오디오가이 스튜디오에서 가장 많이 진행하는 피아노녹음스튜디오에 새로운 스텝들이 오면 피아노 녹음시에 마이크 위치에 대해서 의아하게 생각합니다.대부분의 책이나 배운것으로는 피아노녹음시 마이크를 피아노 안으로 넣고.특히 해머 위에 마이크를 두는 것이 일반적이기 때문이지요.일년에 적어도 200회 이상 피아노녹음을 하고 있는데 아주 특별한 경우를 제외하고는 이렇게 녹음하는 적이 거의 없습니다.^^ https://www.youtube.com/watch?v=fJtqxFLoXmg위와 같은 위치에 마이크를 설치하고 녹음하는 것이 오디오가이 스튜디오의 가장 기본적인 녹음방식입니다하지만 마이크세팅은 피아노와 녹음하는 곳의 어쿠스틱환경. 아티스트의 연주법이나 곡에 따라서 모두 바뀌게 됩니다.https://blog.naver.com/audioguy1/220352658829https://blog.naver.com/audioguy1/90171748089위 정경화 선생님이나 프레드허쉬의 공연실황 녹음시의 피아노 세팅을 보면 오디오가이 스튜디오에서의 피아노녹음과는 마이크의 위치가 다릅니다. 바로 과거 데카의 엔지니어들이 정립한 피아노마이크세팅인데요.저도 피아노 솔로 녹음에 무척 선호하는데 이 피아노 녹음의 가장 큰 장점은 페달톤이 마이크로 거의 전달되지 않고 연주의 프레이징이 무척이나 매끄럽게 들립니다.처음에 이 위치에 마이크를 세팅하는데 함께 일하는 식구들이 "어 피아노 녹음에 마이크를 이상한 곳에 두는것이 아닌가" 하며 의아해했던 표정이 생각납니다.다만 이 세팅은 풀사이즈 피아노에 맞습니다.(특히 스타인웨이) 작은사이즈의 피아노 그리고 야마하 피아노에서는 잘 맞지 않는편입니다. (야마하는 해머에 가깝게 두는 편이 소리가 더 좋은경우가 많다고 생각합니다.)  그림의 마이크자리에는 보통 페어의 마이크가 위치하고(저는 무지향성 AB 를 선호) 피아노 꼬리쪽과의 거리로 직접음과 반사음의 비율을 조정하며 최적의 마이크포지션을 찾아나갑니다. 피아노라는 악기는 참 다채로워 녹음이 정말 흥미진진합니다!

1년중 11월이 되면 오디오가이 스튜디오의 작업들 가운데 외부 공연실황 녹음들이 많아지게 되고스튜디오에서는 재미있는(?) 녹음들을 많이 합니다.​보통은 음반을 발매하는 용도의 녹음을 하는 녹음실이지만 11월에는 해외유학용 오디션이나 콩쿨 제출용 녹음들에 대한 진행을 많이합니다.   얼마전 금호영재출신의 해외 유명 콩쿨에 제출하는 용도의 녹음을 하였는데 바이올린에 숍스 MS 마이크를 사용하였습니다.이러한 콩쿨이나 입시 녹음의 경우는 대부분 간단한 기기로 늘 같은 세팅으로 녹음을 하는 경우가 많지만오디오가이에서는 연주하는 아티스트에 맞게 70여개의 마이크가운데에서 음색을 가장 잘 표현할 수 있는 마이크를 선택하고거기에 맞추어서 최대한 좋은 소리로 녹음을 하기 위해서 세팅등을 조정합니다  오디오가이 스튜디오의 뵈젠도르퍼 피아노는 부드럽고 풍성한 소리가 앙상블 녹음에 참 좋은 것 같습니다.피아노에도 숍스 ORTF 마이크를 사용하였습니다.   피아노의 비중이 조금 더 큰경우라면 소리가 보다 선명하고 깨끗한 덴마크의 DPA 마이크를 사용하여 녹음을 합니다. 어제는 슈베르트 피아노 오중주 "송어"를 녹음하였습니다.음원으로도 제작되어서 발매를 하는 것과 동시에.  스타트업에서 개발한 음악을 연주하는 피규어에서 재생되는 소리로도 사용이 됩니다.   옛 바로크 음악과 함께 개인적으로 녹음할때 즐거운 곡들이 창작곡들입니다. 작곡가 정진호 선생님과 함께한 두번의 녹음금요일에는 피아노와 장구, 소리 이번에는 피아노 아쟁 소프라노가 함께 하였습니다. 소프라노로 지난 엘림 아트센터에서의 김효근 아트팝 실황녹음에서 반갑게 뵈었던 김순영 선생이 오셨는데 변함없이 너무 좋은 목소리와 노래. 녹음이 2번의 테이크만에 끝났습니다.^^  국악작곡가분들이 쓰는 창작곡그리고 클래식 작곡가분들이 국악기와 함께 해서 쓰는 창작곡을 들어보면 확실히 "리듬" 이라고 해야할까요? 음악을 관통하고 있는 느낌이 다르게 들립니다.이렇게 새롭고 좋은 음악들이 보다 많은 분들에게 전해질 수 있으면 좋겠습니다.  *성악녹음 - 베이스바리톤​  베이스바리톤 이 노래하는 브람스와 슈만 가곡 녹음을 했습니다.오랫만에 베이스바리톤 음성으로 가곡을 들으니. 오디오가이 스튜디오가 있는 통의동의 경복궁 돌담의 단풍과 어찌도 이리 잘 어울리는지 모르겠습니다.사진과 같이 변함없이 피아노와 노래는 이렇게 한공간에서 서로의 호흡을 맞추어가면서 녹음을 합니다. ​ 뵈젠도르퍼피아노테스트 녹음을 해서 소리를 듣는 순간 성악가 선생님이 본인의 목소리도 목소리지만 피아노의 음색이 너무 좋다고 말씀주십니다.뵈젠도르퍼의 깊은 소리가 성악에는 너무너무 잘어울리지요. 마이크는 DPA 4011 페어를 사용 목소리는 사진과 같이 공간안에 음향을 조정하여 DPA 4018 스탠드 마이크를 사용하여 녹음을 하고 있습니다.평소와는 조금 다른 LAWO MC36 디지털 콘솔에 장착되어있는 마이크프리앰프를 사용해서 녹음을 하고 있는데 왜 지금까지 이 기기를 좀더 사용해서 녹음하지 않았는지 후회가 될만큼음촉이 촉촉하고 고급스러운 색깔이 있어서 성악에 너무 잘 맞네요^^스튜디오에서 여러 음반들을 녹음하다보면 이 음반은 얼른 출시되어서 나도 듣고 여러사람과 함께 듣고 싶다. 라는 생각이 드는 경우가 있는데이번 녹음이 그러한 작업입니다.     

오늘 비엔나에서 온 작곡가/피아니스트 유건우님의 녹음이 있었습니다. 녹음하면서 함께 하는 김용섭 엔지니어가 그러더군요.오디오가이 스튜디오에서 레코딩 엔지니어로 근무하면서 많은 피아니스트들을 만나보니  자신만의 소리를 지니고 있는 피아니스트들이 있다고 말이지요.  마이크는 MG 사의 KEM970 라인어레이와 MG 사의 M960 무지향성. RODE NT55 페어등 6개의 마이크를 조합해서 솔로 피아노를 녹음하였습니다. 그리고 어제는 시카고에서 오신 권요안 선생님과의 쇼팽 녹음의 마지막날이 있었습니다.어제 녹음 마무리 하시고 오늘 바로 출국^^ 올해 봄 그리고 가을에 걸쳐서 기존의 쇼팽의 피아노 음악에서 흔히 상상되는 소리와는 다른 소리24bit 352.8khz 의 초고해상도로 녹음이 되었는데 재미있는 것은 이렇게 높은 해상도의 디지탈 녹음일 수록 녹음하는 공간의 정보는 가상이 아닌 실제와 같이 수록된다는 것에 있는 것 같습니다.마이크는 DPA 4011 페어와 DPA 4041 무지향성의 조합 그제 일요일에는 스튜디오에 홀로 나와서 녹음을 했습니다. 이러한 콩쿨이나 오디션 제출용도의 성악 녹음역시 오디오가이에서 많이 하는 작업중에 하나로 같은 피아노 녹음이라도 솔로에 따라서도 연주하는 사람에 따라서 곡에 따라서도 모두 녹음하는 방법을 다르게 합니다.사람이 목소리로 이야기를 하는 것처럼피아니스트들은 자신만의 소리로 음악을 이야기를 하는 것 같습니다.

오늘 부터 4일에 걸쳐서 피아니스트 이유화 선생님과 함께 스페인 작곡가의 건반곡들을 녹음합니다.정말 오랫만에 오디오가이 레이블의 신규 레코딩 작업이기도 합니다.https://www.youtube.com/watch?v=ZWd7zvubDA4작년 아르보패르트의 곡들로 함께 멋진 음반을 만들었었고.이번 스페인 작곡가 건반모음곡집은 아르보패르트와는 또 전혀 다른 느낌입니다. 피아노 가까이에 DPA의 무지향성 마이크 4041 을 설치하고 피아노 사운드에 자연스러운 깊이감을 더해주기 위해서 앰비언스 마이크로 DPA 4011A를 사용하였습니다.음색이나 리버브등은 녹음후에 조정을 할 수 있지만 스테레오 스피커 사이에서 재현이 되는 깊이감은 녹음하는 그 순간에만 포착할 수 있습니다.오디오가이 레이블의 다른 녹음들처럼 DXD(24bit 352.8khz) 초고해상도로 녹음이 되어 피아노의 화려한 현의 튕기는 소리. 그리고 공간안에 초기반사음 들을 앰비언스 마이크로 함께 수록하였습니다.

지금까지 레코딩엔지니어 인생에서 가장 많이 녹음한 분야는 아마도 피아노와 함께 하는 성악 인것 같습니다. 하지만 사람의 목소리라는 것은 사람마다 모두 다르기 때문에 녹음도 매번 다르게 됩니다.특히 클래식 음악 녹음은 대부분 별도의 헤드폰을 사용하지 않고 공연하듯이 자연스럽게 서로의 소리를 들으면서 호흡을 맞추면서 녹음을 하는 것이 일반적입니다. 그렇기 때문에 피아노 마이크에는 자연스럽게 성악의 소리가성악 마이크에는 상당히 큰 볼륨으로 피아노 소리가 함께 녹음이 됩니다,이경우 피아노와 성악의 위치를 어떻게 하느냐에 따라서 서로의 마이크들에 들어오는 소리들이 크게 바뀌기 때문에 아티스트의 위치선정은 좋은 녹음 결과물을 위해서 굉장히 중요한 부분이라 할 수 있지요. 서로 소리의 간섭음이 각 마이크들에 적게 들어가도록 거리를 멀리 떨어지면서로의 소리들이 잘 들리지 않아서 좋은 연주가 나오지 않기 때문에 저는 피아노와 노래가 가까운 위치에서 녹음하는 것을 선호합니다. 사진과 같이 피아노와 성악의 위치를 함께 합니다.   총 4일의 녹음 가운데 첫날은 성악에 노이만 TLM170R 을 사용했고 둘째날 부터는 DPA 4018 (초지향성)을 사용하고 있습니다.특히 DPA 4018 은 다른 초지향성 마이크들이 중고역이 부스트되어있는 것에 반해서 동사의 4011 보다도 소리가 더 플랫해서 이러한 근접 녹음에 유용합니다.마이크를 보면대 앞으로 두어서 마이크와 성악가의 거리가 너무 떨어지지 않도록 하였습니다.윈드스크린의 경우는 팝핑의 효과도 있지만 믹싱때 보컬과 피아노 모두에 리버브를 걸기 때문에 초고역대의 불필요한 잔향이 너무 많이 녹음이 되지 않도록 하는 역할도 있습니다. 피아노에는 오디오가이 피아노의 고정 마이크인 DPA 4011A 피아노 녹음에 있어서는 다른 마이크가 생각이 나지 않는 모델입니다.하지만 같은 마이크라도 피아노의 녹음방법은 늘 할때마다 얼핏보이면 비슷하게 보여도 세세하게는 다르게 합니다.피아니스트마다 연주법이 전혀 다르니까요이번 피아니스트 분은 무척 아름다운 소리로 연주하셔셔 녹음도 그렇게 되었습니다.^^ 피아노 바닥면에 설치한 흡음판피아노 굴곡진 곳에 늘 마이크를 설치하는데 보통 이곳의 바닥에서 불필요한 초기반사가 굉장히 많이 일어납니다.그렇기 때문에 이렇게 공간의 잔향이 긴곳에서 피아노를 녹음할때 이곳에 흡음판을 두면 보다 깨끗한 소리로 피아노를 녹음할 수 있게 됩니다.아주 작은 튜닝이라 할 수 있지만 최종적으로 들려주는 소리의 차이는 굉장히 큰 편입니다.한국 가곡의 경우는 가사와 피아노의 소리가 아주 명료하게 들리는 것을 저는 선호하는 편이라 기존의 잔향이 아주 길고 풍부하게 만드는 오디오가이 스튜디오의 소리와는 관점이 조금 다릅니다. 하지만 한국 가곡은 이편이 노래의 느낌이나 작곡자가 만든 반주의 느낌이 좀더 표현이 잘 되는 것 같습니다.

 지난 일요일 예술의 전당 콘서트홀에서 피아니스트 프레디켐프의 공연이 있었습니다.이번 공연은 사전에 아티스트와 기획사분들과 조율을 하여 공연을 실황 녹음하여 음반으로 만드는 작업이었습니다. 피아노 녹음은 합창녹음과 함께 가장 오랜시간 또 자주 하고 있는 작업이지만 녹음전까지 어떠한 마이크로 어떻게 세팅을 해볼까..하는 즐거운 상상들을 하였습니다. 우선은 아티스트의 연주가 굉장히 다이나믹 스타일이라. 같은 피아노 같은 환경이라도 피아노 터치에 따라서 녹음 방법 과 세팅은 전혀 달라집니다. 페달링은 말할필요도 없겠지요. 녹음해서 CD와 LP 로 만드는 공연이기 때문에 피아노의 경우도 예술의 전당 콘서트홀에 있는 3대의 스타인웨이 D 중에 두대를 1차적으로 제가 골랐고두대 모두 조율을 하였습니다. 그상태에서 홀에 두대의 피아노를 설치해놓고 아티스트가 여러번 비교해가며 피아노를 선택하였습니다.최종 선택된 스타인웨이 D 는 57만번대. 마이크는 오디오가이 피아노 녹음의 메인 마이크라 할 수 있는 DPA 의 4011A 단일지향성 마이크. 직접음을 굉장히 선명하고 깨끗하게 녹음해주는 참 대단한 마이크입니다. 공간의 앰비언스는 마이크를 높게 설치하지 않고 바닥에 PZM 마이크를 두어서 사용하였는데 스튜디오에 와서 들어보니 예술의 전당 콘서트홀의 느낌이 그대로 잘 살아있는 상태로 녹음에 담겨있네요마치 싱싱한 횟감을 눈으로 보는 듯한 느낌의 소리를 들을 수 있었습니다.^^ 마이크프리앰프는 GML 사의 4채널 프리앰프인 8304 를 사용하였습니다.전원부 분리의 트랜스가 없는 타입으로 출력이 언밸런스가 이후의 AD 컨버터나 레코더까지의 시그널이 짧을 수록 좋습니다.오디오가이의 메인 장비인 RME 믹스타시가 이번에는 마이크프리앰프로는 사용이 되지 않고 AD 컨버터로만 사용출시된지는 오래되었지만 RME 사의 플래그쉽 다운 AD 컨버터의 소리도 정말 좋습니다. GML 의 프리앰프는 소리의 시작부터 사라지는 것까지 아주 정확하게. 있는 그대로 마이크에서 케이블을 통해 들어오는 신호를 굉장히 투명한 소리로 증폭해줍니다. 보통 전 +35dB 로 녹음을 합니다. 마이크프리앰프의 소리가 너무너무 마음에 들어서 최근에 4채널을 더 추가로 구입을 해서 8채널로 사용하고 있습니다이렇게 콘서트홀 무대(스테이지)위에 마이크프리앰프와 AD 컨버터를 둡니다.마이크와 마이크프리앰프간의 거리를 최대한 짧게 하는 것이 "살아있는" 소리를 녹음하기 위한 중요한 요소중에 하나이지요. 예술의전당 콘서트홀 스테이지 벽면 패널에서 아날로그와 디지털 신호 (이번에는 RME 믹스타시의 MADI 출력을 사용) 가 대기실 113호에 연결이 되어있습니다! 그렇기 때문에 이번처럼 외부 레코딩 회사가 기기들을 가지고 가서 녹음하기에 예술의 전당 콘서트홀은 너무너무 좋은 곳입니다.ㅜ.ㅜ 113호 벽체에 있는 MADI 패널에서 RME UFX+ 의 MADI 입력으로 바로 녹음을 하였습니다. (샘플링 레이트는 24비트 176.4khz)RME UFX+ 는 별도의 컴퓨터와 연결하지 않고 바로 USB 하드등을 연결해서 녹음할 수 있는 혁신적인 기능이 있는데오디오가이와 같이 스튜디오는 물론이고 다양한 공연장과 교회등에서 음악 녹음 하는 회사에게 있어서는 너무나도 유용한 기능이라 할 수 있겠지요. 저는 레퍼런스 헤드폰으로 제나이저 HD800 을 사용하고 있고 함께 하는 프로듀서분은 포칼의 유토피아 헤드폰을 사용합니다. 이렇게 공연 실황이 녹음 되었고. 스타인웨이 D 특유의 금속성의 화려한 느낌이 그대로 녹음기에 잘 담겨서 왔습니다. 음반은 올해 말에 SACD와 LP 로 출시 예정입니다.

