사람의 눈의 힘은 정말 대단합니다. 재생기기(스피커나 헤드폰 이어폰)등의 측정 혹은 주파수특성표를 보고 그 기기에 대해서 판단을 합니다.물론 주파수 특성이 객관적으로 그 오디오기기의 특성을 볼 수 있는 유용한 자료인것은 분명한 사실입니다. 하지만 어느새부터인가 무조건 주파수 특성이 플랫한것이 좋다! 라는 이야기들이 많이 있습니다만 과연 소리에서는 주파수 특성만이 전부일까요? 플랫하지 못한 주파수 특성의 재생기기들은 무엇인가 큰 문제가 있는것 마냥 매도가 되기도 합니다. 주파수특성이 최대한 플랫한 기기를 사용하고 음색에 대한 취향은 이퀄라이저로 조정해서 사용하는 것이 좋다. 라는 의견도 있는데 분명 일리가 있을 수 있는 말입니다.반대로 처음부터 이퀄라이저로 조정하지 않고 원하는 음색의 스피커를 찾아가며 사용할수도 있는 것이겠지요^^하지만 우리가 듣는 소리는 단지 주파수 특성에서 모든 것이 결정이 되는 것일까요? 재생시 듣는 룸의 특성은 나중에 이야기를 한다 하더라도.소리라는 것은 단순히 주파수 특성만으로 그 기기에 대해서 평가를 할 수 있을까요? 주파수 특성은 음악의 여러가지 요소들 가운데 "음정"에 있어서 많은 영향을 줍니다. 하지만 많은 분들이 주파수 특성 하면 우선 "음색"을 떠올리게 되지요. 그럼 주파수 특성말고 "음색"에 큰 영향을 주는 소리의 요소는 어떠한 것이 있을까요?  바로 "엔벨로프 특성" 입니다.엔벨로프란 "시간의 흐름에 따른 음량 변화" 를 이야기 합니다.타악기 같은 악기들은 어택이 크고 빠르고스트링 같은 악기들은 어택이 느리고 릴리즈가 깁니다.위 그림을 보면 악기별 대표적인 엔벨로프 그래프가 나와있습니다.그런데 정말 재미있는 사실이 하나 있습니다.위 사진중에서 스트링스와 플루트의 그래프를 유심히 보셔요. 플루트 소리에 스트링의 엔벨로프를 대입하면 어떻게 될까요?플루트 소리가 스트링스의 소리처럼 들립니다.^^현악기와 관악기의 주파수 특성은 전혀 다르게 이루어져 있음에도 불구하고 엔벨로프 특성때문에 악기의 "음색"이 다르게 들리는 것이지요. 사람의 귀는 음색을 주파수 특성만으로 판단을 하지 않습니다.그렇기 때문에 주파수 특성만 가지고 모든 오디오기기를 평가할 수 는 없습니다.주파수 특성이 넓고 평탄하게 보이는 것이 물론 시각적으로는 굉장히 큰 안정감을 주는 것은 사실입니다. 그런데 재생기기에서 평탄한 주파수 특성으로 재생을 하면 우리의 귀는 어떻게 들을까요? 사람의 귀는 음악을 듣는 레벨에 따라서 중음과 고음, 저음의 세기를 다르게 듣습니다.아주 큰 음량 약 120dB 정도로 들어야 중음과 고음 저음이 비교적 평탄하게 들리지요플레쳐 먼슨 그래프 (등청감곡선) 소리를 듣는 레벨에 따라서 우리의 귀가 어떻게 듣는지 볼 수 있습니다.사람의 목소리 대역인 2에서 4k는 아주아주 작은 소리에서도 잘 들을 수 있습니다.(그렇기 때문에 핸드폰의 벨소리나 초인종. 응급차의 싸이렌은 이 주파수로 이루어져 있지요) 인간을 포함한 모든 동물은 같은 류의 소리를 잘 들을 수 있도록 진화해왔습니다.서로의 소리를 잘 들을 수 없다면 생존에 어려움이 많이 있겠지요?사람의 경우 귓바퀴에서 소리를 모아서 귓구멍을 통과해서 고막으로 전달이 됩니다.귓구멍으로 소리를 통과하면서 위 2~4k 주파수가 증폭이 됩니다.  인간의 몸과 존재는 참으로 세밀하고 또 그래서 신기합니다.^^주파수 특성에서 또 하나 밝히지 않은 것이 있습니다.바로 "분할진동의 주파수" 이지요. 소리는 공기의 진동으로 우리의 귀로 전달이 되는 것처럼  스피커 유닛이 공기를 진동하여 우리의 귀로 소리가 전달이 됩니다.그렇다면 주파수 특성이 플랫하게 표기된 스피커라면 모두 음원에 있는 정보 그대로를 재생하는 것일까요? 테스트톤을 가지고 측정한 주파수 특성과 음악(시간에 흐름에 따라서 주파수 특성과 다이나믹이 크게 변화함) 을 가지고 측정한 특성은 어떻게 다를까요?무엇보다도 단순히 테스트톤에서 볼 수 있는 것과는 다르게 음악에서는 분할진동에 의한 영향이 훨씬 더 커 집니다.모든 진동은 진동이 처음 생기고 사라지기 까지의 원치 않는 진동이 발생합니다. 그리고 높은 주파수들은 분할진동의 영향으로 유닛의 중앙과 외부에서 원음과는 다른 주파수의 소리를 내게 되지요. 음반에 담겨있는 원음을 변화없이 있는 그대로 충실하게 재생하는 것이 재생기기의 기준이라면 이것은 단지 주파수 특성 한가지만으로는 알 수 없습니다. 위 엔벨로프 그래프에서 설명한 트랜지언트(즉 과도특성) 뿐만 아니라  분할진동에 따른 유닛을 정확하게 이해하고 거기에 맞는 네트워크 설계 또한 음악을 듣는 장소에서 특정 주파수가 크게 공명한다면 반면에 그 주파수가 적게 들리는 스피커가 그 방에서는 훨씬 더 정확한 소리로 들려줄 수도 있는 것이니까요.마지막으로 스피커 제조회사에서 표기하는 주파수 특성에 관해서. 스피커와 상당히 비슷한 구조의 마이크의 주파수 특성을 보면 이글의 첫 사진은 DPA 사의 "페어매치"가 된 마이크의 주파수 특성표입니다.스테레오 녹음을 위한 마이크의 경우 정확한 매치드 페어가 굉장히 중요합니다.스피커의 소리가 L 과 R 의 주파수특성이 다르다면 위상변위로 인해서 정확한 음상이 생기지 않게 되겠지요. 스피커 역시 각 모델들마다 우리가 생각하는 것 이상으로 주파수 특성이 다르게 제작되어서 나옵니다. (물론 그렇지 않은 스피커들도 많이 있습니다.)예를들어 플랫한 스피커가 좋아서 J 사의 스피커를 구입했는데 그 스피커의 L 은 플랫하더라도 R 은 그렇지 않을 가능성도 있다는 것이지요.이둘의 오차범위에 관해서는 물론 대부분의 제조 회사들에서는 완성된 제품의 측정후 맞추어서 출시를 합니다. 레코딩엔지니어는 레코딩 스튜디오에서 플랫한 주파수 특성을 지닌 모니터 스피커로 음악을 들으며 음색과 밸런스 및 공간감을 조정해야 합니다.그리고 이러한 조정을 하는 레코딩 스튜디오의 컨트롤룸의 음향특성 역시 어느 주파수가 지나치게 부스트된다던가(대부분은 저음) 하는 것이 없이 모니터링 시스템의 소리를 평탄하게 들을 수 있어야 하지요.이러한 레코딩 스튜디오에서 만들어진 소리를 집에서 듣는 경우. 이경우도 꼭 주파수가 평탄한 것만이 가장 좋은 오디오라 할 수 있을까요? 오디오에 대한 기준으로 음원에 대한 모든 정보를 가감없이 정확하게 들려주는 것을 추구하는 사람이 있을 것이고또 음원에 담긴 정보를 하나의 악기라고 생각을 하고 자신의 오디오시스템과 룸의 음향 특성을 통해서 보다 더 개인의 취향에 맞는 오디오시스템으로 꾸며가는 사람들이 있을 것 입니다.소리라는 것은 꼭 이것은 맞고 저것은 틀리다. 라고 볼 수 없습니다.저도 제가 좋아하는 그리고 추구하는 소리가 시간의 흐름에 따라서 자연스럽게 변화해갑니다. 지금은 정확한 소리를 좋아하지만 나중에는 정확하지는 않지만 또 다른 매력이 있는 다른 소리를 좋아하게 될수도 있는 것이지요.중요한것은 하얀 종이위에 있는 이론에만 머물러 있지 않은 "경험" 인 것 같습니다.결국에는 음악과 소리에 대한 애정이 경험을 만드는 것 같습니다. 하지만 경험이 동반되지 않은 단순한 지식의 자랑은 편견을 만들어가는 것이 아닌가 싶기도 합니다.

 참 많은 CD의 종류들이 있습니다.일반 CD 는 레드북 CD 라 부릅니다. 레코딩 포맷은 16Bit /44,1Khz80년대 CD 의 탄생이후 90년대가 되면서 이미 레코딩은 모두 디지털로 바뀌었고 레드북 CD 보다 더욱 더 높은 비트와 샘플링레이트의 24Bit 48Khz 가 일반적인 레코딩 스튜디오에서의 표준 포맷이 됩니다.2000년 이후부터는 24Bit 96Khz 가 일반화 되어있지만 수백트랙의 악기들을 사용하는 POP 음악의 경우는 (KPOP 포함) 아직도 24Bit 48Khz 가 기준 포맷입니다.어찌되었던 CD 보다는 더욱 더 높은 포맷으로 녹음을 한지도 20년이 넘었기 때문에 CD 에 보다 더 고음질의 음원을 담자.. 라는 시도로  여러 CD 관련 포맷들이 시장에 나와서 조금은 헷갈리게 됩니다. 우선 대표적으로 SACD  SACD는 거의 대부분이 일반 CD와 호환이 되는 "하이브리드" 방식으로 제작이 됩니다. SACD 에는 3개의 면(레이어)가 있습니다.일반 CD - 16Bit 44.1KhzSACD 스테레오 - DSD SACD 멀티채널 - DSD일반 CDP 에서는 재생이 되지 않는 SACD 는 싱글레이어 SACD 라 부르며 음반에 반드시 별도의 표기가 되어있기 때문에 시중에서 판매가 되는 SACD의 대부분은 꼭 SACDP 를 가지고 있지 않아도 소리를 들으실 수 있습니다.물론 이 경우는 SACD의 포맷인 DSD 로 재생이 되는 것이 아니라 SACD로 음악을 들으시더라도 일반 CD 포맷인 16Bit 44.1Khz 으로 소리를 듣게 되는 것이지요.SACD 에 관한 의견은 분분하지만 CD 에 비해서 확실하게 더 좋은 소리를 쉽고 간편하게 들려주는 아주 좋은 포맷이라 생각합니다.여기서 DSD가 좋다 PCM 이 좋다 하는 등의 해묵은 토론에 관해서는 굳이 이야기를 할 필요가 없겠지요. 초기 SACD 가 나와서 무척 큰 기대를 하고 SACDP 를 구입해서 음악을 들어본후 CD 레이어와 SACD 레이어의 소리차이가 거의 구분이 되지 않는다!  라는 이야기들이 있었습니다.저도 물론 이러한 부분을 경험한 적이 있었습니다.초기에 이러한 문제로 SACD가 한동안 자리를 잡지 못한 큰 문제가 되었습니다.먼저 초기 발매된 SACD 의 원본 레코딩 포맷은 대부분 24Bit 48Khz 였습니다. SACD 의 장점이라 할 수 있는 순수 DSD 녹음의 경우는 편집등에 여러가지 어려운 부분들이 있고 SACD 마스터를 만드는 과정은 이미 보편화 되어있는 CD 마스터를 만드는 것에 비해서 훨씬 더 번거롭고 무엇보다도 이를 작업할 수 있는 소수의 마스터링 프로그램이 필요했습니다.*SONOMA - 미국*SADIE - 영국*Pyramix - 스위스 이렇게 3가지의 레코딩 & 마스터링 프로그램들만이 SACD 제작을 위한 마스터를 만들 수 있었지요.그렇기 때문에 스튜디오에서 많이 들 사용하는 사운드블레이드(이전 소닉솔루션)이나 세콰이어등의 DAW 등에서는 DSD 자체를 지원하지도 않았고 여러모로 어려운 부분들이 있었습니다. 그렇기 때문에 24/48로 녹음 및 마스터링된 마스터를 단순히 DSD로 업샘플링만 해서 SACD들을 만들게 된것입니다. 초기 유니버셜 뮤직 DG 의 SACD 들도 대부분 오리지널 녹음 포맷은 24/48 이었습니다.그렇다 보니 큰 기대를 하고 들은 SACDP 에서의 SACD 레이어와 일반 CD 레이어에서의 청감적인 소리차이가 예상보다 적었습니다. 또한 스피커나 앰프등은 그대로 둔채 단지 SACD와 CD 와의 차이만으로도 스피커를 바꾼것처럼 소리가 바뀔 것으로 생각한 사람들에게는 실망이 더욱 더 크게 되었지요. 심지어 SACD 는 제작할 수 있는 공장의 수도 굉장히 한정적이었습니다. - 복사방지 때문에 소니에서는 이부분을 엄격하게 관리를 하였습니다. 이러한 마스터 제작 부분 및 제작 공장의 한계는 SACD 의 보급에 큰 걸림돌이 되었지요. 하지만 이후 음원의 시대가 오면서 DSD 음원 파일이 일반 PCM 음원 파일에 비해서 확실히 "다른" 소리가 난다라는 의견들이 생기면서 SACD 는 다시 새롭게 조명을 받게 됩니다. 초기에 SACDP 들의 경우 확실히 문제가 있었습니다.일반 CD와 SACD 간의 확실한 음질차이를 하드웨어에서 제대로 재생을 하지 못했었습니다.저가의 DVDP 등에서도 SACD 가 재생이 가능하게 되면서 이러한 기기들에서는 제대로된 SACD 의 소리를 듣기 어려웠지요.사실 이부분은 지금도 상황이 크게 다르지 않은데 적어도 SACD 의 소리를 일반 CD 에 비해서 분별력 있게 들려주는 플레이어의 최소 지점은 마란츠 SA-11S2 정도는 되어야 한다고 생각합니다.최근 10년동안 CDP 의 재생 퀄리티가 현격하게 높아진것처럼 최근 SACDP의 퀄리티도 초기의 SACD 시절과는 비교할 수 없으리만치 높아졌습니다.SACDP 에서 레드북 PCM 과 SACD 의 DSD 를 재생하는 회로를 아예 별도로 만들어서 제작하는 곳이 있는가 하면 - 에소테릭 모든 일반 CD의 음원도 내부적으로 DSD 로 변환해서 재생을 하는 기기들 - 마란츠 SA-10잘만들어진 SACDP에서 들려주는 SACD 의 소리는 보다 높은 포맷에 컴퓨터를 통해서 재생이 되는 고해상도 음원에 비해서도 훨씬 더 안정되고 좋은 소리를 들려줍니다.최근에 들은 몇몇 SACDP 들은.. 아.. SACD의 소리가 이렇게나 좋았었나..하는 느낌도 주더군요. 그럼 여기서 의문이 하나 드는 것이 있습니다.같은 음반이 일반 CD로 발매된것과 SACD로 발매된것 가운데 일반 CD 로 듣는것과 SACD 의 CD 레이어로 듣는 것은 어떠한 차이가 있을까요? 왠지 SACD의 일반 CD 의 음질이 더 좋을 것 같은 느낌이 들기도 합니다.^^ 하지만 SACD 의 소리를 읽어들일때 SACD 면을 통과한다음 CD 면을 읽게 되어있습니다.SACD 의 CD 면에 대한 재생시의 문제점에 관한 이야기들도 있습니다.SACD 의 CD 면의 소리는 그래서 좋지 않다! 라는 편견이 많은 사람들에게 자리하게 되기도 하지요그런데 녹음한 음반들을 직접 마스터링까지 해서 CD 공장에 보냅니다. CD 공장에서는 마스터 CD 혹은 DDPi 파일로 CD 대량생산을 위한 스탬퍼를 만들고. 이후 CD들을 대량으로 생산합니다. 지금까지 여러 CD 제작공장들과 거래를 해보았는데 모든 공장마다 소리가 다 다릅니다.^^같은 CD를 가지고 한국의 공장 그리고 외국의 공장들에서도 SACD 나 HQCD 가 아닌 일반 CD들도 제작을 해보았습니다.먼저 CD 제작 공장마다 원본 마스터를 보통은 4배속 (혹은 공장 마다 그 이상) 으로 스탬퍼를 만듭니다.이것도 궁금하여 지난 문지형의 20세기 무반주첼로 CD의 경우는 같은 공장에서 2배속으로 스탬퍼를 만든것과 4배속으로 스탬퍼를 만든 음반을 모두 제작을해서 소리를 비교해서 들어보니 2배속으로 제작한 쪽이 배음등에서 보다 더 소리가 좋았습니다. - 확실한 차이가 있었습니다.오디오가이의 SACD 를 제작하는 곳은 SONY DADC 오스트리아 공장입니다. 제가 좋아하는 전원관련 기기를 만드는 회사중에 선야타리서치 라는 곳이 있는데 이곳의 제품을 사용하는 여러 기관중에 SONY DADC 오스트리라 공장도 포함이 되어있습니다.단순히 전원관련 기기를 좋은 것을 사용한다 해서 그 공장에서 생산이 되는 CD 의 음질이 좋다. 라고는 볼 수 없겠지만음악을 다루는 매체를 생산하는 공장에서 그만큼 음질에 만전을 기하고 있다고도 볼 수 있을 것 입니다. 국내 공장에서 생산된 CD 의 소리와 SONY DADC 오스트라에서 제작된 SACD 의 일반 CD 면의 소리를 비교했을때 SACD 에 있는 CD 면의 소리는 좋지 않다. 라는 선입견과는 달리 후자쪽이 한결 더 소리가 좋습니다.최근에 SACD 를 다시 적극적으로 발매하게 된 계기는 우선 놀라우리만치 소리가 좋아진 여러 SACDP 들 그와 함께 SACD 면에 함께 수록된 일반 CD 의 음질이 국내 공장에서 생산되는 일반 CD 보다 훨씬 더 좋았기 때문입니다. 이번 유러피안재즈트리오 LIVE SACD 도 지금까지는 일반 CD 로 주로 듣고 있는데 최종 마스터링을 했던 느낌에서 큰 차이가 없이 소리가 재생이 되고 있습니다.https://smartstore.naver.com/audioguy/products/3299548249

