스트로 세팅하였으나 바이올린을 감싸는 듯한 소리를 원했고   이번에는 피아노가 야마하의 풀사이즈였기 때문에. 소리를 들어본후 마이크의 이퀄라이저는 사용하지 않습니다.   로우컷은 물론 50hz -3dB   지향성은 초지향성으로 하였습니다.     소리를 들어보니 역시나 제가 도이치그라모폰에서 많이 듣던 피아노와 비슷한 소리. 특히나 선명한 어택이 참 마음에 듭니다.     바이올린에는 AKG의 빈티지 스테레오 마이크인 C33E 마이크를 XY로 세팅   저는 이러한 솔로 녹음의 경우 반드시 모노가 아닌 스테레오로 녹음하는데요   바이올린 마이크에 들어오는 피아노의 소리와 음상이 정말로 중요하니까요.   그렇기 때문에 실제 위 음원의 피아노 소리의 50%는 바이올린 마이크에 있는 피아노 소리   그리고 30%는 피아노 스팟   20%는 앰비언스 마이크의 피아노 소리입니다.   이렇게 여러대의 마이크를 사용하는 경우 각 마이크의 목적이 확실하게 있어야 하지요.     우리가 늘 책에서 보던것처럼 바이올린이나 현악기의 마이킹은 왠지 그 악기의 F홀 위에 약 1.5미터 정도 위에 마이크가 있어야 할 것 같은데.   이도 좋지만 이렇게 바이올린 아랫쪽에 설치를 하는 것도 예상외로 상당히 깨끗한 바이올린 소리를 얻을 수 있답니다.   지난번 칼럼의 다른 마이크는 전혀사용하지 않고 PZM 마이크 3대로만 녹음한 현악 앙상블 음원을 한번 들어보시면 좋을 것 같습니다.   마이크라는 것이 꼭 높은곳에만 존재를 해야 하는 것은 아닌 것 같습니다.   http://mfi.re/listen/zimwtkctzoa4950/2014-10-31_Jin_Ju_.wav     AKG C33E 마이크는 다른 빈티지 마이크들처럼 가격도 그리 높지 않고, 피아노부터 합창 . 어쿠스틱 기타. 가야금이나 거문고같은 국악기에 이르기까지 만능으로 사용할 수 있는 정말 좋은 마이크이니. 혹시 이베이같은곳에서 괜찮은 상태가 보이면 얼른 구입해두어도 후회는 없는 제품입니다.   저는 오스트리아 AKG 본사에서 캡슐자체를 새것으로 교체해서 30년된 빈티지 마이크라 생각이 들지 않은만큼 좋은 소리를 들려주는데요   C414보다 초고역의 배음이 위로 높게 쭉~ 뻗는.   정말 밝은 소리를 들려주는 마이크입니다.   이 마이크로 피아노 녹음을 하면 베토벤피아노 소나타가 마치 모차르트 피아노 소나타처럼 들린다고나 해야할까요?   최근에는 실황녹음의 솔리스트. 특히 바이올린 녹음으로 애용하고 있습니다.     마이크프리와 컨버터의 경우는 네델란드 렌스에 커스텀 해서 만든 배터리 구동의 초고가의 8채널 마이크프리가 있건만   배터리의 무거움때문에 요즘은 이 기기를 주로 가지고 다닙니다.   국내에서는 많이 생소한 덴마크 DAD 사의 AX32 라는 마이크프리/컨버터 입니다.     이 기기의 존재는 몇년전에 DPA 회사에서 피아노 녹음 샘플CD(SACD)를 출시한적이 있었는데. 소리가 깜짝 놀랄만큼 좋은 것이었습니다.   그 음반의 마이크프리와 컨버터로 AX32의 전 모델인 AX24 가 사용이 되었다는 것을 보고 이 기기에 관심을 지니게 되다가   AX32의 출시 소식을 듣고 아마도(?) 국내 첫번째 오디오가이 가족분 2분과 함께 주문하여 사용하고 있습니다.   정말 송금후 기기를 보내지 않아서 이회사에 사기당한것인가..ㅜ.ㅜ 라는 생각까지 들게 만들었고.   처음 기기를 받자마자 정말 부실한 메뉴얼. 사이트에 정보도 많지도 않고. 그래서 세팅하는 데 참 고생많이 한 기기입니다.   기본적으로는 IPAUDIO 인터페이즈로 컴퓨터와 LAN 선을 통해 DANTE로 통신하는데요.   DANTE는 일반 1394등에 비해서 비교할 수 없을만큼 속도가 빠르기 때문에 레이턴시 문제가 적고.   케이블 하나로 수많은 채널의 입출력 및 콘트롤이 모두 가능하다는 것이 장점이라 저처럼 로케이션 레코딩이 주 업무인 사람에게는 멀징 호러스와 함께 가장 많이 사용이 되는 기기이지요.   게다가 마이크프리의 성능이 아주 좋습니다.   마이크입력 신호를 받으면 정말 많은 수로 스플리터를 할 수 있는데   마이크입력을 DANTE로 컴퓨터 1에 레코딩 하고   같은 신호를 MADI로 출력해서 컴퓨터 2에 RME MADIFACE를 넣어서 백업을 받고   아날로그 출력은 공연음향 팀이 함께 하는 경우라면 FOH 콘솔로도 보낼 수 있고.   무엇보다도 AVID HDX(혹은 HD)를 사용하는 경우라면 디지링크 단자가 있기 때문에 프로툴 IO 로 사용할 수 있습니다.     마이크입력을 받은 시그널을 DANTE, MADI, AES/EBU, 아날로그출력. 프로툴 디지링크등 동시에 5곳에 스플리팅 할 수 있는 것은 이 기기만의 장점이기도 하고요   멀징 호러스도 비슷하지만 디지링크 단자가 없고 DANTE대신 RAVENA를 사용합니다.(둘다 현재 사용중인데 전 DANTE보다 RAVENA가 여러모로 마음에 듭니다.)   DAD AX32로 녹음한 또 하나의 세션을 함께 첨부해봅니다.   http://www.mediafire.com/listen/y967osst1mc4qq7/11_Mussorgsky_Pictures_at_an_Exhibition_9.wav   위 음원과 마찬가지로 이퀄라이저는 로우컷 필터외에는 사용이 되지 않았고   리버브도 녹음한 공간의 느낌이 사라지지 않도록 PZM 마이크나 메인 마이크에는 전혀 사용하지 않고 스팟 마이크등에만 아주 살짝씩 사용하였습니다.   위 음원은 지난번 칼럼의 음원입니다.   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=1253     두 음원 모두 컴퓨터 스피커보다는 24/96 WAV. 파일이니 DAW에 띄워서 들어보시면 좋겠습니다.(아니면 헤드폰으로라도^^)   DAD AX32는 이렇게 전반적으로 초고역이 아주 밝고 화려합니다.   컨버터의 소리는 좌우가 아주 넓고 저역부터 고역까지 정보량이 많은 소리.   본래가 컨버터로 정평이 있는 회사다 보니 저는 라브리 골드 보다 더 마음에 들었습니다.   스튜디오에서 믹싱을 할때는 프로툴 맥북프로에 LAN으로 AX32와 연결해서 DA를 거쳐서 AD로 다시 받는데. 소리가 정말 깨끗하고 마음에 듭니다.   아래는 DAD AX32와 오디언트 콘솔로 믹싱한 음원(16/44.1입니다.)   http://www.mediafire.com/listen/iy31dpsht28ag9x/이부영-__44k-16b.wav   콘솔에서는 이큐는 전혀 사용하지 않고 서밍용도로만 하였습니다.       아래 칼럼 녹음기의 음원입니다.    http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=1243     DAD 컨버터의 소리는 이렇듯 아주 밝고 선명해서 믹싱시에 고역의 답답함때문에 고역을 올려야 되는 일이 정말 적은 그러한 성향의 제품입니다.   로케이션 녹음시에는 지휘자나 무대위에 DAD AX32를 놓고 마이크케이블 길이를 최단거리로 한다음에.   컨트롤룸까지 LAN선을 이용해서 컴퓨터와 접속해서 마이크프리 앰프등의 콘트롤등을 간편하게 할 수 있어서.    무거운 아날로그 멀티케이블의 필요성이 이제는 거의 없어지고 있는 것 같습니다.   녹음시는 역시 프로툴용 맥북프로와 세콰이어용 소니 노트북을 함께 해서 백업을 하면서 녹음합니다.   실황녹음에 있어서 백업은 100번의 한번이라도. 그 한번이 정말 중요할 수 있으니까요.   최근에는 이렇게 실황녹음의 모니터링의 경우 한동안 스피커를 가지고 다니다가. 무대와 조용히 떨어져서 헤드폰으로 모니터링합니다.   헤드폰은 정말 제가!! 10년이 넘게 사용하고 있는 울트라손 PRO2500 - 보수용 부품으로 늘 문제가 있을때마다 교체를 하여서 사용   그리고 베이어다이나믹의 플래그쉽 T1에 A2 헤드폰 앰프를 함께 가지고 나니고   때에따라서는 여기에 스탁스 SR303 헤드폰 시스템까지 함께 가지고 가서 프로듀서에게는 스탁으로 들려주기도 합니다.   연주의 아주 섬세한 부분까지 정말 잘 들리니까요.     이번주 토요일에는 정동교회에서 베토벤 미사곡과 피아노 콘체르토 녹음이 있는데. DAD AX32가 피아노가 특히 좋은 만큼 여러모로 기대가 됩니다.    

클래식 음악을 녹음하는 것은 참으로 즐거운 일이 아닐 수 없습니다. 넓은 공간안에 울려펴지는 악기와 사람 목소리의 울림. 각 장소마다 같은 음악이라도 전혀 다른 소리를 들려주지요. 그리고 또한 녹음하는 관점과 방법에 따라서도 전혀 다른 소리를 들려주기도 하는데요.   원포인트 레코딩 - 메인 스테레오 페어(혹은 데카트리) 만으로 심플하게 녹음하는 것 멀티마이크 레코딩 - 메인 마이크외에도 악기의 각 파트마다 여러대의 마이크를 설치해서(보통 오케스트라 녹음의 경우 24채널 정도) 나중에 믹싱작업을 통해서 밸런스. 음색. 공간감등을 만들어내는 것   크게는 이렇게 두가지의 방법으로 나뉩니다. 현재는 대부분 여러대의 마이크를 사용해서 녹음을 해서 후반작업에서 중간중간 볼륨을 수정한다던가. 그리고 프로듀서나 엔지니어가 생각하는 밸런스와 음색대로 정확하게 구현해서 만드는 방법이 주를 이루고 있습니다. 특히 DG 등의 메이저 레이블에서는 완벽한 프로덕션을 위해서 더더욱 이러한 방법을 선호하지요. 반면에 작은 몇몇의 개성있는 마이너 클래식 레이블들은 원포인트 레코딩을 선호합니다. 원포인트 레코딩은 나중에 후반작업에서 각 악기마다의 음량밸런스를 수정할 수 없다는 단점이 있기는 하지만 무엇보다도 음악이 연주 되는 그 공간의 분위기가 고스란히 전달이 된다는 장점이 있지요. 반면에 녹음한 이후 음량밸런스등의 수정작업이 어렵기 때문에. 자칫해서는 좋지 않은 결과가 나올 수도 있습니다.   애초에 클래식 음악 녹음은 원포인트에서 시작이 되었습니다. 사실상 녹음기의 트랙수가 그리 많지 않았기 때문에 클래식은 물론이고 재즈도 모노시대에는 단 1개의 마이크만으로 재즈앙상블이 녹음되기도 하였으니까요.   오케스트라 역시 마찬가지입니다. 그러다가 스테레오 시대의 황금기라 일컬어지는 60년대가 되면서 정말 수 많은 스테레오 레코딩 방식들이 개발이 되고. 특히 DECCA의 엔지니어들이 만든 데카트리는 지금도 클래식 오케스트라 녹음에 있어서도 절대적인 신뢰를 얻고 있는 녹음 방법입니다. http://en.wikipedia.org/wiki/Decca_tree   *사진은 2009년 유니버셜 발레단 창작발레 "심청"의 오케스트라 레코딩 - 장소는 고양 아람누리. 연주는 경기필하모닉. 녹음은 오디오가이에서 진행하였습니다.   https://www.google.co.kr/search?q=decca+tree&newwindow=1&sa=X&biw=1440&bih=753&tbm=isch&tbo=u&source=univ&ei=7L6cVI0XwambBZj7gKAF&ved=0CCMQsAQ 위 링크에서 보다싶히 정말 수많은 데카트리로 녹음이 되는 사진들을 보실 수 있습니다.   참으로 재미있지요? 60년대에 개발된 녹음방법이 50년이 지나서도 이렇게 절대적인 신뢰를 얻고 있다는 것이 말이지요. 저역시 꼭 과거의 녹음방법을 그대로 답습할필요가 있을까 싶어서 그간 참 많은 방법들을 20년간 시도해보았는데 결국은 데카트리 혹은 데카트리를 응용한 무지향성 마이크를 심플하게 3대 놓고 녹음하는 것이 현재 오디오가이의 클래식 녹음의 기본세팅이 되었습니다.     12월에 헨델 메시아를 2번 녹음하였습니다. - 모두 공연실황 녹음 클래식음악은 이제는 세션 레코딩보다는 공연실황을 음반으로 만드는것이 점점 더 많아지지 않을까 하네요   한번은 정동교회에서 카메라타 뮤직 컴퍼니 라는 단체의 연주 다른 한번은 예술의 전당 콘서트홀에서 국립합창단과 바흐솔리스텐서울 오케스트라의 연주 입니다.   전자는 전공자. 비전공자가 함께 있는 단체라 연주의 퀄리티는 비교가 되지 않습니다만. 같은 헨델 메시아를 원포인트 레코딩 vs 멀티 마이크 레코딩 한 것에 관한 비교를 한번 들어보시는 것도 좋을 것 같습니다.   먼저 정동교회 http://www.mediafire.com/listen/f4xz2nostxoun52/Camarata_Track_19.wav   여기서는 기본적인 DPA 4006 무지향성 마이크 3개를 L C R로 설치하고 합창에만 AKG C33E 스테레오 마이크를 XY로 살짝 더했습니다. 