운이 좋게 부모님을 통해 삶이라는 것을 선물받아 살다보면 많은 것들을 만납니다.그중에 특히 자신을 매혹시키는 것을 만나게 되지요누군가에게는 그것이 사람이거나 사랑일수도 있고. 또 최근의 가까운 지인처럼 자전거이거나 카메라. 자동차. 오디오 등등 사람마다 무척 다양할 것 입니다.제게 있어서 삶에 저를 강하게 매료시키는 것은 바로 "피아노" 입니다피아노 라는 악기가 지니고 있는 독특하고도 복잡한 구조와 아름다운 모습에이루셀수 없을 만큼 다채로운 음악적인 표현까지. 하루를 시작하는 아침에는 늘 피아노 음악을 듣습니다. 반면에 레코딩 엔지니어로써 피아노를 녹음하는 것을 아주 좋아하는 데 그 이유는 좋은 소리로 녹음하기 참으로 어려운 악기이기 때문입니다.처음 스튜디오를 만든것은 95년이었지만 본격적으로 피아노 녹음을 시작할 수 있었던것은 96년에 스튜디오에 어시스트 엔지니어로 시작하였을때였습니다.그때의 피아노는 야마하 C6 마이크는 산켄의 CU41 AB 페어로 거의 고정되어 녹음이 진행되었습니다.(가끔 B&K 4006 페어를 사용하기도 함) 처음 레코딩 엔지니어를 시작했을때 10년은 야마하 피아노와 함께. 그리고 이후 10년은 스타인웨이와. 그리고 2015년의 지금 스튜디오를 만든 이후에는 외부에서 로케이션 레코딩시에는 스타인웨이를 자주 녹음하기도 하지만오디오가이 스튜디오에서 뵈젠도르퍼와 함께 하고 있습니다.앞으로의 10년은 아마도 뵈젠도르퍼와 수 많은 시간들. 혹은 그 이상의 시간들을 함께 하게 되겠지요피아노의 선택 http://blog.naver.com/audioguy1/220527336831 이렇게 긴 시간들을 피아노 녹음에 집중하며 참 많은 부분들을 연구해보았습니다.그러다보니 자연스레 각 제조회사의 피아노 특성에 관해서도 어느정도 알 수 있게되었지요. 지금 스튜디오를 만들면서 뵈젠도르퍼와 함께 최종적으로 고민한 피아노는 야마하의 풀사이즈 CFX 였습니다.피아노라는 악기가 지닐 수 있는 메커니즘적으로는 스타인웨이보다 야마하가 훨씬 더 뛰어나다고 생각합니다.야마하는 피아노 마다의 편차도 굉장히 적고. 건반의 배열도 출시상태에 훨씬 더 고르게 되어있습니다.무엇보다도 조율. 스타인웨이에 비해서 훨씬 더 빠르게 정확하게 조율을 할 수 있지요. 피아노 녹음을 하면서 중요한 것이 조율사의 능력이라는 것을 알게된후 20년이 넘는동안 3분정도의 조율사 분들하고만 함께 하였습니다.지난 통의동 스튜디오에서 스타인웨이 D를 설치하고.  오랜시간 함께 했던 조율사분께 의뢰를 드려서 진행했을때 깜짝 놀랐지요야마하를 그렇게 완벽하게 다루시던 분이 스타인웨이에서는 그렇지 못했습니다.야마하는 피아노라는 악기이자 기계를 아주 정교하고 정확하게 만들어져있습니다. 스타인웨이에 비해서 왜 이렇게 가격이 저렴한지는 사실 잘 모르겠습니다^^ 반면에 스타인웨이는 처음 출고를 할당시 이것이 과연 완제품 맞나 하는 생각이 들정도로 많은 부분을 사용자의 환경에 따라서 맞추어서 사용을 해야 합니다.야마하의 경우 새것을 구입하고 "보이싱"이라는 작업이 거의 필요가 없다면스타인웨이의 경우는 반드시 필요하지요이 보이싱을 통해서 최종 음색을 다듬고 만드는 것입니다.우리가 듣는 스타인웨이의 음색은 사실 스타인웨이사에서 만든것이 절반. 그리고 나머지 절반은 뛰어난 조율사에 의해서 만들어집니다.그것은 공간의 크기 및 음향상태에 따라서 달라지게 되지요.그리고 스타인웨이는 야마하에 비해서 건반이 훨씬 더 균일하지 못합니다.이것을 조율사가 긴 시간을 들여서 조정하고 또 조정해서 완벽한 상태로 만드는 조율의 예술에 관해서 옆에서 지켜보며 정말 감탄하지 않을수가 없습니다.국내에서 스타인웨이를 완벽하게 다루고 조율할 수 있는 조율사의 수는 아주 극히 적을 것으로 생각합니다. 스타인웨이도 함부르크와 뉴욕의 소리가 또 전혀 다릅니다. 사실 지금의 스타인웨이가 콘서트 피아니스트들에게 가장 선호하는 악기가 된 이유중에 가장 큰 부분은 바로 "음량" 입니다.다른 피아노에 비해서 림을 나누지 않고 하나로 만드는 스타인웨이는 톤이 넘는 현의 장력을 더욱 더 강하게 모았다가 외부로 보냅니다. 그 어떤 피아노보다도 강력한 포르테시모를 낼 수 있지요.이것은 공연장의 크기와 클래식 음악의 전성시대와 함께 하였습니다. 물론 스타인웨이 고유의 금속성의 중고역 역시 매력적입니다.사람들의 생각과는 다르게 특정대역(사람의 귀가 민감한)의 경우 스타인웨이가 야마하보다도 소리가 더 밝습니다. - 잘 조정된 함부르크 스타인웨이의 경우. 하지만 국내에서 만나고 있는 대부분의 스타인웨이들에서는 야마하보다. 아니 영창보다도 못한 소리를 만날때가 참 많아서 그때마다 피아노를 사랑하는 사람으로써 속이 상하기도 합니다^^  지금 오디오가이 스튜디오에서 사용하는 뵈젠도르퍼는 또 야마하 스타인웨이와는 전혀 다른 구조 및 소리를 들려줍니다.뵈젠도르퍼는 피아노에 현악기의 구조를 차용해왔습니다.스타인웨이가 림을 최대한 단단하게 만들어서 소리의 직접음을 멀리 보내는데에 최적화 되어있다면뵈젠도르퍼는 림 안에 울림판(공명판)이 있어서 림 자체에서 여음이 더 많이 생기게 만들어있는 구조입니다.아주 신기합니다. ^^ 그래서 다른 피아노들에 비해서 폭팔적으로 큰 음량을 낼수는 없지만 페달을 적게 사용하더라도 은은한 여운이 함께 하는 소리를 들려줍니다.  흔히들 뵈젠도르퍼는 소리가 풍부하다 하는데 그것을 92 혹은 그 이상의 저음 건반이 추가되어있어서 그렇게들 표현합니다만뵈젠도르퍼가 저역이 풍부하기 보다는 저역의 울림이 좋다. 라고 생각하는 것이 더 정확합니다.실제로 뵈젠도르퍼 아래에 추가된 건반의 경우 가끔 사용이 되기도 하지만 실제로는 피아노 내부의 울림을 더해주는 역할이 좀더 크기 때문이지요. 이렇게 다른 구조를 지니고 있는 피아노들. 물론 이밖에도 소리가 엄청 밝고 화려한 이탈리아의 파지올리도 빠질수 없을테고.  국내에는 인기가 적지만 특유의 매력적인 소리를 들려주는 벡슈타인도 있습니다. 이렇게 각 피아노마다 구조가 다르기 때문에 피아노 마다 녹음하는 방법도 다릅니다. 야마하의 경우는 피아노 내부에 가깝게 마이크를 설치를 해도 상당히 좋은 소리를 들려줍니다.반면에 스타인웨이는 피아노 내부에 가깝게 하면 정말 멍청한 소리를 들려주지요. 스타인웨이 특성상 림과 반사판이 중요하고 그렇기 때문에 림과 반사판 근처에 마이크를 두고 녹음하는 것이 좋습니다. 야마하는 라지다이어프램 마이크가 잘 맞는 경우가 많은 반면 스타인웨이는 DPA나 숍스. 제나이저의 스몰다이어프램 마이크가 잘 맞는 경우가 좀더 많지요. 그럼 뵈젠도르퍼는? 뵈젠도르퍼를 처음 오디오가이 스튜디오에 설치하고 바로 다음날 부터 피아노 녹음을 하였는데. 정말 고생하였습니다.결국에는 오디오가이에서 피아노의 첫 녹음은 피아노 반사판을 떼고 하였어요. 뵈젠도르퍼는 스타인웨이 녹음 방법에 좀더 가까우면서도야마하처럼 마이크를 아주 근접해서 가깝게 설치해도 괜찮기도 합니다.대부분 림의 가운데 굴곡진 부분에 마이크를 설치하는 것이 그랜드 피아노 녹음의 기본인데 뵈젠 도르퍼 역시 림 근처에 마이크를 설치한느 것이 가장 좋은 소리를 들려줍니다.스타인웨이처럼 피아노와 3미터 이상 떨어진 곳에 마이크를 설치하면 그야 말로 솜뭉치로 피아노를 연주하는 소리가 나게 됩니다. 이렇게 2년이 넘는 동안 정말 많은 뵈젠도르퍼 피아노의 녹음들을 해보았습니다.스튜디오 특성상 집중해서 다양한 마이크 세팅등을 시험해 볼수 있습니다. 과거에는 피아노에 적어도 6개 정도의 마이크를 사용해서 조합하는 것을 좋아했었는데 지금은 늘 최소한의 간결한 마이크 세팅으로 보다 순수하고 깨끗한 소리를 담는 것을 선호하는 편입니다.아무래도 많은 마이크를 사용하면 좀더 입체감이 있는 것처럼(?) 들리기도 합니다.적은 마이크를 사용하면 평면적으로(?) 들리는 것처럼 들리기도 하지요.하지만 입체감 있는 피아노 소리는 작곡자의 곡에 이미 완성이 되어있고 나머지는 피아니스트에 따라서 달라질것입니다.오케스트라처럼 너무 웅장한 피아노 소리보다는 피아노 자체와 피아니스트의 연주 특성이 그대로 들어나는 녹음을 선호하게 됩니다.이달 말 오디오가이에서 나올 피아니스트 이유화의 아르보 페르트 피아노 뮤직 음반 중에 한곡링크 남깁니다.결국 좋은 피아노 사운드는 레코딩 엔지니어가 아닌 좋은 피아니스트를 통해서 세상밖으로 나오게 된다는 것을 다시한번 알게 한 그러한 피아노 녹음 작업이었습니다.MP3 http://www.mediafire.com/file/5vi3a1dckaauzbc/-++-+12+-+Fur+Alina+%281978%29__48k-24b.mp324/88.2Khz WAV https://www.mediafire.com/file/e6y3el4dbp734k1/-%20%20-%2012%20-%20Fur%20Alina%20%281978%29__88k-24b.wav녹음 원본은 DXD(24Bit 382.4Khz) 인데 DXD로 들으면 정말 좋습니다^^ 

오디오가이에서 제작한 피아노 솔로 음반 한장이 발매되었습니다.    이한얼 " PIANO IMPROVISATIONS"   사람의 목소리와 더불어 참으로 오랜시간 아마도 평생 저를 강렬히 사로잡는 악기가 있다면 그것은 바로 피아노 일것입니다.   그래서 어떠한 녹음들 보다 여러 녹음방법 및 세팅에 관해서 많은 연구를 하는 악기이기도 하지요.   과거에는 보다 투명하고 선명하고 맑고 깨끗한 소리로 피아노 녹음을 하는 것을 추구했습니다.    DG에서 나온 윤디리의 리스트 음반처럼 말이지요.    넓고. 강렬하고. 귀를 자극할만한 강한 타건이 느껴지는 그러한 녹음.    그러다가 어떠한 한 음반을 만났습니다.      마틴슈타트펠트의 바흐 평균율    이 음반의 피아노소리를 듣고 제가 진정으로 좋아하는 피아노 소리가 무엇인지 알게되었습니다.   풀오케스트라와의 협주곡에서도 밸런스를 맞출 수 있는 그랜드피아노의 강렬함보다는    공연장에서 약간은 피아노와 거리가 떨어진채, 피아노 자체의 소리와 더불어 공간안에 흩날리는 여운이 함께 하는 것을 좋아한다는 것을 말이지요.     레코딩엔지니어가 좋은 소리를 녹음하려면 기술도 중요하지만 아름다운 소리로 음악을 연주하는 아티스트를 만나는 것이 참으로 중요합니다.    특히나 피아노의 경우는 같은 장소  같은 피아노라도 연주하는 사람에 따라서 가장 소리차이가 큰 악기이기도 하지요.   참으로 신기합니다.    우리는 초등학교시절 피아노를 배울때 건반의 강약 그리고 소리의 지속을 위한 페달링을 배웠지. 대부분의 동네 피아노 학원에서는 보다 아름다운. 나만의 소리로 피아노를 다루는 방법을 가르쳐 주는 경우는 드문편이니까요.      새로운 통의동 오디오가이 스튜디오를 만들면서 참으로 많은 고민끝에 선택한 피아노   http://blog.naver.com/audioguy1/220527336831   뵈젠도르퍼는 스타인웨이처럼 강렬한 소리가 아닌 부드럽고 풍부하게 울리는 소리입니다.  많은 피아니스트들에게 익숙한 악기는 아니기 때문에 대부분 악기의 장점보다는 단점이 들어나는 경우가 많습니다.    하지만 이한얼같은 뛰어난 피아니스트의 경우는 어떤 악기를 연주하더라도 늘 섬세하고 아름다운 소리로 연주합니다.      음반녹음에 앞어서 스튜디오에서 솔로로 먼저 공연을 했습니다.   음반에 실제로 이날 공연의 2곡도 수록이 되어있지요.   https://www.youtube.com/watch?v=JhA6w9GN65M   아무래도 이날은 스튜디오안에 관객이 함께 하였기 때문에 소리들을 많이 흡음하며 잔향이 그리 길지는 않습니다.    그렇다고 해도 녹음후 후처리로 이펙터등을 잔뜩 넣어서 그당시만 듣기 좋은 소리를 만드는 것은 제가 좋아하는 것은 아니지요.     녹음세팅과 곡은 위 공연과 거의 동일하지만 실제 음반의 수록된 소리는 보다 울림이 풍부합니다.   억지로 프로세서를 더해서 만든것이 아닌 연주자가 오디오가이 스튜디오안에 되돌아 오는 울림을 충분히 들으면서 거기에 맞추어서 연주를 한것입니다.   투명한 피아노소리와 울림 그리고 깊은 저음을 녹음이라는 과정을 거쳐서 사라지지 않고 그대로 담을 수 있도록 노력하였습니다.    피아노의 저음은 양이 많기 보다는 그 복잡한 배음과 여음으로 인해서 깊이감이 느껴지는 것이 더욱 더 중요하니까요.        하루에 즉흥으로 연주된 음악들은 때론 조금 어렵게 느껴질수도 있겠지만 소리에 빠지며 집중해서 듣다 보면 내가 마치 연주하고 있는 피아니스트인것처럼 느껴집니다.   인간은 누구나 예술성을 지니고 있고 마치 내 몸에서 음악이 퍼져나가는 것 같은 느낌.    이것이 바로 즉흥음악의 매력이라 할수 있을 것 입니다.      그동안 제가 녹음한 피아노 소리 가운데 가장 마음에 드는 음반. (DXD로 녹음했고 SACD로 출시했습니다.)   녹음하는 모든 음반 한장한장 다 이렇게 아름다운 소리로 기록하고 남길 수 있다면 정말 좋겠습니다.    아래 링크에서 첫곡 다운로드 받으실 수 있습니다.   16/44.1 파일   http://www.mediafire.com/file/po2lfgsyda5qnbq/01.+Calling.wav   DSD 파일   http://www.mediafire.com/file/rtk55jcv7bophqj/01_+Calling.dff   http://storefarm.naver.com/audioguy/products/624705048    

  새로운 통의동 오디오가이스튜디오의 피아노,   지난 스튜디오에서 함부르크 스타인웨이 D 피아노를 구입하고 60-70대나 되어야 가지게 되지 않을까 생각했던 피아노를 가질 수 있게 되어 정말 행복했습니다.   스타인웨이피아노. 오디오가이에서 녹음하는 프로젝트에서 가장 많이 사용이 되는 피아노이기도 하고(국내의 공연장은 거의 모두라고 해도 과언이 아닐정도로 스타인웨이 D가 있으니까요)    너무나 좋은, 가장 많은 사람들에게 사랑을 받고 있는 피아노라 생각합니다.      하지만 여러 녹음작업들을 많이 해보면,.    특히 합창. 그리고 성악의 반주에 스타인웨이 D 가 자주 사용이 됩니다.   이때마다 저는 늘 어색함을 느낍니다.   음량적으로 밸런스가 잘 맞지 않지요. 스타인웨이는 지나치게 소리가 크고 게다가 강렬하면서도 화려하고.    수십명이 부르더라도 섬세한 합창의 아주 작은 피아니시모는 피아노의 피아니시모에 비해서 훨씬 더 작으며.   피아노의 반사판을 모두 연 상태에서의 포르테는 어떤 성악가의 음성보다도. 그리고 어지간한 합창단의 포르테 보다도 큰경우가 더 많습니다.   그렇기 때문에 피아노 뚜껑을 조금만 열어놓고 연주를 하는 것이 국내 합창 그리고 성악계에서는 일반적입니다.   그런데 림에서 소리를 모아서 반사판으로 보내서 소리를 폭팔적으로 외부로 내보는 스타인웨이의 특성상 반사판을 닫으면 정말 평범한 소리가 되어버리고 맙니다.(차라리 아예 떼는 편이 더 좋습니다.)     하지만 스타인웨이의 진정한 소리는 독주 그리고 오케스트라와 함께하는 협주에서 빛을 발하지요.    이경우 정말 너무 좋습니다.   아참..실내악의 경우도 저는 스타인웨이의 소리가 너무 크다고 생각합니다.     사실 지금처럼 클래식 음악계에서 수많은 유럽의 피아노회사가 문을 닫고 스타인웨이가 성공한 첫번째의 이유는 많은 분들의 예상과는 달리 "음색"이 아닌 "음량"이었습니다.   스타인웨이는 다른 그랜드 피아노에 비해서 강한 장력을 버틸수 있는 림으로 더 큰소리를 모아서 타 피아노들에 비해서 현격하게 큰 음량을 낼 수 있었고.   그때까지만 해도 목재재질을 많이 사용하던 프랑스의 에라르나 플레엘 같은 피아노는 자취를 감추어 버리게 됩니다.   클래식 음악은 과거에 작은 집안의 살롱이나 궁전등에서보다 더 많은 사람들 앞에서 선을 보이게 되었으니까요.   많은 사람들이 모이는 경우는 역시 "음량"이 중요한 요건이었습니다.   이렇게 스타인웨이는 전세계 피아노의 시장을 평정하게 되었고. 수 많은 공연장과 아티스트들은 스타인웨이를 주로 연주하게 되었지요(물론 팝음악 계에서는 야마하 C7도 빠질수는 없습니다)     국내에서 이루어지는 수많은 피아노가 들어가는 녹음은 사실은 독주나 협주곡보다는 반주로 사용이 되는 경우가 더 많습니다.   실제로 오디오가이에서 진행하는 레코딩작업에서 피아노 독주나 협주보다는 반주의 역할이 압도적으로 높지요.   이러한 상황에서 꼭 계속해서 스타인웨이를 고집해야 하는 것일까? 하는 의문이 들었습니다.      이후로 여러 피아노들을 찾아보았습니다.   그중에 최종적으로 선택한것이 오스트리아 빈에서 만들어는 뵈젠도르퍼.    피아노 제작회사에 관심있는 사람이라면 누구나 알고 있지만 연주자가 아니라면 사실 실제로 제대로 소리를 많이 들어본경우는 무척 드믄 악기이기도 하지요.     모든 피아노 제작회사들마다 각자 고유의 음색과 개성이 있지요.   뵈젠도르퍼는 임페리얼 그랜드 290 으로 인해서 무언인가 소리가 묵직하고 풍부하고.    게다가 오디오가이 스튜디오의 뵈젠도르퍼는 92건반. 임페리얼 그랜드는 97건반으로 저역의 건반수가 더 많습니다.(일반적인 피아노는 모두 88건반)    이렇게 저역의 현이 확장되어있는 뵈젠도르퍼 몇몇 모델의 특징때문에 사람들은 막연히 뵈젠도르퍼 피아노는 저음이 묵직하다. 풍부하다. 라고 생각을 하고, 소리를 들어보기 전에도 대부분 그러한 이미지들을 지니고 있는 것이 사실입니다.     오디오가이 스튜디오의 뵈젠도르퍼 피아노의 저음건반. 추가 4개중 흰건반 2개가 연주자들이 헷갈리지 않게 검정색으로 되어있습니다.    저음에 현이 더 있으므로 인해서 피아노의 모습이 스타인웨이의 날렵한 모습에 비해서 저음쪽 현의 모양, 궁둥이가 조금은 펑퍼짐한 듯한 모습을 지니고 있지요.    하지만 단지 이부분 때문이었다면 저는 뵈젠도르퍼를 선택하지 않았을 것입니다.     스타인웨이와는 완전히 대극에 있는 설계구조.    피아노의 생명이라 할 수 있는 "림"을 스타인웨이는 최대한 현의 강한 장력을 잘 받출수 있고 소리를 모아서 크고 선명한 음량으로 확장해서 반사판으로 내보내는 구조(풀사이즈 피아노에서 스타인웨이만이 림을 붙이지 않고 만들고 있고. 다른 피아노들은 붙여서 만듭니다.) 에 비해   뵈젠도르퍼는 완전히 반대에.    글쎄 피아노의 림안에 바이올린처럼 울림판이 들어있는 것입니다.   피아노의 림안이 중간중간 비어있고. 림에서 소리를 최대한 모아서 반사판으로 보내는것이 아닌   피아노의 림이 마치 현악기처럼 울림통 역할을 합니다.    그래서 스타인웨이에 비해서 강렬한 어택은 확실히 덜하지만. 페달을 밝지 않아도 정말 한없이 길게 울리는 그 여운,.   그 소리에 반해 뵈젠도르퍼를 선택하게 되었습니다.     오디오가이 뵈젠도르퍼의 내부.     많은 사람들의 선입견과는 달리 뵈젠도르퍼는 소리가 저음이 풍부하기 보다는 "울림이 풍부하다" 라고 하는 것이 더 정확합니다.   낮은 저음도 스타인웨이는 확실히 더 빠른 저음을 들려주는것에 비해. 뵈젠도르퍼는 저음에서도 피아노 내부에서의 은은한 울림을 동반한 고급스러움이 있습니다.   때로는 이것이 너무 평범하게 들리기도 하지요.    지금의 많은 사람들은 글도 짧게. 대화도 짧게. 음악과 소리도 짧게 듣는 경우가 많기 때문에 소리의 시작만 듣고 판단하지.    소리가 사라지는 그 긴 시간과 여운까지 즐기는 사람은 많지 않으니까요.       작년엔가 제작년에 ECM에서 발매되었던 정명훈 선생님의 피아노 솔로 음반을 듣고.    처음에는 어..소리가 왜이러지..하고 생각했습니다.   이것은 차갑고 날카로운 ECM 특유의 청명하고 서늘함이 느껴지는 소리와는 다른.    너무 피아노 소리가 뭉뚝하고 답답한 느낌이 들었기 때문입니다.     내지에서 레코딩 엔지니어의 이름을 확인해보니 최근 ECM 음반의 녹음을 많이 하는 스테파노 아메리오(이탈리아)가 아닌.    제가 피아노 녹음에 있어서 만큼은 세계 제일이라고 생각하는 독일 에밀베르리너 스튜디오의 라이너 마리아르 였습니다   전 이사람이 녹음한 윤디리의 리스트 음반을 듣고.   와..세상에 피아노라는 악기를 이토록 생생하게도 녹음을 할 수 있는 것이구나..하고 굉장한 충격을 받았었는데요.     이 음반을 조금 시간이 지나서 차분히 들어보니.    스타인웨이가 아닌 뵈젠도르퍼의 소리였습니다.   소리의 첫음은 스타인웨이처럼 강하지 않지만 뒤로 사라지는 여음이 조금씩 밀려들어오는 것을 들을 수 있었지요(그래도 라이너 마리아르의 녹음치고는 아쉽긴합니다.)      음악,. 그리고 소리의 첫음이 리듬이라면.    소리가 사라지는 것은 바로 감정을 가장 많이 포함하고 있는 순간이라 할 수있지요.      뵈젠도르퍼는 제가 생각하는 소리가 사라지는 이 감정. 이 매혹적입니다.   생각보다 고역의 소리는 금속성의 소리가 적어서 그렇지 그렇게 어둡지 않습니다(스타인웨이는 내부에 고역쪽에 금속적인 광채(컬러)를 더하기 위해 작은 종 같은것이 들어있지요.   피아노라는 악기의 소리를 너무 강하게 우리의 귀로 들으라고 강요하지 않는.   은은한 울림과 매력의 뵈젠도르퍼 피아노의 소리가 저는 참 좋습니다.   특히나 성악반주에 가수 뒤를 감싸주는 음색과 트리오에서도 함께하는 바이올린과 첼로의 음색까지 더 돋보이게 만들어 줍니다.   스타인웨이에서는 아주 연주와 앙상블이 좋은 실내악팀이 아닌 이상은 각 악기가 따로 노는 경우도 상당히 많지요.     음량이 너무 크다 싶으면 반사판을 내리거나. 아예 덮어도 소리 차이가 적습니다.   피아노 몸체안에서 소리가 머무는 시간이 길기 때문이지요.   또는 피아노의 뚜껑 자체를 떼고 녹음해도 역시나 충분한 울림이 그 안에 담겨있습니다.      지금 스튜디오에서 14시간째 피아노 솔로를 녹음하고 있는데. 그래도 귀의 피로함이 덜하네요.    앞으로 이 우아하고 섬세한 피아노와 함께할 녹음들이 정말 기대가 됩니다.     오디오가이 스튜디오에서 연주하시는 피아니스트분들은 피아노에 적응하랴.    울림이 너무 많은 공간에 적응하랴 고생을 하시겠습니다만.   아름다운 소리가 들려주는 결과가 아티스트. 프로듀서. 엔지니어. 모두의 마음을 행복하게 해줍니다.  