 지난 일요일 예술의 전당 콘서트홀에서 피아니스트 프레디켐프의 공연이 있었습니다.이번 공연은 사전에 아티스트와 기획사분들과 조율을 하여 공연을 실황 녹음하여 음반으로 만드는 작업이었습니다. 피아노 녹음은 합창녹음과 함께 가장 오랜시간 또 자주 하고 있는 작업이지만 녹음전까지 어떠한 마이크로 어떻게 세팅을 해볼까..하는 즐거운 상상들을 하였습니다. 우선은 아티스트의 연주가 굉장히 다이나믹 스타일이라. 같은 피아노 같은 환경이라도 피아노 터치에 따라서 녹음 방법 과 세팅은 전혀 달라집니다. 페달링은 말할필요도 없겠지요. 녹음해서 CD와 LP 로 만드는 공연이기 때문에 피아노의 경우도 예술의 전당 콘서트홀에 있는 3대의 스타인웨이 D 중에 두대를 1차적으로 제가 골랐고두대 모두 조율을 하였습니다. 그상태에서 홀에 두대의 피아노를 설치해놓고 아티스트가 여러번 비교해가며 피아노를 선택하였습니다.최종 선택된 스타인웨이 D 는 57만번대. 마이크는 오디오가이 피아노 녹음의 메인 마이크라 할 수 있는 DPA 의 4011A 단일지향성 마이크. 직접음을 굉장히 선명하고 깨끗하게 녹음해주는 참 대단한 마이크입니다. 공간의 앰비언스는 마이크를 높게 설치하지 않고 바닥에 PZM 마이크를 두어서 사용하였는데 스튜디오에 와서 들어보니 예술의 전당 콘서트홀의 느낌이 그대로 잘 살아있는 상태로 녹음에 담겨있네요마치 싱싱한 횟감을 눈으로 보는 듯한 느낌의 소리를 들을 수 있었습니다.^^ 마이크프리앰프는 GML 사의 4채널 프리앰프인 8304 를 사용하였습니다.전원부 분리의 트랜스가 없는 타입으로 출력이 언밸런스가 이후의 AD 컨버터나 레코더까지의 시그널이 짧을 수록 좋습니다.오디오가이의 메인 장비인 RME 믹스타시가 이번에는 마이크프리앰프로는 사용이 되지 않고 AD 컨버터로만 사용출시된지는 오래되었지만 RME 사의 플래그쉽 다운 AD 컨버터의 소리도 정말 좋습니다. GML 의 프리앰프는 소리의 시작부터 사라지는 것까지 아주 정확하게. 있는 그대로 마이크에서 케이블을 통해 들어오는 신호를 굉장히 투명한 소리로 증폭해줍니다. 보통 전 +35dB 로 녹음을 합니다. 마이크프리앰프의 소리가 너무너무 마음에 들어서 최근에 4채널을 더 추가로 구입을 해서 8채널로 사용하고 있습니다이렇게 콘서트홀 무대(스테이지)위에 마이크프리앰프와 AD 컨버터를 둡니다.마이크와 마이크프리앰프간의 거리를 최대한 짧게 하는 것이 "살아있는" 소리를 녹음하기 위한 중요한 요소중에 하나이지요. 예술의전당 콘서트홀 스테이지 벽면 패널에서 아날로그와 디지털 신호 (이번에는 RME 믹스타시의 MADI 출력을 사용) 가 대기실 113호에 연결이 되어있습니다! 그렇기 때문에 이번처럼 외부 레코딩 회사가 기기들을 가지고 가서 녹음하기에 예술의 전당 콘서트홀은 너무너무 좋은 곳입니다.ㅜ.ㅜ 113호 벽체에 있는 MADI 패널에서 RME UFX+ 의 MADI 입력으로 바로 녹음을 하였습니다. (샘플링 레이트는 24비트 176.4khz)RME UFX+ 는 별도의 컴퓨터와 연결하지 않고 바로 USB 하드등을 연결해서 녹음할 수 있는 혁신적인 기능이 있는데오디오가이와 같이 스튜디오는 물론이고 다양한 공연장과 교회등에서 음악 녹음 하는 회사에게 있어서는 너무나도 유용한 기능이라 할 수 있겠지요. 저는 레퍼런스 헤드폰으로 제나이저 HD800 을 사용하고 있고 함께 하는 프로듀서분은 포칼의 유토피아 헤드폰을 사용합니다. 이렇게 공연 실황이 녹음 되었고. 스타인웨이 D 특유의 금속성의 화려한 느낌이 그대로 녹음기에 잘 담겨서 왔습니다. 음반은 올해 말에 SACD와 LP 로 출시 예정입니다.

안녕하세요. 제 이름은 최정훈. 43살. 결혼해서 아이 셋과 함께 살고 있습니다. 음향은 고등학교때부터 시작해서 20살에 레코딩 스튜디오를 만들면서 본격적으로 시작하여 23년동안 꾸준히 이 일을 하고 있습니다."오디오가이"라는 이름의 음반 레이블과 레코딩 스튜디오 그리고 역시 같은 이름의 프로음향엔지니어들의 커뮤니티 사이트를 함께 운영을 하고 있습니다. 오디오가이 사이트를 보면 오랜시간 꾸준히 올라오는 글들이 있는데 바로 "진로"에 관한 부분입니다.오래전 "음향엔지니어를 시작하는 이들에게" 라는 시리즈의 글들을 올린적이 있었는데 지금은 또 그때와는 상황이 많이 다를 것이라 봅니다. 많은 사람들이 이쪽 일을 하면 먼저 "급여" 부분을 걱정합니다. - 다른쪽 분야는 제가 일을 해본적이 없어서 잘 알지 못합니다. 사람사는데 가장 중요한 부분이기 때문에 적은 급여로 인턴이나 어시스트 엔지니어를 고용하는 것은 맞지 않다.편의점 그리고 최저임금보다도 한참 적은 금액으로 가르쳐준다는 명목으로 신입사원을 채용하려면 최소한의 기초생활을 보장해주어야 한다. 라는 의견입니다.정말 맞고 공감이 됩니다. 하지만 현대의 수많은 레코딩 스튜디오들은 인턴이나 어시스트 엔지니어에게 최저임금정도의 급여를 주기 어려운 상황인곳이 많은 것이 현실입니다.이러한 현실을 보고 아예 이 일을 시작하지 말아라..라고 이야기 하는 수많은 선배들도 있다 합니다. - 저는 동종업계의 선배들과 교류를 거의 하지 않기 때문에 이에 관해서 이야기를 나누어 본적이 별로 없습니다.지난 시간동안 그리고 앞으로도 계속 이일을 하면서 변함없이 생각을 하는 부분이 있습니다. 아이를 셋을 키워보니 힘든일도 있고 즐겁고 기쁜일도 있습니다. 이것은 비단 아이를 키우지 않아도 세상살아가는데 모두 같은 부분들이 있겠지요. 저는 제가 하는 이 레코딩 엔지니어 라는 일을 저의 자식들에게 자신있게 추천할 수 있습니다. 그렇기 때문에 음악과 소리가 좋아서 이 일을 하고자 하는 사람들이 있다면 늘 변함없이 마음속으로 응원을 합니다. 이제는 10살이 되었지만 8살인 큰아이가 했던 질문가운데 평생에 잊지 못할 내용이 하나있었지요."아빠. 내가 세상에 태어난 이유가 무엇이야?" 사람이 내가 세상에 태어난 이유는 누구나 궁금할 것입니다. 하지만 그 과정을 찾아가는것이 결국은 자신을 알아가고 또 찾아가는 부분이라는 것을 깨닫게 됩니다. 잠시 다른 이야기를 해보지요. 사회의 딱 중간이라는 40대가 참으로 재미있습니다.  50 대가 정도가 되어 어느정도 세상을 살면 누구나 예언자가 되고. 흔히 말하는 돗자리 깔아도 되는 점쟁이가 되는 것 같습니다. 세상에 많은 부분들이 경험을 통해서 눈에 보이게 되겠지요.(반면에 70대가 넘으면 굳이 말을 하지 않아도 되고 또 그럴 필요가 없다고 생각을 하기 때문에 목소리가 작아지는 것인가요?) 하지만 30 대부터 50대 혹은 그 이상의 세대들을 보고 느끼며 생각드는 것은 바로 끊임없는 욕심입니다.저 자신도 마찬가지 입니다. 지금도 무척 감사하고 어찌보면 20대의 꿈을 더 일찍 넘치도록 이루게 되었는데도 더 가진것처럼 보이는 다른 이들과 비교하며 스스로를 더 다그치지요.. 누구나 자신이 하는 분야에서 50대까지 20년 이상 꾸준히 하다보면 그 세계에서는 "유명인"이 됩니다.아니. "유명인"이 되어야 먹고살 수 있게 되는 것이니 비슷한 말이라고도 볼 수 있겠지요?어찌보면 이것은 우리의 기본적인 욕망중에 하나일런지 모르겠습니다.지금까지 아무리 노력하고 또 노력해서 자신이 원하는 것을 이루었어도 만족을 모르고 더이상의 것만 끊임없이 탐하는 것이 말이지요. 특히 20대의 젊은 층들에게 패배주의를 깊숙하게 심어서. 적당히 많은 급여만 주고 사회 시스템안의 하나의 부품처럼 소비가 되는 현실이 아쉽습니다.이것이 나의 감정인지 혹은 우리의 감정인지 또는 다른사람이 나와 우리의 생각과 감정이라고 "주입" 하는 것에 너무 쉽게 흔들리고 거기에 따라가는 20대를 보게 됩니다. 이것은 사실 30대 40대도 마찬가지일런지도 모르지요.아이가 유명인이 되고 돈도 많이 벌고. 행복하게 잘 살았으면 좋겠습니다. ...정말 그런가요? 나의 삶 그리고 우리의 삶이 위와 같지는 않지요.내가 이세상에 태어난 이유에 대해서 생각을 해보며. 나의 삶속에서 내가 진정으로 평생을 다해서 사랑할 수 있는 대상을 찾는 것 이것이 제가 세상에 태어난 이유인것 같습니다. 그렇기 때문에 그간 많은 돈을 벌지도 모으지도 못했지만 삶의 절반이 넘는 시간을 음악과 소리와 함께 보내고 있습니다.아직도 녹음을 할때마다 마이크 세팅을 할때마다 유튜브에서 다른 레코딩 엔지니어들이 녹음하는 세팅들을 볼때마다 신기하고 또 재미있습니다. 평생해도 질리지 않는 이 신나고 재미있는 일을 찾을 수 있다는 것이 한가지가 얼마나 감사한 일인지요.누구는 그래도 입에 풀칠은 해야하니 그것보다는 당장의 급여가 더 중요하다고 생각할 수 있습니다.가치의 저울이 그쪽에 가있다면 과감하게 음향은 포기하고 다른 일은 하는 것이 좋습니다.- 물론 이것은 음향은 무조건 돈을 벌 수 없다 라는 것은 아니니 오해는 없으시기 바랍니다.하지만 편의점 아르바이트를 40대 50대 까지 할것인가요? 내 삶에서 내가 진정으로 원하는 것이 무엇이고 내가 세상에 왜 태어났는지 내 인생의 선택한 일을 통해서 그것을 알아가는 것이 아닌 지금 급여를 많이 주는 아르바이트를 하며 60대 70대까지 보내고 나서 나중에 내가 세상에 왜 태어난것일까 라고 스스로에게 반문할때 어떻게 생각을 하게 될지 궁금합니다.20대에 내 삶에 진심으로 열정을 다할 수 있는 그 무엇인가를 찾을 뻔 하다가 순간의 불안감을 견디지 못하고 조금 더 편한 인생을 선택한 스스로에 대해서 혹시나 마음 한편 후회는 들지 않을까요?유한한 삶 한가운데에서 마음을 다할 수 있는 그 무엇인가를 찾고 또 그로인해서 나 자신을 알게되었다면 사람의 인생에서 더이상의 성공이 또 있을까요? 물론 더 유명해지고. 국가 기관의 높은 자리에 올라가고. 돈도 더 많이 벌어야 한다고 생각을 하시는 것은 아니겠지요? 넓은 집과 멋진 가구에 고가의 시계나 자동차를 갖고 싶다고요?물론 저도 그렇습니다. 혼자 그러한 상상을 해보기도 하지요.내가 평생 돈에 대한 걱정과 고민없이 그저 좋아하는 일만 취미로써 실컷 하면서 즐겁게 사는 것 말이지요. - 하지만 곁에서 보니 남들이 보기에 이러한 상황이라도 생각하는 사람도 우리보다 더 큰 걱정과 고민들이 있더이다. 직접 해보기전에는 모릅니다. 음향에 관심이 있다면 바로 시작해보세요. 가장 좋은 것은 실력이 뛰어난 레코딩 엔지니어가 있는 스튜디오에서 인턴이나 어시스트로 일을 하는 것입니다.그사람이 실력이 좋은지는 어떻게 알까요? 여기서 말하는 것은 단지 음향적인 것을 떠나서 사람의 마음을 잘 알고 있다고 볼 수 있겠지요.이런 레코딩 엔지니어가 있는 스튜디오는 늘 아티스트들도 발길이 끊기지 않을 것 입니다. 아무리 좋은 장비가 있는 시설이 있는 스튜디오가 아닌 그 스튜디오를 찾는 사람들이 많은 스튜디오에 가서 배우세요. 학교나 아카데미에서 절대로 배울 수 없는 부분들을 분명 느끼게 될 것입니다.물론 이러한 스튜디오도 인턴과 어시스트들에게 최저임금 정도의 급여를 주는 것은 쉽지 않습니다. 대부분 어렵습니다. 그만큼 이 일을 통해서 들어오는 수익이 적은 것이지요.스튜디오 오너나 메인 엔지니어가 많은 돈을 벌면서 인턴이나 어시스트에게는 쥐꼬리만한 급여를 준다고는 저는 생각하지 않습니다. 내가 좋아하는 것이 무엇인지 내가 하고 싶은 것이 무엇인지 이를 통해서 내가 어떤사람인지 알아가기 위해서 우리는 세상에 태어난 것 같습니다.그리고 이것을 "발견"할 수 있다는 것만으로도 그것은 충분히 행복한 삶이되지 않을까 깊습니다.제 아이들은 물론이고 다른 누군가가 이일을 시작한다면 변함없이 환영하고 또 응원합니다.무엇보다도 반갑습니다.  서로의 인생에서 같은 것을 "발견"한 것이 말이지요.변함없이 이 일은 즐겁고 재미있고 또 어려워서 계속하게 됩니다. 