기본적으로는 원포인트 마이킹에 최소한의 스팟 마이크를 더한 것이고요.   국립합창단 http://www.mediafire.com/listen/i5la0ddb9otxsob/국립합창단_Track_19.wav 예술의 전당 콘서트홀 메인으로 설치되어있는 DPA 4006 데카트리를 메인으로 앰비언스용으로 DPA 4006 AB 페어가 관객석으로 마이크 방향이 향하고 있고 거의 모든 악기 파트마다 스팟마이크가 설치되어있는 세팅입니다.   합창에도 4개의 마이크가 사용이 되었고 녹음후 각 마이크의 밸런스와 거기에 리버브를 더해서 믹싱을 하였습니다.   두음원을 비교해서 들어보시니 어떠한 차이가 있으신지요?   아무래도 멀티 마이크쪽이 각 악기들의 음량을 후반작업에서 섬세하게 콘트롤할 수 있어서 지휘자나 아티스트들을 이부분을 더 선호합니다. 연주때 미처 체크하지 못한 밸런스를 후반작업을 통해서 원하는대로 조정을 할 수 있으니까요.   반면에 원포인트로 녹음한 음악은 그것이 불가능하지요 부분적으로 첼로의 음량을 올리거나. 음색을 조정한다던가.  비올라의 음정이 좋지 않은 부분을 볼륨을 좀 내린다던가 하는 등의 수정작업이 어렵습니다. 이러한 완벽한 프로덕션을 위한 불편함을 감수하고라도 원포인트 위주의 세팅을 고집하는 이유는 무엇일까요? 가장 큰 차이점은 원포인트 레코딩은 제가 클래식 녹음에서 추구하는 "음악이 탄생하는 현장 분위기의 재현"이 자연스럽게 됩니다. 반면에 멀티마이크는 악기와 마이크와의 거리가 가까운 스팟마이크를 많이 사용해서 믹싱하기 때문에 공간의 분위기가 잘 표현이 되지 않지요. 녹음되는 곳이 성당이면 돌에서 나오는 반사음 특유의 잔향. 그리고 나무로 이루어진 콘서트홀이라면 고역대의 잔향이 롤오프되어있지만 풍성하고 깊은 느낌 이러한 부분들이 저는 녹음에서 충분히 표현이 되었으면 합니다. 비록 그곳의 음향상태가 그리 좋지 않더라도 말이지요.   그리고 가장 중요한 것은 바로 "깊이감" 이부분이 원포인트와 멀티마이크의 가장 결정적인 차이라 할 수 있을 것 입니다.   위 음원을 들어보시면 오케스트라 뒤에 합창단이 있다는것이 확실하게 깊이감(거리감)이 표현이 되는 것을 들으실 수 있을거에요 그리고 오케스트라 역시 각 악기의 앞과 뒤가 표현이 되고 있지요 하지만 멀티마이크를 사용한쪽은 합창단이 상당히 가깝게(!) 들립니다. 오케스트라와 합창단사이의 존재하는 거리감이 제대로 표현이 되지 않는 것이지요. 오케스트라 각 악기들 역시 바이올린에서 목관에 이르기까지의 깊이감이 잘 들어나지 않는 부분이 멀티마이크 녹음에 아쉬운 부분입니다.   하지만 멀티마이크로 녹음한 음악은 소리들이 다 앞으로 확실하게 나와주기때문에 사람에 따라서는 이 소리를 좋아하는 사람들도 분명 많이 있고 후반작업에서 밸런스나 그밖의 편집이 필요한 현대의 클래식 음악 프로덕션에서는 당연한 방법이기도 합니다.   과거 아르모니아 문디 레코딩을 담당했던 뮤지카 님버스의 프로듀서 엔지니어가 원포인트 레코딩을 주로 하는 얄룽레코드 밥 아티야에게 (http://www.yarlungrecords.com/sound.html)   "당신은 아티스트를 힘들게 하는 타입의 엔지니어이군요" 라고 약간의 비아냥 거리며 이야기를 했다고 합니다. 실제로 원포인트 레코딩에서 좋은 밸런스와 음색을 얻으려면 마이크의 적절한 위치를 잡는데도 많은 시간이 걸리고 그 이후에도 아티스트들의 위치가 그대로  녹음이 되기 때문에 아티스트들이 수시로 위치를 바꾸어야 하는 경우도 많은 반면- 사실 연주에 집중해야 하는 상황에서 사운드때문에 불편함을 느끼게 된다면 이역시 생각해볼 필요가 있겠지요. - 멀티마이킹에서는 훨씬 수월하게 리허설부터 바로 녹음을 할 수 있으니까요. 물론 멀티마이킹에서도 메인 마이크의 포지션이 무척 중요하고 대부분의 멀티마이킹 녹음에서도 거의 절반이상의 사운드는 메인마이크로 이루어 지게 됩니다만 순수한 원포인트만이 지니고 있는 원근감의 매력은 무시할 수 없는 것 같습니다.   늘 녹음을 한후 모니터 CD를 만들어서 집에서 아내와 함께 듣는데 아내는 이번 멀티마이킹 쪽이 오케스트라의 사운드가 힘차고 좋은 것 같다. 라고 이야기를 하기도 하는데요. 아무래도 원포인트 레코딩은 콘트라베이스나 첼로등이 거리감있게 들리는 반면 멀티마이킹은 앞에서 박진감 넘치게 들리기도 하니까요 어떤것이 좋은지는 듣는 사람에게 맞겨야 하겠지요?   전 지금은 원포인트가 좋습니다.  여기서 정말 아주 살짝 스팟마이크를 더한소리 스피커 바깥으로도 녹음한 장소의 공기감이 "사운드 스테이지"로 형성되는 것, 저는 이 소리를 참 좋고 더 찾고 싶습니다.^^    

아내가 무리를 해서 이쁜 겨울 코트를 사주었습니다. 가을용의 얇은 코트를 거의 16년동안이나 입고다녔지요 그옷은 약간 헤지기는 했지만 변함없이 제가 좋아하는 옷이기도 합니다. 저는 대부분 옷은 헤질때까지. 셔츠는 목이 닿는부분과 손목쪽이 거의 닮을때까지 입는 편인데요.(사실 닮아도 요즘 계절처럼 니트안으로 입는경우는 가끔 입을때도 있습니다.)   코트하면 가장 먼저 생각나는 것중에 하나가. 오래전에 아버지가 제 나이또래일때 입으셨던 검정색 가죽코트가 있었습니다. 카라가 정말 길고. 지금 다시 무척이나 보고 싶은 옷인데요 한..십여년 전인가.. 옷장정리를 하면서 아버지의 검정색 가죽코트를 헌옷수거함에 넣고 왔지요. 이것은 이십년전 아버지가 직접 만드신 정말 화려하고 멋진 무늬가 있는 장농을 버린것과 함께 무엇을 버림에 있어서 제가 가장 후회가 남는 일중 하나입니다. 아버지가 제 또래이실때 입으셨던 검정색 가죽코트를. 물론 지금 관점에서는 무척이나 이상하게 보일수도 있지만. 아들이 그 나이가 되어서 입는 것.. 생각만해도 멋진일이지 않을까요? 이때만 해도 오래된 것에 대한 아름다움과 소중함을 제가 너무도 몰랐던 것 같습니다. 지금에서야 조금이나마 알수 있게 된것에 감사할따름이지요. 이것은 통의동에서 좋은 분들(사실은 선생님들)에게 참 많은 것을 느끼고 또 배우게 된것 같습니다.   위에 아내가 이번에 사준 코트는 브랜드라벨이 없습니다. 물론 억지로 찾다보면 안주머니(게다가 안주머니는 보통의 코트가 왼쪽에 있는 것에 비해서 이것은 오른쪽에 있어요. 일주일간 어색하다가 이제서야 좀 적응이 됩니다. )근처에 아주 작게  숨은 그림찾기를 하듯 찾아야 보이게 안감과 비슷한 색으로 작게 붙어있습니다.   브랜드 라벨이 없다는 것. 이 하나가 오늘 저에게 정말 많은 생각을 남겨주는 하루였던 것 같습니다.   이사람은 왜 자신의 옷에 브랜드로고를 넣지 않았을까요 - 같은 브랜드의 다른 셔츠나 니트에는 물론 있습니다. 브랜드 라벨을 넣지 않을것이면 깔끔하게 두지 저 가죽끈(?)은 또 무엇일까요?   12월은 한해에 제가 녹음. 믹싱. 마스터링한 참 많은 음악들이 음반으로 나오는 해이기도 합니다. 오늘은 올봄에 함께 작업했던 노바샘양의 음반발매 콘서트를 다녀왔습니다. http://blog.naver.com/audioguy1/220180929025 공연을 보면서 나 자신을 반성하며 뒤돌아보게 되었습니다.   우선 노바샘양의 음악을 한번 들어보시지요, http://music.naver.com/album/index.nhn?albumId=459848 "향유"라는 곡입니다. 바샘양의 음반가운데 유일하게 종교적인 가사의 곡입니다만. 종교적인것을 떠나서 음악이 참 아름답습니다.. 지금 다시 음악을 들어보니.. 이때 보컬마이크를 숍스의 신형 마이크를 사용했던까지 기억이 나네요^^ 오늘 노바샘양의 음반발매 공연에서 티켓 담당자분에게 가장 뒷자리를 부탁드렸는데(전 대부분 뒷자리에서의 소리가 좋더군요 pa시스템을 사용하는 공연에 있어서)  피아노 바로 앞자리. 앞에서 두번째 줄이었습니다. 그래서 바샘양이 피아노 치면서 노래하는 모습을 지척에서 바라볼 수 있었지요.. 공연 시작하기전에 오프닝을 담당한 아티스트가 피아노를 연주할때. 아..피아노 터치 연습좀 하지.. 마치 신디사이저 건반을 두드리듯이 그랜드 피아노의 건반을 꿍쾅꿍쾅 치는 것을 보며.. 내가 이자리에 왜 있지 하는 생각을 하였습니다.(그분께는 죄송합니다.ㅜ.ㅜ)   하지만 바샘양의 공연이 시작되고 그녀가 피아노 앞에 앉아서 오른손이 건반위에서 허공으로 올라가는 순간. 마치 슬로우모션처럼 그 동작이 눈에 들어오더군요. 그리고 같은 피아노 임에도 너무도 아름다운 울림.. 피아노라는 악기를 이렇게 아름다운 소리로 연주를 한다는 것은 그만큼 피아노와 마주하는 시간이 길어야하는 것은 물론이고. 무엇보다도 피아노라는 악기 그리고 음악을 진정으로 사랑하는 마음.  그 모든것이 투영되어 조심스럽게 한음한음에 표현이 되고 있었습니다. 정말 아주 단순한 선율일지라도 피아노의 한음한음에 그렇게나 마음을 담아서 연주를 하는 모습에 마음속 깊히 감동하였고. 아름다웠지요.   오늘 공연은 참 모처럼만에 보는 젊은 아티스트들의 연주였습니다. 마음속 깊히 반성하였습니다. 난 그동안 음악의 브랜드 라벨만 보고 지내왔구나... 늘 유명한 아티스트들과만 작업을 하는 것만을 꿈꾸고.. 또 당연히 그렇게 생각하고... 하지만 유명한 아티스트들외에도 음악을 진심으로 마음을 담아 하고 있는 아티스트들이 이렇게나 많을텐데..   나는 그들의 음악에 귀기울이기 보다는.. 그저 유명세들만 따라가고 있었던 것이 아닌가.. 이것 옷이 아니라 제가 하는 일을 말이지요..   제가 운영하는 오디오가이라는 레코딩 회사는 녹음이나 믹싱. 마스터링에 관한 비용이 상당히 높은 편에 속합니다. 저는 당연히 그렇게 생각했어요. 내가 이렇게 지난 20년동안 끊임없이 노력하고. 나의 모든것을 다 투자해서 조금이나마 더 좋은 소리. 좋은 음악이 전달 될수있도록 노력하는데. 이정도의 대가는 당연한것이다..라고 말이지요.. 그렇기 때문에 우리회사에 녹음을 의뢰하는 아티스트(혹은 회사)들은 대부분 어느정도 여유가 있거나. 이름이 알려져서 음반제작비에 어느정도 투자를 할 수 있는 아티스트들이 많은 편입니다. 해외 아티스트들과의 작업들도 무척 많은 편이고요.. 그동안 저도 모르게 이것을 당연하게 생각한 겁니다!! 오늘 공연에서 바샘양이 이곡을 연주하기 앞서. 본인은 재즈를 좋아하지만 재즈를 잘하지 못한다. 이야기를 하였습니다 물론 오스카피터슨이 연주하는 스윙감 있는 것만이 유일하게 재즈다..라고 말한다면 그녀의 말이 맞는지도 모르겠습니다만. 이 음악을 듣고. 이것은 그녀만의, 한국사람만의 재즈이다! 라는 생각이 들었습니다. 모든 곡을 외워서 연주를 하고(본인의 곡을 공연때 잘 외우지 못하는 아티스트들이 더 많습니다.) 음반 이상으로 더욱 더 섬세하고 아름다운 터치로 음악을 들려주었지요.   내년에는 오디오가이 스튜디오의 새로운 시즌이 시작될 예정입니다. 오랜시간 꿈으로만 꾸어왔던 드림 스튜디오가 생기게 되지 않을까 하는데요.   오늘 공연을 들으면 생각했습니다. 새로운 오디오가이 스튜디오를 만들게 되면 - 물론 비용은 비싸게 받을 겁니다.ㅜ.ㅜ 죄송합니다. 스튜디오 공간에 작지만 알차게. 추가로 공간을 만들어서 이곳 오디오가이 미니 스튜디오(가칭)는 절반정도의 스튜디오 사용료를 내고. 이렇게 신인 아티스트들도 부담없이 사용할 수 있도록.. 그래서 저도 기존의 유명한 아티스트들외에 이렇게 숨겨져 있는 진실한 음악을 하는 아티스트들과 함께 작업을 하고. 소통할수 있도록.. 꼭 그렇게 해야겠다..라고 말이지요.   늘 같은 일을 하다보면 더 유명하고. 더 많은 일들을 하는 것만 바라고 생각하게 되기 쉽상인것 같습니다. 어찌보면 시간이 가면 갈수록 욕심만 늘어가는것이 아닐런지 모르겠어요.   글을 더이상 길게 쓰면 SNS 에 익숙한 많은 분들에게는 읽혀지지 않을테니 마지막으로..   여러분들 브람스 참 좋아하시지요?   게다가 이렇게 춥고 쌀쌀한 계절에는 왠지모르게 더욱 더 듣기 좋으니까요. 브람스의 곡들은 템포에 관한 정확한 지시가 없는 것이 많습니다. 왜냐하면 음악과 템포에 대한 느낌은 그날그날 마다. 오늘과 내일이 같을 수 없다는 그의 신념때문이지요..   음악이라는 것이 그 어떤 고정관념과 틀에 박히는 순간. 어지보면 예술 본래의 본질에서 멀어지는 것일런지도 모르겠습니다. 어떻게 보면 이름. 브랜드. 또는 그 무엇으로 인해서 우리는 고정관념을 지니게 되는 것은 아닐까요? 폴스미스가 만든 코트하나로 정말 많은 생각을 하게 된 12월의 겨울입니다.  