진짜 오랫만에 글을 올리네요.   늘 짧은 글만 보면서 지내는것이 익숙해지다 보니. 어느새 긴글도 쓰기가 어려워진것이 요즘의 현실인것 같습니다.   저는 변함없이 여러 녹음들을 하면서 지내고 있습니다.   특히 최근에는 국악 음반들을 더욱 더 많이 하고 있고 국악기 소리의 매력에 푹 빠져있지요.     너무 오랫동안 오디오가이 칼럼에 새글이 없으면 저는 무엇인가 압박을 받는다고나 해야할까요?^^   그래서 가볍게 지난주 녹음했던 피아노와 바이올린 실황녹음과 작년 연말의 오케스트라 녹음의 음원.   그리고 최근 오디오가이의 메인 기기로 사용하고 있는 DAD AX32 마이크프리/컨버터에 관해서 짧은 이야기들을 해볼까 합니다.     이번녹음은 LG 아트센터에서 있었습니다.   전날 바로 기획사의 대표님께 급하게 연락이 와서 진행한 녹음이었고요.(영상과 함께 진행이 되었습니다.)   우선 소리를 한번 들어보면서 이야기를 하면 좋겠습니다.     http://www.mediafire.com/listen/wq435eg98az2nep/CKW_Track5.wav   영상촬영이 있는 실황공연이기 때문에 솔리스트 바로 앞에 높고 커다란 마이크 스탠드를 세울수는 없지요   로케이션 레코딩에서는 늘 영상과 공연에 지장을 주지 않고 그러면서도 원하는 소리를 얻을 수 있는 방법이 참으로 중요한 것 같습니다.   이럴때 늘 마음 든든한 친구 MBHO 의 648 PZM 마이크를 앰비언스로 사용   위 사진 윗편 양 바닥에 PZM 마이크가 무대가 아닌 객석을 향해서 있습니다.   거의 10년 가까이 이 마이크를 사용하고 있지만. 사용할때마다 PZM에서 이렇게나 좋은 소리가..하고 놀라게 되는 그러한 마이크입니다.   어지간한 잘못 세팅된 메인 마이크보다 훨씬 더 좋을 때가 많이 있고, 이렇게 실황공연에서의 중요한 녹음에 실수가 적은 제게 있어 참 든든한 친구입니다.   그러고 보니 저도 이제 새로운 장비들 특히 마이크들은 거의 바꾸지 않게 된것 같네요.   현재 사용하는 마이크들은 메인으로 DPA 4006AE  넉대와 MBHO PZM 마이크 6대 그밖에 AKG C33E 빈티지 스테레오마이크와 노이만 KM140과 TLM170R 페어. 그밖의 바이올렛 마이크들이 현재 오디오가이의 메인 마이크 시스템인데   상당히 오랫동안 이 세팅으로 사용중입니다.   하지만 늘 마음같아서는 무척 구입하고 싶은 마이크들이 있기도 한데요   실황녹음에서 요긴하게 쓰일수 있는 숍스의 MS 마이크세트나 이번 녹음에 피아노에 사용했던 제나이저의 MKH800 같은 마이크가 그렇습니다.   사진의 피아노의 꼬리부분에 마이크를 설치, 이 자리는 그동안 오디오가이 칼럼을 통해서 여러번 이야기한것과 같이 오디오가이에서 클래식 피아노 녹음의 메인 마이크 세팅 자리입니다.   이렇게 피아노와 상당히 떨어뜨려두어도 소리를 들으면, 참 소리가 생각보다 가깝게 들리기도 하지요.   마이크의 높이는 피아니스트의 얼굴정도를 향하게 약 140cm에서 170cm정도까지, 고역쪽 마이크가 피아니스트의 정면을 바라보게 하고.(혹은 이보다 약간 낮게, 높이는 공간에 따라서 직접음과 반사음의 비율에 따라 달라집니다.)   저역쪽 마이크는 고역쪽 마이크에서 약 40에서 50cm 정도 띄운 AB 세팅입니다.   페달등의 잡소리가 들어가지 않는 정말 깨끗한 소리를 들려주는 마이크 포지션이지요.   제나이저 MKH800은 제가 아주 좋아하는 피아노 소리를 만들어내는 독일 베를린의 에밀베르리너 스튜디오의 메인 마이크이기도 하지요   이곳은 피아노는 물론이고 성악가(여성) 그리고 오케스트라의 메인 마이크로도 이 마이크를 자주 사용하는 것을 유투브 동영상등에서 볼 수 있습니다.   이 마이크는 여러가지 기능이 있는데요     이렇게 정말 다양한 지향성 패턴   마이크의 레벨   8K 부스트 - 이것 정말 요긴하지요   50hz 로우컷과 로우컷 레벨 조정 - 로우컷 주파수도 너무 마음에 들고 레벨조정!!!   처음에는 제가 좋아하는 밝고 청명한 소리를 얻기 위해. 8K 부스트로 세팅하였으나 바이올린을 감싸는 듯한 소리를 원했고   이번에는 피아노가 야마하의 풀사이즈였기 때문에. 소리를 들어본후 마이크의 이퀄라이저는 사용하지 않습니다.   로우컷은 물론 50hz -3dB   지향성은 초지향성으로 하였습니다.     소리를 들어보니 역시나 제가 도이치그라모폰에서 많이 듣던 피아노와 비슷한 소리. 특히나 선명한 어택이 참 마음에 듭니다.     바이올린에는 AKG의 빈티지 스테레오 마이크인 C33E 마이크를 XY로 세팅   저는 이러한 솔로 녹음의 경우 반드시 모노가 아닌 스테레오로 녹음하는데요   바이올린 마이크에 들어오는 피아노의 소리와 음상이 정말로 중요하니까요.   그렇기 때문에 실제 위 음원의 피아노 소리의 50%는 바이올린 마이크에 있는 피아노 소리   그리고 30%는 피아노 스팟   20%는 앰비언스 마이크의 피아노 소리입니다.   이렇게 여러대의 마이크를 사용하는 경우 각 마이크의 목적이 확실하게 있어야 하지요.     우리가 늘 책에서 보던것처럼 바이올린이나 현악기의 마이킹은 왠지 그 악기의 F홀 위에 약 1.5미터 정도 위에 마이크가 있어야 할 것 같은데.   이도 좋지만 이렇게 바이올린 아랫쪽에 설치를 하는 것도 예상외로 상당히 깨끗한 바이올린 소리를 얻을 수 있답니다.   지난번 칼럼의 다른 마이크는 전혀사용하지 않고 PZM 마이크 3대로만 녹음한 현악 앙상블 음원을 한번 들어보시면 좋을 것 같습니다.   마이크라는 것이 꼭 높은곳에만 존재를 해야 하는 것은 아닌 것 같습니다.   http://mfi.re/listen/zimwtkctzoa4950/2014-10-31_Jin_Ju_.wav     AKG C33E 마이크는 다른 빈티지 마이크들처럼 가격도 그리 높지 않고, 피아노부터 합창 . 어쿠스틱 기타. 가야금이나 거문고같은 국악기에 이르기까지 만능으로 사용할 수 있는 정말 좋은 마이크이니. 혹시 이베이같은곳에서 괜찮은 상태가 보이면 얼른 구입해두어도 후회는 없는 제품입니다.   저는 오스트리아 AKG 본사에서 캡슐자체를 새것으로 교체해서 30년된 빈티지 마이크라 생각이 들지 않은만큼 좋은 소리를 들려주는데요   C414보다 초고역의 배음이 위로 높게 쭉~ 뻗는.   정말 밝은 소리를 들려주는 마이크입니다.   이 마이크로 피아노 녹음을 하면 베토벤피아노 소나타가 마치 모차르트 피아노 소나타처럼 들린다고나 해야할까요?   최근에는 실황녹음의 솔리스트. 특히 바이올린 녹음으로 애용하고 있습니다.     마이크프리와 컨버터의 경우는 네델란드 렌스에 커스텀 해서 만든 배터리 구동의 초고가의 8채널 마이크프리가 있건만   배터리의 무거움때문에 요즘은 이 기기를 주로 가지고 다닙니다.   국내에서는 많이 생소한 덴마크 DAD 사의 AX32 라는 마이크프리/컨버터 입니다.     이 기기의 존재는 몇년전에 DPA 회사에서 피아노 녹음 샘플CD(SACD)를 출시한적이 있었는데. 소리가 깜짝 놀랄만큼 좋은 것이었습니다.   그 음반의 마이크프리와 컨버터로 AX32의 전 모델인 AX24 가 사용이 되었다는 것을 보고 이 기기에 관심을 지니게 되다가   AX32의 출시 소식을 듣고 아마도(?) 국내 첫번째 오디오가이 가족분 2분과 함께 주문하여 사용하고 있습니다.   정말 송금후 기기를 보내지 않아서 이회사에 사기당한것인가..ㅜ.ㅜ 라는 생각까지 들게 만들었고.   처음 기기를 받자마자 정말 부실한 메뉴얼. 사이트에 정보도 많지도 않고. 그래서 세팅하는 데 참 고생많이 한 기기입니다.   기본적으로는 IPAUDIO 인터페이즈로 컴퓨터와 LAN 선을 통해 DANTE로 통신하는데요.   DANTE는 일반 1394등에 비해서 비교할 수 없을만큼 속도가 빠르기 때문에 레이턴시 문제가 적고.   케이블 하나로 수많은 채널의 입출력 및 콘트롤이 모두 가능하다는 것이 장점이라 저처럼 로케이션 레코딩이 주 업무인 사람에게는 멀징 호러스와 함께 가장 많이 사용이 되는 기기이지요.   게다가 마이크프리의 성능이 아주 좋습니다.   마이크입력 신호를 받으면 정말 많은 수로 스플리터를 할 수 있는데   마이크입력을 DANTE로 컴퓨터 1에 레코딩 하고   같은 신호를 MADI로 출력해서 컴퓨터 2에 RME MADIFACE를 넣어서 백업을 받고   아날로그 출력은 공연음향 팀이 함께 하는 경우라면 FOH 콘솔로도 보낼 수 있고.   무엇보다도 AVID HDX(혹은 HD)를 사용하는 경우라면 디지링크 단자가 있기 때문에 프로툴 IO 로 사용할 수 있습니다.     마이크입력을 받은 시그널을 DANTE, MADI, AES/EBU, 아날로그출력. 프로툴 디지링크등 동시에 5곳에 스플리팅 할 수 있는 것은 이 기기만의 장점이기도 하고요   멀징 호러스도 비슷하지만 디지링크 단자가 없고 DANTE대신 RAVENA를 사용합니다.(둘다 현재 사용중인데 전 DANTE보다 RAVENA가 여러모로 마음에 듭니다.)   DAD AX32로 녹음한 또 하나의 세션을 함께 첨부해봅니다.   http://www.mediafire.com/listen/y967osst1mc4qq7/11_Mussorgsky_Pictures_at_an_Exhibition_9.wav   위 음원과 마찬가지로 이퀄라이저는 로우컷 필터외에는 사용이 되지 않았고   리버브도 녹음한 공간의 느낌이 사라지지 않도록 PZM 마이크나 메인 마이크에는 전혀 사용하지 않고 스팟 마이크등에만 아주 살짝씩 사용하였습니다.   위 음원은 지난번 칼럼의 음원입니다.   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=1253     두 음원 모두 컴퓨터 스피커보다는 24/96 WAV. 파일이니 DAW에 띄워서 들어보시면 좋겠습니다.(아니면 헤드폰으로라도^^)   DAD AX32는 이렇게 전반적으로 초고역이 아주 밝고 화려합니다.   컨버터의 소리는 좌우가 아주 넓고 저역부터 고역까지 정보량이 많은 소리.   본래가 컨버터로 정평이 있는 회사다 보니 저는 라브리 골드 보다 더 마음에 들었습니다.   스튜디오에서 믹싱을 할때는 프로툴 맥북프로에 LAN으로 AX32와 연결해서 DA를 거쳐서 AD로 다시 받는데. 소리가 정말 깨끗하고 마음에 듭니다.   아래는 DAD AX32와 오디언트 콘솔로 믹싱한 음원(16/44.1입니다.)   http://www.mediafire.com/listen/iy31dpsht28ag9x/이부영-__44k-16b.wav   콘솔에서는 이큐는 전혀 사용하지 않고 서밍용도로만 하였습니다.       아래 칼럼 녹음기의 음원입니다.    http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=1243     DAD 컨버터의 소리는 이렇듯 아주 밝고 선명해서 믹싱시에 고역의 답답함때문에 고역을 올려야 되는 일이 정말 적은 그러한 성향의 제품입니다.   로케이션 녹음시에는 지휘자나 무대위에 DAD AX32를 놓고 마이크케이블 길이를 최단거리로 한다음에.   컨트롤룸까지 LAN선을 이용해서 컴퓨터와 접속해서 마이크프리 앰프등의 콘트롤등을 간편하게 할 수 있어서.    무거운 아날로그 멀티케이블의 필요성이 이제는 거의 없어지고 있는 것 같습니다.   녹음시는 역시 프로툴용 맥북프로와 세콰이어용 소니 노트북을 함께 해서 백업을 하면서 녹음합니다.   실황녹음에 있어서 백업은 100번의 한번이라도. 그 한번이 정말 중요할 수 있으니까요.   최근에는 이렇게 실황녹음의 모니터링의 경우 한동안 스피커를 가지고 다니다가. 무대와 조용히 떨어져서 헤드폰으로 모니터링합니다.   헤드폰은 정말 제가!! 10년이 넘게 사용하고 있는 울트라손 PRO2500 - 보수용 부품으로 늘 문제가 있을때마다 교체를 하여서 사용   그리고 베이어다이나믹의 플래그쉽 T1에 A2 헤드폰 앰프를 함께 가지고 나니고   때에따라서는 여기에 스탁스 SR303 헤드폰 시스템까지 함께 가지고 가서 프로듀서에게는 스탁으로 들려주기도 합니다.   연주의 아주 섬세한 부분까지 정말 잘 들리니까요.     이번주 토요일에는 정동교회에서 베토벤 미사곡과 피아노 콘체르토 녹음이 있는데. DAD AX32가 피아노가 특히 좋은 만큼 여러모로 기대가 됩니다.    

삼성동 올림푸스홀에서 재즈피아니스트 바딤네셀로프스키와 재즈보컬 이부영씨의 녹음이 있었습니다. 오디오가이/플러스히치 공동으로 기획/제작이 되었고요  바딤네셀로프스키는 올해 2월 오디오가이 스튜디오와 올림푸스홀에서의 피아노 솔로 공연이 있었는데. 현재 마스터링작업을 끝내고 음반 발매를 기다리고 있습니다. 그때 정말 아름다운 피아노 소리를 지니고 있는 아티스트라 생각했는데 역시나 이번에도. 이렇게 좋은 소리를 지닌 아티스트와 작업을 하는것은 너무 기쁩니다.  첫날 녹음이 끝나고 저녁식사를 하며 피아노 소리에 관한 여러가지 이야기도 듣고.(본인은 파지올리 피아노를 무척 좋아한다합니다.) 녹음끝나고 무척이나 서로 기분좋게 마무리를 하였는데요.  올림푸스홀은 홀의 음향상태. 그리고 무엇보다도 피아노의 음색이 제가 너무 마음에 들어하는 소리를 지니고 있습니다. 같은 스타인웨이 풀사이즈라도 피아노마다 소리는 전혀 다른 피아노처럼 다르니까요.  저는 스타인웨이 풀사이즈라면 소리가 금속성의 밝고 화려하고 선명한것을 좋아하는데 올림푸스홀의 스타인웨이 피아노는 제가 좋아하는 이러한 피아노 소리의 여러 요소들을 완벽하게 충족시켜주고 있습니다.  이번에는 평소와는 조금 다른 녹음 세팅 본래는 피아노 메인 마이크로 늘 사용하는 숍스의 MK4 페어를 준비했었습니다만 우연히 아래의 동영상을 하나 보게되었지요 http://www.stenheim.com/stenheimacousticsessionwithfannyleeb-1/  딱 제가 좋아하는 사운드 오디오가이에서 추구하는 사운드에 가까운 말그대로 공간의 앰비언스가 자연스럽게 살아있으면서 선명한소리 그런데 위 동영상에서 피아노와 보컬 기타등에 바이올렛 디자인의 마이크를 사용하는 것을 보고 오랫만에 새로운 마이크를 한번 사용해보자 하여. 수입처인 사운드독에 연락을 해서 받아서 녹음해보았습니다.피아노에는 바이올렛 디자인의 스테레오 마이크 (전 변함없이 스테레오 마이크를 너무 좋아합니다.)피아노 녹음은..그렇게도 피아노 녹음을 많이 하면서도 늘 긴장이 됩니다.녹음이라는 것이 늘 사용하는 좋은 포지션이 있다 하더라도 공간이나 악기 아티스트 그리고 음악에 따라서 결과물은 전혀 다르게 되니까요.하지만 그랜드 피아노의 녹음시 마이크 포지션의 시작은 바로 저 굴곡진 부분. (특히 스타인웨이 풀사이즈!!)해머위에 설치하는 것 포함해서 이것이 가장 기본이라 생각합니다. - 야마하는 위 포지션보다 해머위가 좋은 경우가 더 많습니다위 사진에서는 상당히 높게 보이지만 실제로의 높이는 딱 이만큼입니다.반사판의 각도와 마이크의 각도를 거의 통일시키는 것이 불필요한 소리가 가장 적게 들어오는것 같습니다지금 각도에서 고개를 들면 반사판의 초기반사음때문에 소리가 멍 해지고고개를 내리면 피아노의 페달소리가 좀더 많이 들어오게 되지요사진 각도에 따라서 마이크의 위치가 조금씩 다르게 보이지요?이번에는 평소보다 마이크를 약간 더 높게 설치하였습니다.때론 라지다이어프램 마이크들의 너무 부풀고 느린 중저역의 반응을 좋아하지 않기 때문에 좀더 스몰다이어프램 마이크처럼 깔끔한 소리를 얻기위해서 마이크의 높이를 평소보다 약간 높게 하였지요 역시 피아니스트가 너무 아름다운 소리로 연주를 하는 관계로. 녹음된 소리도 제마음에 쏙 듭니다. 근래에 녹음한 피아노 소리 가운데 가장 마음에 드는 것 같네요바이올렛 디자인의 스테레오 마이크. 이번 녹음에 사용한 멀징 호러스의 마이크프리는 특히 중역이 쏙 들어가있고 초고역이 밝은 성향이라. 중역이 쌉싸름하고 충실한 바이올렛 디자인 마이크들과 호러스 마이크 프리는 아주 궁합이 좋은 것 같습니다. 이때 숍스 MK4를 함께 설치해서 소리를 들어보았는데. 피아노의 강한 터치감이 제대로 표현이 되지 않더군요 RME 믹스타시와의 조합에서는 그렇게나 환상적인 피아노 소리를 들려주었는데 말이지요.  당분간 오디오가이에서 진행하는 피아노 녹음의 메인 마이크가 될것이 확실합니다! 그제 상암동 CS 뮤직앤 스튜디오에서도 피아노 솔로 녹음이 있었는데 이때도 DPA 4011 과 비교해서 들어보았는데, 라지 다이어프램만의 장점이 참 듣기 좋았습니다. 다음은 보컬 보컬도 역시 바이올렛 디자인의 최상급 튜브 마이크를 사용하였습니다. 사실 피아도도 피아노지만. 이렇게 마음에 드는 소리로 보컬을 녹음해본것은 정말 드물었습니다. 약간은 투박한 외관과는 달리. 소리는 너무 좋으네요 튜브감이 느껴지는 질감. 부드러운 중역에 밝은 고역. 헤드폰으로 보컬 소리를 듣고 너무 기분이 좋았습니다.마이크는 이렇게 생겼어요 바이올렛 디자인 사이트 들어가보니 아쉽게도 스테레오마이크와 함께 이 마이크는 단종이 된것 같더군요올림푸스홀의 대기실을 녹음시 콘트롤룸으로 사용합니다. 요즘 오디오가이 녹음세션의 컨트롤룸에서는 늘 심플하게 노트북한대. LAN으로 오디오 인터페이스 겸 마이크프리에 연결이 되어있기 때문에 과거보다 세팅이 훨씬 더 간편해졌습니다. 컨트롤룸 모니터 스피커는 B&W PM1 (앰프는 야마하 P2500 사용) 올림푸스홀에는 양질의 마이크스탠드 뿐만 아니라. 사진의 스피커 스탠드까지 있어서 로케이션 녹음 하는 입장에서 너무너무 편하고 좋습니다.^^마이크프리/컨버터로 사용한 멀징 호러스 라베나 코어오디오 드라이버를 통해서 프로툴로 24/96 녹음하였습니다 마이크프리앰프도 호러스의 것을 사용 컨버터의 소리는 아주 선명하고 맑고 깨끗하고 좋습니다. 마이크프리는 중역이 조금 들어가있고 고역은 밝고 저역은 적당히 롤오프. 오케스트라의 스팟마이크들을 여러대 사용했을때 잘 블렌딩 될 수 있는 성향의 마이크프리앰프 입니다  히어백 큐시스템을 가지고 가서 아티스트들에게 각자 피아노와 보컬의 음량을 편하게 조정할 수 있도록 해서 녹음을 하였습니다.마지막으로 의미가 없어보이는 전체샷. 사실 이렇게 오픈된 공간에서 피아노와 보컬을 녹음할때는 위치가 정말 가장 중요하다고도 볼 수 있지요 사진의 위치에 보컬이 있으면 보컬 마이크로 들어오는 피아노 소리가 좋습니다. 그렇기 때문에 보컬 마이크와 피아노 마이크의 높이도 통일감 있게 해서 보컬마이크로 들어오는 피아노 사운드가 피아노의 제 3의 마이크로 이용이 되도록 연주자의 위치를 두었어요.  게다가 중요한것은 역시 녹음레벨인데요. 보컬 마이크로 들어오는 피아노 레벨을 보컬의 최대레벨과 10dB 정도 차이가 나게 두었습니다. 보컬마이크의 피크레벨과 보컬마이크에 들어오는 피아노의 피크레벨 사이가 10dB 안쪽이 되면 피아노 사운드가 보컬보다 앞으로 나오게 될수도 있기 때문에 보컬마이크에 들어오는 피아노의 레벨, 거리. 음색등을 조정해서 위 자리로 선택하였습니다.