난다 작, 겨울비2, 2007,110×150cm, Archival Inkjet Print"공간감"이라는 단어를 우리는 참 자주봅니다.그런데 공간감이라는 것은 무엇일까요? 저는 머릿속에 질문이 생기면 그 단어를 자세히 들여다 보는 것을 좋아하는 편입니다. "공간" "감" 즉 공간에서의 느낌 이라 할 수 있습니다.이것은 시각. 청각. 촉각. 후각. 미각등에 아직 정의되지 못한 다른 여러 감각들이 더해진것입니다. 예를들어 "뇌각" 이라고 해야할까요? ^^ 여러 감각에 대한 경험들을 뇌에서 저장을 한후 그것을 종합하고 발전시켜서 새로운 감각을 끊임없이 만들어내는 것이 인간의 존재이니까요.그런데 모든 감각이 따로 분리되어있는 것이 아니고 모두 연결이 되어있어서 이를 통해서 감각이 극대화 되고 발전이 됩니다.내가 어떠한 공간에 있습니다. 태아시절에는 청각을 통해서 처음으로 나의 존재를 알게 되고 이후 촉각등 여러 감각들이 발전하게 됩니다. 내가 지금 있는 장소가 어머니의 뱃속인지 느끼게 되는 것이지요. 그리고 세상에 태어나서 다른 압력과 직접적으로 들리는 수많은 소음(청각)들 어머니 뱃속과는 전혀 다른 환경의 감각들에 깜짝 놀라서 크게 웁니다. 하지만 인간의 감각은 금새 적응이 되듯이 갓태어난 아이의 울음도 어머니가 안아서 익숙한 어머니의 심장박동 소리를 피부와 귀로 들으며 안심을 하고는 울음을 그치게 됩니다.공간감은 여러가지 감각이 모두 합쳐지기도 또 따로따로 모이기도 합니다.그림과 같이 평면에서 시각적인 공간감을 느끼는 것은 시각외 다른 감각들에서의 경험때문입니다. (물론 눈이 두개, 그리고 망막의 두께에 따라서 다르게 느끼기도 합니다. - 이상한 이야기처럼 들릴 수 있겠지만 미술이나 건축을 좋아하시는 분은 가급적이면 라식수술을 하지 않으시는 것을 저는 추천드리고 싶네요^^) 공간에 따른 소리의 정보는 세상을 경험하면서 나의 존재와 함께 늘 무의식으로 뇌에 저장이 됩니다. 인간은 자연스럽게 내가 울림이 많은 성당안에 있는지 여러 도시소음 중간의 거리에 혹은 물건들이 최소화된 조용한 나만의 방안에 덩그러이 혼자 있는 것인지 그때그때 마다 주변의 정보들을 기억합니다. 그리고 그것이 시각이든 청각이든 여러 감각들로 경험에 따라서 인지를 하게 되는 것이지요.여러 경험들이 디지털 함수(^^)로 변환되어 뇌로 저장이 되면서 소리에 대한 경험이 많을수록 소리를 잘 들을 수 있게 됩니다.일명 하이파이 오디오세상에서 "황금귀"라고 불리우는 사람들은 청각의 물리적 특성이 남들과 다른것이 아니라 오랜시간 음악과 소리를 듣고 판단하고 구분하면서 이에 관한 정보(경험)을 많이 지니고 있는 사람인것이지요.오랜시간 국악에 대한 관심과 애정으로 국악을 이해하고 사랑하며 또 국악 공연을 자주 가는 분들을 "귀명창"이라 부르는 것 역시 비슷한 내용입니다."공간에 대해서 느끼는 감각" 즉 공간감은 그 사람의 경험에 따라서 그 차이를 다르게 느끼기도 합니다. 소리의 공간감은 두가지로 나눌 수 있습니다.먼저 실제 우리가 생활하는 장소등에서 다양한 감각을 통해서 경험하는 공간감이 있고 그리고 녹음된 음악을 스테레오 스피커로 재생을 하면서 음악 안에서 느껴지는 공간감이 있습니다.여기서는 후자에 관해서 이야기를 드려보고 싶습니다.지난 밸런스에 관한 이야기와 함께 밸런스와 함께 음향에서 가장 중요하게 생각하는 것이 바로 이 공간감입니다.현실의 공간 구석구석 퍼져나가는 소리를 마이크로 담아서 녹음후 그것을 스피커로 재생이 되었을때 현실과 같게 혹은 그 이상의 청각적인 공간감의 쾌감을 느낄 수 있도록 하는 것이 레코딩 엔지니어의 역할이지요. 이 그림처럼 실제하지 않는 것을 마치 실제하는 것처럼 "청각"이 느껴지도록 하는 것입니다. 이것은 그렇기 때문에 위와 같은 거리감 원근감 등의 여러가지가 청각과 시각의 유사점이 많습니다.두 눈의 착시효과로 깊이감이 느껴지는 것처럼 두 귀의 착시 효과로 현실에는 소리가 존재하지 않는 곳에 소리가 느껴지는(소리가 보이는) 스테레오 효과가 이미 익숙한 감각이 된것이지요.두개의 스피커 가운데에서 보컬이 있는 음악을 들어보면 소리는 양쪽 스피커에서 나오고 있지만 소리는 두 스피커의 가운데에 있는 것으로 우리는 인지를 합니다. 또 약간의 음향적인 경험이 있다면 소리가 스피커 주변으로 시각화가 되어서 보여집니다. 소리로 공간감을 느끼는 가장 큰 요소는 소리의 직접음 그리고 간접음의 비율입니다.아주 단순합니다. 내가 친구와 아주 먼거리에서 대화를 하면 먼저 소리가 작게 들립니다. - 소리가 작으면 멀리있다 그리고 멀리서 이야기를 하면 친구 목소리가 내게 전달되기까지 직접음보다 간접음의 비율이 많아 집니다. - 간접음이 크면 멀리있다. 소리가 긴 거리를 통과하는 동안 소리의 고역은 흡음되어 사라집니다. - 고역이 적고 소리가 부드러우면 멀리있다. 반면에 귀 바로 옆에서 내게 친구가 이야기를 합니다. - 소리가 크면 가깝게 있다. 귀 바로 옆에서 이야기를 하면 함께 이야기를 나누는 공간의 건축음향적인 정보(간섭음)보다는 친구의 목소리(직접음)가 훨씬 더 크게 들립니다. - 직접음의 비율이 높을수록 가깝게 있다 바로 옆에서 이야기를 하기 때문에 주변의 환경에 따라서 친구 목소리의 음색이 크게 변하지 않고 그대로 전달이 됩니다. - 음색이 밝으면 가까이 있다. 이렇게 우리는 일상생활 모두에서 소리에 대한 정보들을 무수히 쌓으며 살아갑니다. 녹음을 할때도 악기에 가깝게 마이크를 설치하고 또 악기와 멀리 떨어져서 연주되는 공간의 정보를 함께 수록을 해서 두 소리를 섞어서 "공간감"을 만듭니다. https://blog.naver.com/audioguy1/221232134160클래식이던 국악을 녹음할때 가장 중요하게 생각을 하는 부분이 밸런스 그리고 공간감 입니다.여기서 말하는 공간감은 단순히 잔향이 많고 적음이 아니라 그 악기가 연주된(녹음돈) 곳의 음향정보가 음원에 그대로 표현이 되는 것입니다.그렇지 않고 일반적인 녹음실의 흡음을 많이 한 대부분의 공간에서는 녹음되는 소리의 차이가 거의 존재하지 않고 믹싱에서 위와 같은 디지털 리버브들을 더하여 녹음을 하는 것이 현대의 일반적인 음악제작방법이지만 오디오가이에서는 가급적이면 이부분을 따르지 않고 있지요.위 링크의 글에서도 있지만 본래 공간감이라는 것은 음악의 볼륨이 클때. 그리고 음악의 볼륨이 작을때마다  직접음과 간접음, 일명 잔향이라고 말하는 간접음의 음색이 모두 다릅니다.볼륨이 작을때는 잔향의 음색도 작고 부드럽고 볼륨이 클때는 잔향의 음색도 크고 강해지지요.이 작은 차이가 아티스트가 감정을 표현해서 연주하는 그 느낌(감각)을 그대로 녹음하여 재생을 통해서 표현이 되는 것이라 생각하고 있기 때문입니다.음악을 들으며 공간감이 좋다! 라고 표현하는 것은 녹음된 공간의 직접음 그리고 녹음된 공간 특유의 간접음이 음반에 잘 표현이 되어있다고 보면 됩니다.하지만 지금은 대부분 디지털 리버브를 사용해서 공간감을 만들어 냅니다.사진을 찍는 행위 자체가 녹음이라면포토샵을 통해서 후보정을 하는 행위를 음향에서는 "믹싱"이라고 합니다.믹싱 작업을 통해서 듣기 좋은 공간감을 많들어 내는 것인데리버브를 더하기도 하고. 악기의 볼륨의 상대적인 조절 - 위에서 이야기 한것처럼 사람은 소리가 크면 가깝게. 소리가 작으면 멀게 느낍니다.그림안에 사물이 크면 가깝게. 작으면 멀게 보여지는 것과 마찬가지이지요또 그림안에 사물이 선명하면 가깝게. 흐리면 멀게 보여지는 것처럼 이 선명도는 소리에서는 음색과 같습니다.음색이 강하면 가깝게 부드러우면 멀게 들리는 것이지요. 지난 밸런스의 이야기에서처럼 마이크와 각 연주자들의 거리에 따라서 녹음이 되는 밸런스와 함께 자연스러운 거리감을 통한 공간감이 마이크로 함께 녹음이 됩니다. 마이크에서 멀리 떨어진 연주자의 악기 소리일수록 공간의 울림이 함께 더 많이 녹음이 되기 때문에 멀리있는 관악기 의 음색은 가까이 있는 현악기 비해서 녹음되는 공간의 반사음이 자연스럽게 더 많이 마이크로 전달이 되어서 녹음이 됩니다.이것이 바로 "공간감"이라 할 수 있습니다.어찌보면 밸런스와도 굉장히 가까운 관계입니다.공간감이라는 것은 직접음과 공간의 반사음의 어떠한 비율로 마이크(혹은 청자)로 전달이 되는지에 따라서 결정이 되는 것이니까요

어느분께서 하이파이 오디오에서 "밸런스"가 무엇을 의미하는 지 질문을 하셨습니다.한국어로 "균형" 을 뜻하는 밸런스는 사실 우리와 늘 함께 하는 단어이기도 합니다.음악이 아니더라도 참 많은 곳에 사용이 되는 중요한 단어중에 하나라고 볼 수 있겠지요.밸런스는 우선 상대적인 개념이라 할 수 있습니다. 크게 음악에서의 밸런스와 음향에서의 밸런스로 나눌 수 있습니다.위 초기 녹음의 사진을 보면 어떤가요? 원통의 마이크 앞에 여러 연주자들이 함께 있습니다.마이크 가장 앞에 현악기가 그리고 마이크에서 살짝 벗어난 좌측에는 현악기보다 소리가 좀더 큰 목관악기가 위치하고 있고가장 소리가 큰 금관악기는 마이크에서 가장 떨어져 있습니다.재미있는 것은 첼로의 위치를 보면 첼로의 음량이 마이크로 거리감이 있으면서도 충분한 음량으로 전달되기 위해서 의자위에서 높은 위치에 하고 있지요.모노시대의 녹음입니다만 밸런스는 이 한장의 사진으로 바로 설명할 수 있습니다. 마이크로 녹음이 되는 각 악기간의 음량 밸런스를 자연스럽게 하기 위해서 악기의 위치들이 사진과 같이 정해진것이지요.만약에 마이크 바로 앞에 금관악기가 있고 가장 뒤에 바이올린이 위치하여 소리가 녹음이 된다면 어떠할까요? 녹음된 소리가 균형감이 있지 않고 아무래도 부자연스럽게 들리겠지요.이렇게 초창기 녹음에서는 레코딩 엔지니어를 밸런스 엔지니어라 부르기도 했습니다.음향엔지니어의 가장 큰 역할이 악기의 음색보다도 이렇게 균형감 있게 악기들의 소리가 마이크로 전달이 되어 녹음을 하는 일이었습니다.하지만 멀티트랙 녹음이 시작되면서 악기들마다 각각 마이크를 설치해서 녹음을 하고믹싱 이라는 작업을 통해서 각 악기간의 밸런스를 조정하여 최종적인 음반을 만듭니다.현재 우리가 듣는 그리고 만들어지는 음반 제작과정에 많은 사람들이 가장 중요하게 생각하는 부분이기도 하지요.믹싱작업에서는 단순히 음량 밸런스 뿐만 아니라 악기의 음색 그리고 공간감등을 함께 세밀하게 조정을 하는 작업이니까요.오디오가이라는 레코딩 회사에서 가장 중요하게 생각하는 부분이 바로 이 "밸런스" 인데 (그래서 오디오가이에서 저의 직함은 레코딩 엔지니어가 아니라 밸런스 엔지니어라 표기를 하고 있습니다.)음향에서 다른 요소들이 대부분 음색을 표현하는 것에 가깝다면 밸런스는 음악 그 자체에 가장 큰 영향을 주기 때문이지요.작곡가가 만든 멋진 교향곡도 각 악기간의 밸런스가 맞지 않는 다면 전혀 다른 소리로 들릴 것 입니다.  클래식 음악이 들어도 들어도 다채롭고 재미있게 들리는 것은 바로 이 밸런스 때문이라고도 볼 수 있습니다.같은 곡이라도 해석하는 사람에 따라서 연주되는 공간에 따라서 밸런스가 다르게 들리고 이것이 결국에는 음악적인 차이를 만들어 내기도 합니다.하이파이 오디오에서 밸런스라고 하면 대부분 주파수 특성이 얼마나 고르게 잘 표현되고 있는지를 의미합니다. 음원(혹은 음반)에 는 콘트라 베이스가 상당히 크게 되어있는데 내가 집에서 사용하고 있는 북쉘프 스피커에서 저역이 거의 들리지 않는 다면 그것은 밸런스가 잘 맞지 않는 것이라 볼 수도 있는 것이고또 아주 대형 시스템을 작은 방에서 사용하는 경우 룸 튜닝의 영향으로 특정 주파수 혹은 특정 악기의 볼륨이 원본에 담겨 있는 정보보다 지나치게 음량이 크거나 혹은 작게 들리는 것 역시 밸런스가 좋지 않다. 라고 볼 수 있습니다.음악감상이라는 것이 아티스트의 음악을 깊게 이해를 하고 있는 레코딩 프로듀서나 엔지니어들이 함께 만든 음원을 다양한 환경에서 듣는 것인데 본래 아티스트가 음악에 관해서 생각하는 바가 충분히 잘 녹음이 되었다고 한다면 그 녹음된 정보(음악)가 그대로 가정에 전달이 되는 것이 밸런스가 좋은 오디오시스템이라 볼 수 있을 것 입니다. 하지만 여기서 "취향"에 관한 부분이 나오게 됩니다.아티스트도 음악에 관한 해석의 취향이 있는 것처럼 음악을 듣는 사람도 음악적인 그리고 음악이 소리로 변화가 되는 음색적인 취향이 있습니다.어떠한 사람들은 현대 하이엔드 스피커를 통해서 나오는 음원의 무수히 많은 소리의 정보들을 즐기는 사람이 있고반면에 오래된 빈티지 스피커에서 고풍스럽고 은은하게 울려퍼지는 소리를 선호하는 사람이 있으며같은 음반이라도 듣는 오디오시스템에 따라서 전혀 다른 소리로 전달이 됩니다. 하지만 음색에 대한 차이는 있더라도아티스트가 녹음당시 생각한 그 "음악" 그 자체가 어떠한 재생기기에서도 본질이 흔들리지 않고 재생이 되어야 하는 것이 밸런스가 좋은 오디오시스템이라 할 수 있을 것 입니다.그렇기 때문에 오디오를 들을때 반드시 밸런스가 잘 맞추어 져 있는 상태로 세팅을 하거나 또는 기기를 선택해야 합니다. 