.PZM 마이크   http://en.wikipedia.org/wiki/Boundary_microphone   국내에는 책에서만 보았지 실제로 사용이 되는 곳은 레코딩보다도 오히려 PA 나 방송현장등에서 가끔씩 사용이 되는 것 같습니다.   세상에는 참 다양하고 많은 마이크들이 있고 또 녹음방식이 있는데 우리는 너무 획일화되어 생각하는 부분들이 있는 것은 아닌지 모르겠어요   물론 뛰어난 선배들의 노하우를 배워서 하는 경우,. 확실히 일정수준 이상의 결과물을 꾸준히 낼 수 있고 그 가운데에서 본인만의 관점이 생기게 되겠지요   하지만 저는 여러가지 부분들에 있어서 늘 새롭고 아직 듣고 찾고 경험하지 못한 그 어떤소리(음악)에 늘 갈증을 느낍니다.   특히 국내의 녹음실에서는 지나치다 할수 있을정도로 노이만 마이크에 대한 관점이 강한것 같은데요   "수많은 마이크들을 사용해보았지만 그래도 노이만 만한것은 없다."   사실 저도 이렇게 생각하는 부분들도 많이 있습니다.   특히나 U87AI의 경우는요. 사용해보면 할수록 정말 정말 대단한 마이크로구나..하고 많은 생각이 들고   지금까지 오디오가이라는 레코딩 회사를 운영하면서 한번도 U87을 구입하지 않았었는데. 다음번에 새롭게 녹음실을 만들게 되면 U87을 여러대 구입해야겠다..라는 생각들도 지니고 있습니다.   녹음이라는 것이 한번 자신만의 방법을 바꾸기가 참 어려운것 같아요   물론 맨날 저처럼 기기들 바꾸고 좌충우돌하다보면 오히려 꾸준하게 자신만의 사운드를 만들어내는 것이 어려울 수도 있지만   저 자신도 20년이 되었는데도 아직 나만의 소리는 무엇인지   내가 진정으로 좋아하는 소리는 무엇인지   상황에 따라 음악에 따라 전부 다 다르기 때문에 아직도 잘 모르겠다는 생각이 들기도 합니다.     오디오가이에서 사용하는 PZM 마이크는 독일 MBHO 사의 648PZM 마이크 4대. 620PZM 마이크 2대입니다.   http://www.mbho.de/products03_07.htm   http://www.mbho.de/products02_07.htm   사용빈도는 648PZM이 압도적으로 높고. 순수한 리버브 사운드 같은 앰비언스를 원할때는 620PZM 을 사용합니다.   이 마이크를 사용한지도 거의 10년가까이 된것 같으네요.     처음 PZM 마이크에 관심을 가지게 된 계기는 지금은 멋진 마스터링스튜디오를 운영하시고 계신 Rivermanmusic 님께서 캐나다의 메이플 쉐이드라는 레이블에서 제작된 음반을 들려주셨습니다.   http://mapleshaderecords.com/main/catalog.php   단 두개의 PZM 마이크만을 이용한 드럼(퍼커션). 피아노 베이스 색소폰 클라리넷에 게다가 보컬까지.!   음반을 듣고 정말 깜짝 놀랐지요   공기감. 지금까지 들었던 소리와는 전혀 다른 사운드..   물론 이런 소리를 좋아하시지 않는 분들도 많으시겠지만 외국에는 상당히 많은 팬들이 있습니다.   https://www.gearslutz.com/board/search.php?searchthreadid=62843   지금들어도 이회사에서 만드는 사운드는 정말 멋집니다.     이렇게 레코딩을 합니다.   소리는 귀로 직접 들어보시면 충격받으실 겁니다^^   (첨부파일로 관련 참조파일들 올립니다.)   사진을 보면 마이크와 음원이 상당히 가까운것 같지만   PZM 마이크 특성상 룸의 앰비언스가 상당히 많이 들어갑니다.     지난번 애국가 녹음때도 위 아크릴판을 참조해서 세운상가에가서 아크릴판에 PZM 마이크를 붙여서 녹음 해보기도 하고.(나중에는 합창 음악에 원포인트로 꼭한번 사용해보고 싶네요)   특히 한달전 진행했던 클래식 음악제 녹음에서 정말 적극적으로 PZM 마이크를 사용하였습니다.     링크한 파일은 PZM 3개로만 해서 녹음한 음원입니다.   마이크프리와 컨버터는 DAD AX32,   바로 전 칼럼에서도 PZM 마이크가 사운드의 50%이상을 차지한소리이고요.   최근 발매된 오디오가이의 신보 바하솔리스텐 서울   http://audioguyrecords.com/data/Catalogue2014/447316#0   이 음반에서도 메인마이크로  PZM 을 사용하고 각각의 스팟마이크와 블랜드하였습니다   PZM 마이크를 사용하면 무엇보다도 녹음현장의 분위기가 그대로 녹음기에 담깁니다..   요즘은 어떠한 장소에서 녹음을 하더라도 후반작업에서 멋지고 매끈하게 다듬어서.   녹음장소가 2000석의 콘서트홀인지. 잔향시간 4.5초의 성당인지.   넓은 레코딩 스튜디오인지 녹음장소의 개성이 잘 들어나지 않는 음반들이 많은 것 같습니다.   하지만 PZM을 사용하면 녹음장소의 현장 분위기가 확실하게 표현이 됩니다.   링크에 있는 PZM 3대로 녹음한곳도 잔향이 상당히 짧고. 음향이 그리 좋다고는 볼수 없는 곳이지만. 그래도 짧고 거친만큼 그 장소에서 울렸던 소리 그대로가 녹음이 되어서 개인적으로는 만족스러운 녹음이었습니다.     앞으로는 PZM 마이크를 이용한 스테레오 레코딩 테크닉에 좀더 집중해보려 하는데 아쉽게도 정보들이 그리 많지는 않네요.   그래도 참 재미있습니다.   늘 같은 세팅으로 녹음해서 스튜디오로 가지고 와서 소리를 이리저리 만지는 것보다, 음악이 울려퍼지는 그 장소의 느낌을 담는 작업들이 말이지요.   그래서 정말 녹음은 재미있습니다.   *아래링크주소에서 음원을 들어보실 수 있습니다.    

유럽에 있다가 한국에 일찍 나오게 된 가장 큰 계기가 된 진주 이상근 국제음악제 공연의 실황녹음   이번에는 KBS 교향악단외 여러 좋은 음악단체와 아티스트들의 연주가 있어서, 제가 직접 녹음하고 싶어서 나오게 되었답니다.   오디오가이에서 진행하는 클래식 음악 녹음중에 절반 이상이 실황공연의 녹음 이때는 여러가지 생각해야 할 부분들이 특히 많은 것 같습니다.   제가하는 일은 좋은 소리를 찾는 것이기도 하지만 공.연.장. 이라는 이름에서처럼 이곳은 녹음도 하지만 주 목적은 공연을 하기위해서 만들어지고 운영이 되는 곳.   처음에는 실황공연 녹음을 할때 생기는 여러가지 제약들 때문에 무척이나 마음이 불편한적이 한두번이 아니었는데.   공연장 탄생의 목적을 생각하면 지금 돌아보면 오히려 당연한 것이고 오히려 제가 너무 저의 입장만 생각하지 않았나 하고 부끄러워지기도 합니다.     공연장에서 실황녹음을 할때는 무엇보다도 공연장의 무대감독.음향감독. 하우스매니저등의 여러스텝들. 그리고 공연을 주관하는 재단이나 기획사등과 정확한 소통이 참 중요한데요.   공연이라는 것이 때론 정말 정신없이 진행이 되기도 하기 때문에 여러가지 생각할 부분들이 참 많은 것 같습니다.   무엇보다도 실황공연 특성상 스텝파트에서 큰 실수가 생겨서는 안될테니까요.       사실 이번에는 제가 조금 욕심을 부렸습니다.   아주아주 커다란 마이크 스탠드(이것때문에 진주까지 콜밴을 빌려서 다녀왔어요) 를 지휘자 뒤에 떡 하니 3개 두니.   주최측에서 저 거대한 마이크 스탠드를 보며. 천장에 있는 마이크들을 활용할 수 없는것인지 물어봅니다.   이곳 경남문화예술회관은 아쉽게도 메인 마이크 시스템 외에 천장에 세밀하게 녹음을 할 수 있게 되어있지를 않지요.     하지만 이부분은 미리 생각을 해두고 간터라. 바로 2안으로 세팅을 하였습니다.^^   본래는 지휘자 뒤에 오노트리(과거 필립스 레이블의 엔지니어들이 개발한) 형태로 DPA 4006 을 설치하였지만   조금 가변한 데카트리로 지휘자 앞에 미니트리로 DPA 4006 3개를 두었습니다.   이것이 메인이 될수도 , 오케스트라의 스팟이 될수도 있는데요. 실제로 데카에서 60년대 데카트리를 개발할 당시의 마이크 포지션을 보면 3대의 마이크 위치가 지휘자 앞으로 되어있는 것을 볼 수 있어요       마이크의 각도는 이렇게 정면을 바라보게 하고,   늘 왠지모르게 마이크가 악기(가수)를 정면에서 향해야 할 것 같은 편견.   ON AXIS 와 OFF AXIS 를 정확하게 이해하는 것이 어쿠스틱 악기 녹음에 있어서 정말이지 너무나도 중요한 것 같습니다.     지휘자 자리에서보면 이러한 세팅입니다.   가운데는 목관 및 비올라, L은 바이올린부들. R은 첼로와 콘트라베이스 등   DPA 4006이 저음이 풍부하게 나기도 하지만. 참.. 50년전에 이렇게 좋은 세팅을 개발해낸 DECCA의 레코딩 엔지니어들이 참 대단하다 생각이 듭니다.   사진에서처럼 추가로 몇개의 파트별 보조마이크를 사용하기도 하였으나. 믹싱시에는 전혀 사용하지 않았습니다     처음에는 사진과 같이 지휘자 뒤에 마이크를 설치했었지요.         바이올린 협주곡때의 바이올린 솔로 마이크로는 숍스 MK4를 AB로.   이렇게 오픈된 환경에서 솔로악기는 거의 대부분이 마이크 1개보다는 2개를 사용하는 편이 마이크로 들어가는 직접음과 반사음이 더 자연스럽게 어울려진다고 생각합니다.       실제 이번 녹음전체에서 (다른날의 실내악 녹음포함) 메인 마이크라고 할 수 있는 PZM 마이크. (MBHO 648PZM)   공연실황에서 시각적으로 거추장 스러운 커다란 메인 마이크 대신에 선택한 것이지만.   소리는 생각보다도 훨씬 더 좋았습니다.   PZM은 설치위치에 따라 다르겠지만 실제로 귀로 들리는 것 만큼의 잔향성분이 함께 녹음이 되거나. 오히려 좀더 많이 녹음이 됩니다.     믹싱시에 리버브를 더하지 않고 리버브 대신 PZM 마이크의 비율을 좀더 높히는 것으로 하였는데요.   클래식 음악 녹음이라는 것이 기술의 발전과 함께   무엇인가 음악이 연주가 되는 그 공연장 당시의 느낌과는 전혀 다른 지나치게 세련되고 매끈한 느낌으로 최종 믹싱이 되어서 마무리 되는 경우가 많은 것 같습니다.   역시나 이 경우에 여러가지 리버브 기기들이 대활약하게 되지요.     물론 이렇게 하면 소리적인 측면에서는 더 좋게 하는 것도 가능하겠습니다만..   언젠가 부터 그러한 생각이 들더군요.   물론 늘 생각합니다. 아침이나 밤이나..   "어떻게 하면 더욱 더 좋은 소리를 얻을 수 있을까.."   하지만 좋은 소리, 좋은 녹음이라는 것은 무엇일까요?     요즘에는 조금 공간음이 적어도(우리는 지나치게 많은 인위적인 공간음이 들어간 클래식 음반들을 듣는 시대에 살고 있습니다.)   음악이 연주되고 녹음되는 그 장소의 특성이 들어나는 녹음.   저는 요즘 이부분이 제가 생각하는 좋은 녹음이 아닐까.. 하고 생각하고 있습니다.(물론 시간이 좀더 지나면 또 생각이 바뀌기는 하겠지요. 전 왜이리도 맨날 생각이 물처럼 흐르는지 모르겠습니다.ㅜ.ㅜ)     함께 하는 스텝들에게도 늘 이야기를 합니다.   클래식 음악 녹음을 할때.   음악이 연주되는 그 공간의 느낌이 녹음에 표현되어야 한다. 라고 말이지요     나중에 믹싱작업을 통해서 화려한 이퀄라이저와 리버브로 소리만 좋게 하는 것이 아니라.   음악이 태어나는 그 장소의 울림.   때론 그것이 거칠거나, 답답하더라도 말이지요.     너무 지나치게 소리를 좋게만 만드려고 하면 결국에는 더욱 더 어색한 소리와 음악이 되고 마는것을. 저도 그러한 실수를 많이 했답니다ㅜ..ㅜ     이번 녹음의 공간은 그리 아름답고 풍성한 잔향을 지니고 있지도않지만   음악이 그공간안에서 울리는 그 느낌을 그대로 담아보았습니다.     앞으로는 이러한 녹음작업들을 좀더 해보고 싶네요.   지금까지는 우리의 공연장의 울림이 좋지 않다는 핑계에만 너무 열을 올리고.   그안에서의 장점을 찾으려는 노력이 부족하지 않았나 하고 스스로에게도 물어봅니다.            