피아노라는 악기는 왜 이리도 저를 매혹시키는지 모르겠습니다.늘 집에서 아침에 시작하는 음악, 아니 제가 듣는 대부분의 음악중 가장 많은 비중을 차지하는 것이 역시나 피아노 일것입니다.그렇기 때문에 늘 피아노의 소리를 좀더 좋게 녹음할 수 없을까..하며 많은 시간들을 보내고 있어요과거 피아노 관련 글에도 썼었지만. 제가 스타인웨이를 이렇게 빨리 가지게 될런지는 정말 상상하지 못했으니까요.이번에 오디오가이에서 피아노 솔로곡들 모은 음반이 하나 나옵니다.그동안 열심히 녹음한 피아노 음반들 가운데 제가 마음에 드는 몇몇곡들을 추렸고요.링크한 파일이 트랙 1번. 트랙 2번입니다.아래는 프레드허쉬 녹음시 세팅, http://blog.naver.com/audioguy1/90171748089아티스트 : 프레드 허쉬 녹음장소 : 마포아트센터 라이브 레코딩 2013.4  녹음기기 :  RME  MICSTASY  마이크프리앰프/AD 컨버터 마이크 : DPA 4011TL AB 스페이스드 페어 레코딩 포맷 : 24bit/96Khz 피아노 : 함부르크 스타인웨이 D  조율사 : 이정규 2013년 4월 마포아트센터에서 있었던 재즈 피아니스트 프레드허쉬의 솔로 피아노 콘서트를 실황으로 녹음한것으로 이날의 공연은 지금까지 오디오가이에서 진행한 솔로 피아노 레코딩에서 분기점이 되는 피아노 소리를 들을 수 있었습니다. 리허설때 마이크 세팅을 위해서 무대에 올라서 프레드허쉬가 연주하는 피아노 소리를 실제로 귀로 들었을때 생각했습니다. 이렇게나 섬세한 페달링을 하는 사람을 직접 보기는 처음으로 댐퍼가 없는 피아노의 고음역대들에서는 페달링을 극히 자제해서 섬세하고 ?명하며 깨끗한 피아노의 고음을, 왼손 저음에서는 페달을 적극적으로 활용해서 아주 부드럽고 따듯한 소리를 만들어내더군요 “아..이사람의 피아노 소리는 누가 어떻게 녹음을 하더라도 이 아름다운 소리가 그대로 음반에 담기겠구나..하고 말이지요” 공연을 녹음하는 내내. 극장안에서 아름다운 눈의 결정체들이 크게 확대되어 하늘에서 떨어지는 것과 같은 느낌. 지극히 맑고 깨끗한 피아노 사운드.  피아노라는 악기특성상 여러가지 일종의 소음들이 있지만 프레드허쉬의 연주에서는 이러한 피아노가 가지고 있는 구조적인 비음악적인 소리들은 전혀 찾아볼 수 없었습니다. 녹음은 클래식 녹음, 그리고 피아노 녹음에서 레코딩 회사 오디오가이에서 가장 선호하는 마이크로 항상 우선순위에 있는 덴마크 DPA사의  4011TL  마이크를 2대 사용.  DPA 4011TL 은 아주 선명하고 밝은 중고역. 저역의 부품이 없는 깨끗한 저역 특성으로 피아노 레코딩에 아주 잘 맞는 마이크입니다. 특히나 피아노 같은 타악기류 의 악기를 녹음할때 아주 빠른 어택을 뭉게짐이 없이 정확하고 선명하게 표현을 해줍니다.    다만 TL(트렌스포머 레스) 방식의 특성상 마이크 케이블의 길이가 가급적이면 짧게 사용하는 편이 이 마이크의 장점이 살아나기 때문에 마이크프리앰프/ AD컨버터를 무대위 피아노 뒷편에 두어서. 마이크케이블의 길이가 7미터 정도밖에 되지 않아 더욱 더 순수한 소리를 얻을 수 있었습니다. 이번 녹음에 피아노 꼬리부분의 마이크를 두면 우선 페달노이즈등이 전혀 녹음이 되지 않기 때문에 보다 음악감상에 집중할 수 있다는 장점이 있고, 저음현의 깊이감에서의 약간의 아쉬움은 있을 수 있지만 중역에서 고역으로 이어지는 프레이즈등이 해머근처에 마이크를 설치한것보다 보다 더 유려하게 표현이 됩니다. 프레드허쉬같이 유려한 오른손의 플레이를  지니고 있는 연주자들에게는 특히나 더 잘맞는 마이크 포지션으로 볼 수 있습니다. 대부분의 피아노 레코딩. 특히 재즈 음악은 이렇게 피아노에서 멀리 떨어지는 것보다는 해머 바로 위에 마이크를 설치해서 스테레오로 녹음하는 것이 일반적이지만, 프레드 허쉬는 스타인웨이 풀사이즈의 피아노에서 소리가 나오는 모든 부분. 건반에서 해머. 반사판. 그리고 피아노의 몸체등 모든 부분에서 피아노를 콘트롤하며 소리를 만들어내고 있었기 때문에 이러한 경우는 피아노의 바깥부분에 마이크를 설치하는 것이 좋습니다. 특히나 스타인웨이 풀사이즈의 피아노는 피아노의 몸체부분에서 소리를 모았다가 폭팔적인 음압을 내어주는 구조로 되어있기 때문에 몸체 근처에 마이크를 설치해서 녹음을 하는 경우 좋은 소리를 얻을 수 있을때가 많이 있습니다트랙 2  아티스트 : 바딤 네셀로프스키 녹음장소 : 올림푸스홀 공연실황 레코딩 2014.2.14  녹음기기 :  RME  MICSTASY 마이크프리앰프/AD 컨버터 마이크 : SCHEOPS MK4  AB 스페이스드 페어 레코딩 포맷 : 24bit/96Khz 피아노 : 함부르크 스타인웨이 D (시리얼 : ) 조율사 : 정재봉  클래식 음악을 기반으로 한 재즈 피아니스트들은 어릴적부터 오랜시간 피아노 앞에 앉아왔음을, 무대에서 피아노의 첫음이 시작되는 순간 바로 느낄 수 있습니다. 왼손과 오른손의 밸런스. 자연스럽고 섬세한 페달링, 이로인한 자신만의 피아노 사운드를 지니고 있기때문입니다. 이 바딤 네셀로프스키 라는 재즈피아니스트 역시 오랜시간 피아노와 함께 자신만의 소리를 만들어온사람입니다.  연주가 있었던 올림푸스홀은 피아노 솔로 음반 레코딩에 아주 적합한 곳으로 우선 피아노의 음색을 개인적으로 무척 좋아하는 소리입니다. 같은 함부르크 스타인웨이 D피아노 라도 피아노에 따라. 조율하는 사람에 따라서 전혀 다른 소리를 내어줍니다. 어떠한 장소에 있는지 거기에 맞추어서 조율사는 음색을 조정하고 조율을 합니다.  올림푸스홀의 스타인웨이는 고역의 밝은 광채가 그대로 살아있어서 보다 큰 공연장에 맞는 음색이지만 이러한 음색이야말로 스타인웨이가 가지고 있는 다른 피아노와의 가장 큰 차이점이라고 볼 수 있을 것입니다. 이트랙은 다른 모든 트랙과 같이 이퀄라이저, 컴프레서 등으로 인한 음색의 가공을 전혀 하지 않은것을 기본으로 거기에 공간감을 더하기 위한 리버브도 전혀 사용이 되지 않은  현장에서의 실제로 공연장안에서 울려퍼진 소리입니다.   올림푸스 홀은 사이즈에서 느껴지는 것보다도 더 깊고 아름다운 울림을 지니고 있는데 특히나 피아노에서 이러한 울림은 음악을 만들어내는 아티스트들의 영감을 더하며, 저와 같은 레코딩 엔지니어에게는 늘 커다란 기쁨을 선사합니다.   녹음은 독일 숍스사의  MK4  단일지향성 마이크를 AB 스페이스드 페어로 설치. 첫번째 트랙의 프레드 허쉬와 거의 같은 마이크 포지션으로 사용하였습니다. 숍스사의 마이크는 주로 오케스트라 녹음에 있어서 가장 많이 사용이 되는 마이크인데. DPA 4011 과 같은 단일지향성이라도 4011이 보다 선명하고 빠른 어택의 직접음 녹음에 유리하다고 하면, 이 숍스의 마이크는 직접음과 더불어 간접음(공간음)을 녹음하는데 있어서 탁월한 소리를 들려줍니다. 그렇기 ‹š문에 별도의 앰비언스 마이크를 사용하지 않고 단일지향성 마이크로, 피아노의 직접음과 레코딩 엔지니어가 원하는 공간의 간접음의 비율을 얻을 수 있었습니다. 음과 음 사이의 올림푸스홀의 공간에서 아스라히 사라지는 피아노의 울림을 함께, 음악과 소리의 아름다움이라는 것이 때로는 음의 시작이 아닌 음이 사라지는 순간과 그 여백에도 존재함을 들어보시기 바랍니다. 

모처럼만에 스튜디오에서 클래식 피아노 솔로를 녹음했습니다. 분위기 있고 신나는 재즈도 좋지만. 클래식음악도 스튜디오에서 흘러나오니 참 즐겁네요! 오디오가이 스튜디오를 오픈한지 벌써 7개월째. 그동안 피아노 녹음을 무척 많이 했는데.  스튜디오에서 혼자 피아노를 띵땅 거리며 소리를 내보면 이렇게나 피아노의 소리가 좋을 수 없는데, 녹음되는 소리는 피아노가 가지고 있는 장점들을 충분히 다 담아내지 못하는것 같은 일말의 아쉬움이 들었습니다. 게다가 같은 스타인웨이 풀사이즈 피아노가 있는 여러 클래식 공연장들에서 녹음을 해보아도. 역시 우리 스튜디오 피아노가 피아노 자체의 소리가 참 좋구나..라고 생각을 했었습니다만.. ^^ 아무리 녹음을 고심해서 한다 하더라도 아티스트가 가지고 있는 소리의 차이는 녹음 결과에 가장 큰 부분임에는 틀림없을 것 입니다, 하지만 언제나 좋은 소리로. 특히나 제가 사랑하는 "피아노"를 녹음에 담아보고 싶은 것은 저의 오랜시간의 "꿈" 이자 목표 이기도 합니다. 이번에는 최근에 녹음에, 특히 클래식 피아노에(얼마전 과천시향과 피아니스트 유영욱님의 차이코프스키 피아노 협주곡 녹음때도 같은 세팅) 이 세팅으로 녹음을 하고 있습니다. 세상에 많은것들이 그러한것일런지는 모르겠지만.  참 녹음이라는것도 그저 오랜관습에 얶매이고 습관에 익숙해지기 쉽상인것 같습니다. 피아노 소리를 담는 마이크는 늘 해머 근처에 있어야 하고.. 스테레오 마이킹은 항상 LR이 같은 위치에 있어야 하는 등등. 말이지요 물론 오랜시간 거의 녹음방법이라는 것이 확실하게 정립된 60년대 이후 50년간 수 많은 선배들의 경험에 근거한 이론등은 정말 중요하고 마음속 깊이 존중하고 있습니다. 하지만 언제나 그것이 모든 상황에 최선의 방법은 아닐것 입니다. 내가 생각하는 최선의 방법은 결국은 스스로 현장에서 찾아내게 되는것이 아닐까요? 늘 녹음현장에 있으면서도  악기, 그리고 공간의 울림, 마이크의 위치에 대해서 늘 무엇인가 새로운 소리를 찾아보고 싶은 욕망에 휩싸이게 됩니다.  이번 피아노 녹음은 사실 80년대 호로비츠의 모차르트 피아노 콘체르토 녹음 영상을 보고 알게 되었어요. 톰 라자레스라는 유명한 엔지니어가 호로비츠의 레코딩 세션을 진행하면서 피아노에 둔 마이크 세팅을 보고 깜짝 놀랐습니다. "아!! 왜 이렇게 단순한 것을 지금까지 알지 못했을까!!"  스테레오 녹음은 꼭 두 마이크의 높이가 같아야 하지 않아도 되는데 말이지요. 피아노라는 악기가 피아노 뚜껑 바로 아래서 불필요한 반사음 없이 아주 선명하고 깨끗한 소리를 들려주는데. 고음부분, 그리고 저음부분에 사진에서처럼 마이크를 두고 녹음해볼 생각을 왜 지금까지 해보지 못했는지.. 그동안 피아노 녹음에 관해서 정말 많은 고민과 연구를 했음해도 불구하고 늘 결정되는 것은 기존에 내가 생각하고 있는 범위안에서만 머물게 되는 것 같습니다. 그만큼 습관이 평소의 사고의 폭의 크기를 정해지게 하는것 같기도 합니다. 늘 답에 가까이 이르는 길은 정말 쉽고 단순하며, 오히려 너무 깊게 생각을 해서 다른길을 보고 있는 오류들을 많이 행하고 있는것이 아닌가 합니다.    사진에서처럼 고음쪽 높이가 높은 곳은 높게   저음쪽 피아노 반사판의 높이가 낮은곳은 낮게 설치를 합니다..   해머과 현 근처에 마이크를 두는 것 보다 이동네에 두는것이 저는 훨씬 더 실제소리같은 피아노 소리로 녹음이 되어 좋습니다.     피아노와 마이크와의 거리도 어느정도 여유가 있어요.    그래야 악기와 마이크사이의 공간으로 소리들이 공기를 타고 좀더 왔다 갔다 합니다.     이번 소리는 그동안 오디오가이 스튜디오 피아노 사운드에서 마음속 내내 일말의 아쉬움이 있었던.    이 좋은 피아노의 소리가 왜 녹음에 제대로 담기지 않을까..했던 고민이 정말 속시원하게 해결되었습니다.     정말 딱 소리좋은 스타인웨이 풀사이즈 피아노의 소리가 온전히 녹음에 담겼습니다.     어쿠스틱 악기의 녹음에서 근접마이크. 앰비언스 마이크 등등 여러개도 좋지만.    늘 기본은 최소한의 마이크로 원하는 사운드(음색 및 공간감등등) 를 얻는것이 가장 중요한것 같습니다.     하지만 이렇게 단순하고 가장 중요한 사실은 공기와 물처럼 금새 스며들어 잊혀지기 쉽상이지요   마이크는 숍스 MK4 단일지향성을 사용했습니다.   초기 세팅에 DPA 4011 과 AKG C24도 함께사용해보았습니다.   그동안 노이만 USM69가 물려준 오디오가이 피아노 녹음에 5년간 메인이 되었던 DPA 4011 은 이제 숍스에게 그 자리를 물려주어야 할것 같습니다.   노이만에서 DPA에서 그리고는 이제는 숍스로 귀결이 되고 있는데요. 사실 피아노 녹음 뿐만 아니라 다른 악기 녹음에도 숍스를 선호하는것이 무척 늘고 있습니다.   DPA는 늘 그렇듯이 그 예의 선명한 중고역. 특히나 중역. 깔끔한 저역.    C24 의 피아노 소리는 클래식 보다는 재즈에 어울릴만한 중역이 아주아주 밝은 소리.    반면에 숍스는. 실제 피아노가 지니고 있는 소리 그대로를 들려줍니다.   이전에는 DPA 마이크가 정말 "소리가 밝다" 라고 생각을 했는데요.   DPA 마이크가 소리가 밝은 것은 맞습니다.   게다가 DPA 마이크는 피아노외에도 타악기에도 자주 사용하는데요 정말 트랜전트가 빠르고. 어택이 아주아주 선명하지요.   DPA 가 소리가 밝은것은 마이크의 정면에서 집음이 되는 온 마이크의 소리는 밝습니다.      하지만 숍스는.. 마이크 정면에서 집음되는 온마이크의 소리를 DPA 에 비해 그저 조금은 밋밋하게 평탄하게 들어옵니다만   오프 상태에서의 반사음의 소리가 정말 정말 밝고. 같은 단일지향성이라도 DPA 4011 에 비해서 여음이 더 많이 들어옵니다.   여음이 더 많이 들어온다는것.. 어쿠스틱 악기 녹음에서 이것이 얼마나 중요한것일까요?   그래서 지향패턴도 DPA 4011에 비해서 좀더 넓게 느껴집니다만   피아노같이 복잡한 악기의 소리의 시작부터. 아스라이 사라지는 여음까지 충분하게 녹음이 되는 숍스 마이크의 소리가 저는 정말 좋습니다.   그러고보니 숍스는 재즈드럼의 오버헤드로 사용할때도 4011에 비해서 라이드 심벌의 "스윙"하는 소리가 더 생동감있게 들립니다.   DPA는 스틱이 라이드를 터치하는 그 순간을 선명하게 포착한다면   숍스는 스틱이 라이드가 흔들리면서 퍼져나가는 소리가 정말 귀에 들리는 그대로 녹음이 되지요.     당분간 오디오가이 스튜디오의 피아노 녹음에 있어서 재즈던 클래식이든 이 세팅을 기본으로 녹음해보려 합니다.   피아노. 드럼. 콘트라베이스.  많은 음악에 근간이 되는 이 세악기 녹음에 관한 나만의 방법이 정리가 되어 참 기분이 좋습니다. 누군가와 같은 방법이든. 그것을 따라하는것이든. 책을 보고 하는것이던지  머릿속으로 내내 울리고 있지만 현실에서는 좀처럼 만날 수 없었던 그 소리를 만나게 되니 참으로 반갑군요. 이 다음은 또 어떤 음악과 소리를 만나게될지. 무지하게 두근거립니다!    