레코딩엔지니어들 가운데에서는 왜 오디오파일이 드문것일까. 하는 오랜궁금증이 있습니다. 각국에 일본 스테레오 사운드에도 여러명의 레코딩엔지니어 겸 필자가 있고 미국이나 독일에는 말할 수 없을만큼 많이 있습니다만 유독 국내의 레코딩 엔지니어들은 오디오. 어떻게 보면 재생에 대해서 크게 관심이 없는 경우가 많은 것 같습니다.아무래도 하루종일 아주 긴시간동안 스튜디오에서 스피커로 소리들을 분석적으로 듣고 또 듣고 나면다시 집에가서는 조금 귀를 쉬고 싶은 마음이 드는 것은 사실일 것 입니다.음악에 대한 그리고 소리에 대한 갈증이 없는 상태로 10년 20년이 있다 보면 자연스레 집에서 별도로 음악을 듣고 즐기게 되는 것은 어려운 것 같습니다.집에서 음악을 듣더라도 스튜디오에서 작업한 곡들이 좋은 소리로. 아티스트와 본인이 원하는 방향에 맞추어서 잘 완성되었는지 확인하는 (모니터) 용으로 음악을 소비하게 될런지도 모르지요.하루의 시작과 함께 눈을 뜨면 그 정적을 음악으로 채우는 것을 좋아하고잠을 청할때 역시 음악의 볼륨이 서서히 줄어들면서 잠에 빠지는 것이 익숙하게 지내고또 스튜디오에서 종일 음악을 듣습니다. 이렇게 많은 시간 스피커에서 나오는 소리를 들으면 힘들지 않은지 물어보는 사람들도 있지만 물론 과도하게 큰 볼륨으로 듣게 되는 경우도 굉장히 많기 때문에귀가 피로하기도 하고. 가끔씩 귀에서 삐이~ 하는 소리가 나기도 하며몸이 피곤하고 컨디션이 좋지 않은 날에는 소리가 잘 들리지 않기도 합니다. 그렇기 때문에 레코딩 엔지니어는 늘 좋은 컨디션으로 소리를 듣고 판단을 할 수 있어야 하는 것이 굉장히 중요하지요.지금처럼 하루의 수많은 생각의 시간들을 오디오와 함께 하는 오디오파일이 된 이유가 무엇일까..곰곰히 생각을 해보면기본적으로 하루종일 음악을 들어도 그것을 소음으로 생각하지 않는 다는 것음악은 들어도 들어도 질리지 않는 다는 점이 가장 크겠지만. 무엇보다도 재미있는 것은 각각의 수많은 오디오들이 들려주는 "소리" 그 자체에 있습니다.오래된 빈티지 오디오부터 현대의 새로운 기술들이 들어있는 하이엔드 스피커에 이르기까지 무엇보다도 그것을 사용하고 구사하는 사람들의 취향이 들어간 소리를 들어보는 경험은 굉장히 재미있는 것 경험입니다.또한 함께 음악을 들으며 그 사람만의 음악 그리고 소리에 대한 이야기를 들을 수 있다는 것 역시사람의 수가 많은 것만큼이나 취향의 수가 다양하기 때문에 늘 신기하고 재미있는 경험입니다.하지만 더욱 더 오디오라는 취미의 세계로 깊숙하게 들어가게 된것에는 몇가지 계기가 있습니다.빈티지 오디오의 아름다운 디자인에서도 있었고그리고 내가 녹음한 음악을 여러 하이엔드 오디오시스템에서 들어보면서 보다 현재상태의 나에 대해서 더욱 더 정확하게 알 수 있었기 때문입니다.많은 음향엔지니어들은 고가의 하이엔드 스피커들은 좋지 않은 소리도 좋게 들려줄것이다.. 라는 미신에 가까운 편견을 지니고 있습니다.레코딩 스튜디오에서 소리를 만들고 조정하는데 사용이 되는 일반적인 모니터 스피커들은현대 하이엔드 스피커들에 비해서 음원에 담긴 정보를 모두 끄집어내어 재생하는데에는 분명 한계가 있습니다.참 아이러니 하지요.현대의 오디오파일들은 아티스트. 프로듀서. 엔지니어보다 실제 그 음악과 음향을 만든 사람들도 들어보지 못한 소리들을 듣고 있다고 봐야하는 것이 사실이지요.누군가의 집에서 어떤 음반이 아주 멋지고 환상적인 소리로 들린다면실제 그것을 녹음한 엔지니어도 미처 들어보지 못하였을 것입니다.이것은 어찌보면 "우연의 산물"로도 볼 수 있겠지요.잘 세팅된 하이엔드 오디오시스템들은 대부분 음향을 비추는 아주 크고 깨끗한 창이 됩니다. 제가 스튜디오에서 녹음하고 믹싱하고 마스터링 한 음원들의 단점을 다른 오디오파일분의 집에서 오히려 더 잘 느끼고 보이게 되며다음 음반 작업을 할때 이러한 점들을 고려해서 작업을 하게 됩니다.그렇다면 스튜디오에서 아주 좋은 모니터스피커를 사용하면 되는것이 아닌가? 라고 단순한 방법으로 반문을 할수도 있겠지만 스튜디오의 모니터 스피커라는 것은 소리를 판단하는 기준이 되는 것이기 때문에마이크나 세팅. 그밖에 다른부분들은 쉽게 바꿀 수 있지만기준이 되는 모니터 스피커는 쉽게 바꿀 수 없는 부분이기도 합니다.새롭게 모니터 스피커를 바꾸어서 설치 및 세팅을 하고 나서는 지금 스튜디오에서 나오는 소리의 밸런스가 다른곳에서는 어떻게 들리는지 여러번 크로스체크를 통해서현재 나의 모니터링 시스템의 개성 및 한계. 특징들에 대해서 파악을 하며 이후 소리를 조정하는 작업을 하게 되는 것이지요.보통의 레코딩 엔지니어들은 본인이 작업한 음악을 주로 차에서 어떻게 들리는지 많이 확인해봅니다. 그리고 음반이 최종적으로 발매되기 전에 "마스터링 스튜디오"에서 확인을 하게 되는데요실제로 본인의 스튜디오외의 다른 공간에서의 소리를 들어보는 경험은 마스터링 스튜디오가 전부라고 해도 과언이 아닙니다.또한 현대에는 마스터링도 프로그램으로 간단히 작업실이나 레코딩 스튜디오에서 함께 하는 경우도 많이 있습니다. 저도 제가 직접 마스터링을 하는 경우. 혹은 다른 스튜디오에서 마스터링하는 경우에는 늘 그 스튜디오에 가서 내가 작업한 환경에서 들었던 소리와 마스터링 스튜디오에서 울리는 소리의 차이에 대해서 먼저 들어봅니다.그렇기 때문에 대부분의 마스터링 스튜디오들은 하이엔드 오디오시스템에 가까운최대한 음원에 담긴 정보량을 많이 표현하는 쪽으로 되어있는 경우가 많습니다.이것이 마스터링 스튜디오의 존재이유이기도 하고. 이곳을 통해서 최종 마스터링 과정을 통해서 조정되고 정리된 사운드가 만들어지게 되는 것입니다. 대부분의 레코딩 엔지니어들은 가끔씩 마스터링 스튜디오에 가서 들어보는 경우가 아니라면. 내가 녹음한 음반이 다른 환경에서 어떻게 들리는지 잘 알지 못합니다.하지만 저는 많은 오디오파일 분들의 집에서. 여러 쇼륨이나 오디오쇼에서도 작업한 음악들을 들어보지요.이경우 인위적으로 손을 많이 만진 음원들은 십중팔구 하이엔드 오디오에서 좋게 들리지 않습니다.특히나 믹싱이나 마스터링과정에서 대부분 습관적으로 초고역을 많이 이퀄라이저로 올리는 것이 일반적인데이렇게 만든 음반은 좋은 오디오시스템에서 들리면 굉장히 피곤하고 좋지 않

3월9일 예술의 전당 콘서트홀, 3월 10일 하남문화예술회관 대극장에서의 잘스부르크 오케스트라 솔리스텐의 공연을 녹음하였습니다. 공연을 위해 온 첫날 우연히 악장이 오디오가이 스튜디오에 놀러왔다가. 공연 실황을 녹음하여 2장의 LP로 발매하게 된것이지요. 아주 작은 편성으로 연주하는, 모차르트 시대의 편성과 거의 흡사한 구성입니다.게다가 팀파니의 경우도 모차르트 시대의 바로크 팀파니를 사용해서 연주하여서 지금의 대편성의 웅장한 느낌과는 다른. 아주 정교한. 모차르트 곡 특유의 인상을 크게 느낄 수 있는 연주였습니다. 예술의 전당 콘서트홀의 경우는 113호 대기실(보통은 콘서트마스터의 대기실로 많이 사용이 됩니다.)에 이번 처럼 외부 레코딩 회사에서 기기들을 가지고 와서 녹음을 하는 경우를 위해서 무대에서 113호까지 케이블이 연결이 되어있습니다.! 사실 별것 아니라 생각할 수 있지만 정말 엄청나게 편하고 더 정확하게 현장의 소리를 녹음할 수 있습니다.(다른 공연장들도 꼭 생겼으면 좋겠습니다.)콘서트홀 무대에서의 아날로그 케이블, MADI 옵티컬과 코엑시얼 케이블 심지어 LAN 케이블까지 무대에서 113호로 연결이 되어있습니다.이번에는 RME 사의 믹스타시 마이크프리앰프겸 ADC 를 콘서트홀 무대에 두고 MADI 아웃으로 113호와 연결하여 113호에서 RME UFX+ 에서 MADI 입력을 받아서 레코딩하였습니다. 콘서트홀 천장에 있는 DPA 4006 과 4011 의 스트라우스패킷 세팅을 이 편성에 맞게 좀더 가깝고 낮게 설치를 하였고요.그밖에 홀의 앰비언스용으로 MBHO 648PZM 마이크를 사용 - 많은 사람들의 편견과는 달리 콘서트홀의 음향은 사실 상당히 좋은 편에 속합니다.이번 연주한 아티스트들 역시 그렇게 이야기를 하더군요.팀파니의 명확한 소리를 더하기 위해서 DPA 4017 샷건마이크 - 샷건 마이크는 왠지 동시녹음 전문용일것 같지만 저는 클래식 녹음에서 스팟 마이크로 자주 사용합니다.스트링 앙상블은 AKG C426 을 MS 로 세팅첼로와 콘트라 베이스에 보조마이크를 더하고.모차르트 바이올린 콘체르토에서는 솔리스트에 AKG C33E 마이크를 추가로 하여서 사용하였습니다. 다음날 바로 하남에서는 리허설부터 열심히 세팅하여 녹음을 하였는데 이날은 제가(그리고 많은 사람들이) 좋아하는 클라리넷 협주곡. 독주자의 빈국립음대의 교수였는데 솔로 및 앙상블에 모두 한치의 오차도 없이 정확하게 연주를 하였습니다.하남에서도 역시 천장에 있는 AKG C414 TL2 마이크를 앙상블에 맞추어 높이를 조정하고. 아티스트의 위치를 메인 마이크에 맞게 의자를 두었습니다.^^여기서는 와이드카디오이드로 NOS 세팅 메인 마이크로만 들어도 앙상블이 참 좋았지만 다채로운 곡에 따라서 느낌을 조금더 살리기 위해서 콘트라베이스와 첼로. 1ST 바이올린에도 스팟 마이크를 살짝 사용.마찬가지로 홀앰비언스는 MBHO 648PZM 을 사용하여 녹음하였습니다. 중요한 메인 마이크의 높이를 계속 들어보면서 맞추고.- 예당에서도 그렇지만 하남에서도 메인 마이크를 오디오가이에서 별도로 설치한것이 아니기 때문에 홀 음향감독님들의 너무너무 잘 도와주셔서 마음편하게 녹음에만 집중하며 진행할 수 있었습니다. 스트링 스팟 마이크로는 AKG C426을 MS 로 사용하는데MS 로 사용하는 스팟마이크는 메인 마이크와 참 자연스럽게 섞입니다. RME UFX+ 는 별도의 컴퓨터와 연결하지 않고 기기 본체에 USB 나 하드를 연결해서 녹음할 수 있는 기능이 있어서최근 오디오가이의 공연실황녹음에는 항상 가지고 다닙니다. 내장 마이크프리앰프 역시 좋아서 앰비언스나 스팟 마이크들은 내장 마이크프리들을 바로 사용합니다.하남에서는 공연이 끝나고 관객이 퇴장한후 30분 정도 연주시 조금 아쉬웠던 부분의 추가녹음을 진행하였습니다.이렇게 공연현장에서의 느낌을 잘 만들어서 올해 말 2장의 LP 로 발매가 될 예정입니다.  모차르트곡을 무척 좋아하는데 아쉽게도 국내에서는 모차르트 곡의 연주로만 채워진 음악회가 많지는 않은터라 .이번 음악은 음반으로 나오게 되면 저도 무척 자주듣게될것 같습니다. 이 음반은 아날로그 콘솔과 아날로그 릴 레코더를 통해서 믹싱이 되고 LP 역시 이번에는 아날로그릴 마스터로 제작이 될 예정입니다.