얼마전 정동교회에서 오디오가이 레이블 신작을 녹음하였습니다.  정동교회는 적벽돌과 종탑 모양의 과거 한국 교회 건축의 기준이 된 유서깊은 교회이지요.  매년 이곳에서 일년에 1~2번씩 카메라타 뮤직 컴퍼니 라는 단체의 실황 녹음을 6년째 하고 있어서.  제게 있어서는 녹음하는 곳으로도 무척 친숙한곳이기도 합니다.게다가 지금 광화문 오디오가이 사무실과 도보로 15분 거리로 무척 가깝습니다  이번에는 실황녹음이 아닌 정동교회를 3일 빌려서 세션 레코딩을 진행하였습니다.  미리 아티스트들과 녹음전 충분히 미팅을 하고. 녹음장소를 선정하였는데.  정동교회에서는 여러번 레코딩을 진행해왔었고 그리고 관객이 들어오기 전 교회안의 잔향이 딱 좋아서. 좋은 소리를 얻을 수 있는 환경이라 생각을 해 아티스트들에게 적극적으로 정동교회에서의 녹음을 제안하게 되었습니다. 유럽에 와있는 지금. 이곳에는 녹음을 할 수 있는 음향이 너무너무 좋은(정동교회와 비교할 수 없는) 성당들을 무척이나 저렴하게 녹음대관으로 빌릴 수 있지만. 한국에서 게다가 서울에서 조용하면서도. 음향이 좋고. 게다가 녹음대관으로 빌릴 수 있는 곳을 찾기란 늘 쉽지 않은 부분이기도 합니다. 오디오가이 레이블 클래식에서 중점적으로 제작하고 있는 "교회음악 과 바로크음악"  성악가와 악기들(모두 바로크 악기들입니다.) 해서 15명 정도의 편성으로 저는 개인적으로 교회음악에서는 너무 큰 편성보다는 이정도의 편성에서의 음악과 소리가 좋더군요 이번 녹음에는 오디오가이의 식구들 모두 함께 와서 진행하였습니다.보통 로케이션 녹음때는 2명 혹은 3명 정도가 진행하는데 이번에는 저까지 5명이나 가서 녹음진행을 했으니까요. 마이크 세팅등은 오디오가이의 식구들이 했고. 녹음후 믹싱(밸런스) 작업은 제가 하였습니다.  녹음 세팅으로는 성악가 메인 마이크는 노이만 TLM170R  ORTF 오케스트라 및 앰비언스 마이크로 MBHO 648PZM - 이 마이크가 없었다면 이 녹음은 만족스럽지 않았을 것 입니다.이 PZM 마이크를 사용한지도 벌써 10년이 다되어가네요.그간 이 PZM 마이크를 통해서 얼마나 많이 배우고 있는 지 모릅니다.녹음이라는 것은 늘 눈과는 정말 다르다는 것.악기를 녹음하는 마이킹도 많은 경우 눈을 통해서 하는 경우도 많은데PZM은 이러한 시각적인 이미지와는 상당히 다른. 미처 예상하지 못한 소리들을 들려주기도 하지요.PZM 마이크를 사용한 녹음은 앞으로도 바이노럴 레코딩과 함께 더욱 더 연구해보고 싶은 분야 입니다. 이렇게 4대의 마이크가 전반적인 메인 마이크로 전체 믹스의 80%를 차지하고그리고 소리를 떠나서 "음악적 밸런스"를 위한 스팟마이크테오르베. 챔발로등에 노이만 KM140비올라 다 감바에 AKG C414 를 양지향성 스팟.그밖에 타악기나 관악기등의 스팟 마이크 한개 더하는 정도로 총 8채널로 녹음하였습니다.마이크프리와 컨버터는 멀징 호러스. 믹싱된 음원은 전혀 리버브나 이퀄라이저. 컴프레서등이 첨가되지 않은. 밸런스 조정만 된 음원입니다.유럽의 길고 깊은 잔향과는 또 다른. 뭐랄까.. 한국적인 잔향의 소리곧 발매될 오디오가이 레이블의 신보. 미리 음악 쌀짝 한번 들어보시지요^^**************여기까지만  9월 25일에 블로그에 써놓았었는데 이제서야 추가글을 올리네요아내에게는 영어공부하러 간다 하고 나왔는데 막상 나오니 음악듣고 싶어져서 음악듣고 있습니다.^^비오는 유럽의 날씨의 도서관 카페창밖에서 따듯한 라떼와 달콤한 치즈케익 먹으며 음악들으니 넘 좋으네요이곳 유럽으로 오게 된 많은 이유중에 하나가 좀더 많은 음악들을 만나고 싶은 부분입니다.개인적으로 바로크 음악을 아주 좋아하고. 그리고 바로크 악기들은 무엇인가 우리 국악기와도 통하는 많은 면이 있다고나 해야할까요?특히 제가 있는 네델란드 헤이그는 세계최대의 바로크음악 학교인 "헤이그왕립음악원"이 있어서 뛰어난 바로크음악 연주자들이 많고 그래서 성당이나 여러 공연장에서도 바로크 공연들이 정말 많이 열립니다. 다음주에는 집근처 루터교회에서 앰바커크비가 오기도 하네요..여러 많은 음악들 듣고 경험하고 그리고 우리의 국악과 중앙아시아를 거쳐 유럽에 이르기까지의 악기와 음악들의 교류에 관한 부분들에 관해서도 알고 싶은 부분들이 참 많네요*위 파일에 올려서 링크해서 들으니 약간 컴프레스된 느낌의 사운드로 변하면서 공간감이 줄어서 들리는 것이 아쉽네요^^ 

삼성동 올림푸스홀에서 재즈피아니스트 바딤네셀로프스키와 재즈보컬 이부영씨의 녹음이 있었습니다. 오디오가이/플러스히치 공동으로 기획/제작이 되었고요  바딤네셀로프스키는 올해 2월 오디오가이 스튜디오와 올림푸스홀에서의 피아노 솔로 공연이 있었는데. 현재 마스터링작업을 끝내고 음반 발매를 기다리고 있습니다. 그때 정말 아름다운 피아노 소리를 지니고 있는 아티스트라 생각했는데 역시나 이번에도. 이렇게 좋은 소리를 지닌 아티스트와 작업을 하는것은 너무 기쁩니다.  첫날 녹음이 끝나고 저녁식사를 하며 피아노 소리에 관한 여러가지 이야기도 듣고.(본인은 파지올리 피아노를 무척 좋아한다합니다.) 녹음끝나고 무척이나 서로 기분좋게 마무리를 하였는데요.  올림푸스홀은 홀의 음향상태. 그리고 무엇보다도 피아노의 음색이 제가 너무 마음에 들어하는 소리를 지니고 있습니다. 같은 스타인웨이 풀사이즈라도 피아노마다 소리는 전혀 다른 피아노처럼 다르니까요.  저는 스타인웨이 풀사이즈라면 소리가 금속성의 밝고 화려하고 선명한것을 좋아하는데 올림푸스홀의 스타인웨이 피아노는 제가 좋아하는 이러한 피아노 소리의 여러 요소들을 완벽하게 충족시켜주고 있습니다.  이번에는 평소와는 조금 다른 녹음 세팅 본래는 피아노 메인 마이크로 늘 사용하는 숍스의 MK4 페어를 준비했었습니다만 우연히 아래의 동영상을 하나 보게되었지요 http://www.stenheim.com/stenheimacousticsessionwithfannyleeb-1/  딱 제가 좋아하는 사운드 오디오가이에서 추구하는 사운드에 가까운 말그대로 공간의 앰비언스가 자연스럽게 살아있으면서 선명한소리 그런데 위 동영상에서 피아노와 보컬 기타등에 바이올렛 디자인의 마이크를 사용하는 것을 보고 오랫만에 새로운 마이크를 한번 사용해보자 하여. 수입처인 사운드독에 연락을 해서 받아서 녹음해보았습니다.피아노에는 바이올렛 디자인의 스테레오 마이크 (전 변함없이 스테레오 마이크를 너무 좋아합니다.)피아노 녹음은..그렇게도 피아노 녹음을 많이 하면서도 늘 긴장이 됩니다.녹음이라는 것이 늘 사용하는 좋은 포지션이 있다 하더라도 공간이나 악기 아티스트 그리고 음악에 따라서 결과물은 전혀 다르게 되니까요.하지만 그랜드 피아노의 녹음시 마이크 포지션의 시작은 바로 저 굴곡진 부분. (특히 스타인웨이 풀사이즈!!)해머위에 설치하는 것 포함해서 이것이 가장 기본이라 생각합니다. - 야마하는 위 포지션보다 해머위가 좋은 경우가 더 많습니다위 사진에서는 상당히 높게 보이지만 실제로의 높이는 딱 이만큼입니다.반사판의 각도와 마이크의 각도를 거의 통일시키는 것이 불필요한 소리가 가장 적게 들어오는것 같습니다지금 각도에서 고개를 들면 반사판의 초기반사음때문에 소리가 멍 해지고고개를 내리면 피아노의 페달소리가 좀더 많이 들어오게 되지요사진 각도에 따라서 마이크의 위치가 조금씩 다르게 보이지요?이번에는 평소보다 마이크를 약간 더 높게 설치하였습니다.때론 라지다이어프램 마이크들의 너무 부풀고 느린 중저역의 반응을 좋아하지 않기 때문에 좀더 스몰다이어프램 마이크처럼 깔끔한 소리를 얻기위해서 마이크의 높이를 평소보다 약간 높게 하였지요 역시 피아니스트가 너무 아름다운 소리로 연주를 하는 관계로. 녹음된 소리도 제마음에 쏙 듭니다. 근래에 녹음한 피아노 소리 가운데 가장 마음에 드는 것 같네요바이올렛 디자인의 스테레오 마이크. 이번 녹음에 사용한 멀징 호러스의 마이크프리는 특히 중역이 쏙 들어가있고 초고역이 밝은 성향이라. 중역이 쌉싸름하고 충실한 바이올렛 디자인 마이크들과 호러스 마이크 프리는 아주 궁합이 좋은 것 같습니다. 이때 숍스 MK4를 함께 설치해서 소리를 들어보았는데. 피아노의 강한 터치감이 제대로 표현이 되지 않더군요 RME 믹스타시와의 조합에서는 그렇게나 환상적인 피아노 소리를 들려주었는데 말이지요.  당분간 오디오가이에서 진행하는 피아노 녹음의 메인 마이크가 될것이 확실합니다! 그제 상암동 CS 뮤직앤 스튜디오에서도 피아노 솔로 녹음이 있었는데 이때도 DPA 4011 과 비교해서 들어보았는데, 라지 다이어프램만의 장점이 참 듣기 좋았습니다. 다음은 보컬 보컬도 역시 바이올렛 디자인의 최상급 튜브 마이크를 사용하였습니다. 사실 피아도도 피아노지만. 이렇게 마음에 드는 소리로 보컬을 녹음해본것은 정말 드물었습니다. 약간은 투박한 외관과는 달리. 소리는 너무 좋으네요 튜브감이 느껴지는 질감. 부드러운 중역에 밝은 고역. 헤드폰으로 보컬 소리를 듣고 너무 기분이 좋았습니다.마이크는 이렇게 생겼어요 바이올렛 디자인 사이트 들어가보니 아쉽게도 스테레오마이크와 함께 이 마이크는 단종이 된것 같더군요올림푸스홀의 대기실을 녹음시 콘트롤룸으로 사용합니다. 요즘 오디오가이 녹음세션의 컨트롤룸에서는 늘 심플하게 노트북한대. LAN으로 오디오 인터페이스 겸 마이크프리에 연결이 되어있기 때문에 과거보다 세팅이 훨씬 더 간편해졌습니다. 컨트롤룸 모니터 스피커는 B&W PM1 (앰프는 야마하 P2500 사용) 올림푸스홀에는 양질의 마이크스탠드 뿐만 아니라. 사진의 스피커 스탠드까지 있어서 로케이션 녹음 하는 입장에서 너무너무 편하고 좋습니다.^^마이크프리/컨버터로 사용한 멀징 호러스 라베나 코어오디오 드라이버를 통해서 프로툴로 24/96 녹음하였습니다 마이크프리앰프도 호러스의 것을 사용 컨버터의 소리는 아주 선명하고 맑고 깨끗하고 좋습니다. 마이크프리는 중역이 조금 들어가있고 고역은 밝고 저역은 적당히 롤오프. 오케스트라의 스팟마이크들을 여러대 사용했을때 잘 블렌딩 될 수 있는 성향의 마이크프리앰프 입니다  히어백 큐시스템을 가지고 가서 아티스트들에게 각자 피아노와 보컬의 음량을 편하게 조정할 수 있도록 해서 녹음을 하였습니다.마지막으로 의미가 없어보이는 전체샷. 사실 이렇게 오픈된 공간에서 피아노와 보컬을 녹음할때는 위치가 정말 가장 중요하다고도 볼 수 있지요 사진의 위치에 보컬이 있으면 보컬 마이크로 들어오는 피아노 소리가 좋습니다. 그렇기 때문에 보컬 마이크와 피아노 마이크의 높이도 통일감 있게 해서 보컬마이크로 들어오는 피아노 사운드가 피아노의 제 3의 마이크로 이용이 되도록 연주자의 위치를 두었어요.  게다가 중요한것은 역시 녹음레벨인데요. 보컬 마이크로 들어오는 피아노 레벨을 보컬의 최대레벨과 10dB 정도 차이가 나게 두었습니다. 보컬마이크의 피크레벨과 보컬마이크에 들어오는 피아노의 피크레벨 사이가 10dB 안쪽이 되면 피아노 사운드가 보컬보다 앞으로 나오게 될수도 있기 때문에 보컬마이크에 들어오는 피아노의 레벨, 거리. 음색등을 조정해서 위 자리로 선택하였습니다.