http://blog.naver.com/audioguy1/90174929144 오늘 스튜디오에서 피아노 재즈 트리오의 녹음이 있었습니다. 피아노 트리오는. 여러 재즈 구성중에서 참 좋아합니다. 과거에는 듀오와 솔로를 선호했었는데. 갈수록 피아노 트리오가 더 좋아지게 되는것같습니다. 제가 재즈를 좋아하게 된 음반은 케니드류의 음반이었는데. 이 음반으로 인해서 재즈라는 음악을 평생에 좋아하게 되었고. 또 재즈음악을 녹음하는 레코딩 엔지니어가 되었습니다. 피아노. 콘트라베이스. 드럼. 이렇게 세사람이 서로 대화하듯이 즐겁고 신나게 연주하는 모습이 연상이 되는 그러한 트리오가 참 좋습니다. 오늘 오디오가이 스튜디오에서 녹음한 임보라씨의 트리오가 이러한 느낌을 주는 음악이었습니다. 오디오가이 스튜디오는 생긴지 5개월밖에 되지 않았지만 참 많은 재즈음반들을 녹음하였는데. 이 음반은 그 가운데 가장 마음에 드는 소리로 녹음이 되었습니다. 스튜디오에서 여러 녹음들을 진행하며 차근차근 우리 스튜디오의 특성에 대해서도 파악하게 되었고 녹음시에 레코딩 프로그램에서 아무것도 건들지 않아도(볼륨. 이큐나 컴프. 리버브등등..) 들을 수 있는 음악이 흘러나와서 참으로 기쁩니다. 이번 피아노 녹음은 DPA 4011 페어와 사진뒷쪽에 작게 나와있는 MG M960 무지향성 마이크를 AB로 앰비언스로 하였습니다. DPA 4011 마이크. 참..제게 있어서 DPA 4011 만큼 많은 추억이 있는 마이크도 또 드물것 같습니다. 꽤나 오랫동안 사용하고 있기도 하고 이 마이크를 사용하면서 부터 오디오가이의 사운드가 바뀌었다!! 라고 사람들이 이야기를 할정도로. 많은 영향을 준 마이크이지요. 요즘은 4011A라는 것으로 모델체인지가 되어서 나오는데 저는 이전의 4011이 훨씬 더 마음에 듭니다. 요즘것은 중역대의 피크감이 느껴지는 부분이 있어서.. 피아노 마이크프리앰프는 GML 프리를 사용했습니다. GML은 초고역과 초저역이 적당하게 짤려있어서 중역위주라 피아노에 참 잘맞는 것 같습니다^^ 피아노 사운드의 배음이 지나치게 많이 들어오지 않고. 약간은 정리된 사운드로 들려서 클래식이면 몰라도 재즈에는 상당히 잘 어울립니다. 피아노 마이킹 포지션 요즘들어 피아노 녹음에 자꾸 마이크를 멀리 하게 됩니다. 많은 레코딩 엔지니어들은 피아노 녹음시 마이크가 꼭 해머와 현을 바라보고 있어야 할것 같다고 생각을 하지만 피아노 몸체(특히 스타인웨이는 더더욱)에서도 참 많은 소리가 흘러 나오는것 같습니다. 이번에는 드럼녹음 사진은 없는데요 드럼 오버헤드 AKC C24 XY 킥드럼 오디오테크니카 ATM23 스네어 탑과 버텀 BETA57 탐탐 DPA 4006 드럼녹음에는 오랫만에 탐탐에 DPA 4006을 사용하였는데. 특히 플로어탐에는 역시 콘덴서 마이크가 탐 몸체에서의 울림까지 잘 들어오는것 같습니다. 오버헤드는 AKG C24를 사용하였는데 역시나 드럼 오버헤드는 라지 다이어프램에서의 소리가 깊이감이 있고. 드럼셋 자체의 밸런스가 훨씬 더 좋게 들려서. 오버헤드는 라지!!! 이번 녹음에서 가장 기억에 남는것은 베이스 였는데요. 재즈녹음에서 늘 콘트라 베이스 녹음이 저의 머릿속을 떠나지 않습니다. 어떻게 해도. 이렇게 해도. 아무리 노력해도 소리가 정말 마음에 들지 않았는데요. 이번 콘트라 베이스 사운드는 제가 원하는 소리로 딱 떨어지게 나왔습니다!!! 오디오가이 스튜디오는 트리오 녹음시 베이스는 휴게실에서 녹음하는데요 휴게실 벽면은 노출콘크리트로 되어있어서 자연스러운 공간의 울림이 있습니다. 휴게실이지만 녹음부스로 사용하기 위에 모든 패널들이 준비되어있고. 바닥역시 다른 부스들과 마찬가지로 플로팅되어있습니다. 이번에 콘트라 베이스는 이렇게 녹음했습니다. 요즘 제가 정말 많이 녹음에 사용하고 있는 MS 세팅 노이만 TLM170R을 양지향성 S로 노이만 KM140을 단일지향성 M 으로 저는 왠지 MS를 사용하더라도 같은 마이크를 사용해야 할것 같다는 느낌이 있었는데요. 오늘 녹음해보니 같은 브랜드 정도되면 전혀 문제가 없더군요. TLM170R의 경우는 100Hz 로우컷 필터를 하였습니다. 전 드럼도 모두 로우컷을 하고 녹음합니다. 진짜 로우컷 필터가 필요한 악기는 킥드럼과 콘트라베이스라고 생각합니다. 마이크는 사진에서처럼 상당히 높습니다. 그동안 베이스에 너무 마이크를 낮게 사용을 한것 같습니다.ㅜ.ㅜ 이렇게 높게 설치가 되었지만 S에서 나오는 콘트라 베이스의 나무가 통통 튕기는 소리가 S에서 확실하게 녹음이 됩니다!!!! 콘트라 베이스 녹음할때 늘 현소리랑 벙벙 거리는 좋지 않은 울림이 너무 많이 녹음되는것 같았는데 이번에는 소리가 아주 선명하면서도. 나무악기 특유의 울림이 S를 통해서 고스란히 녹음이 되었습니다. 물론 베이시스트에 따라서 내는 소리가 천차만별이기 때문에 모든 콘트라 녹음에 있어서 이 포지션과 세팅이 가장 좋다! 라고 이야기를 할수는 없겠지만 그래도 지금까지 백번넘게 해본 콘트라 베이스 녹음중에 이 높이와 거리. 그리고 이 마이크 세팅이 참 마음에 듭니다. 믹싱시에 베이스를 로우컷 할필요 없이 아주 깨끗하면서도 "발음"이 선명하게 들리면서도. 저역은 풍성하게 녹음되었습니다. 마이크 프리앰프는 배터리 마이크프리앰프인 렌스. 아무래도 이 프리앰프를 4채널 버젼정도로 해서 한대더 주문해야 할듯 합니다. 콘트라 베이스에는 이 프리앰프의 선명한 중역이 너무 마음에 듭니다. 마지막으로 아코디언 녹음도 함께 있었는데요. 사진과 같은 기본적인 세팅으로 하였습니다. 피아노와 같은 방에서 하였는데. 지향성은 초지향성으로 세팅. 이역시 75Hz 로우컷 초지향성으로 세팅을 하면. 아코디언에 들어오는 피아노 소리가 확실하게 "앰비언스"소리로 아주 멀게 들어옵니다. 초지향성의 뒷꼬리에서 단일지향성보다 반사음들을 확실히 좀더 받아주는 것 이 있어서 오픈된 공간에서 여러악기들을 동시에 녹음할때는 초지향성이 정말 좋은 것 같습니다!! 천천히 조금씩이지만 좋은 음악을 좋은 소리로 남길 수 있어서 참 기쁘고 뿌듯합니다.. 내후년이 되면 레코딩엔지니어를 시작한지 20년이 되는데. 이 시간만큼의 비례하는 발전은 없었지만 그래도 이렇게 늦게. 천천히나마 조금씩 발전할 수 있다는 것에 더더욱 감사할 따름입니다..

사진과 함께 보시려면 http://blog.naver.com/audioguy1/90174260934 며칠전 세종문화회관 체임버홀에서 바리톤 정록기 (피아노 마나부 마츠가와)의 슈만과 이상근 가곡 독창회가 있었습니다. 바리톤 정록기 선생님은 오디오가이 레이블로 슈베르트 겨울나그네 와 볼프가곡집 2장의 음반이 발매되었고 이밖에도 오랜시간 함께 많은 음반작업들을 오디오가이와 함께 하고 있는 분입니다. 꽤 오래전이었는데요. 일본의 유명한 고음악 단체인 도쿄 콜레기움 재팬(지휘 스즈키 마사키)의 공연이 명동성당에서 있었습니다. 바로크 음악을 좋아하기도 하지만 울림이 아주 좋은 명동성당에서의 공연이라 정말 좋게 공연을 보았었는데요. 공연을 보면서... 음.. 역시 콜레기움 재팬의 독창자들의 실력이 아주아주 뛰어나군.. 이라고 생각했었는데 나중에 이 공연이 TV에서 방송이 되는데 어느 한가수의 독창부분에 자막이 나오더라구요 "바리톤 정록기" 제가 당연히 일본사람이라고 생각했던 그분이 바로 한국분이었던것이었습니다. 그래서 몇년동안 이분에 대한 좋은 기억을 지니고 있다가. 마침 좋은 인연이 되어서 오디오가이에서 함께 작업을 하게 되었지요. 정록기 선생님은 참 공연을 많이 하시는데. 이번 공연의 경우 오디오가이 레이블의 슈베르트. 볼프 두음반에서도 피아노 반주자로 참여했고 정록기선생님과 독일에서 함께 공부한 사람으로써 두사람의 호흡은 정말이지 좋습니다. 저는 최근 MS 레코딩에 푹 빠져있는데요. 특히나 이렇게 듀오음반 녹음을 할때는 더더욱 MS를 선호하게 됩니다. 이번에는 보컬에 숍스 MS로 세팅을 하였습니다. 사진에서처럼 성악가분이 피아노에 기대고 있으면서 노래를 하기때문에 성악 마이크로도 피아노 소리가 많이 들어가게 됩니다. 이렇게 오픈된 환경에서 여러악기들을 동시에 녹음을 할때 마이크들에 다른 악기들 소리가 섞여서 들어오는 것을 잘 조정하는 것이 녹음에 있어서 가장 중요한 부분이라 생각을 하고 있는데요. 사실 소리가 들어오는것은 혹은 크게 들어오는 것도 괜찮지만 문제가 되는것은 예를들어 성악마이크에 피아노 소리가 가깝게 들리는것 입니다. 숍스 스테레오바를 사용해서 MS로 세팅 이 스테레오바는 참 좋습니다. XY. ORTF. 블룸레인. MS 가 한개의 스테레오바로 아주 간편하면서도 정확하게 세팅을 할 수 있지요. 처음에는 윗사진처럼 양지향성 마이크를 위에. 단일지향성 마이크를 아래에 두었었는데. 최종적으로는 사진과 같이 단일지향성 마이크를 위로 하였습니다. 이 포지션에 있는 MS에서 M은 물론 성악을 위한 마이크입니다만 S는 성악보다도. "성악 마이크에 들어오는 피아노 소리"를 위한 마이크입니다. 이경우 마이크 한개만 사용을 해서 성악을 녹음하면 성악 마이크에 들어오는 피아노 소리가 "모노로 들어옵니다." 그리고 "모노인 경우 스테레오보다 소리가 더 가깝게 들립니다." 여기서 문제가 생기는 것이지요 그렇기 때문에 저는 이러한 경우 MS나 XY등 스테레오 마이크를 사용해서 솔로악기를 녹음하는것을 아주 선호하는데요. 이번에 MS의 S에서의 피아노 소리는 기대만큼 피아노 소리의 앰비언스가 자연스럽게 스테레오로 들려와서. 피아노 스팟 마이크와 아주 자연스럽게 섞일 수 있었습니다. 피아노 마이크 포지션은 이렇게 하였습니다. 최근 클래식 피아노 녹음에 이 근처 마이크 포지션으로 사용하는경우가 많은데요 페달소리도 거의 들리지 않고. 소리가 너무 가깝게 들리지 않고 참 자연스러운 피아노 소리를 얻을 수 있습니다. 왠지 피아노 마이크는 늘 해머나 피아노의 굴곡진 주변 근처에 있어야 할것 같은데 말이지요. 저는 이 세팅을 할때 고역쪽 마이크가 피아니스트의 정면을 바라보도록 설치를 합니다. 마이크의 높이도 피아니스트의 얼굴을 향하게 하는 편이에요. 저음쪽 마이크는 녹음하는 곳의 공간상태에 따라서 두 마이크의 간격을 벌리거나 좁히거나 소리를 들어보고 결정합니다. 이건 무대바닥에 설치한 PZM 마이크입니다. 무대바닥에서 객석쪽으로 설치해서 무대에서 생긴 소리가 "홀의 옆벽과 뒷벽을 통해서 다시 돌아서 들어오는 반사음"을 녹음하기 위해서 있는 마이크인데요. 홀에서의 녹음은 메인 마이크가 있던가 꼭 이렇게 앰비언스 마이크가 있어야 "그 공간의 캐릭터가 녹음에 들어납니다." 그렇지 않으면 홀에서 녹음하는 소리가 아닌 마치 스튜디오에서 녹음한것 같은 소리로 되기 쉽상이지요. PZM 설치된 소리를 듣고 참 만족스러웠습니다. 리허설이 끝나고 최종 세팅된 공연 직전의 사진 PZM 마이크도 더 많은 반사음을 얻기 위해서 처음에는 무대 거의 끝쪽에 있었다가 무대 안쪽으로 상당히 들어왔습니다. PZM은 더 넓은 바닥면을 지니고 있을 수록 좋습니다만. 성악의 경우 성악가에 너무 가까이 가면 발소리가 녹음될수도 있으니 주의해야 합니다^^ 이번에 사용된 마이크프리와 컨버터 보컬 MS는 오디오가이의 메인 프리앰프 Rens 커스텀 배터리 프리 이 기기는 MS 디코더 내장으로 S채널이 2개의 채널로 나옵니다. 그래서 DAW 상에서 M 채널 한개와 S 채널 두개 총 3채널로 바로 녹음을 할 수 있어요. 피아노에는 렌스 프리를 사용하지 않고 RME 믹스타시의 프리를 사용하는것을 좋아합니다. 앰비언스도 믹스타시 프리이고 컨버터는 모두 믹스타시 가장위에 마이텍 컨버터는 클락 제네레이터 용도입니다. RME 제품의 마이크프리와 컨버터의 퀄리티는 참 좋은 편인데 외부의 클락 제네레이터를 사용하는것과 그렇지 않은것에 소리차이가 상당히 많이 나는 편입니다. 마이텍 컨버터에서는 클락 출력만 사용. 믹스타시에서 RME 마디페이스로 연결해서 노트북으로 시콰이어로 24/96 으로 녹음이 되었고요. 마지막으로 재미있는 피아노 바퀴모습 보통 피아노 바퀴는 정면으로 하는경우가 많은데요 일본인 피아니스트가 바퀴모양을 이렇게 하는편이 피아노의 소리가 더 좋다고 조율사에게 부탁했다고 합니다. 다음에 피아니스트를 만나게 되면 소리가 어떻게 다른지 꼭 물어봐야 겠어요^^ 리허설중에 열심히 사운드 체크가 끝나고 공연장의 정적과 함께 있는 피아노 그리고 마이크들. 공연이 시작되기 전 이렇게 조용하게 혼자 공연장 객석에 앉아있는것을 참 좋아합니다. 공연할때 음악과 관객의 함성이 그 공간을 꽉 채우는것도 좋지만 가끔은 이렇게 빈공연장안에 적막과 함께 홀로 앉아있는 시간이 참 좋습니다.