스피커 뒤에 있는 것은 과거 국내에서도 크게 유행했던 어쿠스틱레인지의 "로사" 베이스 트랩으로 코너 뿐만 아니라 스피커 주변 어디에 두어도 효과가 "과도하게" 좋았습니다.레코딩 스튜디오나 마스터링 스튜디오에 수많은 전세계의 명기들이 있고 좋은 모니터링 시스템이 있는데. 그 스튜디오에서 작업된 소리는 그 스튜디오 환경에서 들을때는 좋은데 다른곳에 가서 들어보면 밸런스가 정말 이상한 경우가 있습니다. 또 수천만원의 케이블 부터 독일제 고급세단 한대 금액이 넘는 스피커에 또 비슷한 앰프와 소스기기들을 사용하는 리스닝룸이 있는데, 소리를 들어보면 저역은 붕붕거리고 중역은 뭉쳐있고 고역은 너무 자극적이고 쏘고 해서 그곳에서 사용된 케이블 한개 금액의 전체 오디오시스템을 꾸민것보다도 소리가 훨씬 더 못한 경우도 있습니다.사실 위의 두가지 예는 우리 주변의 대부분의 환경들에서 쉽게 보고 찾아볼 수 있습니다.본인이 정성껏 주변에 여러 지인들(?)의 조언을 통해서 케이블과 악세사리 그리고 소스기기등을 고심하여 선정하였는데 소리는 정말 이상한 것이지요. 하지만 이상한 소리도 계속 듣다보면 귀에 적응이 되어서 그 소리도 좋게 들리며. 그 안에서도 분석적인 성향의 소리를 스스로 찾아낼 수 있게 됩니다.이것은 레코딩 스튜디오나 일반 오디오파일이 리스닝룸이나 모두 동일한 경우라 할 수 있습니다.좋은 소리를 듣기 위해서 그렇게나 많은 시간과 열정을 투자하는데 왜 내 시스템의 소리가 좋지 않거나 만족스럽지 않은 것일까요? 어떠한 환경에서는 룸튜닝이라고는 전혀 하지 않고도 아주 훌륭한 밸런스의 소리를 들려주는 것 같은데 말이지요 - 하지만 이경우 내가 미처 그 곳의 룸튜닝된 것을 발견하지 못했을 뿐이니 어디엔가 귀가 아주 좋은 집주인이 좋은 소리를 내기 위해서 세팅등을 한것이 있을 것 입니다.그것이 스피커의 위치일수도 있고 이퀄라이저일수도 있고 그밖에 눈에 잘띄이지 않은 룸튜닝재(꼭 이러한 이름을 달고 판매가 되는 것만이 룸튜닝재는 아닙니다.) 일수도 있으니까요.여기에 가장 큰 부분. 레코딩 스튜디오에서 아티스트와 함께 열심히 작업한 소리가 그 스튜디오에서 들었을때는 좋았는데 다른 재생환경에서는 너무도 다른 소리를 들려주는 당혹감그리고 엄청난 시간과 노력과 비용을 투자해서 오디오시스템을 운용하고 있는데도 소리가 정말 정말 좋지 않은경우(대부분 본인은 잘 모릅니다. 물론 좋은 소리에 대한 기준은 다르겠지만 여기서 좋은 소리란 - 음원에 담긴 정보를 손실이 적게 재생하면서 사용자의 음악적 음향적 취향이 담겨있는 소리라 정의하겠습니다. 음원에 있는 정보를 재창조 해내는 음향으로 오디오시스템을 운용하시고 계신분들도 물론 많이 계시니까요.)이경우는 그곳의 베이스가 제대로 정리되어있지 않기 때문입니다.대부분의 스튜디오나 리스닝룸에서 가장 음향적으로 큰 문제는 모두 베이스에서부터 시작이 됩니다.레코딩 스튜디오는 콘솔앞에 모니터스피커를 두고 스윗스팟에서 듣는 레코딩 엔지니어게는 상당히 좋게 들리지만 그 뒤 쇼파에 앉아서 듣는 프로듀서나 아티스트들은 대부분 레코딩 엔지니어 자리에 비해서 더 큰 베이스음을 듣게 됩니다.그래서 베이스 볼륨을 줄이거나 조정을 한 소리는 다른곳에 가서 재생을 하면 베이스가 빈약하게 들리게 되지요. 그리고 리스닝룸에서는 사실 케이블이나 미세 튠등보다 훨씬 더 우선이 되어야 하는 부분은 그 룸에서 울리는 불필요한 베이스 부분부터 정리(또는 해결)을 하는 것입니다.저역시 마구잡이로 반사되어서 울리고 있는데 거기에 고가의 스파이크와 악세사리들이 근본적인 해결이 되지 않습니다. - 대부분 이경우 케이블로 조정을 하려고 하는데 이것은 정말 잘못된 것이라 생각합니다.베이스가 너무 많으면 - 대부분의 경우  베이스에서 생기는 부밍이 여러 고역의 배음까지도 마스킹해서 전반적인 소리가 탁해지게 됩니다.나는 아주 작은 볼륨으로만 음악을 청취하기 때문에 베이스가 크게 문제가 되지 않는다고 할수도 있겠습니다만 이 경우에는 굳이 고가의 오디오 시스템을 운용할 필요성이 적어지게 됩니다. 베이스를 조정하는 것은 다른 어떠한 것들보다 가장 어렵고 까다롭고 또는 자리를 많이 차지하는 것이기 때문에 대부분 그보다는 보기좋은 분산재들에 더욱 더 집중합니다.여러 디퓨저들보다 훨씬 더 먼저 근본적으로 조정이 되어야 하는 것은 베이스트랩입니다.스튜디오이던 리스닝룸이던 시작은 베이스트랙에서부터 출발이 되어야 하는 것이지요. 시중에 정말 많은 베이스트랩의 종류가 있습니다.  세계적으로 유명한 R사의 제품의 경우 그 커다란 사이즈에 비해서 제가 사용했던 공간에서는 심리적인 것 외에는 전혀 효과가 없기도 하였고요 ​어쿠스틱레인지(지금은 회사가 없어졌습니다.)의 작은 로사노라는 베이스트랩은 5평 미만의 방에서는 정말 놀라우리만치 효과가 컸습니다.가격도 한개당 무척 저렴한 금액이었지요.수많은 음향관련 회사들에서 베이스트랩들을 내어놓고 있기 때문에 과연 무엇을 어떻게 사용해야 할까요? 또는 베이스 트랩없이 그냥 스피커를 뒷벽에서 최대한 멀리떨어지면 되는 것이 아닌가? 하고 생각을 하게되실수도 있을 것 입니다..기본적으로 모든 방은 그 방사이즈에 따른 고유의 공진주파수를 지니고 있습니다. 이 주파수는 물론 저음이 크고.만약 흡음이 되어있지 않은 곳이라면 플러터에코로 인한 중역에서의 위상변위에 따른 음색이 불륜등하게 변하겠지요.​ 플러터에코에 대한 쉽게 이해할 수 있는 그림서로 마주보는 벽면에서 소리가 계속 반사를 하면서 음색이 변하는 것이지요그래서 서로 마주보는 벽면의 한쪽은 흠음으로 하거나. 우측 사진처럼 디퓨저를 설치하거나스튜디오의 경우는 서로 마주보는 벽이 없도록 스튜디오를 시공합니다 https://www.google.co.kr/search?q=bass+trap&tbm=isch&tbs=rimg:CaqmRF6Lw5SyIjgrrwwc4VzeNAEdtF8jLK3HfOcdkyWGHZMwNgZNzJgs_1KZOfuX5EZ_1i2ypZ0Jo5GXKYN-IIJQMtHioSCSuvDBzhXN40ERiTV3oy8vQkKhIJAR20XyMsrccRjI52viCrqBYqEgl85x2TJYYdkxFJwYg-egR6XioSCTA2Bk3MmCz8EfjjXNE7jhS7KhIJpk5-5fkRn-IRlNusLHYCZJ8qEgnbKlnQmjkZchEpRAmvrgyWHioSCZg34gglAy0eEXWOZ7c0z5um&tbo=u&sa=X&ved=2ahUKEwiZ5e_tv73ZAhVK6bwKHdt8C4IQ9C96BAgAEBk&biw=1366&bih=650&dpr=1구글에서 베이스트랩으로 검색한 결과. 약 1000만개 음향 관련 내용중에 이렇게 많은 이야기가 오고가고 있는 부분이 또 있을까요?  그만큼 굉장히 중요하지만 우리는 그저 신경을 많이 쓰고 있지 않은 부분입니다..베이스는 딱 두가지 두분을 먼저 생각해야 합니다.ROOM MODE 와 STANDING WAVE(정재파)  먼저 룸모드에 대해서 명확하게 알아야 합니다.https://amcoustics.com/tools/amroc위 사이트에서 본인의 방의 크기와 높이를 넣어보고 본인방의 룸모드에 대해서 한번 알아보셔요시중에 있는 수백개의 베이스트랩도 모두 효과가 다르기 때문에 룸모드 해결에 효율적인지. 정재파 해결에 효율적인지 - 대부분의 방은 이 두가지 문제를 함께 안고 있습니다.​ 지난번 글에서의 의견처럼 우리가 듣는 소리는 사실 사용하고 있는 시스템의 소리가 아닌 "듣는방"의 소리이기도 합니다.소리는 방안에 사방에 돌아다니며 서로(+)가 서로(+)를 만나서 본래 없던 소리가 증폭되어 생기기도 하고 서로(+)가 서로(-)를 만나면서 본래있던 소리가 급격하게 사라지기도 합니다​​방에 따라서 다르겠지만 스피커와 뒷벽에 거리에 따른 저역의 차이를 볼 수 있는 그림과 그래프음악에서 중요한 200hz 에서 푹 음량이 줄어드는 depp 이 있는 것과 음악과 크게 관련이 없는 40hz 이렇게 낮은 저역은 음정조차 사람이 인지할 수 없으며. 귀로 바로 전달이 되지도 않고 여러 매질의 진동으로 "느끼게" 됩니다. 하지만 이 40hz의 에너지가 다른 주파수를 마스킹(덮어버리면서) 소리가 혼탁해지고 제대로 분간을 할 수 없는 소리가 되는 것이지요. 그렇다고 해서 스피커를 무조건 뒷벽에서 멀리 띄워놓아야 한다는 것도 엄밀히 말하면 틀렸습니다.스피커와 뒷벽의 거리는 너무 붙는 것도 너무 띄어지는 것도 아닌 그 방의 위치에서 최적의 자리에 "정확하게" 있어야 하는 것이지요어떠한 방에서는 뒷벽과의 거리가 가까운것이 "정확한자리" 일수도 있고 또 다른 방에서는 굉장히 많이 떨어지는 편이 좋은 곳일수도 있습니다.​  위 그림의 아주 급격한 낮은 주파수의 베이스트랩을 벽에 붙이고 뒷벽에 상당히 가깝게 설치한 경우입니다. 베이스 트랩에 따라서 베이스의 전대역을 줄여주는 것위 사진의 제품처럼 특정한 주파수의 폭을 좁혀서 줄여주는 것 이렇게 여러가지가 있는데과연 나의 방에서는 무엇을 어떻게 사용해야 하는 것일까요? 다음편에 이어집니다.​ ​ 

음반관련 소식외에 오랫만에 써보는 녹음 관련 이야기 이네요. 오디오가이에서는 매일 같이 여러 아티스트분들이 오셔셔 함께 녹음작업들을 합니다. 지금의 스튜디오가 완성된 이후에는 대부분이 클래식 80% 나머지가 재즈와 국악 그외 음악들이고요.이니스 앙상블은 10년동안 함께 꾸준하게 호흡을 맞추어온 팀으로. 음반의 컨셉과 곡 선정에 이르기까지 충분히 준비를 하고 3-4개월 전에 일찌감치 녹음일정 예약을 하고 지난주 부터 녹음을 진행하고 있습니다.가끔씩 이러한 실내악 녹음을 하면 생각보다 좋은 결과(음악적,음향적)를 얻지 못하는 경우가 많은데 이렇게 집중이 필요한 곡들은 역시나 눈빛만 보아도 서로의 호흡을 할 수 있는 팀웍이 무엇보다도 중요한 것 같습니다.  이틀은 현악사중주 + 피아노, 나머지 이틀은 현악사중주 곡들의 녹음이 진행이 됩니다.이렇게 같은 공간에서 피아노와 현악 사중주 녹음을 함께 하는 것은 클래식 음악 녹음의 여러 장르가운데 좋은 소리로 녹음하기 가장 어려운 부분이기도 합니다.피아노솔로라던가 피아노에 바이올린 듀오정도에서 악기가 하나씩 추가가 될수록 여러가지 생각해야할 부분들이 많이 있지요이날 녹음 준비를 하면서도 피아노의 위치를 가운데에서 왼쪽 그리고 오른쪽 또다시 왼쪽 등으로 위치를 옮기며 자리를 잡았습니다.클래식 음악 레코딩 엔지니어의 가장 큰 역할중에 하나가 아티스트가 어느자리에서 연주를 하고 녹음을 하는지. 이부분이 무척 중요하니까요어찌보면 마이크의 위치를 조정하는 것과 아티스트의 위치를 조정하여 각 악기별 마이크와 메인마이크를 통해서 녹음이 되는 소리를 조정하는 것은 비슷하다고 볼 수 있습니다.현악사중주만 있는것이 아니라 음량이 아주 큰 피아노는 함께 녹음할때 - 그렇다고 해서 피아노 뚜껑을 닫고 녹음을 하면 그것은 그랜드 피아노를 사용하는 보람 뿐만 아니라 좋은 피아노를 사용하는 보람이 없어집니다. 여러 현악기 마이크들에도 피아노 소리가 아주 크게 섞여서 들어가기 때문에 혼탁한 소리로 녹음되기가 쉽상입니다.그래서 기존에도 멋진 사운드의 오케스트라나 콘체르토 음반은 많지만 이러한 실내악 음반가운데 정말 좋은 소리로 마무리된 음반을 쉽게 찾아보기 어려운 이유이기도 합니다. 많은 아티스트분들이 오디오가이 스튜디오에서 첫 녹음을 하면 기존의 공간들에 비해서 훨씬 더 긴 잔향때문에 당황하게 되는 경우가 있습니다.그래서 많은 경우 녹음전 최종 리허설을 오디오가이 스튜디오에서 진행하는 것을 추천드리고 있기도 하지요녹음이 되는 공간의 음향도 중요하지만 사실 리허설을 하는 곳의 음향에 따라서 연주의 주법등이 자연스럽게 바뀌게 되니까요.악기의 위치는 위 사진과 같이 하였습니다.피아노 반사판 뒷편으로 현악기 콰르텟이 함께 하고 있지요.어떠한 악기의 녹음이라도 가장 중요한 것은 메인마이크의 위치와 선택입니다.이번에는 AKG사의 빈티지 마이크 C426B 스테레오 마이크의 MS 세팅으로 하였습니다. 최근 출시되는 AKG 사의 마이크들을 중고역이 굉장히 밝고 화려한 특성에 비해서 C426 처럼 오래된 마이크들은 고역이 특별히 튀지 않고 자연스럽습니다. 메인 마이크의 높이가 너무 낮으면 그 마이크에 피아노의 소리가 지나치에 많이 들어가서 최종 소리가 혼탁해지기 때문에 높이를 높혀서 확인한것은 우선 피아노 마이크의 간섭음이 어느정도 들어오는지그리고 중요한 스트링 콰르텟의 각 악기별 밸런스가 어떠한지. 또 직접음과 반사음과의 거리가 어떠한지를 들어보는 것입니다. 최종적으로 이와 같이 세팅이 되었습니다.메인마이크가 적절하게 좋은 곳에 위치하고 있는 것인지가 클래식 음악 녹음 결과의 절대적이고 가장 큰 영향을 주게 됩니다.그 다음에는 각 악기별 보조마이크들을 사용하게 되는데녹음이라는 것이 그저 악기 근처에 마이크만 두면 되는 것 같지만 좀더 세심하게 듣고 판단해야 할 부분들이 있습니다.우선 메인 마이크와 보조마이크의 거리에 따라서 두 마이크들이 섞였을때 위상변화로 인한 음색변화(변위)가 있는데 유심히 들어봐야 할 부분이지요.이것은 녹음후에는 보정할 수 없는것으로 예를들어 바이올린 보조 마이크에 바이올린 소리가 전달이 되는 시간차그리고 더 높고 거리가 먼 메인마이크에 바이올린 소리가 들어가는 시간차또한 바이올린 외에 비올라 마이크와 첼로 마이크에 바이올린이 녹음되어 들어가는 시간차등을 모두 다 고려를 해야하며굉장히 중요한 피아노 마이크에 바이올린이 녹음되어 들어가는 시간차이 여기서 시간차이는 "직접음과 반사음의 레벨(비율)차이" 라는 것도 늘 함께 따라다니게 됩니다.메인 마이크를 AB나 ORTF 등으로 하지 않고 MS로 한 이유중에 하나는 MS의 경우 사이드 S 쪽의 위상을 바꾸면서 마이크의 거리가 가까워도 상당히 앰비언스가 있는 사운드로 녹음이 되며무엇보다도 가까운 거리에 있는 보조마이크들과의 앙상블이 좋습니다. 이것이 메인 마이크로 MS를 선호하는 큰 이유이기도 합니다.