지난주 서울예고 강당에서 서울시 교육청 주관 애국가를 녹음했습니다.몇달전부터 미리 계획이 되어있던 프로젝트였는데요오케스트라에 합창(합창은 어린이 포함) 그리고 국악오케스트라에 합창 1절.4절. 반주 버전등 여러가지 내용들이 있었어요.어릴적 학교에서 애국가를 들을때마다 스피커탓도 있었겠지만 참 음질이 좋지 않다..생각했는데 이번에 새롭게 녹음하게 되어 무척 즐겁고 의미도 있었습니다.먼저 오케스트라에 합창 녹음이 시작이 되었고사진에서처럼 메인 마이크와 파트별 여러 스팟마이크들을 함께 사용하였습니다.이번에는 거의가 DPA 마이크들이 대부분 사용이 되었는데요.메인은 DPA 4006TL, 바이올린과 첼로, 콘트라 베이스 스팟은 노이만 KM140목관과 타악기는 모두 DPA 4011과 4015C를 사용합창에는 사진에서처럼 DPA 4006A AB를 메인으로 합창단 뒷쪽 스팟용도로 MG KEN970 라인어레이 마이크 - 정말 합창에 좋은 것 같습니다.아주 깨끗하고 소리가 생생합니다.그리고 MBHO 648PZM을 90X90 아크릴판에 붙여서 사진에서처럼 스탠드에 고정했습니다.최근 저는 PZM 마이크 세팅에 매료되어있어서 여러가지 세팅들을 많이 해보고 있어요. 첫번째 사진에서처럼 오케스트라와 합창단이 서로 마주보고 있는 형태로 위치를 정하였고. 아크릴판이 합창단 소리를 적당히 차단해주는 효과도 지니고 있었습니다.다음으로는 국악오케스트라 버젼모든 녹음작업이 다 그렇지만 국악녹음은 특히 더 재미있습니다.국립국악원의 원일 지휘자의 지휘로 녹음이 되었고. 국악의 메인마이크로는 AEA R44C를 사용. 국악기의 중역대의 피크감이 리본마이크에 정말 좋은 것 같습니다.대부분의 국악 앙상블이나 합주에서 메인 마이크를 높거나 멀리 사용하면 국악기의 중역대의 지나친 피크감만 많이 녹음이 되는 경우가 많은데리본은 확실히 소리가 부드럽고 풍부합니다.처음보다 약간의 AB간격을 조정하여 설치하였더니 훨씬 더 깨끗한 음상을 얻을 수 있었습니다.그리고 국악 반주버젼에서는 사진에서처럼 DPA 4015C 를 AB로 사용하였는데새삼스럽게 와이드카디오이드(반무지향성)와 옴니(무지향성)의 완전한 차이점에 대해서 눈과 귀로 다시한번 확인해볼 수 있는 시간이었고메인 마이크로써의 와이드 카디오이드에 대해서 다시한번 인상깊게 생각하게 되었습니다. 국악 오케스트라도 역시 메인이 있는 것이 음악의 앙상블의 정리가 훨씬 더 잘 되더군요.국악에는 여러 스팟마이크들을 많이 그리고 상당히 가깝게 사용했고사진에서럼 PZM 마이크를 스팟마이크로 사용했는데역시!! 피리와 아쟁의 소리가 귀로 들리는 것처럼 실체감있고 자연스럽게 들립니다!! 다음에 기회가 되면 스팟마이크들을 PZM으로만 싹 한번 돌려보고 싶은 생각도 드네요참..녹음이라는 것이 얼마나 다양한 방법이 있는지. 준비를 많이 했던 만큼. 그간 오디오가이와 함께 했던 분들과 즐겁게 진행한 녹음이었습니다.오전 8시30분부터 시작이 되었기 때문에 전날 미리 가서 기본적인 마이크 세팅과 시그널 체크까지 모두 해놓았던터라. 많은 인원이 이동하고 왔다갔다 하는 중간에도 진행들이 부드럽게 잘 된것 같습니다.  모니터링 시스템으로는 로이코의 후원으로 B&W 800 다이아몬드 스피커와 클라세 M300 모노블럭. 린 클라이막스 DS 프리앰프 등으로 아주 낮은 저역까지 모니터링을 할 수 있는 환경에서 녹음을 진행하였습니다.컨트롤룸이 사진에서처럼 심플한것은메트릭할로 ULN-8의 디지털 아웃을 멀징 호러스에 AES/EBU로 연결하고 호러스는 무대에 두고50미터 거리의 윗층 컨트롤룸에는 단하나의 라베나 케이블로 맥북프로에 깔끔하게 연결해서 프로툴로 녹음했습니다.사진은 오디오가이에 새롭게 입사한 안수경양.입사하자 마자 복잡한 IPAUDIO 세팅부터, 예리한 귀까지. 정말 정말 큰 힘이 되는 저의 식구 입니다!!^^

저는 레코딩 엔지니어도 하고 있지만 함께 오디오가이 라는 이름으로 레이블도 하고 있는데요 audioguyrecords.com그간 70장 정도의 음반들을 오디오가이 레이블로 제작을 하였습니다.이번 하이파이쇼에 자그마하게 오디오가이 부스를 만들어 나갔었습니다.아티스트들과 함께 열심히 만든 음반들을 이렇게 가지고 나가서 음악과 소리를 좋아하는 사람들에게 직접 들려주며. 이야기를 나눌 수 있는 시간이 참으로 즐거웠고. 많은 생각들이 남았습니다.이번 하이파이쇼에서 오디오가이에서 제작한 음반가운데 가장 많은 판매가 된것은 의외로 가야금 연주자 조정아씨의 "김죽파류 가야금 산조" 였습니다.오디오가이의 음반들은 대부분이 재즈. 클래식이라 이들 음반이 더욱 더 많이 판매될 줄 알았는데.아무래도 오디오파일들은 음악과 더불어 더욱 더 좋은 소리. 본인이 더 좋아하는 소리를 찾아나가는 사람들이라 모두들 이 음반을 듣고는 마음에 들어하시더군요가야금에 더미헤드 마이크를 사용하게 된 계기는. 다른 퓨전국악 녹음세션에서 가야금에 더미헤드를 설치해보았는데 정말 깜짝 놀랄정도로 좋은 소리를 들려주는것이 아니겠습니까?실제 귀로 들리는 것보다도 더욱 더 가야금의 울림. 특히 농현이 정확하게 표현이 되어서 녹음이 되는것을 듣고.앞으로 국악음반을 제작하게 된다면 다른마이크를 사용하지는 않고 더미헤드만으로 한번 음반을 만들어봐야 해야겠다..라는 참에 좋은 연주자분을 소개받고 음반을 만들게 되었습니다.게다가 최근에는 이어폰 헤드폰으로 음악을 감상하는 사람들도 무척 많이 늘어났기 때문에 더미헤드를 사용한 바이노럴 방식의 레코딩의 효과가 좋을 것 이라 생각이 들었고요.녹음장소는 처음에는 스튜디오를 빌려서 녹음을 진행했었는데. 좀더 자연스러운 울림이 있었으면 좋겠다 싶어서. 선릉역 올림푸스홀을 대관해서 녹음을 하였습니다.여러번 이야기를 하였지만 올림푸스홀은 녹음하기에 무척 좋은 곳인것 같습니다.(공간 음향 그리고 계신 스텝분들^^)가야금 앞에 더미헤드를 설치하였고. 고수는 더미헤드의 뒷면에서 약 4~5미터 떨어져있습니다.이렇게 원포인트로 레코딩을 하는 경우는 연주자의 위치 선정이 정말 중요한데. 연주하는 위치가 그대로 음반에 담기기 때문이지요.음량적인 밸런스와 더불어 정위감의 경우도 녹음당시에 바로 결정이 되니까요.마이크프리앰프는 GML. 마이텍 컨버터를 거쳐서 시콰이어로 24/96 녹음을 하였습니다.여기에 볼륨조절만 하고 여타. 이큐. 컴프. 리버브등은 역시나 전혀 사용하지 않았고요일반적으로 들리는 국악음반들에 비해서 확실히 다른 색깔의 소리들을 들어보실 수 있습니다.녹음이라는것이. 음악을 전달하는 가장 큰 의미는 그대로 유지한채. 녹음하는 사람(레코딩 엔지니어)의 생각과 관점. 등이 참 많은 표현을 할 수 있게 해주는 것 같습니다.이렇게 녹음된 음원은 비교적 재생기기를 가리지 않고 그대로의 색채를 잘 전달해준다 생각합니다.이 음반은 오디오가이 레이블 음반으로써는 드물게 초판이 거의 판매가 되어. 지금 재판을 준비중입니다.재판에서는 Blu-Spec2 CD로 일본에서 프레싱을 진행할 예정입니다.일반CD와 블루스펙 CD의 소리를 비교해서 들어볼 수 있는 좋은 기회가 되기도 하겠네요지난번에 HQCD를 일본에서 제작한적이 있는데 샘플CD 2장을 보내주고 그것을 듣고 소리를 선택할 수 있게 되어있더군요어떠한 공정에서 소리가 달라지는지는 모르겠지만 프레싱 공장에서 테스트 CD를 보내주고 최종 소리를 확인하고 프레싱하는 부분이 참 좋았습니다.같은 연주자와 올해말에 두번째 가야금 음반을 녹음할 계획인데. 앞으로 국악음반도 꾸준히 만들어보려 합니다.누구나 얼마만큼 경험의 차이는 있겠으나.한국사람은 분명 마음속 깊히 국악을 좋아하게 될 수 있는 유전자를 지니고 있다 생각합니다^^

지난 칼럼의 음반이 발매 되었습니다.http://audioguy.co.kr/board/bbs/tb.php/c_audioguy/1162기념으로 멀티트랙 데이타 올립니다.위 칼럼의 마이크 세팅 사진들 보시면서 각 트랙들 들어보시면 좋을 것 같습니다.이전부터 작업하고 있는 파일들의 멀티트랙 데이타를 공유해서 함께 들어보고 싶었는데 이제서야 올리게 되었네요프로툴로 믹싱한 세션 그대로입니다. (녹음에 많이 신경을 쓰는 편이라 크게 믹싱이라 할것도 없습니다만^^)마스터링시에는 2UBS LT 로 16채널 서밍을 하고. 데인저러스뮤직 BAX EQ로 중역을 살짝 올리고. 펜들룸 PL-2로 피크를 정리하였습니다.그밖에 다른 처리한것은 없습니다.한번들 다운받아서 프로툴로 돌려보시고. 함께 들어보고 할 수 있으면 좋겠습니다.음원은 유튜브에 올렸습니다.http://www.youtube.com/watch?v=Ho8OuCSG83Q 일제강점기 조선을 대표하는 천재 작곡가, 김해송(金海松) 음악의 가장 순수한 해석 ‘스윙잉 경성 Swinging Gyeongseong’이 음반에 수록된 음악들은, 일제강점기에 생겨난(생겨났다 사라진) 만요(漫謠)를 현대의 재즈 언어로 재해석해 연주한 것이다. 만요는 당시 식민종주국이었던 일본에서 들어온 희극 갈래인 만담(漫談) 속에 불려진 삽입곡의 형태로 발생하였지만, 상업화 되는 과정에 있어 독립적인 노래의 형태로 유성기 음반에 수록되기 시작하였다. 이러한 희극적 정서는 만문(漫文), 만화(漫畵), 만시(漫詩) 등에 공통적으로 나타난다.만요가 한창 유행하던 1930년대 조선의 주류 대중음악은 미국의 춤곡인 폭스트롯(Fox trot)을 일본식으로 절충한 도롯도나 역시 절충형 민속음악이라 할 수 있을 신민요였다. 만요가 그 자체로 주류 대중음악인 것은 아니었지만, 만요는 악극단들의 순회공연을 통해 나름의 전성기를 구가하기도 했다. 하지만 중일전쟁이 발발한 1937년 이후 사회 분위기가 경직되고 1940년대 들어 전시체제가 본격화되면서 만요와 같은 가벼운 유행가풍도 사라졌다. 광복 이후에도 만요는 전혀 연주되지 않아, 유성기 음반의 기록으로만 남아 있을 뿐, 오늘날 한국의 도시민속에 있어서는 더 이상 연주되지 않고 있다. 