안녕하세요 영자입니다. 이제 오디오가이 레코딩 스튜디오의 공사도 거의 막마지에 이르렀네요. 이번주에 기본적인 내부 공사는 끝나고 다음주 월요일 마루를 깔고. 몇몇 전기공사. 수요일부터 콘솔설치를 시작해서 크리스마스 즈음이면 공사가 모두 끝날 것 같습니다. 물론 공사가 끝나더라도 여러가지 튜닝등이 남아있기는 하지만요. 공사가 마무리될즈음되니 우선은 조금 지치고 힘들기도 하고 그렇네요 공사를 해주시는 분들. 그리고 여러모로 도움을 주고 있는 친구분들이 아니었으면 그냥 될때로 되라.. 라고 손놓아 버릴뻔도 하기도 하였었답니다. 정말 작은 것 하나하나가 순간의 판단히 적어도 몇년동안 보고 살아야 할 생각을 하니 참으로 심적인 부담이 되더라구요. 지금도 여러가지로 머릿속이 복잡한 상태라 어떠한 이야기를 먼저 해야할지 모르겠습니다만. 오디오가이 가족분들이 스튜디오를 만든다면 미리 공사를 시작하기 전에 반드시 아래의 부분들은 결정을 하시고 공사를 시작하셔야 합니다. *스튜디오에 사용이 되는 장비. 예를들어 콘솔. 레코더. 컨버터. 아웃보드 등등 미리 기기가 완전히 결정되지 않은 상태에서 공사를 진행하니 이것참 패치짜는 것도 그렇고 참으로 가뜩이나 결정할것 많은 순간에 녹음실과 더불어 장비까지 함께 신경을 쓰는것이 보통일이 아니더군요 그래서 녹음실을 만든다면 녹음실 인테리어 공사할때는 오로지 소리와 디자인 부분에만 집중할 수 있도록 장비선정부분은 확실히 정리를 해놓고 시작하는것이 좋습니다. *기기들의 배선 및 세팅방법 이 역시 장소가 결정이 되었다면 케이블들이 어떻게. 어느자리에 배선이 되고 마이크박스가 위치하는지를 확실하게 미리 정해두어야 합니다. 전 배선은 커녕. 메인 케이블을 모가미로 할지. 이보다 10배비싼 오야이데로 할지 고민하다 결국 이때문에 결과적으로 전체 공사가 일주일가량 지연이 되기도 했답니다.ㅜ.ㅜ 각 룸들의 마이크박스는 어디에 두는것이 케이블길이가 최소한으로 되어 음질적으로 이득이 있으면서도 사용하기에 합리적이고 편한지. 생각을 미리 해서 도면에 표시를 해두어야 합니다. 전기의 경우도. 콘센트를 어디에 어떻게 둘지 역시 세세하게 결정을 해두어야 나중에 공사진행하면서 그자리에서 바로바로 결정하게 되면 꼭 나중에 번복하는 일이 생기기도 합니다. 특히 케이블 설치와 전기의 경우는 한번 설치해놓으면 나중에는 바꾸기 어려운 부분이 많으니 정확하게 해야 하고요. 저의 경우도 콘솔의 좌측에 패치베이가 있는데. 그것을 확실하게 예상을 하고 콘트롤룸에서 각 부스들로 케이블 가는 위치들을 정했다면 지금보다 적어도 케이블길이를 각 방마다 5미터는 짧게 할수도 있었을텐데. 이미 바닥을 플로팅하고 그위에 콘크리트까지 부어서 단단하게 만든 바닥을 다시 뜯어서 배선을 최단거리로 다시 하고 싶은 마음이 들기도 합니다만. 쉽지 않더라구요^^ *각 콘트롤룸과 부스의 음향을 데드하게 할지. 라이브하게 할지 미리 생각을 해두는것도 좋은것 같습니다. 모든 공간은 그 공간의 구조에 따라서 기본적인 소리가 결정이 되지만 역시 내부마감을 어떻게 하느냐에 따라서 정말 많은 소리차이가 있지요. 내가 좋아하는 소리. 내가 원하는 소리가 무엇인지 내가 자주 녹음하는 악기가 어떤것인지 충분히 심사숙고 한후. 심지어 우리 녹음실에 자주 오는 프로듀서나 아티스트들이 좋아하는 소리는 무엇인지.. 까지. 생각을 해서 기본적인 생각을 정리해두는것이 필요합니다. *각 창문과 문들을 어떻게 만들고 결정할지. 그리고 냉난방기는 어떻게 할지 역시 반드시 미리 생각해두어야 합니다. 이번 오디오가이 스튜디오는 4층에 있어서 여러 창들이 아주 많이 있는데 어떤 창이 외부 소음에 영향이 있고 적은지 미리 면밀하게 생각해서 창을 막을지. 밖에 시스템 창호를 더할지. 아니면 창에 방음문을 달지 등등을 미리 결정을 해두니 참 좋은것 같더군요. 또한 녹음실의 냉난방 역시 녹음때마다 에어콘과 히타를 끄고키는것이 그래서 메인 부스의 경우는 공조 시스템으로 하였는데요. 이렇게 소음기가 달린 공조의 경우 예상보다 서너배 이상 비용이 많이 들어갑니다..ㅜ.ㅜ 냉난방기를 어떻게 어떠한 위치에 둘지. 기본적으로 각방마다 냉난방기가 모두 필요하니 배관을 어떻게 할지에 관해서도 건물주와 미리 상의도 해야 하고요(건물에 구멍을 내서 외부에 실외기를 달아서 배관을 하니까요) 또한 중요한 화장실 공사. 그리고 녹음중 사람들이 편하게 쉴수 있는 휴게실 등등. 녹음실이라는 것은 만들때도. 그리고 만들고 나서도 참으로 챙기고 또 챙겨야 하는 부분들이 많은 것 같습니다. 사실 제가 녹음실 공사에만 전력을 다해서 집중하지 못한 이유가 두가지 있었는데요 하나는 콘솔. 두번째는 피아노 였습니다. 이 둘의 결정이 얼마나 어려웠던지요.ㅜ.ㅜ 콘솔은 다행히 녹음실 공사 시작하자 마자 곧 결정을 하였고. 피아노는 야마하와 스타인웨이 사이에서 둘다 계약을 하는 상황까지 되버려 저의 머릿속을 지배하고 있답니다..ㅜㅜ 룸으 크기도 그렇고 보관도 그렇고 피아노를 둘다 구입할수는 없는 부분이고요. 피아노라는 악기를 제가 원체 특별하게 사랑하고 좋아하고. 또한 피아노 녹음하는것을 가장 좋아하는 탓인지 야마하와 스타인웨이 사이에서 너무 많은 갈등을 하고 있답니다. 그가운데 몇가지 두 피아노에 관한 차이에 대해서 조금 알수 있었어요. 먼저 스타인웨이에 관해서. 스타인웨이 국내에 나와있는 신품 BCD 부터 중고 BCD 까지 함부르크.뉴욕 서울에 매물로 나와있는것은 거의 모무다 들어보았답니다. 여러 스타인웨이를 들어보고 확실하게 나름대로 정리한것은 스타인웨이는 풀콘서트인 D가 아니면 스타인웨이가 가지고 있는 그 특유의 소리가 많이 없어서 D 가 아니면 야마하 C7이 좋다고 생각을 한것이었지요. 게다가 제가 녹음실을 만드는 이 시점에 야마하가 50년만에 업그레이드해서 C7이 C7X라는 모델로 새롭게 나와서 또한 100만원짜리 하이파이시스템 선물에 6개월 무이자 할부까지... 라는것을 보고 나는 야마하를 사야하는 운명인가보다..라고 생각을 했지요 스타인웨이 D에서는 스타인웨이 특유의 고역때의 화려함이 있는데 대부분의 B나 C는 고역대의 소리가 너무 부드럽고 차분한것이 아쉬움이 크게 들었습니다. 물론 스타인웨이 B만 되어도 야마하 풀사이즈보다도 더욱 더 풍부하고 강력한 저역을 들려주고 있기는 했지만요 그래서 나름대로 스타인웨이는 무조건 풀사이즈인 D 야.. 2억4천만원이나 하는 D 를 사지 못할것이면 야마하 C7X를 사는것으로 마음을 먹게 되었지요 야마하의 신형 C7X는 정말 좋은 소리를 들려주었습니다. 특히나 야마하는 피아노를 이렇게까지 정교하고 정확하게 만들수 있구나 하는것에 일본사람들 특유의 꼼꼼하고 세심하고 정확함이 느껴져서 놀랐는데요 야마하는 우선 건반. 해머. 액션이 완벽합니다. 모두다 거의 오차가 없이 정확하고 유격도 없고 건반도 균일하고 등등 피아노 자체의. 특히 건반쪽의 매커니짐만 보면 스타인웨이보다 야마하가 훨씬 더 뛰어나다는 것을 알 수 있었어요. 특히나 건반이 아주 가볍고 텐션감이 좋아서 피아노를 아주 잘치지 못하는 사람이 연주를 해도 상당히 깔끔하고 깨끗한 소리를 얻을 수 있는것또한 큰 장점이었고요 반면에 스타인웨이는 중고는 물론이고 새것도 각 건만들만의 깊이나 유격. 느낌등이 조금씩 균일하지 못한 느낌이 들었답니다. 스타인웨이 담당자와 한참동안 이야기를 좀 했어요. 왜 스타인웨이 B와 C에서는 D와 같은 소리가 나지 않는지. 특히 고음역대에서의 느낌에 관해서 말이지요. 당연히 사이즈가 작으니 저역의 차이는 존재하는것으로 인정하니까요. 그런데 놀라운 대답이 돌아왔습니다. 스타인웨이는 B C D 모두 49건반 이후의 고음역대의 구조 부품 모든것이 100% 동일하다고 합니다. 깜짝 놀랐어요 물론 피아노라는것이 단순히 고음역대의 구조가 동일하다고 동일한 소리가 나는것은 아니지만 B와 D가 완전하게 동일한 구조를 지니고 있는데 그렇게나 소리차이가 크다니요.. 결론은 바로 피아노의 사용처에 따른 차이였습니다. 본래 풀 콘서트인 D 는 아주 커다란. 많은 사람들이 있는 공연장에서의 연주를 위한 피아노 그리고 세미콘서트인 C.와 B 는 그보다 작은 공연장이나 혹은 가정에서 사용하도록 만들어진것이지요. 연주회장을 위한 D 는 소리가 더욱 더 명징하고 깨끗하게 아주 멀리 떨어져 있는 관객들에게까지 전달이 되도록 소리가 훨씬 더 밝게 조정이 되어있는것이었습니다.(피아노의 해머 및 여러가지 부분들에 관해서) 반면에 B와 C는 아주 큰곳보다는 작은곳에서 연주가 되고 사용이 되기 때문에 D 처럼 너무 고역이 밝고 맑은 소리는 오히려 시끄럽게 들릴수도 있기 ㅤㄸㅒㅤ문에 차분하고 풍부한 소리로 조정이 되어 출고가 되는것이구요 그래서 B나 C도 제가 좋아하는 D의 음색처럼 얼마든지 사용하는 공간과 사용자의 취향에 맞추어 소리를 만들어갈 수 있는 것이 바로 스타인웨이였던것입니다. 보통 새 피아노가 출고가 되고 최종적으로 소리가 그 공간의 맞추어 자리잡히는데 최하 2년에서 3년은 되어야 한다 합니다. 반면에 야마하는 태어난 소리가 바로 그 소리입니다. 야마하 소리를 아무리 스타인웨이처럼 풍부하고 강력하게 만들려고 해도 그렇게 되지 않지요. 스타인웨이는 때로는 스타인웨이의 느낌을 조금 포기하고 야마하나 벡스타인처럼 밝고 맑은 성향으로도 만들수가 있고 또한 아주 풍부한 소리로도 사용자나 공간에 따라서 소리를 만들어 나갈 수 있는 가능성이 있는 악기라는것을 알게 되었지요. 스타인웨이 B로도 내가 좋아하는 D의 음색과 비슷한 소리를 만들 수 있다는것에 정말 고무되기도 했습니다만 다시또 야마하 C7X를 들어보았습니다. 와..이건 정말 사람이 만든것 맞아..할정도로 메카니즘의 완성도가 뛰어납니다. 야마하는 그간 피아노를 만들기 시작한 100년의 데이타를 모두다 보존하고 있고 점진적으로 발전시켜 나가고 있다 합니다. 야마하 피아노 공장의 본래 10000명이 넘게 근무를 했었는데 최근 8000명 가량으로 줄었고 곧 절반정도 인원이 줄것이라 하는데요 야마하는 오랜시간의 경험과 축척된 기술들을 모두 데이타화 해서 피아노를 상당히 자동화 시스템에 의해서 만들고 있다 합니다. 이번에 C7X를 들어보니 두대의 같은 피아노가 있었는데도 두대의 소리차이가 거의 나지 않는것에 정말 놀랐지요 이전 C7만 해도 같은 신품 C7이라도 해도 상당한 소리차이가 많이 났었답니다. 다시 또 들어본 야마하는 역시 손가락에 부담이 적고 건반을 누르고 올라갈때 나는 덜그럭 거리는 소리도 거의 나지 않고 대부분의 녹음실에는 스타인웨이보다도 야마하가 더 잘 맞지 않을까 하는 생각이들었습니다. 저처럼 피아노 홀릭으로 피아노에 반 미쳐있는 사람이 아니면 말이지요.. 확실히 녹음하기도 스타인웨이보다 야마하가 더 깨끗한 소리를 쉽게 얻을 수 있습니다. 스타인웨이는 잘못 녹음하면 마치 영창과 같은 소리가 나기도 하지요.. 그리고 야마하는 고역대의 배음이 정말 정돈이 잘되어있어서 귀에 참 좋은 소리가 나요 귓맛이 좋다고 해야 할까요. 마치 깨끗하고 투명한 크리스탈위에 마찬가지로 매끈하게 다듬어진 구슬이 떨어지는 소리. 고역의 서스테인도 너무 지저분하게 길지 않고 깔끔해서 페달링도 더 쉽게 컨트롤할 수 있고 여러모로 피아니스트들을 참 편하게 해주는 악기라는 인상을 받았습니다. 반면에 스타인웨이는 건반이 야마하보다 훨씬 더 무겁게 느껴집니다. 물론 조정에 따라서 달라질수도 있지만 기본적으로 막 출고된 신품 피아노를 비교해봤을때도 분명 터치와 무게의 차이가 많이 나고요 스타인웨이는 게다가 년도마다 건반의 무게와 깊이도 다르답니다. 그래서 년식에 따른 소리차이가 엄청나게 많이 나는 편이지요. 하지만 다른 피아노들과는 다르게 세계의 모든 피아노들 가운데 스타인웨이 만이 피아노의 몸체 전부가 "림"을 이루고 있어서 이 림에서 소리를 발산하고 또 모아주는 역할을 하는데. 이 림의 역할이 스타인웨이와 다른 피아노를 구분짓는 가장 큰 이유가 된다고 합니다. 다른 피아노 메이커들은 전체를 림으로 만들수 있는 내부 구조를 아직 만들지 못했다고 합니다만 착실하게 기술을 발전시키고 있는 야마하가 100년후에는 분명 스타인웨이보다 더 좋은 소리를 들려주지 않을까 하는 생각도 들더군요^^ 야마하는 현재 공정의 70%가 자동화 시스템이라면 스타인웨이는 공정의 90%가 수작업으로 만듭니다. 지금도 건반의 깊의 경우도 제작자에 따라서 펠트를 넣고 건반을 눌러본후 눈과 경험으로 모두 하나하나 조정을 해서 출고를 하지요 그러니 야마하보다 건반이나 해머등의 매커니즘의 완성도적인 측면만 본다면 확실히 떨어질수 없다고 봅니다만. 늘..물리적인 특성이 뛰어나다고 반드시 소리가 좋은것만은 아니니까요.. 지금으로써 저는 뉴욕스타인웨이 B 1995년산도 마음에 들고 야마하 C7X 2012년 산도 마음에 듭니다.^^ 스타인웨이는 D 는 함부르크가 좋은데 B나 C는 저는 오히려 함부르크보다는 뉴욕쪽이 훨씬 더 마음에 들더군요 특히나 저음의 펀치감은 B와C에서는 함부르크보다는 뉴욕이 훨씬 더 강력하고 풍부한 저역을 들려줍니다. 물론 중고 스타인웨이 B 도 신품 야마하 C7X보다는 가격이 두배나 비싸기는 하지만 오디오가이 레코딩 스튜디오에는 어떠한 피아노가 식구가 될수 있을지 참으로 궁금합니다. 스타인웨이의 경우는 년식에 따라서 조율하는 방법도 다르고. 피아노의 구조도 많이 다르고 해서 스타인웨이를 제대로 조율하는것은 참으로 만만치 않더군요 그에 비해 야마하는 조율방법에 관한것도 확실히 야마하에서 정확하게 메뉴얼화 해두었고 거기에 조율사의 생각과 감성을 더해서 소리를 보다 쉽게 관리할 수 있다는 장점도 있지요. 어떻게 보면 이러한 생각도 들어요 스타인웨이 & 선스 라는 마크가 없었다면 나는 과연 스타인웨이와 야마하 사이에서 이렇게나 큰 고민을 했을까.. 그저 브랜드 마이크를 떼고 소리와 가격만 보고 판단한다면 어쩌면 스타인웨이가 아닌 야마하를 선택했을텐데..라는 생각이지요. 하지만 반면에 또 이러한 생각이 들어요 피아노를 거의 제대로 연주하지 못하는 제가 야마하와 스타인웨이의 건반을 똥깡 똥깡 쳐보며 소리를 들어본것과 오랜시간 피아노와 함께 많은 시간을 보내온 피아니스트가 연주를 해서 선택을 한다면 어떠한 피아노를 선택할까..하는 부분도 간과를 할 수 없으니까요. 저와함께 녹음을 하는 많은 피아니스트들은 대부분 대단히 뛰어난 연주자들이 많은데 이들이 연주하기에는 야마하보다 스타인웨이쪽이 좋지 않을까 하고요. 만약 전문피아니스트의 음반이 아닌 주로 오디션이나 데모를 녹음한다면 주저없이 무조건 야마하를 선택하겠지만 반면에 피아노앞에서 참으로 긴시간을 함께 해온 사람들에게는 분명 스타인웨이가 줄 수 있는 표현력과 콘트롤의 차이가 존재하지 않을까 까지 생각하는 것은 제가 피아노때문에 한달동안 잠을 못자면서 저멀리 이상한 상상까지 많이 해버리는것일까요?? 오디오가이 가족분들이시라면 어떻게 하시겠어요??????? 빙그레^^

올해 여름동안 수 많은 앨범작업들을 하면서 참 칼럼을 쓰고 싶었는데. 쓰지못했던 충동들이 가을이 되면서 식욕과 함께 다시 슬슬 마음이 동하나봅니다. 영자는 요즘 식욕이 당겨. 슬슬 걱정이 되기도 합니다. 밥을 먹어도 먹어도 배가 잘 부르지도 않고. 상상초월할만큼 나온 배는 들어갈 생각은 커녕. 허리에 무리를 줄만큼이고..ㅜ.ㅜ 정말 책을 보기 좋은 계절이지요. 엊그제가 생일이라 아내가 몇권의 제가 고른 책을 선물해주었습니다. 모두 "카페"에 관한 책인데. 누구나 그러한 생각들을 하지요. 아.. 마음편하게 카페나 차릴까? 하고요. 저도 물론 그러한 생각이 없는것은 아니라 책들을 보니. 카페를 만들고 특히 운영한다는것은 보통일이 아니더라구요 그래서 우선은 카페생각은 잠시 좀 접고 책보기 좋은 계절. 글쓰는것도 좋은 계절이라 생각이 들어 글을 남깁니다. 먼저 오디오가이 레이블에서 만든 "피아노 리트" 앨범 녹음할때는 정말 만족한 소리로 담겨있다 생각했는데. 조금 시간이 지나니 역시나 아쉬운 부분들이 하나둘 생기더군요. 최근 모 공연장에서 사용하던 스타인웨이 풀사이즈 피아노를 처분한다는 소식을 듣고. 저는 최근 무척이나 마음이 콩닥콩닥 뛰고 있습니다. 꿈에 그리던 스타인웨이 피아노를 내가 살 수 있으면 얼마나 좋을까 하고요. (물론 당장 둘곳도 없지만요) 저는 정말 피아노를 좋아하고. 사랑합니다. 집에서도 80%는 늘 피아노가 중심이 된 음악을 주로 듣지요. 이렇게 평생을 들어도 다시 또 듣고 싶어지는 소리가 또 있을까요? 사람의 목소리가 단번에 마음과 귀를 사로잡는 음악들이 많은 반면. 오랜시간 여러번 듣다보면 많은 노래 앨범들은 조금씩 멀어져가는반면. 피아노 음악은 들어도 들어도 가슴떨림이 멈추지 않는 것 같습니다. 이렇게 피아노 음악과 소리를 사랑하는 터라 녹음에도 얼마나 많은 생각들을 하는지 모릅니다. 게다가 운이 좋게도 좋아하는 피아노 녹음을 아주아주 자주 하고 있어요. 거의 늘 피아노 녹음을 하고 있다고 해도 과언이 아니지요. 이삼년 전까지만 해도 피아노 녹음에 대한 약간의 두려움이 있었는데 이제 피아노 녹음때 바라보는 시각이 조금은 편하게 생각이 된것 같아요. 그것은 어떠한 경우라도 우선은 최소한의 일정수준 이상의 결과를 낼 수 있는 몇가지의 나만의 녹음방법을 지니고 있다는 마음의 든든함이 생겨서 그러한것일런지도 모르겠습니다.^^ 과거 칼럼에서도 이야기한바와 같이 하루에도 여러번씩 혼자 이상한 사람처럼 중얼거립니다. "어떻게 하면 더 좋은 소리를 가질 수 있을까" "어떻게 하면 내가 원하는 피아노 소리를 만날 수 있을까" 하고 말이지요. 아주 작은 목소리로 집에있을때나. 밖에 있을떄나 혼자 이렇게 중얼거린답니다 이번에 소개하는 피아노 리트 이 앨범은 어찌보면 지금 관점에서는 마이크의 선택이나 세팅을 조금 바꾸어보았으면 더 좋았겠다..하는 아쉬움은 있습니다 이번녹음은 압구정동에있는 장천아트홀에서 이루어졌습니다. 같은 피아니스트와 과거에 국내 스튜디오를 빌려서 하기도 하고. 광주 금호아트홀에서도 비슷한 음악의 녹음을 한적이 있었는데. 그때는 아쉬움이 무척이나 많이 남았었지요. 언젠가 갑자기 피아니스트에게 연락이 온거에요. "제가 지금 장천아트홀에 있는데 이곳 스타인웨이 터치도 너무 무겁지 않고 정말 좋네요" 이 이야기를 듣고 다음번 녹음은 이곳에서 하기로 하고. 단 하루만에 모든 녹음을 끝냈습니다. 장천아트홀은 홀 사이즈에 비해서 잔향은 그리 많지 않은편인데. 무대쪽은 상당히 반사가 있는 편이라. 이번에는 조금 색다르게 시도를 해보았어요. 무대에서 객석쪽으로 되돌아오는 소리를 녹음하면 고음이 흡음이 되어 그리 좋지 않겠다..라는 생각이 들어 반대로 피아노를 무대 끝에서 객석쪽이 아닌 무대쪽을 향하게 설치를 하였습니다. 그리고 무대 안쪽에 메인 마이크 DPA 4006 페어를 설치(양 마이크 간격은 약1.5미터) 피아노 스팟 마이크는 이 녹음이후 영자의 클래식 피아노 녹음에서 스탠다드가 된 위치인 AB페어로(양 마이크의 거리는 약 30cm정도) 위치는 피아노의 굴곡진 부분에서 연주자를 마이크라 바라보는 시각으로 높이는 120정도로 낮게. 이때 마이크 역시 4006을 사용하였습니다.(하지만 지금 생각해보니 무지향성이 아닌 단일지향성을 사용했다면 저음이 좀더 깨끗하게 나오지 않았을까 하는 생각도 듭니다.) 이렇게 무지향성 4개의 마이크만 사용. 최종 작업에도 리버브. 이큐. 컴프레서는 전혀 사용하지 않고 두마이크의 밸런스만으로 최종 마스터를 만들어서 음반을 발매하였습니다. 특이하게도 이 음반은 HQCD라는 것으로 일본에서 프레싱을 하였고요(비용이 정말 비쌌습니다.) 그런데 HQCD의 경우 마스터CD를 보내면 1장의 타이틀에 2장의 각기 사운드가 다른 모니터CD를 보내줍니다. 이 두장중에 선택을 해서 프레싱을 하는것어더군요. 무척이나 신선한 경험이었습니다. 녹음을 한후. 리버브나 이큐나 컴프레서에 대한 고민은 전혀 없이. 그저 녹음된 소리로만 하는것이 제게는 너무나 즐거운 일이기도 하였지요. 이때는 마이크프리도 그냥 새디 LRX-2의 프리를 사용. 아주 단촐한 세팅으로 참 마음에 드는 결과를 얻을 수 있었던 녹음이었습니다. 작업한지 수개월이 지난터라 아쉽게도 현재는 사진을 가지고 있지를 않으네요. 첨부파일을 컴퓨터 스피커아닌 꼭 모니터 스피커에서 한번 들어보셔요.^^ 24/96입니다. *그리고 다음파일은 재즈 트리오 입니다. 무척이나 반가운 오디오가이 회원분의 소개로 함께 한 음반이고요. 피아노. 드럼. 베이스의 구성. 간략한 녹음세팅에 대해서 이야기를 한다면 장소는 상암동의 CS뮤직앤 스튜디오. 드럼 오버헤드 노이만 USM69 XY 세팅 - 포실 마이크프리 스네어 DPA 4011 - 맨리 슬램 마이크프리 킥 DPA 4011(혹은 MG M300) - 맨리 슬램 마이크프리 베이스는 - 유니버셜 6176 라인입력 피아노는 DPA 4011 페어 - 밀레니아 프리 이러한 구성입니다. 이번녹음은 제가 늘 제창하고 있는 녹음시 밸런스까지 맞추어서 녹음하자! 라는것에 가장 가깝게 되어있는데요. 각 악기들의 킥. 스네어. 오버헤드는 볼륨이 동일하고 베이스오 피아노는 볼륨차이가 모두 2dB 미만만 페이더로 조정하였습니다. 페이더의 조정폭이 최소한으로 되어 녹음시 곡마다 밸런스를 조정을 하였지요. 이렇게 하면 나중에 믹싱시에도 편할뿐만 아니라. 저는 녹음을 크게 받고 페이더를 줄여한다면 오히려 애초부터 작게 녹음하는것이 더 좋다! 라고 생각을 하고 있는 편이랍니다. 각 악기들 가운데에는 피아노와 오버헤드에만 아주 약간의 리버브(르네상스 버브 2.8초. 프리딜레이 5msec)가 있고 다른 스네어 킥 베이스에는 리버브가 전혀 없고 모든 악기에 컴프. 이큐가 걸려있지 않은 날것의 그대로 믹싱을 하였습니다. (사실 위 피아노 리트에 관한 내용만 적고나니 내용이 너무 적은것같아 이 내용을 추가하고자 지금 얼른 믹싱하고 파일을 올렸습니다.^^) 좀전에 믹싱하면서 피아노에는 살짝쿵 이큐를 걸어보기도 하고 제가 좋아하는 메센버그이큐 플러그인을 인서트시켜놓기만 해도 피아노의 지저분한 저음이 커트되는터라 그렇게도 해보았지만 결국은 피아노도 다른 악기들 처럼 노이큐. 그만큼 녹음시 나중에 이큐를 만져도 되지 않을만한 소리로 마이크 세팅을 여러번 바꾸어보았습니다. 마이킹을 대충하고 이큐부터 손에 가는것은 정말이지 좋지 않다고 생각합니다. 물론 마이크의 선택을 바꾸거나 위치를 조정하는것보다는 이큐로 만지는것이 더욱 더 빠르고 자신이 원하는소리에 가깝게 될수는 있겠지만. 저는 연주자가 지니고 있는 터치와 개성을 이큐로 손상시키지 않고 있는 그대로의 연주를 녹음으로 담아서 들려주고 싶어요. 사진은 없지만 이 마이크 세팅은 재즈 피아노 녹음에서 최근에 발견한 세팅으로. 어찌보면 기존에 많이 알려져 있는 평범한 세팅. 마이크는 DPA 4011을 사용하고 있고. 이것을 스테레오바(30cm정도)에 설치해서 해머에서 현쪽으로 20cm 정도 떨어진곳에 마이크를 설치하고 (최근의 영자의 피아노 녹음은 완전히 DPA 4011에 푹 빠져있는데요. 무엇보다도 이큐를 걸어도 되지 않는 소리로 피아노가 녹음되는것이 참 마음에 듭니다. 최근 주문한 트루손의 CM402가 오면 그 자리를 밀려날런지도 모르겠지만. 당분간의 저의 피아노 녹음에 있어서 메인 마이크 자리를 차지할 것 같습니다.) 마이크의 각도는 해머를 바라보게 설치. 높이는 약 40CM 정도입니다. 중요한것은 긴 마이크 스탠드를 사용해서 두 마이크의 정면에서 해머를 정면으로 바라보게 되는것이 중요하고요 그렇지 않으면 고음과 저역의 위상감이 좋지 않게 되는경우가 많습니다. 이로인해서 음색도 좋지 않게 되고요 이렇게 녹음당시 밸런스를 거의 바꾸지 않고 음색도 바꾸지 않고. 토탈 사운드에 TC 디지털 리미터를 1.5dB만 살짝 걸어서 아래의 파일을 만들었습니다. 많은 악기들이 다 그렇지만 피아노에 음량을 올리려고 디지털 리미터를 거는경우. 얼핏들으면 중역이 밝아져서 선명하게 들리는것처럼 들리지만. 자세히 들어보면 피아노의 미묘한 배음등이 많이 살아지는 것을 느낄 수 있는데요. 그렇기 때문에 최종단의 거는 브릭월 리미터는 최근에는 2dB이상은 거의 걸지 않는 편입니다. 나머지는 리미터 전에 어떠한 음량과 음색의 소리가 입력이 되는지에 대해서 오히려 더욱 더 집중을 하는 편이랍니다. 특히나 심벌의 경우 리미터를 걸면 배음과 여운이 완전히 손상이 되어 자연스럽게 사라지는 심벌의 여음이잘 들리지 않고 중역의 피크감이 강조가 되어 심벌 사운드가 차분하지 않고 위로 붕~ 뜨게 들리는 경우가 아주 많은것 같습니다. 이 두음반의 피아노 사운드는 제가 현재까지 나름대로 정리한 클래식 피아노 녹음방법과 재즈 피아노의 녹음방법을 사용한것이랍니다. 물론 앞으로도 더욱 더 좋은 피아노 녹음방법을 찾기 위해 노력할테지만요. 피아노 녹음이라. 정말 많은 것을 이야기할 수 있을 줄 알았는데. 모두 녹음한후 시간이 흘러서인지 그리 내용이 많지는 않게 된것 같습니다.^^