각 악기별 보조마이크는 1ST 바이올린은 DPA 4018 - 4011의 초지향성 버젼으로 4011 보다 고역이 더 부드럽고 순합니다.2ND 바이올린과 비올라는 DPA 3511ES  이 역시 DPA 4011 에 비해서 초고역이 롤 오프가 되어있지요. 첼로는 DPA 4017 샷건 마이크를 사용하였습니다.빠르고 큰 피아노의 프레이즈와 함께 나오더라도 첼로 마이크에서의 직접음의 소리를 뚜렷하게 하여 이러한 앙상블에서 중요한 첼로 소리가 풍부하고 명확하게 표현이 될 수 있도록 구상하였습니다.실제로 이날 가장 많은 마이크 포지션을 수정한 것은 첼로 마이크로. 너무 가까우면 다른 악기들에 비해서 다른 공간에 있는 것처럼 느껴지고또 너무 멀어지게 되면 간섭음의 비율이 커지게 되니까요. 피아노의 경우는 DPA 4011A를 동사의 피아노용 자석 마운트를 사용하여 아주 근접해서 세팅하였습니다.하지만 메인 마이크부터 4대의 현악기 보조마이크에도 피아노 소리가 모두 함께 녹음이 되기 때문에 녹음된 음원을 들으면 마치 큰 홀에서 피아노를 연주한 것 같은 사운드로 들리게 됩니다^^ 레코딩에 사용한 마이크프리 겸 AD 컨버터는 RME 사의 MICSTASY 입니다. 국내에는 사용자가 많지 않지만 스웨덴 BIS 독일의 에밀베르리너 스튜디오 등 클래식 음악 스튜디오에서는 스탠다드로 사용이 되는 기기로소리가 굉장히 뚜렷하고 선명하고 밝습니다. 이 마이크프리앰프를 듣다가 다른 프리앰프를 연결하면 마치 스피커의 트위터가 잘 나오고 있는 것인가.. 하고 생각을 하게 될정도이니까요. 그리고 녹음당시부터 뮤텍의 REF-10 와 I클락을 함께 사용합니다.외부 클락입력의 경우 기기에 따른 차이가 있는데 RME 의 때에 따라서 과하게 밝은 소리를 클락을 사용하면서 좀더 부드럽고 좋은 소리로 들려주기 때문에 RME 제품에는 외부 클락을 사용하는 것이 훨씬 더 좋은 소리를 들려준다고 생각합니다.이것은 차이가 있다 없다 정도가 아니라 누가 들어도 비교할 수 없을만큼 소리차이가 많이 납니다.작년에 구입한 기기중에 뮤텍 REF-10 을 통해서 훨씬 더 좋은 소리로 음반을 만들 수 있게 된 계기중에 하나라고 생각이 들정도이니까요.이번에는 녹음 샘플링레이트가 44.1Khz 입니다.고해상도 녹음으로 많은 분들에게 알려져있는 오디오가이에서 갑자기 왜 44.1khz로 녹음을 하는지 의아하게 생각하실 수 있을 것 입니다. 녹음을 하고나서 이퀄라이저나 필터. 다이나믹을 조정하는 컴프레서와 리미터 등의 편집 작업을 많이 한다면 고해상도 녹음이 훨씬 더 유리합니다.그리고 악기 자체의 소리도 고해상도가 장점이 많이 있습니다.하지만 이번 음반은 CD로 발매되는 음반입니다.물론 96K나 192 나 384 그리고 DSD 등으로 녹음을 하고 44.1로 다운샘플링을 할 수 있습니다만이 과정에서 소리는 또 많이 변하게 됩니다. 이것은 고해상도 녹음의 필연적인 단점이기도 하지요. 녹음후 소리를 보정하는 여러 작업들을 하지 않고 녹음 당시부터 아티스트와 악기의 위치메인 마이크와 보조마이크의 세팅에 대해서 섬세하게 준비를 하고녹음시에 적절한 녹음레벨로 녹음 (녹음후에 레벨을 지나치게 올리는 것 역시 소리가 바뀌게 되니까요) 하는 부분어찌보면 지금처럼 컴퓨터 안에서 녹음과 쉽게 편집이 되기 전의 클래식 음악 녹음방법입니다.녹음때 보다 더 많은 신경을 쓰고 주의깊게 하여야 하지요. 하지만 때로는 수십년전의 방법과 관점들이 더 좋은 결과를 들려주는 것도 많다는 것을 하나둘 발견하게 됩니다. 오늘은 현악사중주로 녹음을 합니다. - 현악사중주 하면 떠오르는 그곡. 바로 베토벤 현악 사중주이지요물론 이때는 아티스트의 위치가 다릅니다. 피아노와 함께 할때와 현악사중주만 할때의 좀더 최적의 소리를 낼 수 있는 곳.지금공간에서 수많은 음반 녹음을 하고 있지만 아직도 모르고 있는 부분들이 분명히 존재하고또한 그것을 알아가고 발견하는 재미로 이일을 하고 있는 것 같습니다.참고로 위 피아노 마이크를 보면 피아노 소리도 소리지만 현악 사중주의 소리도 피아노로 아주 많이 녹음이 됩니다.피아노 마이크의 L 과 R은 메인 마이크의 L 과 R 과 맞추고 이렇게 스테레오 마이크 상에서 서로의 정위감이 통일되어야  비로서 소리를 아티스트들의 느낌을 온전히 그대로 담아서 전달하는 것에 가까워 질 수 있는 것 같습니다.

지난주 인천 갈산동 성당에서의 콜레기움보칼레서울의 신보 "모차르트 레퀴엠" 음반 녹음 사진10년전에 워크넷에 레코딩엔지니어의 직업에 관한 인터뷰를 한적이 있었습니다.지금 이 글을 쓰면서 잠시 읽어보니 기본적인 내용은 10년전이나 지금이나 큰 차이는 없지만 바뀐것은 "환경" 이라 할 수 있겠네요http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy 2002년부터 지금까지 제가 운영하고 있는 프로음향 엔지니어 관련 사이트에 "음향엔지니어를 시작하는 이들에게" 라는 시리즈를 써두었으니 음향엔지니어를 지망하시는 분들은 한번 읽어보시면 좋을 것 같습니다.*CUE : 제가 음악을 좋아해서 레코딩 엔지니어가 되려면 어떻게 하면 될까요?*영자 : 지금도 생생하게 기억이 나는 것이 있습니다. 제가 고등학교때 음악을 처음 시작할때였지요. 주변에 이미 음악으로 활동하고 있는 선배들에게 물었습니다. "제가 음악이 너무너무 좋아서 음악을 하고 싶은데 무엇부터 어떻게 시작해야할지 모르겠어요"  선배 : "우선 무엇이든지 그부분에 고민할 시간에 먼저 시작해. 음악이론이되던 악기가 되던. 그당시 막 국내에 시작되었던 MIDI 가 되었던 하고 싶으면 일단 시작을 해야 무엇을 공부해야 할지 알수 있어. 그리고나서는 바로 혼자 공부를 했습니다. 여러 관심있는 서적들을 스크랩해서 몇개의 책으로 만들어서 그것이 이해될때까지 끊임없이 반복해서 아침부터 늦은밤까지 읽었습니다.그것이 공부라는 생각은 들지 않았고 그저 너무 재미있었습니다. 그러다가 자연스레 내가 만든 곡을 가지고 스튜디오에 가서 녹음을 하게 되었습니다. 녹음을 하며 내가 편곡한 곡을  악기들의 밸런스와 음색등을 조정하여 새롭게 재창조하는 레코딩 엔지니어라는 직업에 대해서 강하게 호기심을 갖게 되고 이후 이 일을 20년넘게 꾸준히 하고 있습니다.레코딩 엔지니어가 되고 싶다면 우선 그것을 고민하고 웹서핑해서 여러 불평불만만 가득한 소리들을 듣고 지레 겁을 먹지 말고.이것이 내가 정말 좋아하는 것인지 한번 알아보고. 그리고 시작해 보세요무엇부터 공부를 해야할지 모르겠다고요? 공부라는 것이 어려우면 어렵지만 쉬우면 또 쉽기도 한것 같습니다.저는 우선 교보문고에 가서 음향이라고 되어있는 책은 모두 다 구입해서 보았어요.모두다 보는데 일년도 걸리지 않을만큼 한국어로 된 음향관련 책은 그리 많지 않습니다. 물론 그 내용을 얼마나 이해를 할 수 있는 것인지에 대해서는 다르겠지요.그리고 오디오관련 잡지들에서 레코딩 관련 기사나 내용(특히 인터뷰)들이 나오면 그것을 스크랩해서 수십번 혹은 수백번 다시 읽으며 다시 읽을때마다 하나둘씩 이전에는 발견하지 못하는 것들에 대해서 하나씩 발견해나가는 재미를 즐겼습니다.*그럼 대학에서 레코딩을 전공하는 것이 좋은가요? 아님 여러 아카데미만 짧게 다니고 바로 취업을 하는 것이 좋을까요?20년동안 가장 많이 받은 질문중에 하나일것 같습니다. 이부분에 관해서는 저도 조금 고민을 하게 되는데. 기본적으로 학교나 아카데미에서 누군가가 가르쳐 주는 것도 중요하지만 더욱 더 중요한것은 스스로 공부를 해서 누군가에게 배운다는 것보다는 스스로 궁금한것을 먼저 찾은후 대학이던 아카데미이던 가는 것이 좋다고 생각합니다.너무 아무런 지식도 없이 그저 학교나 학원에서 중고등학교때의 수업처럼 칠판에 써가며 약간의 장비를 눈구경하고 만져보는 것이 스스로 학교를 졸업했다. 혹은 학원을 수료했다 라는 만족감 외에 더 무엇이 있을까요?돌이켜보면 좋아서 스스로 하는 것과 누군가가 가르쳐 주는 것을 이해하는 것이 어찌보면 참 같으면서도 다른면들이 있는 것 같기도 합니다.물론 교육과정을 통해서 만나게 되는 아주 좋은 스승 그리고 동료들과의 관계도 중요할 것이라 생각합니다. - 모두들 그렇게 이야기를 하지만 저는 사실 이부분은 크게 중요하지 않다 생각합니다."내가 누구를 알고 있다!" 라는 것보다 더 중요한것은 "내가 어떠한 사람인가?" 하는 내외적인 물음입니다.*교육기관에서 배운것과 막상 스튜디오에서 일을 하면 배운것과는 많은 차이가 있다고들 하는데 이부분에 관해서는 어떻게 생각하세요?늘 한결같이 변하지 않는 이야기가 바로 이부분 일것입니다. 왜 학교나 학원에서 배운것과 스튜디오에서 새롭게 일을 하면 그곳에서 하는 것은 차이가 날까요?음악의 녹음이라는 것이 기본적으로 기초적인 이론은 동일하지만 사람에 따라서 보는 관점이 모두 다릅니다.그렇기 때문에 학교에서는 아주 기초적인 이론을 탄탄히 배우는 것이 중요하고 그것을 응용하는 것은 개인의 능력입니다만 그래도 교육기기관에서 배운것과 실제 스튜디오에 막 취직해서 일을 하는 것의 차이가 너무 크다! 라고 느껴지는 것은 어떠한 이유때문일까요?아주 기초적인 음향이론을 가르치는 경우를 제외한다면 저는 기본적으로 이러한 교육의 경우 실제적인 활동을 하고 있는 엔지니어들이 함께 교육에 참여하면 어떨까 하고 생각을 하고 있습니다. 그럼 바로바로 현장의 목소리를 교육기관과 학생들에게 전달할 수 있다는 점이 있지요아무래도 교육에 종사하는 엔지니어들의 경우 누군가에게 작업 비용을 받고 녹음이나 믹싱 작업을 해본경우가 많지 않는다면.  시간만큼 비용을 받는 레코딩 현장의 미묘한 호흡과 흐름을 정확하게 읽어내어 학생들에게 전달하기 어려울 수도 있다고 생각합니다. 학교와 학원에서의 녹음실습과 실제 스튜디오에서의 녹음과의 가장 큰 차이점은 바로 이 "비용" 적인 부분이 아닐까요? 훨씬 더 실수를 하면 안되는 긴장감이 있는 상황에서 더욱 더 집중력을 높혀서 좋은 결과가 나오게 하는 것이 레코딩 엔지니어의 역할이니까요. 여기서 한가지 최근 국내 음향관련 대학에서 방학 혹은 4학년 2학기에 이루어지는 "실습"에 관하여 쓴소리를 하고자 합니다. 학생은 학교에 등록금을 냅니다. 하지만 그것을 교육기관인 학교에서 레코딩 스튜디오에 "실습생"이라는 명목으로 위탁교육을 한다면 학교에서 레코딩 스튜디오에 교육비를 지급해야 합니다.하지만 학교의 교육을 현장으로 미루는 것레코딩 스튜디오에서는 아주 싼 임금이나 거의 무임금으로 단기 고용을 할 수 있다는 것이 맞물려서 이러한 상황이 그대로 유지되고 있지만 이것은 "청년의 노동력 착취"에 해당합니다.학생들은 물론 학교를 졸업하기 전에 현장에서 실제 일을 해보는 것은 정말 반드시 필요한 과정입니다.그것을 통해서 현장의 현실을 확실하게 파악하고 어려운 부분들. 자신에게 부족하고 필요한 부분들. 그리고 현장에서 원하는 것이 무엇인지 비로서 상당히 정확하게 알 수 있게 되지요. 하지만 학생이라고 해서 "실습생"이라는 명목으로 대학에서는 등록금만 받고 아무런 신경도 쓰지 않는 것은 정말 있어서는 안되는 일이라 생각합니다. 이러한 "실습" 시스템을 지금의 청년착취가 아닌 보다 진심으로 음악과 음향을 하는 학생들에게 도움이 될 수 있는 부분을 학계와 산업계에서 함께 힘을 모아야 고민해야하는 부분입니다.질문하신것에 대해서 대학 (보통 3년 4년)과 아카데미 보통 6개월에서 1년 중 선택한다면 저는 둘중 아무것도 선택하지 않겠습니다. 스튜디오에서 새로운 식구와 함께 가장 필요한것은 서로의 "대화의 소통" 일명 말귀를 알아듣는 것이지요그것은 사실은 굉장히 어려워보이지만 정해져있습니다. 스튜디오에서 노이만 U87을 보컬에 DPA 4011을 피아노에 슈어 BETA57 을 드럼에 설치하라고 지시를 했을때 대부분 노이만이 DPA 가 슈어의 BETA57이 무엇인지 알려주기전에는 모릅니다.저는 기기를 좋아해서 그런지 몰라도 그러한 일은 없었습니다. 기본적인 음향이론은 지금 나와있는 책에서도 얼마든지 공부할 수 있습니다. 컴퓨터 앞에서 불필요한 웹서핑으로 보내는 시간에 종이책을 아주 집중해서 여러번 정독을 하는 것으로 대학에서의 3-4년 그리고 아카데미에서의 6개월 -1년의 시간과 비용을 스스로 조율할 수 있게 되는 것이지요. 95년도에 스튜디오를 운영하다가 96년도에 스튜디오에 어시스트 엔지니어로 입사했을때도 이러한 문제는 없습니다.SSL 4000G 의 콘솔의 한글메뉴얼을 구해서 여러번 외울만큼 읽어보았으니까요. 역시 이것은 공부가 아니라 콘솔이 가지고 있는 모습과 무한하게 열려있는 루팅기능들이 무척이나 신기하고 재미있고 얼른 사용해보고 싶고 소리를 들어보고 싶었기 때문입니다. 대부분 신입이 들어와서 마이크를 설치하라고 하면 그 마이크가 무엇인지 앞에서 보여주며 이야기를 해야 합니다.적어도 이러한 일이 없도록 미리 준비를 하는 것이 좋습니다.이러한 여러가지 부분들 바로 일을 하면서 느끼는 것에 대해서 교육기관에서 모든것을 다 가르쳐줄 수는 없을 것 입니다.위에서 이야기 한것처럼 스튜디오마다 엔지니어마다 관점이 다르기 때문에 방법도 다르니까요.*레코딩 엔지니어는 박봉에 밤샘작업도 많고 무척 힘들다고 하는데 정말 그러한가요?레코딩 엔지니어가 돈을 많이 버는 직업은 아닌것 같습니다. 하지만 크게 욕심을 내며 남과 비교를 하며 부동산. 차. 자녀교육 등에 무리하지 않고 산다면 좋아하는 일을 즐겁게 하며 지낼 수 있는 일이라 생각을 합니다.많은 경우가 급여는 적고. 일하는 시간은 많고. 편의점 알바보다도 못하다. 라고들 이야기를 합니다.아마 지금의 음악산업. 그리고 스튜디오의 수익구조 자체가 함께 하는 스텝들에게 제대로 보수를 챙겨줄 수 있는 상황이 되지 않는 것이 클 것입니다.점점 더 갈수록 스튜디오들에서는 신입을 채용하지 않게 되겠지요.가끔 교류하는 유럽의 스튜디오가 있습니다. 상당히 유명하고 오랜 커리어를 지닌 엔지니어가 운영하는 곳이고 스튜디오 역시 규모가 있습니다. 