이렇듯 만요는 우리에게 있어 중요한 근대문화유산의 한 부분이면서도 다른 한편으로는 종속적이고 잡종인 난삽한 절충형 식민문화로서, 잊고 싶은 존재이기도 했다. 파농(Frantz Fanon)의 말처럼 제국주의와 식민통치는 필연적으로 이러한 분열성을 그 상흔으로 남기게 되는 것이다.음악적인 내용으로 볼 때, 만요의 음악음향은 소위 ‘일본식 양풍’ 혹은 ‘양키풍’의 재즈풍 반주를 배경으로 하고 있어, 비교적 급진적으로 외래음악을 받아들이고 있다. 즉 자민족의 민속음악과 절충한 형태인 도롯도나 신민요와는 사뭇 다른 모습을 하고 있다. 이는 당시 동시대의 미국 사회가 스윙 시대, 브로드웨이 뮤지컬의 시대로 언급되는 시기를 맞고 있었다는 점을 상기시킨다. 주지하다시피 이 시기는 재즈가 대중음악이었던 거의 유일한 시기이기도 하다. 만요가 주로 연주되던 시기는 1930년대이고 지금은 2010년대 중반이니 80년의 시간적 거리가 있는 셈이다. 그간 재즈의 종주국인 미국 사회에서도, 우리가 뿌리내리고 살고 있는 한반도에서도, 재즈 음악의 내적 의미와 지위는 많이 변했다. 하지만 이러한 정서적 차이에도 불구하고 젊은 재즈 연주가들은 너무나도 익숙하게 이 음악들을 편곡해 연주하고 있다. 위에 말한 스윙 시대의 향취가 젊은 재즈 연주가들에게 친밀하게 느껴지는 것은 어찌 보면 당연한 일일지도 모르겠다.이 음반에 수록된 젊은 연주가들의 순수하고 명랑한 연주를 접하다 보면, 식민시대의 음악문화들에 대한 일련의 상념들이 어쩌면 단순한 자의식 과잉이거나 올드 패션인 기우일 수 있다는 생각이 한편으로 들기도 한다. 예컨대 이 연주에 참여한 젊은 연주자들은 이러한 상흔으로부터 조금 더 자유로운 세대라는 인상을 받는다. 이러한 연주자들의 순수함과 명랑함이 수려한 연주실력과 조응해 우리 모두가 잊고 지내던 김해송의 곡들과 만요라는 양식 자체에 대해 돌아볼 수 있게끔 해주었다. 이러한 명랑하고 긍정적인 심상은 전곡의 해석에 시종일관 드러나고 있다. 다만 이렇게나 밝고 희극적인 음악과 사설들이 ‘웃프게’ 느껴지는 건, 어쩌면 이러한 우스꽝스러운 모습이 제국주의라는 파렴치한 부조리에 저항할 정치적 경제적 자원을 갖고 있지 못한 하위주체들이 행할 수 있는 유일한 저항의 방법론이었기 때문인 것만은 분명하다.글 김책 (음악인류학자, 재즈 드러머)김국찬, voice; 유하라, voice; Joep van Rhijn, trumpet & flugelhorn; 김예중, trumpet; 최경식, saxophone; 김효진, music direction & guitar; 박지훈, guitar; 곽정민, piano; 양준호, piano; 전재근, double bass; 이창훈, drums

피아노라는 악기는 왜 이리도 저를 매혹시키는지 모르겠습니다.늘 집에서 아침에 시작하는 음악, 아니 제가 듣는 대부분의 음악중 가장 많은 비중을 차지하는 것이 역시나 피아노 일것입니다.그렇기 때문에 늘 피아노의 소리를 좀더 좋게 녹음할 수 없을까..하며 많은 시간들을 보내고 있어요과거 피아노 관련 글에도 썼었지만. 제가 스타인웨이를 이렇게 빨리 가지게 될런지는 정말 상상하지 못했으니까요.이번에 오디오가이에서 피아노 솔로곡들 모은 음반이 하나 나옵니다.그동안 열심히 녹음한 피아노 음반들 가운데 제가 마음에 드는 몇몇곡들을 추렸고요.링크한 파일이 트랙 1번. 트랙 2번입니다.아래는 프레드허쉬 녹음시 세팅, http://blog.naver.com/audioguy1/90171748089아티스트 : 프레드 허쉬 녹음장소 : 마포아트센터 라이브 레코딩 2013.4  녹음기기 :  RME  MICSTASY  마이크프리앰프/AD 컨버터 마이크 : DPA 4011TL AB 스페이스드 페어 레코딩 포맷 : 24bit/96Khz 피아노 : 함부르크 스타인웨이 D  조율사 : 이정규 2013년 4월 마포아트센터에서 있었던 재즈 피아니스트 프레드허쉬의 솔로 피아노 콘서트를 실황으로 녹음한것으로 이날의 공연은 지금까지 오디오가이에서 진행한 솔로 피아노 레코딩에서 분기점이 되는 피아노 소리를 들을 수 있었습니다. 리허설때 마이크 세팅을 위해서 무대에 올라서 프레드허쉬가 연주하는 피아노 소리를 실제로 귀로 들었을때 생각했습니다. 이렇게나 섬세한 페달링을 하는 사람을 직접 보기는 처음으로 댐퍼가 없는 피아노의 고음역대들에서는 페달링을 극히 자제해서 섬세하고 ?명하며 깨끗한 피아노의 고음을, 왼손 저음에서는 페달을 적극적으로 활용해서 아주 부드럽고 따듯한 소리를 만들어내더군요 “아..이사람의 피아노 소리는 누가 어떻게 녹음을 하더라도 이 아름다운 소리가 그대로 음반에 담기겠구나..하고 말이지요” 공연을 녹음하는 내내. 극장안에서 아름다운 눈의 결정체들이 크게 확대되어 하늘에서 떨어지는 것과 같은 느낌. 지극히 맑고 깨끗한 피아노 사운드.  피아노라는 악기특성상 여러가지 일종의 소음들이 있지만 프레드허쉬의 연주에서는 이러한 피아노가 가지고 있는 구조적인 비음악적인 소리들은 전혀 찾아볼 수 없었습니다. 녹음은 클래식 녹음, 그리고 피아노 녹음에서 레코딩 회사 오디오가이에서 가장 선호하는 마이크로 항상 우선순위에 있는 덴마크 DPA사의  4011TL  마이크를 2대 사용.  DPA 4011TL 은 아주 선명하고 밝은 중고역. 저역의 부품이 없는 깨끗한 저역 특성으로 피아노 레코딩에 아주 잘 맞는 마이크입니다. 특히나 피아노 같은 타악기류 의 악기를 녹음할때 아주 빠른 어택을 뭉게짐이 없이 정확하고 선명하게 표현을 해줍니다.    다만 TL(트렌스포머 레스) 방식의 특성상 마이크 케이블의 길이가 가급적이면 짧게 사용하는 편이 이 마이크의 장점이 살아나기 때문에 마이크프리앰프/ AD컨버터를 무대위 피아노 뒷편에 두어서. 마이크케이블의 길이가 7미터 정도밖에 되지 않아 더욱 더 순수한 소리를 얻을 수 있었습니다. 이번 녹음에 피아노 꼬리부분의 마이크를 두면 우선 페달노이즈등이 전혀 녹음이 되지 않기 때문에 보다 음악감상에 집중할 수 있다는 장점이 있고, 저음현의 깊이감에서의 약간의 아쉬움은 있을 수 있지만 중역에서 고역으로 이어지는 프레이즈등이 해머근처에 마이크를 설치한것보다 보다 더 유려하게 표현이 됩니다. 프레드허쉬같이 유려한 오른손의 플레이를  지니고 있는 연주자들에게는 특히나 더 잘맞는 마이크 포지션으로 볼 수 있습니다. 대부분의 피아노 레코딩. 특히 재즈 음악은 이렇게 피아노에서 멀리 떨어지는 것보다는 해머 바로 위에 마이크를 설치해서 스테레오로 녹음하는 것이 일반적이지만, 프레드 허쉬는 스타인웨이 풀사이즈의 피아노에서 소리가 나오는 모든 부분. 건반에서 해머. 반사판. 그리고 피아노의 몸체등 모든 부분에서 피아노를 콘트롤하며 소리를 만들어내고 있었기 때문에 이러한 경우는 피아노의 바깥부분에 마이크를 설치하는 것이 좋습니다. 특히나 스타인웨이 풀사이즈의 피아노는 피아노의 몸체부분에서 소리를 모았다가 폭팔적인 음압을 내어주는 구조로 되어있기 때문에 몸체 근처에 마이크를 설치해서 녹음을 하는 경우 좋은 소리를 얻을 수 있을때가 많이 있습니다트랙 2  아티스트 : 바딤 네셀로프스키 녹음장소 : 올림푸스홀 공연실황 레코딩 2014.2.14  녹음기기 :  RME  MICSTASY 마이크프리앰프/AD 컨버터 마이크 : SCHEOPS MK4  AB 스페이스드 페어 레코딩 포맷 : 24bit/96Khz 피아노 : 함부르크 스타인웨이 D (시리얼 : ) 조율사 : 정재봉  클래식 음악을 기반으로 한 재즈 피아니스트들은 어릴적부터 오랜시간 피아노 앞에 앉아왔음을, 무대에서 피아노의 첫음이 시작되는 순간 바로 느낄 수 있습니다. 왼손과 오른손의 밸런스. 자연스럽고 섬세한 페달링, 이로인한 자신만의 피아노 사운드를 지니고 있기때문입니다. 이 바딤 네셀로프스키 라는 재즈피아니스트 역시 오랜시간 피아노와 함께 자신만의 소리를 만들어온사람입니다.  연주가 있었던 올림푸스홀은 피아노 솔로 음반 레코딩에 아주 적합한 곳으로 우선 피아노의 음색을 개인적으로 무척 좋아하는 소리입니다. 같은 함부르크 스타인웨이 D피아노 라도 피아노에 따라. 조율하는 사람에 따라서 전혀 다른 소리를 내어줍니다. 어떠한 장소에 있는지 거기에 맞추어서 조율사는 음색을 조정하고 조율을 합니다.  올림푸스홀의 스타인웨이는 고역의 밝은 광채가 그대로 살아있어서 보다 큰 공연장에 맞는 음색이지만 이러한 음색이야말로 스타인웨이가 가지고 있는 다른 피아노와의 가장 큰 차이점이라고 볼 수 있을 것입니다. 이트랙은 다른 모든 트랙과 같이 이퀄라이저, 컴프레서 등으로 인한 음색의 가공을 전혀 하지 않은것을 기본으로 거기에 공간감을 더하기 위한 리버브도 전혀 사용이 되지 않은  현장에서의 실제로 공연장안에서 울려퍼진 소리입니다.   올림푸스 홀은 사이즈에서 느껴지는 것보다도 더 깊고 아름다운 울림을 지니고 있는데 특히나 피아노에서 이러한 울림은 음악을 만들어내는 아티스트들의 영감을 더하며, 저와 같은 레코딩 엔지니어에게는 늘 커다란 기쁨을 선사합니다.   녹음은 독일 숍스사의  MK4  단일지향성 마이크를 AB 스페이스드 페어로 설치. 첫번째 트랙의 프레드 허쉬와 거의 같은 마이크 포지션으로 사용하였습니다. 숍스사의 마이크는 주로 오케스트라 녹음에 있어서 가장 많이 사용이 되는 마이크인데. DPA 4011 과 같은 단일지향성이라도 4011이 보다 선명하고 빠른 어택의 직접음 녹음에 유리하다고 하면, 이 숍스의 마이크는 직접음과 더불어 간접음(공간음)을 녹음하는데 있어서 탁월한 소리를 들려줍니다. 그렇기 ‹š문에 별도의 앰비언스 마이크를 사용하지 않고 단일지향성 마이크로, 피아노의 직접음과 레코딩 엔지니어가 원하는 공간의 간접음의 비율을 얻을 수 있었습니다. 음과 음 사이의 올림푸스홀의 공간에서 아스라히 사라지는 피아노의 울림을 함께, 음악과 소리의 아름다움이라는 것이 때로는 음의 시작이 아닌 음이 사라지는 순간과 그 여백에도 존재함을 들어보시기 바랍니다. 