그동안 정말 녹음을 해보고 싶었던 장소중에 하나인 장충동의 경동교회. 영자네 집 근처에 있는 불광동 성당과 같은 건축가 김수근씨의 작품으로 알려져있는 정말 멋진 곳이지요. 두곳의 각기 카톨릭 성당과 개신교 교회가 크기는 다르지만 같은 디자인으로. 위에서 건물을 보면 손을 모아 기도를 하고 있는 모습의 정말 아름다운 건축물인데요. 이 두곳 모두 내부의 음향이 좋기로 소문난 곳이랍니다. 이번 경동교회에서는 피아노에 성악(테너)의 녹음이 오늘부터 시작이 되었습니다. 정말 올해는 오디오가이 레코드의 제작앨범이 너무너무 많은데요. 그중에 올해의 마지막 제작앨범! 피아노와 성악녹음은 합창녹음과 더불어 개인적으로 가장 어렵고 까다롭게 생각하는 구성으로. 참으로 마음에 드는 소리를 얻기가 어려운적이 많았습니다. 이번에는 지금까지와는 조금 다른 세팅으로 해보았습니다. 마찬가지로 최근 오디오가이 레이블의 녹음으로 진행했던 바리톤 정록기선생님의 슈베르트 겨울나그네 때는. 메인 DPA 4006 페어 성악가 DPA 4015 피아노 PDA 4011 페어의 세팅으로 진행했는데요 DPA 4015는 스몰다이어프램이지만 근접 마이킹시 라지다이어프램처럼 중저역이 아주 풍부한 소리를 얻을 수 있어서 DPA 본사에서도 보컬녹음으로 강력하게 추천하는 마이크이니만큼 예상외로 아랫까지 쭉~ 떨어지는 저음과 DPA 특유의 광채가 있는 고역이 아름다운 마이크입니다. 그런데 얼마전 아르모니아 문디에서 발매된 바리톤 마티아스 괴르네의 녹음 DVD를 보니(녹음 장소는 베를린의 텔덱스튜디오) 성악과 피아노의 메인 마이크를 따로 설치하지 않고 성악가 마이크에 노이만 TLM170R을 AB 페어로 하고 피아노에는 DPA(모델명은 모름. 아마도 4011인듯)를 페어로 해서 녹음을 하는것을 보았습니다. 그러니까 메인마이크겸 성악가 마이크로 두개의 단일지향성(추측)으로 TLM170R을 사용한것이지요. 피아노에는 물론 스팟마이크가 있었지만 녹음세팅이 아주 신선했습니다. 전 레코딩세션 DVD들을 보면 늘 기억해 두었다가 시도해보는편인데요. 이번녹음에 이러한 세팅으로 적용해보았습니다. 메인 마이크겸 성악가 마이크로 DPA 4011 페어를 사용. 경동교회가 아무래도 대로변에 있고 약간의 외부소음이 들어오는 터라 무지향성이나 반무지향성을 사용하지 않고 지향성의 4011을 사용하였습니다. 그리고 피아노에는 DPA 3521 콤팩트 마이크를 피아노 안쪽에. 성악의 피아노 마이킹에서 늘 마이크를 피아노의 안으로 넣지 않는 편인데(로케이션 레코딩시) 제가 지금까지 녹음한 성악앨범중에 그래도 가장 마음에 드는 피아노 소리는 피아노 안으로 마이크를 넣은것이라 이번에는 넣어보았습니다.^^ 이렇게 해서 들어보니. 지금까지 내가 너무 나만의 공식의 틀을 벗어나지 못하고 있었구나..하는 생각이 바로 들었습니다. 혼자서 생각하기에는 늘 새로운 세팅을 과감하게 모험하고 시도해보는것을 좋아한다고 생각했는데. 그 시도를 하는 범위역시 나만의 테두리안에 같혀있었던 것이었습니다. 아마 그 녹음세션이 담긴 보너스 DVD를 보지 않았더라면 전 절대로 이 세팅을 알지 못했을 것입니다.(저는 그래서 녹음세션이 담긴 메이킹 필름이나 DVD를 보는것은 너무너무 좋아합니다. 시중에 클래식 음반매장에 가서 녹음세션이 담긴 DVD가 있다고 하면 무조건 구입하는 편이니까요^^) 정말 자연스러운 홀의 앰비언스가 담긴 보컬. DPA 4011마이크는 합창녹음에서도 메인으로 늘 사용하는 편인데. 합창의 소리도 밝고 아름다울뿐만 아니라. 메인 마이크로 들어오는 피아노 소리가 아주아주 선명하고 좋기 때문입니다. 성악녹음에서도 마찬가지로 DPA 4011페어의 측면에 피아노가 있었는데. 역시나 자연스러운 울림과 더불어 소리가 어둡지 않고 깨끗하게 들어옵니다. 경동교회 특유의 노출콘크리트의 초기반사가 강한 잔향음이 그대로 자연스럽게 표현이 되어 녹음이 되었습니다. 제가 생각했던것보다 성악가분의 음량이 아주 커서 마이크를 상당히 높게하기는 하였습니다만 결과적으로는 지금까지 녹음했던 수 많은 피아노와 성악앨범들 가운데 가장 마음에드는 소리로 녹음을 되었습니다. 함께 세팅한 송지씨와 이야기를 나누면서 성악가 소리에 잔향이 좀더 들어가도록 위치를 조정하였는데 우리생각에는 이보다 약간의 잔향이 좀더 있으면 좋을것 같다..라고 서로 대화를 하였습니다만. 사실 이것은 그렇지 않습니다. 가끔씩 잔향이 많은 성당들. 특히 유럽의 성당들에서 녹음할때마다 느낀것인데요. 이렇게 잔향이 많은 공간에서는 성악가와 피아노의 공간에 따른 긴 잔향의 소리를 직접 귀로 들었던 잔상이 남아있어서 실제로 녹음된 소리에서는 잔향이 조금 적게들리기 때문입니다. 우리의 귀는 금새 연주(혹은 녹음)했던 공간의 실제적인 잔향음에 익숙해져서. 마이크를 통해서 스피커로 나오는 소리는 생각보다 몸을 감싸는 잔향이 들리지 않기 때문에 조금 드라이하게 들리기도 하는데요. 생각보다 약간 건조하게 하는편이. 한두시간 녹음장소에서 벗어나 산책하고 와서 들어보거나. 혹은 녹음한 다음날 전날 녹음한 테이크들을 들어보면. 대부분 전날에 들었던것보다 잔향이 더 많고 풍부하게 녹음이 되어있구나..하고 느낀적이 무척이나 많았지요^^ 그래서 이번에도 송지씨는 조금더 잔향이 있으면 좋겠다..라고 이야기를 하였지만. 한두시간후 저는 근처에서 바람을 쐬고 쉬는 시간에 사람들이 연주를 하지 않을때 들어와서 녹음된것을 들어보니. 처음들었던 인상보다 역시나 잔향이 훨씬 더 풍부하고. 디테일도 잘들리는것이었습니다. 참 모니터링 그리고 사람의 귀라는것은 신기하다는 생각입니다. 사진에서처럼 본래는 메인마이크의 높이를 2.5미터 정도로 하였으나 중간중간 사운드 체크를 하며 최종적으로는 4M에 가깝게 높게 설치를 하였습니다. 피아노 마이크역시 처음보다 약간 좌우를 넓게 하였더니 훨씬더 자연스러운 소리가 들려왔고요. 이러한 성악과 피아노 녹음에서 제가 가장 중요하게 생각하는것은 무엇일까요? 물론 가수의 목소리가 중요합니다. 그 다음은 메인 마이크에 들어오는 피아노의 음색입니다. 최근 평창동 예능교회에서 있었던 선덕원 소녀 합창단의 녹음에서도 DPA 4011 페어를 메인으로 피아노에도 마이크를 설치하기는 했지만 최종적으로는 약 10%정도만 아주 적게 사용이 되었답니다. 메인 마이크 세팅시. 합창의 앙상블이 자연스럽게 들리고 음색이 좋은것과 동시에 피아노의 소리가 좋은 위치를 함께 찾아서 설치를 한것이지요. 이번 성악과 피아노 녹음에서도 마찬가지입니다. 메인 마이크로 들어오는 피아노의 소리가 음색이 맑고 깨끗하면서도 자연스럽게 들어오도록 하는것이지요. 이렇게 자연스럽게 간섭음이 들어오게 만드는것에 있어서 가장 기본은 바로 "패닝" 그리고 "녹음레벨'인데요. 메인 마이크의 경우 성악가가 바라보는 시점에서 좌측이 L 우측이 R 피아노의 경우 저음이 L 고음이 R입니다. 메인 마이크의 R쪽에서 피아노의 레벨이 더욱 더 높게 뜨며. 지향성이 있는 피아노의 중고음역이 메인마이크의 R쪽으로많이 들어오게 됩니다. 그렇기 때문에 메인마이크의 R과 피아노 마이크의 R(고음)이 패닝이 동일하게 되는것이지요. 이렇게 되지 않고 좌우가 뒤바뀌게 되면 믹싱을 하지 않은채 투명하면서도 자연스러운 소리를 얻기가 어렵다는 점이 있습니다. 많은 사람들이 최근에 저에게 종종 묻습니다.(특히 녹음을 함께 하는 아티스트분들^^) 마이크를 아주 적게 사용하는데. 괜찮은지 하고 물어보시지요. 하지만 저는 그렇게 생각합니다. 과거에는 아주 많은 수의 마이크를 사용해보기도 했었지만. 여러대의 마이크를 사용하면 할수록 각각의 녹음되는 트랙에 대해서 완벽하게 파악을 하면서 녹음하기가 상당히 어렵다고 생각합니다. 하지만 저의경우는 오히려 메인 마이크 위주로 세팅을 해서 메인 마이크로만으로도 밸런스와 음색이 마음에 들도록 어떻게든 세팅을 바꾸어가며 조정을 합니다. 이럴때는 역시 연주자의 위치 선정이 대단히 중요하기 때문에. 최근 영자의 녹음에서는 아티스트의 의자위치를 조정하는것이 아주 많습니다. (이것은 믹싱때 페이더를 조정하거나 리버브를 조정하는것과 거의 같은 효과를 주니까요) 너무 많은 수의 마이크들을 사용해서 각각의 포지션을 제대로 파악하지 못하고 나중에 믹싱에서 어떻게 만들어가는것보다는 적은 수의 마이크. 특히 메인마이크 위주의 세팅을 하면서. 메인마이크의 포지션에 따른 소리에 차이라도 정확하게 파악을 하고 싶습니다. 이렇게 메인마이크의 위치에 대해서 정확하게 파악을 한뒤에. 그 다음에 스팟마이크를 설치하고 싶어요. 이번에도 메인 마이크의 위치. 좀더 많은 잔향을 얻기 위해서 높이를 높히고. 마이크의 각도와 거리를 조정해서 성악가의 음색과 피아노와의 밸런스. 공간감을 맞추어나갔습니다. 이번 피아노는 가와이. 삼익보다도 녹음에 제가 더 싫어하는 피아노입니다만. 역시나 공간 음향이 좋으니 성악반주에 전혀 부족함이 없을만한 음색으로 녹음이 되었습니다. 녹음이라는것은 역시 하면할수록 정말 재미있는 것 같습니다. 내일도 같은 녹음이 있는데 내일은 성악가와 피아노의 위치를 조금 가깝게 해서 조금 세팅을 바꾸어볼 계획인데. 내일은 또 어떠한 소리를 경험할 수 있을지 무척이나 기대가 됩니다.

이역시 http://blog.naver.com/audioguy1 을 보시면 사진과 글을 함께 보실 수 있습니다. ************************************************************************** 지난 권믹석 고음악앙상블에 이어 이번에는 재즈녹음입니다. 이번 유럽녹음여행에서 2개의 재즈음반을 녹음하였는데 하나는 베이스스트 전성식씨의 리더작으로. 베이스. 피아노. 색소폰의 트리오. 드럼이 없는. 아주 분위기가 있는 음악이랍니다. 다른 하나는 먼저 소개하게된 재즈 피아니스트 허대욱씨의 피아노 솔로 녹음입니다. 이 녹음은 네델란드에서 차를 타고 프랑스 파리로 와서 파리에서 녹음을 진행하였습니다. 이번 유럽에서 녹음한 음반들이 모두 다 애착이 가지만 이번 허대욱 솔로는 개인적으로 무척이나 그의 음악과 연주가 마음에 들었습니다. 과거 1집의 데모를 들었을 때 부터 꼭한번 이 사람의 음반을 제작해 보아야 하겠다..라고 생각을 하고 있었는데. 우연하게도 오디오가이에서 함께 일하는 프로듀서 홍지현군과 허대욱씨와 무척이나 막역한 사이라. 연이 닿아서 함께 음반 작업을 위한 간단한 계약서에 도장을 서로 찍었을 때 얼마나 기뻤는지 모릅니다. 재즈음반의 레코딩을 무척이나 자주 하면서 많은 아티스트들을 만나게 되지만 허대욱이라는 사람이 쓴 곡에 대한 독창성. 그리고 자신의 곡을 연주로 풀어나가는 방향등이 무척이나 신선하게 다가와서 제가 개인적으로 참 좋아하는 아티스트입니다. 어찌보면 단지 한국인 아티스트가 연주하는 피아노 솔로 음반의 녹음이라. 한국에서 진행을 해도 전혀 무리가 없었겠지만 우선 아티스트가 파리에 체류를 하고 있었고. 그가 머물고 있는 곳에서. 그 도시의 향기와 느낌을 함께 담아내고 싶은 무언의 생각이 들어서. "이번 녹음은 파리에서" 라고 즉흥적으로 결정을 하게 되었지요. 하지만 오디오가이 레코드는 지금까지 20장정도의 앨범을 발매를 하였지만. 1000장 이상 판매가 된 앨범은 아직 한손가락에 꼽을 만큼 적은. 정말 작은 회사라. 파리의 괜찮은 스튜디오의 렌탈비용이 그렇게나 비쌀런지 저는 미처 상상도 하지 못했습니다.ㅜ.ㅜ 그래서 예산의 이유로 조금은 저렴한 스튜디오를 찾게 되었는데 아티스트가 알아본 재즈녹음을 많이 하는 파리 외곽의 BOBCITY 라는 아주 자그마한 스튜디오에서 녹음을 하였습니다. 이곳의 주인장인 막스라는 분은 오랫동안 파리에서 10년이상 재즈음악을 녹음해오고 있는 사람으로. 이곳에서 정말 많은 재즈음반들이 녹음이 되었더군요. 하지만 스튜디오 환경이나 기자재의 수준으로 보자면 정말 그리 좋지는 못하지만. 이러한 곳에서도 충분히 퀄리티가 좋은 음반들을 만들어내고 있었습니다. 무엇보다도 스튜디오 주인장이 스튜디오를 마치 내 가족처럼. 소중하고 무척이나 꼼꼼하게 관리를 하고 또 현재 갖추어진 상황에서 최대한 효율있게 활용을 하며. 좀더 좋은 소리를 얻기 위해서 많은 고민과 노력을 하고 있다는 것을 느낄 수 있었답니다. 우리가 녹음한 컨트롤룸. 이번 유럽녹음에서도 변함없이 저의 새디 LRX-2를 가지고 갔습니다. LRX-2는 노트북과 하나로 연결해서 아주 안정성있게 16채널로 96k로 손쉽게 녹음할 수 있다는 것은 정말이지 큰 장점이지요. 게다가 마이크프리의 퀄리티도 상당히 좋습니다. 최근에 새디 회사를 프리즘사운드에서 인수를 하면서 과거 새디 사장이 JOECO 라는 1U사이즈의 무척이나 가벼운 24트랙 녹음기를 출시한것을 보았는데. LRX-2의 퀄리티를 생각하면 그 녹음기도 무척이나 좋을 것으로 생각이 듭니다. 모니터스피커는 야마하 HS50M을 사용하였는데 녹음때 들었던 소리보다 스튜디오와서 들어보니 소리가 훨씬 더 차분하게 들려서.. HS50M에서 나오는 소리를 기준으로 마이킹을 하였는데. 조금은 아쉬운 부분이 있네요.ㅜ.ㅜ 때로는 모든 것을 떠나서 역시나 모니터링이 중요하구나..라는 생각을 글을 쓰는 이순간에도 다시한번 들게 됩니다. 밥시티 스튜디오의 랙. 아마도 이제는 사용하지 않을것으로 생각이 되는 알레시스 ADAT 와 여러 마이크프리와 인터페이스들. 이들 기기로 상당히 좋은 퀄리티의 음반을 만들어내고 있었습니다. 스튜디오 주인장인 막스는 스튜디오에서 보유중인 야마하 C7 피아노에 상당한 자부심을 지니고 있었는데. 관리 및 조율 상태도 좋고 음색도 자연스럽고 좋은 C7 피아노였습니다. 4일내내 조율사를 부르는 스튜디오 주인장..^^ 그래서 조율비가 많이 나오기는 했지만 그만큼 관리가 무척 잘 되어있었습니다. 스튜디오가서 반갑게 맞아준후. 자신이 어시스트 엔지니어를 담당할테니 도움이 필요하면 무엇이든지 이야기하면 된다고 무척이나 친절하게 도움을 주어 작업을 진행하기가 참으로 편하였었는데요. 먼저 이번 녹음이 피아노 솔로이고. 당신은 어떻게 녹음하는지 물어본 후. 당신의 세팅으로 먼저 한번 진행해보자고 하였습니다. 그는 재즈 피아노 솔로에 보통 6개나 8개의 마이크를 사용한다는 이야기를 하였는데. 저는 깜짝 놀랐습니다. 저도 과거에는 한동안 피아노 솔로에 여러 마이크들을 사용해서 진행들을 하였었지만 최근에는 많아야 4개로 모두 끝내고 있었기 때문에 무척이나 그가 어떻게 녹음을 하는지가 궁금하였습니다. 여러가지 서로 상의를 한 끝에. 기본 세팅을 함께 한후 소리를 들어보며 2시간정도 수정을 하며 최종적으로 세팅을 해서 4일동안 녹음을 진행하였습니다. 피아노 솔로에 총 사용한 마이크는 8개. 내용은 아래와 같습니다. 먼저 메인으로 사용한 DPA 4015 페어. 피아노 녹음에 일반적으로 많이 사용하는 위치이지요. 첫날은 이 세팅으로 녹음을 하였습니다만 다음날은 아래와 같이 바꾸었습니다. 첫날 여러개의 마이크들과 섞을때 중역에서 약간 어택음이 겹치는 듯한 디튠된 소리가 나서 다음날은 스테레오바에 마이크를 달아보니 역시나 다른 마이크들과 소리가 훨씬 더 잘 섞입니다. 길이가 긴 마이크 스탠드가 없어서 평소에 제가 사용하는 포지션보다는 조금 짧게 되어서 아쉬웠습니다. 저는 마이크를 좀더 건반의 해머쪽으로 가깝게 설치하는 편입니다. 늘 새로운 세팅을 꼭 하나는 시도해보는것을 좋아하는 저는 이번에는 갑자기 노이만 USM69를 이 포지션에 놓고 싶은 생각이 들더군요 본래는 이보다 좀더 낮게 설치했다가 소리를 들어보면서 여러번 거리와 높이를 조절하여 위와 같은 위치로 최종 선정이 되었습니다. 설치 후 들어보니 역시나 피아노에는 USM69. 최종 피아노 사운드에 70% 이상이 이 마이크로 집음된 소리가 메인을 담당하게 되었습니다. 사진상으로는 MS처럼 보이지만 실제로는 XY입니다. 이 사진이 최종 녹음에 사용된 노이만 USM69의 모습입니다. 위 사진보다 좀더 높게 올라가 있는것을 볼 수 있습니다. 처음의 높이에서는 소리가 풍부하지만 고역이 조금 답답하게 들려와서. 높이를 조금 올렸는데. 다시 서울로 와서 들어보니 조금 더 높이를 올렸어도 괜찮았겠구나..라는 생각이 들더군요 반대로 주인장 막스는 높이를 낮추는것이 고역이 더 밝아질것 같다는 의견을 주었는데.. 서로가 피아노에서 생각하고 있는 "고역"의 기준이 저와는 조금 다르구나..하는 것을 느낄 수 있었습니다. 피아노가 풀사이즈가 아닌 200cm정도의 C7이라. 피아노 솔로이기 때문에 좀더 다이나믹한 소리를 얻었으면 하는 생각이 들어 저음현에 추가로 설치한 노이만 U87AI. 이것은 밥시티 스튜디오의 보유 마이크입니다. 이 세팅은 밥시티 스튜디오의 재즈 피아노 녹음시 사용이 되는 세팅인데 저는 이보다 약간 높고 좀더 앞으로 하는 편인데. 막스가 세팅해준 이 포지션이 소리를 들어보니 아주 좋아서 위치의 변경없이 그대로 사용하게 되었습니다. 사무실에 와서 들어보니 역시 이 소리를 없어서는 안될. 꼭 필요한 소리로 생각이 들어 앞으로 피아노 녹음에 자주 사용이 될 듯 합니다. 본래 제가 생각했던것은 이 포지션에 4006을 사용해 보는것이었는데. 결과적으로는 대구경인 U87을 사용하기를 정말 잘 한것 같습니다. 마이크가 가까운 만큼. 입력레벨이 너무 크게들어와서 -10dB패드를 마이크에서 걸고 녹음을 하였습니다. 이역시 스튜디오 주인장의 추천으로 설치한 DPA 4006(스튜디오 보유 마이크) 조금은 답답하고 어두운 소리가 되지 않을까 했었는데 의외로 중역이 똘망똘망한 소리를 들려주었는데요. 다만 이 포지션의 경우 여러 마이크들과 섞으면 위상이 조금 좋지 않아서. 녹음시 역상으로하고 싶었지만 아쉽게도 제가 사용하는 새디 LRX-2에서는 마이크프리에 역상 기능이 없어서 우선은 그대로 녹음을 하였습니다. 최종 믹싱과 마스터링에서는 아마도 사용이 되지 않을 가능성이 높을 것 같습니다. 마지막으로 앰비언스로 설치한 DPA 4006 페어. 앰비언스 마이크에 대한 의견을 막스와 주고 받다가. 본인은 피아노 룸이 아닌 보컬룸 문을 열어놓고 이곳에 앰비언스를 설치한다고 해서..(사실 메인 부스는 피아노 하나가 들어가면 거의 꽉찰 정도로 좁은 편입니다.) 처음 이야기를 듣고는 스튜디오가 상당히 데드한편인데 앰비언스 마이크의 의미가 있을까..하는 의구심이 스치기는 했지만 소리라는 것이 직접들어보기전에는 모르는것이니 우선 설치를 해보았습니다. 소리는.. 저의 예상과는 정 반대로 피아노의 직접음이 문들을 통해 적절히 반사가 되고 반사음들만 전해지면서. 앰비언스 소리가 상당히 좋더군요. 보컬 부스의 크기는 약 한평반 정도. 위치는 피아니스트의 등뒤쪽에 자리잡고 있습니다. 스튜디오 주인장이 자신의 스튜디오에서 오랜시간 많은 실험과 연구를 하고 있구나..하는것을 다시한번 깨달을 수 있었습니다. 이번 녹음에서는 아주 독특한 피아노 연주주법인 프리페어드주법도 사용이 되고. 스네어피를 피아노의 해머위에 놓고 연주를 하기도 하고. 피아노 솔로에서 정말 많은 것들을 다채롭게 보여줄 수 있는 음반이 되었답니다. 한국으로 돌아오자마자 가장 먼저 모니터링을 하고 작업을 시작하였고. 다음주내로 믹싱과 마스터링이 완료 될 예정인데 벌써부터 발매가 무척이나 기다려 집니다~