그렇게 규모가 있는 스튜디오에 어시스트 엔지니어가 없습니다.왜 어시스트 엔지니어가 없는지? 물어보니 여러 수많은 레코딩 세션들 정도에서는 아르바이트로 와서 셋업등을 도와주는 사람이 오고 나머지 편집과 믹싱 마스터링은 엔지니어가 혼자 진행한다 합니다.미국과 일본의 많은 프로 레코딩 스튜디오들 역시 일년동안 인턴의 급여가 거의 없는 것을 보면 레코딩 산업이라는 것이 전세계적인 추세인것 같습니다.국내도 마찬가지입니다. 앞으로는 새로운 인턴이나 어시스트 엔지니어를 채용하지 않는 스튜디오들이 분명 더욱 더 늘어날 것 입니다.실제로 몇년전부터 급여에 관한 갈등이 지속적으로 나오면서 많은 스튜디오들에서 새로운 엔지니어를 채용하지 않는 경우가 조금씩 늘어나고 있으니까요. 이러한 상황에서 무조건 스튜디오의 취업만을 목적으로 하는 대학과 아카데미의 방향성은 틀렸습니다.대학에서 음향을 전공하면. 아카데미에서 6개월 혹은 10개월 공부를 하면 음향쪽으로 취업을 할 수 있다.  라고 본인이 생각한다면 그것역시 잘못된것이지요.어떻게 보면 이상한 말처럼 드릴 수도 있겠지만 취업은 교육과 크게 관련이 없기도 합니다.중요한 것은 스스로 어느정도의 역량을 지니고 있는지. 꼭 배움이라는 것이 대학이던 학원이던 그러한 곳에서만 이루어지는 것이 아니라는 것을 다시한번 강조하고 싶습니다.아무래도 일률적인 교육과정에서 배우게 되면 사고의 한계도 거기안에 머무는 경우가 많습니다.저의 경우는 그래서 경력직 엔지니어를 채용하지 않고. 또한 대학에서 음향을 전공한 사람을 신입으로 채용하지 않습니다. 본인이 학교에서 아마추어 뮤지션들과 실습을 하면서 배우고 느끼고. 담당 교수에게 배운것만이 이미 머릿속에 정립이 되어있어서상황에 따른 유연한 사고가 필요한 음악과 음향의 관점에서는 잘 맞지 않는 경우가 많기 때문이지요.경력직 엔지니어를 채용하는 경우는 과거 오디오가이 스튜디오에서 근무를 했던 사람의 경우만 향후 서로 좋은 기회가 되면 다시 함께 하는 것을 선호하게 되었지요.음향이라는 것이 무척 복잡하고 어려워보이지만 음향에 관한 지식이 전혀없이 책 3-4권 정도만 외울만큼 확실하게 읽고서 스튜디오에 바로 취업해서 1년의 정말 힘든 시간만 스스로 포기하지 않고 계속할 수 있다면이후에는 어느덧 상당한 프로엔지니어에 가깝게 됩니다.레코딩 엔지니어라는 것이 무척이나 특수한 일인것 같지만 진입장벽이 높은 분야가 아닙니다.수많은 어려움들 안에서 스스로 필요한것을 깨우쳐가는 것. 조금은 가혹할 수 있지만 이 방법을 저는 권하고 있습니다.그래서 새로운 인턴이던 어시스트엔지니어이든 오디오가이 스튜디오에 출근하는 순간 바로 녹음세션 진행을 합니다. 맛을 보지 않고 요리에 대해서 알 수 없는 것처럼. 이러한 일 역시 직접 해보지 않고서는 배움과 깨달음이 늦다고 생각하기 때문이지요.

라이브를 녹음하는 것은 정말 즐겁습니다.스튜디오에서 정교한 마이크 세팅과 함께 하는 작업도 역시 즐거운 것이지만. 공연장에서의 그 순간의 연주를 실수없이 잘 녹음기에 담는 것이 저의 성향과 좀더 잘 맞는 것 같기도 합니다.연주역시 스튜디오에서의 녹음과. 라이브에서의 연주는 많이 다릅니다.작년에 함께한 유러피안재즈트리오의 "서촌" 그리고 오디오가이 스튜디오 라이브 실황 LP 에서의 연주의 방향성과 느낌은 분명히 차이가 있지요.특히 마이크의 세팅경우도 사진과 같은 공간에서 녹음을 하였기 때문에 각 악기 마이크들에 서로의 간섭음이 들어가게 됩니다.레코딩 엔지니어에 따라서 간섭음이 최대한 없게 하는 것을 선호하는 사람이 대부분이지만오디오가이 녹음에서는 투명도와 선명도는 유지하면서 서로의 마이크들에 자연스러운 간섭음이 들어오면서 이를 통해서 공간감이 생기는 것을 아주 좋아합니다. 드럼 녹음사진DPA 3521 ORTF 마이크가 아주아주 드럼에 가깝게. 그래서 전체 드럼사운드를 포착하고킥드럼에만 살짝 보조마이크를 더하였습니다.보통 드럼 오버헤드(심벌용) 그리고 스네어와 탐탐등에 모두 마이크를 설치해서 믹싱때 조정을 하지만 드럼의 경우 이렇게 원포인트 레코딩으로 하면 마이크와 심벌의 거리. 그리고 마이크와 스네어의 거리. 마이크와 탐탐의 거리에 따른 자연스러운 입체감을 귀로 듣는 것이 즐겁습니다.마이크와 드럼의 거리는 보통 이보다는 훨씬 더 높은 편입니다만 이번 녹음에서는 아주아주 가깝게 설치하였습니다.드러머가 아주 작게 살살 연주하는 느낌을 그대로 담고 싶어서 말이지요. 콘트라 베이스는 아무래도 음량이 작기 때문에 드럼의 심벌소리가 적게 들어가도록 사진과 같은 차음판(아트노비온제작)을 사용 베이스는 DPA 4018 초지향성 마이크를 사용하였습니다.베이스 사진으로 좌측으로 피아노 마이킹 모습이 보이는데요.DPA 도 숍스와 마찬가지로 참 재미있는 악세사리들이 많은데 자석아답터 마이크 홀더가 있어서 사진처럼 간단하게 마이크를 피아노 안쪽으로 설치 할 수 있습니다. - 마이크는 DPA 4011 두대 사용그러고 보니 모두 DPA 의 마이크들을 사용해서만 녹음을 하였네요^^ (그만큼 제가 좋아하는 마이크 이기도 합니다.)  유러피안 재즈트리오의 피아니스트 마크반룬. 참 아름다운 소리로 연주를 해서 함께 녹음할때 즐겁고 좋았습니다.사진 가장 우측 가운데에 피아노 고역쪽을 향하고 있는 마이크가 보입니다.일상적인 오디오가이의 녹음에 비해서는 마이크의 거리가 가깝지만 오디오가이 스튜디오 자체가 아주 울림이 많고 길기 때문에 이렇게 가 악기들에 마이크를 근접해서 설치를 해도 서로의 간섭음이 "풍성하게" 들어갑니다.이 음반은 CD와 음원으로는 출시하지 않고 200장 한정반 LP로만 출시하였습니다.음반 첫곡의 Dancing Queen  MP3 다운로드 링크http://www.mediafire.com/file/1cav7iicjos8jmc/Dancing_Queen.mp3라이브 특유의 박수소리와 함께 시작하는 Misty http://www.mediafire.com/file/xm4oog674oazn1n/Misty.mp3음반은 용산 올리버뮤직에서만 구입하실 수 있습니다. http://www.olivermusic.kr/

80년대가 되면서 LP에서 CD의 시대가 됩니다.물리적인 특성으로 보았을때 CD 가 LP에 비해서 훨씬 더 좋은 특성을 지니고 있는 것은 분명한 사실입니다. 반면에 디지털로 녹음된 LP, 또 변함없이 아날로그로 녹음이 되었지만 LP가 아닌 CD로 발매도 이때부터 늘어나게 됩니다.녹음실에서 최종적으로 전달이 되는 것이 LP 그리고 CD 인것도 중요하지만 애초에 녹음이 되는 부분에 관해서는 어떠할까요? 지금처럼 LP가 다시한번 많은 사람에게 조망을 받고 있는 상황에서 지금의 LP는 모두 디지털 녹음입니다.오디오의 세계 뿐만이 아니라 지금의 시대에서는 디지털보다 아날로그가 더욱 더 부띠끄한 느낌을 주는 단어로 사용이 됩니다.80년대는 당연하게 반대였지요.80년대부터 90년대 LP의 생산이 중단되기 마지막 시절까지 나왔던 LP 들 그가운데 필립스나 덴온의 음반들을 들어보면 너무 소리가 좋습니다.  지금처럼 LP는 아날로그로 녹음이 되어야 한다 라는 잘못된 편견이 어떠한 이유로 이렇게 많은 사람들에게 알려져있는 것일런지는 모르겠지만누군가가 그러더군요. 두려움은 무지에서 온다고요.  잘못된 편견역시 무지에서 오는 것이 아닐까 하고 생각을 해봅니다.초기의 CD의 음질에 대한 불만들이 굉장히 많았습니다.그런데 이것이 만약 아날로그 릴로 애초에 녹음이 되어 최종 포맷만 CD로 나오게 된경우에는 어떻게 이야기를 할 수 있을까요?초기의 CD의 차가운. 메마른 여러가지 음질에 관한 악평들 가운데. 본래 녹음이 아날로그인것을 최종 발매만 CD로 하였다면?반대로 필립스처럼 디지털 멀티트랙으로 녹음과 믹싱을 하고 LP로 발매를 했다면? 이당시는 많은 사람들이 디지털 녹음 LP의 소리가 좋다 생각들을 해왔습니다.물론 특정 시대의 녹음과 LP를 선호하는 사람들은 온전한 LP의 소리는 아날로그 녹음이어야 한다. 라고 고집을 하며 디지털 녹음 LP 는 좋아하지 않는 사람들도 있습니다만좋은 소리의 음반이 제작이 되어지는데에는 디지털 녹음 이냐 아날로그 녹음인지.그리고 LP인지 CD 인지보다 더욱 더 중요한것은 녹음자체에서 얼마나 좋은 소리로 애초에 기록이 되어있는 것인지가 가장 우선합니다. https://blog.naver.com/audioguy1/220966777145디지털 녹음시대의 LP [1]유럽에서 이부영 "미셀그르랑을 노래하다" 와 조정아 "김죽파류 가야금 산조" 의 테스트 프레싱 LP가 도...blog.naver.comhttps://blog.naver.com/audioguy1/221171519581아날로그과 디지털 녹음몇년전부터 LP 가 다시 나오고 제작들이 활발하게 이루어지고 있습니다. 팝과 락음악 외에도 클래식과 재...blog.naver.com다시 디지털 음원의 역사에 관한 이야기로 돌아가본다면. 필립스와 소니에서 메커니즘을 함께 생산하고 두 회사는 CD 덕분에 정말 즐거운 시간들을 보내게 됩니다.그만큼 CD가 폭팔적으로 보급이 되었고 금새 LP의 수명은 몇몇의 클럽에서의 DJ 용도 외에는 거의 없어지게 됩니다. 90년대가 되면서 전세계에 있는 대부분의LP 공장들도 문을 닫게 됩니다.CD 시대가 되면서 디지털 녹음에 관한 활발한 논의들이 오가고 급격하게 많은 기술의 발전들이 함께 하게 됩니다.더 높은 비트와 샘플링레이트 뿐만이 아니라.레코딩 스튜디오에서는 16비트에서 금새 24비트 레코더들이 출시가 되고 샘플링 레이트도 96K로 올라가게 됩니다.하지만 수백개의 악기트랙을 사용하는 팝음악에서는 아직도 48K가 사용이 되는 경우가 많습니다. 이와 더불어 24-96으로 녹음된 소리를 어떻게 최대한 효과적으로 16-44.1 로 변환하는 부분에 관한 논의들도 많이 오가게 되지요. 당분간 음반을 제작하는 프로덕션에서는 24비트 녹음이 스탠다드. 하지만 CD에서는 16비트의 물리적인 매체로 전달이 되는 것으로 일정시간이 흐른후. MP3의 출현과 함께 전세계 CD의 시장은 순식간에 몰락합니다. 초기 인터넷과 함께 무료로 돌아다닌 MP3 음악은 LP의 몰락보다도 훨씬 더 빠르고 크고 강력했지요.CD 의 시장이 없어신다는 것은 어찌보면 CDP를 제조하는 회사 입장에서도 무척 중요한 일입니다. 더욱 더 높은 사양의 CD (슈퍼오디오CD)에 대해서 주로 일본회사들을 중심으로 20비트 88.2 던가 다양한 사양들이 초기의 DVD - AUDIO와 함께 제안이 되기는 하지만 결국은 소니 필립스의 DSD 로 SACD의 사양이 결정이 됩니다.SACD의 출현의 가장 큰 이유는 무엇이었을까요? MP3로 인한 CD 시장의 몰락과 함께 CDP의 제조회사들은 서둘러서 새로운 시장 개척이 필요하였고 SACD 가 나오게 됩니다.CD에서의 컴퓨터 리핑을 통한 복사에 민감한 제조회사들은 SACD들은 애초부터 복사가 되지 않도록 보안을 유지할 수 있는 전세계 극소수의 CD 프레싱 공장에서만 SACD 제작이 가능하게 됩니다.여러가지 이유가 있겠지만 결국에는 이러한 부분들이 일본을 제외하고는 SACD가 전세계에서 거의 보급이 되지 않게 되지요.SACD 공장에 관한 그리고 제조 메커니즘에 관한 좀더 다양한 회사들이 함께 할 수 있었다면 SACD가 지금처럼 빨리 사라지지 않았을런지도 모릅니다.게다가 고해상도 음원의 출현으로 SACD는 더욱 더 설자리를 잃어버리게 됩니다. 지금처럼 음원의 시대가 되었지만 20년의 전성기를 통해서 CD에 음원을 녹음하는 사람들도 그리고 CDP의 재생능력도 과거와는 비교할 수 없을만큼 큰 차이를 지니게 됩니다.이것은 SACD도 마찬가지이며 지금이 그 어느때보다도 가장 완성도 높은 음질로 16-44.1 포맷에 고해상도 음원을 넣어서 CD를 만들 수 있고 또한 같은 CD 라도 굉장히 좋은 소리의 CDP들의 출현으로 인해서 컴퓨터의 음악재생 PC-FI 에서 고해상도 음원을 재생하는 것보다 잘만들어진 CDP에서 16-44.1의 CD를 재생하는 것이 아직까지는 소리가 더 좋습니다. 어찌보면 초기의 CD에서의 녹음 및 재생에서의 시행착오를 지금 고해상도음원(일명 고음질음원) 재생에서도 같은 일이 있는 것이지요. 음원재생이 되면서 CDP의 판매가 급감하자 갑작스럽게 순간적으로 거의 모든 오디오제조회사에서 CDP 대신 만든것이 바로 CDP에서 CD 메커니즘 부를 제외하고 만든것이 DAC 입니다.CDP를 만든회사의 수보다도 별도의 DAC를 제작해서 판매하는 회사의 수가 훨씬 더 많습니다.CD라는 진동체가 있는 메커니즘을 다루는 것에 비해서 DAC는 한결 간편하게 제작을 할 수 있고 어느때인가 부터 고음질. 고해상도 라는 단어가 과거 SP에서 LP 시절의 하이피델리티 HIFI 라는 단어처럼 여기저기서 쏟아져 나옵니다. CDP의 판매가 급감하자 제조회사들은 DAC로 판매정책을 바꾸게 됩니다. (문턱이 비교적 낮은 DAC 제조에 신규제작회사들도 많이 생기게 됩니다.)더 높은 샘플링레이트 192K 에서 384K 에 이르기까지. 그리고 최근에는 768K PCM 까지 지원하는 기기들이 있습니다. - 사실 RME ADI-2PRO DAC 에서의 768 은 엄밀히 말해서 DSD256 신호를 768K 신호에 태워서 전송하는 방식으로 768 PCM 을 지원하기 위해서라기 보다는 DSD 256을 지원하기 위하여 768K 가 된것이기도 합니다.정말 DAC 특히 USB 가 달린 제품은 아주 저가부터 굉장히 높은 금액에 이르기까지 그수를 헤아릴 수 없을만큼 많은 편입니다. DAC 가 출시가 되면서 사람들은 궁금증이 생기게 됩니다.내가 가진 DAC 는 24비트 96K 혹은 192K 까지 재생을 할 수 있는데 과연 24-96이나 24-192 음원은 어디서에 구입할 수 있는것이지?  이후 지금과 같은 고해상도 음원들의 판매들이 시작이 되고 DAP 등 새로운 기기(과거 워크맨의 새로운 버젼?)등도 출시됩니다.