스튜디오에서 여러 식구들과 함께 일을 해보면때로는 기본적이고 기초적인것 그러면서 가장 중요한것들에 우리가 놓치고 있는 것이 아닐까 하고 생각을 해봅니다.레코딩 엔지니어 라는 직업은 무엇인가요?조금이라도 소리가 더 좋아질 수 있는 그 무엇인가가 있다면, 한번이라도 더 생각하고 또 생각하며. 그리고 몸을 움직여 실천해야 한다고 생각합니다.*녹음 준비 과정에 관해서녹음의 시작으로 마이크 케이스에서 마이크를 꺼내어 홀더를 스탠드에 결합하고 마이크를 홀더에 고정하기 전에항상 마이크 스탠드들의 중간 접합부분들이 제대로 단단하게 꽉 조여져 있는지 확인해주세요저는 늘 어디서나 녹음할때마다 꼭 확인을 하는 문제인데. 종종 식구들이 세팅하고 녹음세션 철수할때 마이크 스탠드들을 보면 제대로 고정되어 있지 않아 좌우로 심하게 흔들리는 경우가 많이 있는 것 같습니다.마이크 스탠드는 단단하고 튼튼하게 고정이 되어야 바닥에서 오는 불필요한 진동들을 조금이라도 더 차단이 될 수 있고.결국 이는 조금이라도 더 좋은 소리로 이어집니다영국의 애비로드 같은 많은 대형 레코딩 스튜디오에서 왜 그렇게도 무겁고 커다란 마이크스탠드를 사용하는지 한번 생각해보세요데카트리 메인 세팅 뿐만 아니라 심지어 보컬 녹음 하나를 하더라도 단지 사진을 찍기 위해. 보기 좋기 위해 그렇게나 무겁고 커다란 마이크 스탠드를 사용하게 되는 것일까요?특히나 드럼처럼  큰 음량과 더불어 많은 진동이 생기는 악기를 녹음할때는 마이크 스탠드의 접합부분. 홀더등이 제대로 꽉 안전하게 조여져 있어야 합니다.마이크 홀더안에 변환아답터가 속으로 들어가있다고 해서 지난번 제주도의 녹음에서처럼 대충 고정을 해놓았다가 마이크가 땅바닥에 떨어지게 되는 사건은 다시는 없어야 겠지요?마이크를 다룰때는 늘 소중하게. 정말 소중하게 다루어 주세요.늘 제습함에 넣거나 일정한 습도(50%가 넘는 습도환경에서 마이크를 그대로 두지 말고 케이스나 제습함에 넣어주세요)가 유지되어있어야 하며, 안에 자석이 있는 다이나믹 마이크(리본 마이크포함)들을 땅바닥에 두면. 바닥에 있는 철분들이 마이크안으로 들어갈 수 있습니다.마이크들을 바닥에 두거나 하지 마시고 늘 제습함과 케이스안에 습하지 않은 곳에 보관해주세요.무엇보다도 마이크를 한번 떨어트리는 사람은 평생 마이크 떨어트리는 실수를 되풀이 하게 될수고 있습니다.마이크를 연결하고. 제거할때. 마이크 케이블에 사람들 다리가 걸려 마이크스탠드가 쓰러지지 않도록. 마이크가 스탠드에서 떨어져서 충격을 받는 일이 없도록 늘 챙겨주세요.그리고 마이크의 쇼크마운트 홀더가 있는 경우는 늘 우선적으로 쇼크마운트 홀더를 사용해주세요특히나 여러 진동들이 있는 로케이션 레코딩 현장에서는 쇼크마운트 홀더의 효과는 여러분들이 상상하는 것 보다 훨씬 더 크다는 것을 직접 비교해서 들어보지 않으면 아마도 믿기 어려울 것 입니다.*마이크프리앰프의 팬텀이 켜져있는 상태에서 마이크를 연결하거나 제거하지 마세요.참 기본적인 부분들인데 많은 엔지니어들에게 습관이 잘 되어있지 않다는 것이 참 신기했습니다.마이크프리앰프의 전원이 꺼져있는 상태에서 마이크를 연결하고팬텀을 켠후그다음에 마이크 프리앰프의 게인을 올려주세요반대로 녹음 세팅 정리를 할때에는 마이크프리앰프 게인을 최소로 내린후.팬텀을 끄고(팬텀은 켜고 꺼지는데 약간의 시간이 걸립니다.) 마이크프리앰프의 전원을 끈다음에 마이크들을 제거해주세요.*오늘 스튜디오에서 어제의 녹음세션 정리를 하다보니 20미터 짜리 마이크 케이블들을 많이 사용해서 연결이 되어있는 것을 보았습니다.우리 스튜디오가 무슨 홀처럼 큰 스튜디오도 아닌데. 마이크케이블은 항상 가급적이면 최소한의 것을 사용해주세요우리 스튜디오에서는 최대 10미터 마이크 케이블이면 어디든 충분하게 세팅해서 사용할 수 있습니다.마이크케이블이 길이가 길면 길어질수록 임피던스로 인한 고역감쇄현상이 생깁니다.나중에 믹싱을 할때 이퀄라이저로 초고역을 올리는 생각을 하지 말고처음 녹음할때부터 마이크와 마이크프리앰프 사이의 거리를 최대한 짧게 세팅하는 것이 결국은 더 좋은 소리를 얻을 수 있습니다.*녹음하드녹음시에는 컴퓨터에 지금 진행이 되는 프로젝트의 하드만 연결해놓고 작업해주세요녹음준비할때 전날이나 다른 작업된 하드들의 전원이 켜져 있거나 연결되어있는 것 없이 깔끔하게 지금 진행이 되는 프로젝트의 하드만 연결해서 녹음을 하고.하드 외부에 정확하게 그 하드의 프로젝트 명과 날짜를 메모해놓고믹싱시에도 마찬가지로 지금 작업하는 하드만 연결해서 믹싱 준비를 해주세요.*녹음된 소리세팅후 현재 소리가 무엇인가 내마음에  들지 않고 아티스트들 마음에 들지 않는다면 즉시 움직여서 마이크 위치를 조정하거나 마이크를 교체해보는 그 무엇인가를 빠르게 판단해서 행동하세요.킥 드럼에 저역의 부밍이 생긴다고 해서 그것을 이퀄라이저를 걸어서 저역을 커트할바에.드러머와 상의를 해서 조율과 뮤트를 한다던가. 마이크 세팅등을 바꾸어 보는 것으로 내가 원하는 소리를 녹음 당시부터 만들어야 합니다.녹음때 순간적으로 내가 원하는 소리를 잘 만들어낼수 없다면믹싱에서도 결국에는 좋은 소리를 만들어 내는 것이 힘들것이라 생각합니다.*녹음레벨적정한 녹음레벨이라는 것은 사람에 따라서 다를 수 있지만제가 생각하는 적정(최적) 녹음레벨은 녹음시 페이더를 건들지 않고, 페이더가 제로 상태에서도 음악의 밸런스가 맞도록 녹음하는 것입니다.마스터페이더를 켜고 곡의 피크에서 약 -3~5dB 정도로 마스터 레벨이 되도록녹음시 마스터 페이더는 물론이고 각 트랙의 페이더로 볼륨을 조정하지 마시고.몸을 움직여서 마이크 프리앰프의 게인을 조정해서,녹음당시에 이것을 믹싱이라 생각하고 사운드를 만들어주세요.어짜피 나중에 믹싱할것. 녹음때 하면 어떤가요?^^DAW도 아날로그 콘솔과 마찬가지로 페이더와 PAN에서 소리의 변화가 있으니. 가급적이면 페이더의 변화폭을 최소화 하는 것이 DAW안에서 가장 좋은 소리를 얻을 수 있습니다.PAN의 경우도 스테레오 트랙은 팬을 만들어서 LR로 나뉘지 말고 아웃풋으로 바로 출력해주세요.이렇게 녹음을 하면녹음후 상당한 시일이 지나서 믹싱을 하기 위해 그 세션을 열어보았을때도. 거의 음색을 손대지 않아도 되는 녹음상태에. 그 음악에 대한 기억이 가물가물 할지라도 반복적으로 음악을 듣는 녹음당시에 최선을 다해서 믹싱에 가깝게 녹음을 해두면편차가 적은 좋은 믹싱을 할 수 있게 됩니다.우리 스튜디오처럼 이렇게 한달에 10개 이상의 음반 프로젝트들을 진행하는 경우라면 녹음의 중요성은 더욱 더 필요하지요.실제적으로 바쁘게 진행이 되는 녹음중간에 이러한 것이 어렵겠지만 세션을 진행을 하면서 늘 적정한 녹음레벨로 되고 있는지 무엇인가 잘못들어오고 있는것은 없는지 늘 유심히 소리를 듣고 살펴봐주세요. 지난번처럼 C24 MS 세팅에서 양지향성 대신 단일지향성 세팅으로 되어 있어서 MS중 S의 레벨이 맞지 않았을때.그냥 그런가 보다..하고 계속 녹음이 진행하는것이 아닌때로는 큰 문제가 있는 부분이다라고 생각하면 과감하게 세션을 중단하고. 다시 가서 녹음레벨이나 세팅을 수정해주세요.그 순간에 한번 기다리더라도. 결국에는 좀더 좋은 소리로 녹음하는 것이 우리가 해야할 일이니까요.*녹음이 끝나고 아티스트에게 모니터 음원을 전해둘때도 최종 믹싱된 음원을 전해준다 생각하고 모니터 믹싱을 해주세요.대충 바운싱 해서 모니터 믹싱을 하고. "이것은 아직 믹싱이 되지 않은 소리에요" 라고 말하는 것이 사실 자존심이 상하지 않는가요? 나중에 믹싱을 하면 소리가 좋아질것이라는 현재의 변명을 남겨두기보다는녹음이 끝나고 모니터 믹싱 음원을 전해주면서. "나중에 최종 믹싱된 사운드와 거의 같은 소리 입니다." 라고 자신있게 말하는 엔지니어가 더 신뢰가 갈 것 같습니다. 모니터믹싱을 할때도 바운싱을 하거나 토스트나 아이튠으로 고배속으로 CD를 구워서 전달하지 말고.피라믹스나 시콰이어로 2트랙을 받아서 곡간 레벨과 곡간 간격. 그리고 곡의 앞뒤 페이드까지 어느정도 마쳐서 보내주세요.(곡의 테이크가 많은 경우는 녹음끝나고 모니터할때 프로툴 내부에 스테레오 트랙을 만들어서 모니터시 2트랙을 만들어주세요. 그럼 녹음이 끝난후 밤늦게까지 혼자 남아서 다시 모니터 음원을 만드는 수고가 줄어들게 될테니까요)위와 마찬가지로 믹싱작업이 끝난후 믹싱 파일을 주면서 "아직 마스터링이 안된 소리입니다. 나중에 마스터링이 되면 소리가 더 좋아집니다." 라고 아티스트에게 말하는 것에 대해서 마음속으로 다시한번 생각해보면 좋겠습니다.마지막으로 녹음실에서. 페이스북이나 카톡등으로 시간을 보내지 말고. (이제는 대부분의 젊은 인턴들은 녹음 세션중에 페이스북이나 카톡을 하는것이 일상화 되어있는것 같습니다.)녹음실에서도 게다가 녹음이 진행되고 있는 상황에서도 SNS를 할것이면.내가 왜 녹음실에 와있는지 진정으로 마음속으로 자시자신에게 한번 물어봐주시기 바랍니다.내가 있는 이 자리는 때론 나보다 더 간절히 음악과 소리를 원하는 사람이 있을 수도 있으니까요.녹음중에는 무엇인가 마이킹. 시그널 프로세서 사용법 등에 관심을 두기 보다는 우선 녹음실에서 나오는 소리를 들어보세요여러분들과 함께 하고 있는 메인엔지니어는 어시스트 엔지니어나 인턴 엔지니어들에게 늘 좋은 소리를 들려줄 책임이 있습니다.마이킹 하는 그 순간의 시각적인 그림을 보고 기억하는것이 아닌우리 스튜디오에서 어떤 소리가 나는지. 피아노의 실제 소리와 녹음된 소리. 아티스트들의 터치에 따른 차이드럼의 소리. 베이스의 소리 등등 수 많은 소리들이 울리는 레코딩 스튜디오라는 현장안에서는우선 소리를 듣고 그것을 먼저 기억하는 것이 가장 중요합니다.마이킹이나 플러그인 사용방법등은 나중에 천천히 자신만의 것을 만들어가도 충분합니다.그리고 소리를 들음과 동시에 메인 엔지니어가 프로듀서 아티스트들과 어떠한 이야기를 하는지.어떻게 교류와 소통을 하는지 유심히 들어보세요.친구와 SNS 를 하는 시간에 멍한 눈으로 스마트폰을 바라보는 것보다는 스튜디오 안에서는 음악을 듣고. 그리고 사람을 보세요.여러분들은 그러기 위해서 스튜디오에서 인턴이라는 것을 하고 있는 것이니까요.결국 이것이 나중에는 자신의 커다란 재산이 됩니다.좋은 소리에 대한 일정한 기준이 생겨야 녹음을 할 수 있고 믹싱을 할 수 있어요무엇이 좋은 소리인지 그렇지 않은지 구분할 수 없고 자신만의 소리에 대한 주관이 없다면 좋은 결과물을 만들기 어렵습니다.자신만의 주관이 생긴다면 마이킹이나 플러그인 사용법은 감각적으로 나만의 것을 찾아나아갈 수 있어요그이후 진정한 나만의 음악과 소리를 알고 또 찾게 되는 것이라 생각합니다.  