지난주에는 오디오가이의 새로운 재즈앨범 신작의 레코딩이 있었습니다. 색소포니스트 이정식. 그리고 그의 따님인 피아니스트 이발차. 이렇게 색소폰과 피아노 듀오의 녹음. 본래는 대학로에 있는 정미소라는 라이브극장에서의 공연실황을 녹음을 해서 발매를 하려 생각을 했었던것인데. 부득이하게 공연이 변경이 되면서 스튜디오에서 녹음을 하게 되었습니다. 그동안 오디오가이의 레이블에서 나온 앨범들 하나하나가 모두 제게는 자식처럼 소중한 앨범들이지만. 많은 분들에게 오디오가이 레이블 음반들은 음악이 너무 어렵다. 난해하다.. 라는 이야기를 늘 듣고 있는 터라. 이번에는 재즈를 조금이라도 좋아하거나 그렇지 않더라도 누구든지 들어본적이 있는 아주 유명한 재즈명곡들을 색소폰과 피아노의 듀오로 연주를 하는 프로젝트로. 지금까지 오디오가이 레이블 음반들중 가장 대중성이 있는 앨범이라고 생각합니다. 그렇기 때문에 녹음전부터 많은 생각들을 하였습니다. 이번음반은 어떻게 . 그리고 어떠한 사운드로 만들어볼까? 무엇인가 재미있고 독특한. 나만의 소리 같은것은 없을까? 색소포니스트 이정식 선생님과는 늘 함께 녹음작업을 하고 있는 터라. 연주자의 개성을 확실하게 파악을 하고 있고. 피아니스트역시 올초에 좀더 많은 구성으로 함께 녹음을 해본경험이 있어서.. 두 부녀 듀오의 사운드를 어떻게 하면 좀더 색깔있는 소리로 만들 수 있을까..하는 생각을 녹음전 10일부터 매일밤 잠들기전 뜬눈으로 천장을 바라보거나. 혹은 눈을 감으며 생각을 한결과!! 이번에는 과감하게 "모노" 사운드로 만들어보기로 결정을 하였습니다. 사실 이렇게 단촐한 구성의 듀오. 그것도 재즈를 듣는데 있어서 모노라고 해서 전혀 문제될것이 없다고 생각이 들었고요. 몇개월전 방배동에 있는 하이파이클럽이라는 하이파이 오디오 샵에서 정말 사운드가 기가막힌 재즈앨범들을 들었는데 그것이 바로 모노 음반이었습니다. 모노 에서는 무엇이랄까.. 스테레오와는 조금 다른 "파워감"이 있다고나 해야할까요? 그리고 무엇보다도 중요한것은 이번 듀오는 두 연주자가 많은 시간 리허설을 해보지 못한 관계였기 때문에 모노로 하는 편이 스테레오 소리를 쫙~ 펼쳐놓는것에 비해서 연주와 앙상블이 좀더 좋게 들리리라는 생각때문이었습니다. 과거의 연주자 정말 좋다고 생각하는 모노 명반들이 많은데. 이것은 어찌보면 이 같은 연주를 스테레오로 해놓고 들었으면 연주의 단점이 훨씬 더 많이 부각이 되었을런지도 모릅니다. 하지만 모노에서는 음량. 음색밸런스를 엔지니어가 잘 조정한다면 연주자들의 앙상블이 상당히 좋게. 최종적으로 연주가 더 좋게 들린다는 장점이 있다고 개인적으로 생각하고 있어요. 그리고 또 이번녹음. 이것은 작년정도부터 구상을 한것인데요. 늘 재즈나 클래식등의 여러 녹음 세션들을 합니다. 좋은 마이크와 프리앰프. 컨버터를 통해서 멀티채널로 녹음을 하고. 그것을 다시 스튜디오로 가지고 와서 세세한 편집을 하고 믹싱을 하고 또 마스터링을 합니다. 이것이 지금 우리의 보편적인 음반제작 방식이지요. 하지만 이번에 모노로 녹음하자라고 생각하기 이전부터. 내가 주로 하는 재즈나 클래식에서 이러한 멀티트랙 녹음이 과연 얼만큼의 의미가 있을까? 하는 생각이 들기 시작했습니다. 엄청난양의 마이크의 프리앰프. 컨버터. 케이블들을 설치하고 나서 몸의 기운이 쭉 빠지는 상태에서 헤드폰을 쓰고 녹음되고 있는 소리를 들어봅니다. 사실 이때는 소리가 좋은지..그렇지 않은지.. 제대로 구분조차 되지 않지요. 그리고 늘 5개이상의 프로젝트들을 동시에 진행을 하고 있다 보니. 사무실로 가지고와서 편집하고 믹싱하고 모니터 cd 만들고. 모니터 cd 집에서 들어본후 다시 편집과 믹싱 수정후 다시 모니터링. 아쉬운부분이 있으면 좀더 수정. 아니면 마스터링으로 OK. 여러 프로젝트들을 동시에 진행을 하면서 한개한개 마다 너무도 많은 후반작업 시간들이 들어가게 되는것 같습니다. 저의 개인적이 성향과도 관계가 있는 것이겠지만. 사실 전 믹싱과 마스터링보다 녹음을 훨씬 더 재미있어 하는 편입니다. 그렇기 때문에 믹싱. 마스터링때보다 녹음때 자연스레 훨씬 더 집중을 하게 되는데요. 이렇게 집중을 하고 있을때.. 아예. 믹싱까지 끝내버리면 어떨까? 라는 생각들을 작년부터 종종 하게되었습니다. 굳이 녹음때는 그냥 DAW의 녹음 미터와 간단한 음색과 밸런스 체크정도만 하고(저는 밸런스를 모두 잡아서 믹싱때 밸런스로 녹음하는 편입니다.) 나중에 스튜디오 가서 세밀하게 들어보면서 다시 작업을 하는것보다는. 우선 만족할만한 모니터링 환경을 만든후. 녹음할때 바로 2트랙 믹스까지 함께 하는것이 오히려 더 좋지 않을까 하는 생각을 하게된것이지요. 사실 과거의 무수한 음반들은 대부분 이렇게 만들어진것이니까요. 이번에는 트랙도 적은 듀오. 게다가 색소폰과 피아노에 각 마이크 1개씩. (이번에는 모노사운드라 피아노에도 스테레오가 아닌 한개의 마이크만 사용하였습니다.) 이렇게 현장에서 바로 믹싱까지 하였습니다. 먼저 녹음부터 색소폰 마이크에는 텔레푼켄 USA M16MK2와 피아노 마이크에는 MG UM930을 준비해갔습니다. 우선 피아노 사운드를 먼저 조정을 하였는데요(마이크의 위치) UM 930은 보컬녹음을 해보면 대단히 초고역이 밝은 마이크라. 이러한 밝음이 피아노사운드에도 도움이 되지 않을까 해서 피아노에는 처음시도를 해보았는데. 예상보다 소리가 너무 뭉뚱하게 나와서. 피아노 마이크를 MG M930을 바꾸었습니다. 이 마이크는 노이만 USM69과 더불어 그랜드 피아노 녹음에 스탠다드로 제가 애용하고 있는 모델이지요. 역시나 제가 딱 원하는 소리를 들려주더군요 이번 피아노 사운드의 컨셉은 맑고 깨끗하고 화려한 소리와는 정 반대의. 색소폰의 뒤에서 모노로 살짝들리는. 마치 재즈클럽에 있는 업라이트 피아노 같은 약간은 싸구려 느낌이 나는 소리를 머릿속으로 생각을 하고 있는터라. 기본적으로 늘 하는 피아노 세팅으로 해보니. 소리가 너무 클래시컬 하게 우아하게 들리는것이었습니다.^^ 녹음을 진행한 리즈뮤직 스튜디오의 이동하님도 피아노 소리는 좋은데 너무 클래시컬한것 같다고 하더군요. 그래서 여러 포인트를 찾아보던중. 이동하님이 피아노 현 가운데에 포인트를 가리키며. "정훈씨. 이곳에 한번 마이크를 대어보면 어떨까요? 제가 이전부터 꼭 한번 대어보고 싶었던곳이에요" 그가 가리키는 곳에 마이크를 대고 콘트롤룸에 와서 소리를 들어보니 바로 OK. 딱 제가 원하는 소리를 들려주더군요 피아노에는 유니버셜 LA-610MK2 채널스트립을 사용 이큐로 저역을 커트하고. 중역을 조금 강조하고. 컴프도 -3dB 리덕션정도 걸었습니다. 사진의 좌측 아래가 유니버셜 LA-610MK2 그리고 색소폰에는 트루시스템 P8 프리앰프에 유니버셜 2LA2 컴프레서를 사용했는데요. 2LA2는 리덕션 5dB이상으로 적당히 넉넉하게 컴프레서를 걸고 녹음을 하였습니다. 녹음시 바로 믹싱까지 하는것이기도 하지만 저는 본래 녹음시 제가 원하는 사운드의 많은부분을 만들어놓고 녹음을 하는 편입니다. 최단거리로 마이크와 프리앰프사이의 거리가 될 수 있도록 조금 번거롭기는 하지만 프리와 컴프레서들을 부스안에다 두어서 짧은 케이블들로 연결. (케이블은 카다스와 울트라링크. 전원선은 오디오가이 하모닉스 케이블과 로보케이블) 다음으로 색소폰 색소폰에는 본래 M16MK2를 사용하였는데 저음이 조금 얇게 들려와서. 혹시나 하고 MG UM930을 설치해보았더니.. 색소포니스트가 먼저.. "아 이마이크가 아까것보다 훨씬 더 좋네요. 이마이크는 무엇인가요? 내가 AKG C12 가지고 있는데 이것보다도 더 좋은 것 같아요" 라는 이야기를 하셨습니다.(사실 이야기는 제가 직접 들은것은 아니고 다음날 다른분들을 통해^^) 고음이 너무 많다고 생각했던 UM930이 의외로. 색소폰에서는 아주아주 풍성한 저음을 보여주더군요 색소폰 사운드는 역시나 연주자가 내고 있는 소리 자체가 좋고. 그리고 내가 원하는 소리에 대한 스윗포인트를 정확하게 알고 있는터라. 역시나 마음에 드는 소리로 나왔습니다. 약간의 높이. 그리고 벨과의 거리 몇cm에 따라서 사운드는 많이 바뀌게 되는데요. 저는 벨에서 약간 바깥쪽으로 떨어진곳에 마이크를 두는것을 좋아합니다. 색소폰을 녹음하면서 이런 생각이 들더군요.. "아..색소폰 처럼 피아노나 스트링 오케스트라등도 스윗포인트를 정확하게 알고 있으면 얼마나 좋을까?" 이렇게 부스에서 들어온 소리는 컨트롤룸의 SSL X-DESK의 라인믹서로 바로 연결이 됩니다. X-DESK에서 AUX로 렉시콘 PCM96에 홀리버브를 아주 살짝 덧댄후. 타스탐 DVRA1000HD로 바로 2트랙으로 녹음을 하였습니다.(샘플링레이트는 176.2Khz) 본래 유니버셜 2192 컨버터를 사용할 계획이었으나 세팅을 해보니 칼리브레이션 문제가 있어서 그냥 타스캄의 컨버터를 사용하였는데. 타스캄의 컨버터도 상당히 좋은것 같습니다. 사실 이번 녹음에 투입된 유니버셜 LA610MK2. 2L2. 2192 는 모두 오디오가이회원이신 샤아님의 장비로. 이번에는 유니버셜 오디오의 기기들을 많이 사용해서 독특한 질감을 만들어보고 싶어서 부탁을 했는데. 기기도 빌려주시고 녹음도 함께 도와주셔서 너무너무 큰힘이 되었습니다. 이자리를 빌어 샤아님께 감사의 말씀을(꾸벅^^) 여기서 SSL X-DESK에 대한 코멘트를 그냥 지나칠수는 없겠지요^^ 저도 신품 박스를 바라만보며..저것을 뜯어 말어.. 라고 몇일을 고민을 하다. 결국 오픈함. 오디오가이에서 공동구매를 많이 진행하다보니 공동구매로 들어온 제품들을 제가 사용해보고 싶어서 새것 뜯어서 중고만든것이 정말 무수히 많습니다.^^ 하지만 이는 "녹음현장에서 2트랙으로 바로 믹싱을 하자"라는 저의 계획에 스튜더 믹서와 함께 SSL X-DESK가 유력한 후보였기 때문에. 소리도 무척 궁금해서 사용해보았습니다. 음.. 소리의 느낌전에.. 우선 디서브 커넥터가 정말 많습니다.ㅜ.ㅜ 아마도 케이블링 비용이 아주 많이 발생할것 같습니다. 모든 기능 사용하려면 최소 기기의 3분지1의 비용은 케이블 비용으로 들어가게될것입니다. 전부 디서브로 되어있고요. 번호가 무척 헷갈리게 되어있고 메뉴얼에도 약간 애매하게 나와있어서. 녹음전날 밤 12시까지 샤아님과 함께 커넥터 이리저리 꼽아보며 겨우 세팅을 해놓을 수 있었습니다. 그런데 소리성향은 생각했던것과는 아주 많은 차이가 있더군요 전 우선 4000G같은 중저역의 다이나믹이 있는 펀치감이 있는 남성적인 소리가 아닐까 했는데 전혀 반대의. 초고역이 상당히 달콤할만큼 화려하고 중역은 조금 뒤로 들어가있고. 저역은 너무 많지도 적지도 않고 적당한편입니다. 오히려 데인저러스뮤직이나 SPL에 비해서 훨씬더 여성적인 소리로 느껴지더군요. 소리의 느낌이. 팝음악보다는 제가 작업하는 클래식에 사용하면 정말 좋겠다..라는 생각이 먼저 들었습니다.^^ 다른 서밍믹서들과는 다른 여러가지 기능중 아주 놀라운 소리를 들려주는 파트가 있는데요 AUX 의 소리가 기가막힙니다. 같은 렉시콘 PCM-96이라도 DAW에서 디지털로 인서트했을때와는 완전히 다른. 훨씬 더 세련되고 우아한 리버브 사운드로 변모합니다. SSL X-DESK를 사용하시는분들은 꼭 외장리버브를 한번 사용해보시기를 적극 추천합니다. 소리는 SSL G 시리즈보다는 오히려 J시리즈에 좀더 가깝다고 느꼈고요 J시리즈의 선명한 중역과는 달리 중역이 들어가있어서 선명하게 들리지는 않지만 전반적으로 소리가 아주 화사하고 이쁜 소리입니다. 데인저러스 2BUS LT 처럼 거친맛이 없이 깨끗하면서 초고역이 많이 나옵니다. 서밍믹서라는 것이 단순히 라인앰프의 조합일뿐인데도. 각 제조자사마다 믹스의 밸런스과 개성을 완전히 바꾸어줄정도로 소리차이가 많이 나기 때문에 어떠한 우열을 가리기 보다는 자신의 취향에 맞는 제품을 이쁘게 잘 사용하는것이 중요한것 같습니다. 마지막으로 모니터링시스템 이렇게 녹음하면서 바로 2트랙으로 만드는것에 있어서 가장 중요한것은 바로 정확한 밸런스를 들려주는 모니터링 시스템과 어쿠스틱 환경일것입니다. 이번에 녹음한 리즈뮤직 스튜디오는 작년에 오디오가이 레이블의 기타&타악기 듀오앨범을 녹음하며 이미 많은 소리를 들어본곳이고. 무엇보다도 제가 아주 좋아하는 B&W 805S 스피커가 있어서 제게는 아주 알기쉽고 친숙한 소리를 들려줍니다. 이렇게 첫날 녹음을 하고 다음날 또 녹음이 있었는데. 이날은 함께 일하는 남송지씨와 저 모두 오전 10시부터 늦은 밤까지 믹싱. 마스터링이 있어서. 2틀째의 녹음은 갑작스럽게 리즈뮤직 스튜디오님. 샤아님. 아트농쿠르님께서 전날의 세팅을 완벽재현해서 새오운 듀오녹음의 밸런스까지 모두 진행해주셨습니다. 녹음전에 갑작스레 제가 가지 못한다고 하니. 급 긴장해서 전화를 했던 리즈뮤직스튜디오 이동하님의 목소리가 생각이 나네요. 그러한 긴장과 더불어 꼼꼼함이 있는 사람들이었기 때문에 저도 세션을 부탁드리고 다른 작업에 집중을 할 수 있었습니다.^^ 이 앨범은 내년초에 오디오가이 레이블을 통해서 발매가 되고 또 녹음원본 24비트 176.2khz 파일을 음반에 서비스로 DVD로 함께 첨부할 계획이랍니다.^^