지난주  수목금 함께 일하는 오디오가이 스튜디오의 식구들. 그리고 아내와 아이들까지 함께 제주도에 다녀왔습니다.녹음은 하루였지만 전날 미리 가서 녹음할 장소 답사도 하고. 끝나고 다함께 즐겁게 하루를 더 보내고 와서 참 좋네요.제주도에 놀러만 가는 것이 아닌.  가서 즐거운 녹음도 할 수 있어서 참 행복하다는 생각을 했습니다. 이번에도 합창녹음 입니다. 지난 어쿠스틱 악기의 녹음[43]도 제주도에서의 합창녹음이었는데. 같은 합창단에 같은 지휘자.하지만 지난번의 제주아트센터가 아닌 제주문화예술회관에서의 리허설 녹음 과 실황공연 녹음이었습니다.제주 아트센터에 비해서 제주문화예술회관은 오래전에 지어진곳이지만 잔향은 훨씬 더 좋아서 이러한 합창을 녹음하기에 딱 좋더군요.특히나 요즘 새로생기는 공연장들에서 많이 생기는 반사판 대신. 과거의 반수동 반사판이 소리도 훨씬 더 좋았습니다. 몇번의 피아노 자리 이동을 한후에 지난번과 같이 피아노의 위치를 지휘자 뒷편에 두었습니다.(리허설 녹음만. 본공연 녹음에서는 피아노 위치를 지휘자 좌측에 두었습니다.)이번에도 느꼈지만 과연 합창음악에서 피아노라는 악기가 반주로써 과연 잘 어울리는것인가.. 하는 생각이 다시한번 듭니다.합창은 많은 인원이 하기는 하지만 음악과 앙상블 특성상 서로 아주 작은 소리로 내기도 하고.그리고 다양한 음역대들이 함께 있어서 피아노가 합창단 바로 앞에 있으면 피아노와 합창의 중첩되는 소리들 때문에 합창소리가 탁해지기도 합니다.그렇기 때문에 피아노의 관리 및 조율상태가 특히나 더 중요하며. 그렇지 않으면 메인 마이크로 들어오는 피아노의 소리가 정말 좋지 않습니다.그리고 대부분의 공연장들에는 스타인웨이 D 가 설치되어있는데. 한국합창음악에는 스타인웨이 D 보다는 오히려 소리가 더 맑고 정확한 야마하 C7 정도가 녹음하기에는 더 좋지 않나..하는 생각을 해봅니다.늘 피아노의 소리가 커서 피아노의 뚜껑을 내리고 연주를 할바에는 오히려 좀더 작은 사이즈의 피아노로 뚜껑을 모두 오픈한 상태로 합창과 함께 하면 어떨까 싶습니다.이번에도 피아노의 뚜껑은 모두 오픈했었는데. 천정의 초기반사가 많이 들어와서 사진처럼 조금만 열고 하였습니다.피아노의 위치가 지휘자 등뒤로 가면서. 전면의 메인 마이크는 마치 아카펠라를 녹음하듯이 아주 섬세하고 깨끗한 소리로 합창이 녹음됩니다. 이번에도 각 파트별 마이크는 사용을 하지 않았는데요.과거에는 정말 정말 어렵게 느껴졌던 합창녹음이. 이제는 확고하게 나름대로 정리가 된것 같습니다.합창녹음은 원포인트 마이크로 정확한 거리와 높이를 사용해서 세팅 합창녹음에 원포인트 마이크 세팅을 고집하는 이유는 십년이 훨씬 더 넘는 동안 합창녹음을 하면서 정말 많은 세팅들을 시도해보았는데요http://audioguy.co.kr/board/bbs/tb.php/c_audioguy/456http://audioguy.co.kr/board/bbs/tb.php/c_audioguy/819http://audioguy.co.kr/board/bbs/tb.php/c_audioguy/964http://audioguy.co.kr/board/bbs/tb.php/c_audioguy/1034http://audioguy.co.kr/board/bbs/tb.php/c_audioguy/1177 합창음악 녹음에서 가장 중요한것은 각 파트별로 얼마나 앙상블이 잘 이루어지게 녹음을 하는 것인가.그런데 여기에 스팟 마이크를 많이 사용하게 되면 각 파트마다의 앙상블이 좋지 않게 들립니다.원포인트 마이크로 세팅을 하는 편이 소리들이 중간중간 뾰족하게 튀어나오는것 없이 앙상블이 자연스럽고 풍부하게 들리고요.노래도 훨씬 더 잘하게 들립니다.^^이렇게 원포인트로 세팅을 하고. 곡마다 파트별 밸런스등은 지휘자분과 상의를 해서 녹음을 하는 편이 훨씬 더 좋은 결과물을 들려줍니다.이번에는 사진에서처럼 공연장에 있는 마이크도 적극 활용해서 함께 사용하였는데요.공연장에는 DPA 4011 이 XY로 세팅. 높이는 제가 설정을 하였습니다. 리허설 녹음이라 이러한 세팅들을 자유롭게 할 수 있어서 정말 좋았던것 같습니다. 메인 마이크 DPA 4011 XY 는 제가 설치한 숍스 NOS에 비해서 합창의 소리가 더 하나로 앙상블이 잘 되게 들리기는 하지만 XY의 특성상 좌우의 이미지가 좁은편이라. 아웃트리거 마이크가 있는 편이 더 좋습니다.처음에는 아웃트리거 마이크로 B&K 4010(4006의 매치드페어)를 설치했다가 최종적으로는 MBHO 620PZM 마이크로 바꾸었습니다.무대 양 끝쪽에서 사진과 같이 하나씩.PZM 의 소리를 들어보면 역시... 늘 기대이상으로 만족스러운 앰비언스 사운드를 들려줍니다.참 신기하지요. 좋은 소리라는 것은 꼭 우리 눈높이 근처에만 존재하는 것은 아닌 것 같습니다.원포인트 메인 마이크와. 바닥에 설치한 PZM 마이크의 앰비언스 사운드를 섞으면 좌우의 이미지가 더 넓어지고.합창단의 수가 많아진것처럼 소리가 풍부해지며.역시. 노래가 더 좋게 들립니다.^^녹음이라는 것이 음악이나 연주의 단점이 들어나게 하는것이 아닌최대한 아티스트가 생각하고 표현하고자 하는 것을 담는 작업이니까요.나중에 지휘자분이 지휘할때마다 바닥이 울려서 아래의 고무판을.그리고 스탠드 아래에도 부직포를 깔았습니다.로케이션 녹음에서는 정말 작고 사소한 차이가 결정적으로 큰 소리의 차이를 들려줄때가 많은것 같습니다.녹음을 하고 나중에 생각해보니. 마이크 스탠드 아래 오히려 합창단이 사용하는 단상을 설치해서 진동을 좀더 완벽하게 차단했으면 어땠을까 하는 생각이 남더군요.메인마이크에는 피아노 소리의 반사음만 들어가있기 때문에 피아노 마이크의 스팟은 사진과 같이 설치하였습니다.메인 원포인트 마이크는 숍스 MK4 를 NOS로 세팅.보통 높이를 3.2에서 3.5미터 정도 많이 사용했었는데 이번에는 4.2미터 정도로 좀더 올라갔습니다.(공간의 크기와 잔향에 따라서 다르게 설치)오디오인터페이스는 메트릭할로 ULN-8을 사용해서 실황공연 녹음때 프로툴 11과 미오콘솔로 함께 미러레코딩.메트릭할로 ULN-8은 가볍고. 마이크프리 모난데 없이 좋고. 그리고 미러레코딩이 가능해서 실황녹음에는 정말 이만한 것이 드문것 같습니다스튜디오에 멀징 호러스도 사용을 하고 있지만 대규모 오케스트라 녹음이 아니라면. 합창녹음에서는 언젠가부터는 ULN-8이 확실한 메인으로 자리잡게 되었습니다.

진짜 오랫만에 글을 올리는군요. 그간 거의 매일같이 스튜디오에서 여러 녹음들이 진행이 되고 있는데. 틈틈히 사진을 찍고 글로 남기는 것도 때론 좀더 부지런함이 필요한것 같네요 과거에는 어떻게 그렇게 글들을 쓸 마음의 시간들이 많이 있었나 하는 생각들을 요즘 해봅니다. 게다가 페북을 종종 들여다 보게 되니. 짧은 글을 보고 쓰는것에 익숙해져. 오히려 이렇게 긴글들은 더욱 더 자주 쓰기가 어려워지게 되네요. 그래도 오랫만에 마음에 드는 녹음세션이 있어서 글과 사진으로 남겨봅니다.  오디오가이 스튜디오에서 진행이 되는 녹음중에 대부분은 재즈음악. (이상하게 갈수록 재즈음악의 비중들이 높아지는 것 같네요.) 이번에는 기존의 클래식 곡들을 재즈로 편곡해서 진행하는 프로젝트. 과거에 유러피안 재즈 트리오나. 이전에 텔락에서 나왔던 자끄루시에 트리오가 그들만의 어법으로 해석한 클래식 음악의 테마를 듣는것은 참 재미있었는데요. 이번에 오디오가이 스튜디오에서 녹음이 되고. 오디오가이 스튜디오 레이블로 출시를 준비하고 있는 음반입니다.  이번에는 피아노와 베이스를 한곳에서 함께 녹음을 했는데요. 늘 녹음을 할때마다 같은 공간에서 녹음하는 소리가 서로 마이크들에 들어오면서 생기는 그 "룸사운드"가 각 악기와 음악에 활기와 생명력을 부여하는 것 같아. 같은 공간에서의 녹음을 좀더 선호하게 됩니다. 하지만 그만큼 아티스트들은 부담이 되는 부분도 있겠지요.피아노는 해머위에 숍스 ORTF 페어로 일반적인 팝이든 재즈든 다양한 장르에서 가장 보편적인 소리를 들려주는 기본적인 피아노 녹음의 세팅. 하지만 늘 좋은 소리의 시작은 가장 기본에서 출발이 되지요. 요즘에는 피아노에 DPA 4011 보다 숍스를 좀더 많이 사용하게 되고 있는데요. 간섭음에 더욱 더 민감한 숍스는 마이크 세팅을 좀더 섬세하게 해야 하는 부분이 있지만.  정확한 포지션에서의 숍스의 소리는 참 만족스럽습니다. 오디오가이 피아노 녹음의 스탠다드이던  RME 믹스타시 대신 멀징 호러스를 구입을 한후. 요즘에는 트루시스템 P8을 피아노에 다시 사용하고 있는데. 트루시스템 프리앰프. 국내에서는 한물 인기가 떠난 듯 하지만 역시 이 기기만큼 기본기가 확실한 프리도 찾기 쉽지 않다 생각합니다.이번에 드럼은 DPA 마이크로 싸악 둘렀습니다. DPA 마이크는 트랜전트 특성이 좋아서 드럼이나 피아노 같은 타격감 있는 악기에 참 잘어울립니다. 게다가 이번에는 스네어도 스틱보다는 대부분 브러쉬 연주가 위주라. 좀더 섬세한 근접 마이킹 소리와 더불어.  더욱 더 풍부한 드럼의 간접음들을 얻기 위해서 모두 콘덴서 마이크로 세팅을 하였지요.  먼저 오버헤드는 B&K 4010(B&K 4006의 매치드페어 버젼)  재즈드럼에서 오버헤드는 무지향성도 참 잘어울립니다. 각 악기들의 울림이 오버헤드에서도 자연스럽게 포착이 되기 때문인데요. 그렇기 때문에 오히려 스팟마이크와의 포지션이 중요합니다. 오버헤드로도 스네어와 탐탐 그리고 킥드럼의 소리가 많이 들어가기 때문에 각 드럼 키트들에 설치한 근접마이크와 오버헤드 마이크를 함께 들었을때 음색이 겹치는 느낌이 들지 않도록 근접마이크의 위치를 조정해야 합니다. 오버헤드로도 각 스네어와 특히 탐의 소리가 많이 들어오기 때문에 오버헤드 마이크에서의 탐의 어택과 탐 마이크에서의 어택의 시작점이 달라져서 소리의 혼탁해지거나 겹치는 느낌이 들지 않도록 해야하지요 게다가 이렇게 탐이나 스네어에 콘덴서를 사용하는 경우는 더욱 더 그렇습니다.스네어 탑은 DPA 4011A 보통 슈어 BETA57A를 많이 사용합니다만. 오버헤드와 스네어 사운드를 좀더 확실하게 분리하고 싶은 경우는 슈어를 함께 어울어지고 좀더 섬세하고 밝은 소리를 얻기위하고자 할때는 DPA 4011A 를 사용합니다.스네어 버텀도 DPA 4011A 버텀의 경우는 짧은 여운을 원할때는 슈어, 버텀의 소리가 좀더 긴여운을 원할때는 DPA 4011A 같은 콘덴서 스틱으로 연주할때는 슈어를 하는경우가 많고.  브러쉬로 할때는 DPA 4011A 로 하는 경우가 저는 많습니다. 자칫 콘덴서로 버텀을 사용할때 스틱의 경우 지저분한 소리로 녹음이 될수도 있기 때문에 유의해야 하지요 탐탐의 경우도 DPA 4011A 탐사운드는 사실 그 어떤 드럼킷보다 조율와 터치로 70% 나머지는 마이킹.  좋게 조율된 탐에 좋은 연주자라면 SM57을 두어도 탐 소리는 좋습니다. 하지만 DPA 4011A는 다른 콘덴서 마이크들에 비해서 탐의 어택을 정말 확실하게 표현해주고 불필요한 저음의 여운(공진음)이 한결 적게 녹음이 되는 편이지요.킥 드럼은 사진과 같이 오디오테크니카 ARM23HE와 노이만 TLM170R 을 함께 사용합니다. 본래는 ATM25를 두었다가 좀더 저역이 깔끔하고 빠른 23으로 바꾸었지요 저는 녹음당시부터 믹싱에 이큐를 사용해서 저역이 커트되어야 하는 소리로 녹음이 되는것을 정말정말 싫어하는 터라 녹음당시에도 최대한 믹스사운드에 가까운 소리로 녹음이 되도록. 여러가지 세팅들을 합니다. 사진의 무거운 구즈넥 마이크 받침대가 킥 드럼 안에 들어있는 것 처럼 말이지요. ATM23HE 도 초지향성 TLM170R도 초지향성으로 세팅하고. 로우컷필터를 함께 사용합니다. 로우컷 필터를 사용하면 훨씬 더 청감레벨이 올라가면서 더욱 더 분명한 킥드럼 사운드를 얻을 수 있기 때문이지요. 이번 음반의 드럼믹스에서는 ATM23HE 다이나믹 마이크는 사용하지 않고 TLM170R 만 오버헤드와 자연스럽게 섞어서 사용하였습니다. 마지막으로 콘트라베이스 녹음 재즈음악에서의 콘트라베이스 사운드는 아직 한국 재즈음반의 사운드가 넘어야할 가장 큰 숙제라고 생각하고 있습니다. 저역시 그래서 정말 많은 집중을 하는 편인데요. 이번에는 마이크텍 CV3 튜브마이크. 노이만 TLM170R등을 실험해보고 최종적으로는 아래의 마이크로 낙찰되었습니다.AEA R44C 리본마이크 양지향성의 리본 마이크는 다른 콘덴서 마이크의 초지향성보다도 지향폭이 더 좁아서 같은 공간에서 녹음을 하고 있는 피아노의 간섭음이 확실하게 제가 원하는 이미지대로 들어옵니다. 피아노와 베이스를 같은 공간에서 녹음을 할때 중요한것은 피아노 마이크는 베이스 마이크의 앰비언스 마이크 역할을 베이스 마이크는 피아노 사운드의 앰비언스 역할을 하는것인데 이번 리본마이크의 경우는 베이스 마이크로 들어오는 피아노의 소리가 볼륨을 떠나서 확실히 "멀게"들립니다. 멀게 들리는 이유는 단순히 지향성을 떠나서 리본마이크 특유의 고역이 감쇄되어있는 특성때문에. 다른 악기의 간섭음이 멀게 들어오기 때문에 이렇게 오픈된 공간에서 연주자의 위치와 마이킹을 가지고 원하는 사운드를 만들어내기가 훨씬 더 수월합니다. 어찌보면 음색을 떠나서 이부분이 리본마이크의 가장 큰 장점중에 하나가 아닐까 싶어요. 또하나 리본마이크는 특유의 고역이 롤오프되어있는 음색으로 인해서 굉장히 부드럽고 따듯한 느낌을 주기 때문에.  콘트라 베이스의 연주가 한결 안정되게. 스피커의 아주 아랫부분에서 든든하게 베이스가 연주가 됩니다. 때론 베이스가 높은 음의 솔로를 연주할때도 보컬만큼 음상이 너무 위로 가지 않고. 든든하게 아래에서 본인의 자리를 지키고 있으니 믹싱하기가 훨씬 더 수월하고 음색의 특징으로 인해서 다른 악기들과 대비가 되어. 볼륨이 작아도 음색적으로 오히려 더 잘들리는 역할도 하게 됩니다.  이 음반은 지금 열심히 믹싱중이고 4월달에 AUDIOGUY STUDIO 레이블로 발매가 될 예정입니다.