한국에서의 녹음 그리고 음반의 역사는 언제부터 시작이 되었을까요?녹음이라는 것이 지금은 이렇게 보편화되어있지만 불과 100년밖에 되지 않은 것을 생각한다면 참으로 흥미롭습니다.고음질 음원 과 고해상도 음원에 관한 이야기를 하기 전에 조금 과거로 거슬러 올라가서 어떻게 음악이 녹음이 되어지고 음반이 만들어지게 되었는지 한번 생각해볼필요가 있습니다가끔씩 근대를 배경으로 한 영화들을 보면 녹음실들이 나옵니다.오케레코드(OK레코드) 그리고 고려레코드등이지요.이전에 음반의 역사는 SP 와 크게 관련이 있습니다.에디슨의 실린더 원통형 녹음기가 지금으로 보면 아카데미적이라 한다면 이후 축음기(SP)는 본격적인 음반시대를 이끌게 됩니다.우리나라에 최초로 축음기를 가지고 온사람은 그 유명한 알렌선교사 였고 역시 최초의 녹음은 조정에서 고종이 보는 앞에서 명창 박춘재의 소리를 일본 레코드 회사와 레코딩엔지니어가 와서 녹음을 하였습니다.이후 일본과 미국의 레코드사들이 앞다투어 한국에 진출해서 지사를 만들거나 한국인과 합작을 해서 녹음실등을 만들게 되지요.OK 레코드가 일본과 합작을 했지만 실제적인 운영은 한국인 "이철"씨가 하였고 그의 동생이 바로 마장동(유니버셜 스튜디오) 이청 입니다. - 지금은 벨포닉스 스튜디오로 이름과 주인이 바뀜그런데 음반의 녹음은 어떻게 해서 이루어지게 된것일까요?콜럼비아와 빅터 등 여러회사들에서 축음기를 만들었습니다. 그당시 서울의 기와집의 가격보다도 더 비쌌다 하지요.처음에는 SP 에 담긴 서양음악들을 가지고 와서 한국에서 "시연"을 하였습니다.한국의 부자들에게 초고가의 하이엔드 오디오인 SP를 판매하고 싶었던 미국과 일본 회사들은 서양음악의 큰 흥미를 느끼지 못하는 한국사람들을 보고. 시장조사후 판소리를 가장 먼저 녹음하게 됩니다.이당시가 한국에서 어찌보면 판소리의 최전성시대라고 할 수도 있으니까요.수많은 명창들의 소리를 SP 로 담아서 사람들에게 들려주었습니다.판소리를 너무너무 좋아한 대원군도 운현궁에 전국의 유명한 소릿꾼들을 불러 먹고 마시고 재우며 노래를 들었으니까요.해외의 회사들이 한국에 오디오를 판매하려면 한국사람들이 듣고 싶어하는 소프트웨어(음악)이 있어야 하는데 그것이 판소리였고녹음된 명창들의 소리를 언제든지 듣을 수 있게 된 한국의 부자들은 서로 축음기를 구입하기 시작합니다.이후 본격적인 사업 - 사실은 음반 산업보다 하드웨어 산업에 더 가깝습니다.음반을 녹음해서 판매하는 것보다 고가의 오디오를 판매하고 음악은 어찌보면 덤 이라고도 볼 수 있지요.지금도 많은 국내 오디오 점들에서 오디오를 구입하는 고객들에게 불법적으로 고해상도 음원들 수천 수만곡을 무료로 "덤"으로 끼워주는 것과 정확히 일치합니다. 바로 100년 전에 말이지요^^이후로 판소리 외에도 그당시의 음악들. 특히나 지금도 유명한 이난영의 목포의 눈물같은곡의 음반은 25만장이 판매가 되었으니 지금 생각해도 놀라운 수치입니다.사람들이 이러한 음악을 무조건 트로트라 생각하는 경향이 있는데 엄밀히 말하면 "신민요"라 할 수 있습니다.오디오가이에서 음반을 제작했던 김국찬의 스윙잉경성이 이러한 신민요(만요)를 그리고 김용우의 노들강변 역시 이당시의 음악들을 현대적으로 재해석하여 만든 음반이지요.http://storefarm.naver.com/audioguy/products/286328889http://storefarm.naver.com/audioguy/products/487961316이당시 한국의 음반산업은 당시의 인구를 생각하면 정말 파격적이라 할만큼 성장하게 됩니다.축음기도 초기의 비싼금액에서 중산층 에서 구입할 수 있을 정도로 점점 금액이 낮아지게 되지요. - 그만큼 제작수량이 많아지니까요.SP 이후 LP 를 보면 어떨까요?LP의 탄생과 함께 지금의 고유명사가 된 단어가 하나 있습니다.바로 HIFI High Fidelity어찌보면 "고음질"이라는 것은 실린더에았스서 SP로그리고 SP에서 LP로 나오면서도 전면에 나오게 됩니다.SP에 비해서 현격하게 줄어든 잡음과 더욱 더 넓게 수록할 수 있는 주파수 특성물론 LP - Long Play 라는 이름처럼 SP보다 더 긴 수록시간이 중요한 마케팅 포인트였지만 실제적으로 가장 중요하게 사람들에게 전달된것은 LP 의 "고음질" 이었습니다.턴테이블 제조회사들은 LP 가 시중에 출시되기 전 미리 충분한 기기들을 만들어 놓고 LP 출시이후 전세계적인 음반산업의 최대호황기가 함께 찾아옵니다.2차 세계대전이 끝나고 수많은 군수회사들이 오디오회사들로 바뀌게 되지요^^ - 물론 백색가전도 함께 만듭니다.LP 이후 50여견 CD가 나올때의 상황역시 과거와 비슷합니다.전세계적으로 턴테이블이 수많은 가정에 보급이 되고. 턴테이블의 판매수량은 떨어지게 됩니다.필립스와 소니에서는 그래서 새로운 포맷 CD를 만들게 되지요.반영구적인. 디지털의 소리가 바뀌지 않는. 그리고 LP 보다 더욱 더 긴 수록시간등을 장점으로 나옵니다.최초의 CDP 역시 소니와 필립스에서 나왔다는 것 역시 자연스러운 일입니다.소니와 필립스는 CD 의 성공으로 CD의 원천기술 픽업 매커니즘의 판매와 함께 CD 시절 하드웨어 시장에서의 눈부신 성공을 거두게 됩니다.어찌보면 음반이 있고 그것을 재생하는 기기가 있을 것 같습니다만유감스럽게도 100년동안은 우리의 생각과는 반대였습니다.먼저 기기가 개발이 되고. 기기의 판매촉진책으로 거기에 맞는 음반들이 제작이 되었다고 보는 것이 더욱 더 정확한 현실이지요.*참고로 사진은 애국가 녹음 현장시의 사진입니다.https://blog.naver.com/audioguy1/220065158707

이곳 오디오가이 사이트가 시작된지 벌써 상당히 많은 시간들이 흘렀네요. 그간의 수많은 인연들이 종종 생각이 납니다.물론 지금은 이렇게 온라인 커뮤니티 보다는 SNS 등으로 보다 활발하게 교류들을 나누게 되지만  우연한 기회에 시작이된 오디오가이 사이트가 이렇게 긴시간동안. 그리고 이렇게나 많은 분들과 함께 글로 인연을 이어가게 될런지는 몰랐습니다. 다만 최근에 생각이 드는 것은 오디오가이 사이트 초창기에 음향을 배우고 연구하고 할때는 많은 이야기들이 오고갑니다.하지만 그렇게 10여년이 지나고 각자의 경력이 쌓이고 작업들에 바쁘다보면 처음 열심히 연구하고 공부할때처럼 이곳에 들러 글을 남기기가 쉽지 않게 됩니다.과거에는 왜 선배들은 이러한 토론의 장에서 참여나 이야기가 적을까. 하고 의아하였는데 지금 생각을 해보니 일면 이해가 되기도 합니다만. 하지만 저는 변함없이 음향을 직업으로 하면서 여러 생각들을 또 새롭게 시작하는 분들과 변함없이 함께 나누고 싶습니다.이것은 때론 같은 일을 조금 먼저 시작한 선배들의 작은책임이기도 하니까요.올해 새롭게 시작하는 칼럼은 "음향에 관한 질문과 답변" 입니다.그간 여러분들에게 메일이나 쪽지. 전화. 직접 만나거나 누군가의 소개로 혹은 함께 일하는 식구들부터 함께 작업하는 아티스트들에 이르기까지 여러분들에게 받은 질문들 과 거기에 제가 하고 싶은 이야기들을 질문 형식으로 쉽게 풀어나가려 합니다. 변함없이 오디오가이 사이트를 통해서 음향의 세계를 알아가고자 하는 분들에게 조금이나마 도움이 되었으면 좋겠습니다.-질문자(이하 CUE) : 안녕하세요 음향엔지니어라는 것은 어떠한 일을 하는 사람인가요?*영자 : 음향엔지니어 - 직역하면 소리를 다루는 기술자 라고 볼 수 있습니다. 공연장등에서는 음향엔지니어 보다는 "음향감독"이라는 직함으로 불리우는데요.넓게 이야기해서 "소리를 다루는 사람"입니다.저와 같은 음악쪽의 소리를 다루고 녹음하는 사람을 지칭하는 레코딩 엔지니어(세부적인 것은 잠시후에) 그리고 콘서트나 공연장의 음향엔지니어(음향감독)은 PA 엔지니어나 FOH 엔지니어 라고 부르기도 합니다.또한 사운드엔지니어 라는 단어도 사용이 되는데 국내에서는 음악쪽 레코딩 엔지니어 보다는 공연쪽 엔지니어들에게 사운드엔지니어라고 지칭되는 경우가 좀더 많은 편입니다.그밖에 방송국의 음향엔지니어부터 영화 포스트 프로덕션 등 다양한 분야의 음향엔지니어가 있습니다.-CUE : 그럼 사운드 디자이너는 다른것인가요?*영자 : 네, 다릅니다. 사운드디자이너는 예를들어 영상에 들어가는 소리(음악보다는 효과음쪽)등을 제작 하여 만드는 사람이고요영화에 들어가는 여러 효과음들과 광고, 특히 최근에 각광받는 게임에 들어가는 음악들의 소리들을 만드는 사람입니다. 영상에 들어가는 음악외에 다른 소리 들을 담당하여 제작하는 사람이라 할수 있어요사운드 디자이너가 음향엔지니어를 대부분 겸하는 편이지만대규모의 영화의 경우는 사운드디자이너와 음향엔지니어가 별도로 있어서 사운드디자이너가 만든 소리들을 음향엔지니어가 믹싱등을 통해서 더욱 더 다음어 갑니다.-CUE : 그럼 음악을 다루는 사람은 모두다 레코딩 엔지니어라 부르면 되나요? 음반의 내지를 보면 어시스트. 믹싱. 마스터링 엔지니어등 여러가지 이름이 있던데요?*보통 음악을 다루는 엔지니어를 통칭하여 레코딩엔지니어라 부르는 경우가 많습니다. 다만 세부적으로 레코딩- 음악의 녹음 그리고 녹음된 소리의 밸런스와 음색 및 공간감등을 조정하는 믹싱.최종 믹싱된 스테레오 음원을 가지고 발매후에 고르게 작업하는 마스터링 세가지 부분으로 나뉘어져 있기 때문에 녹음을 주로 담당하는 레코딩 엔지니어그것의 믹싱을 주로 하는 믹싱 엔지니어 그리고 전문 마스터링 엔지니어들이 있습니다만저처럼 레코딩엔지니가 믹싱 마스터링까지 모두 함께 하는 경우도 있고K-POP 음악들처럼 레코딩엔지니어와 믹싱 마스터링 엔지니어가 명확하게 구분이 되기도 합니다.실제로 대체적으로 처음 스튜디오에 인턴으로 입사해서 어시스트 엔지니어로 시간이 지나서선배의 도움없이 혼자 녹음을 안정적으로 진행할 수 있다면 그때부터 레코딩 엔지니어라 할 수 있을 것 입니다.팝음악의 경우는 믹싱만 전문적으로 하는 믹싱엔지니어들이 많이 있습니다.아티스트들이 집에서 녹음을 하여 별도의 믹싱과 마스터링만 전문적인 엔지니어에게 의뢰를 하는 것이지요. -CUE : 늘 헷갈리는 것이 있는데 믹싱은 무엇이고 마스터링은 무엇인가요? 왜 이둘이 나누어져 있는 것인가요?*영자 : 위에서 이야기한 것처럼 녹음은 여러가지의 채널(트랙)으로 녹음이 됩니다.여기서 채널(트랙) 이 무엇인지 잘 알수 없다면 수영장 혹은 육상경기에서의 트랙을 한번 생각해보세요1번트랙에 케냐선수. 2번트랙에 중국 3번트랙에 한국 4번트랙에 캐나다 5번트랙에 러시아 등등.음향에서는 이 트랙과 같은 단어로 채널이라는 단어를 사용하며 트랙과 채널은 그만큼의 악기수이기도 합니다.(혹은 마이크의 수가 되기도 합니다.)이렇게 여러 채널로 녹음이 된 소리를 스테레오(2채널)로 만드는 작업을 "믹싱"이라 합니다.여기서는 각 악기간의 볼륨조정과 음색조정을 해서 더욱 더 듣기 좋게 만드는 것이지요.-CUE : 네 믹싱에 관해서는 유투브 동영상을 통해서 어느정도는 알고 있어요. 그런데 마스터링은요? 믹싱과 마스터링의 차이는 무엇인가요?*영자 : 스테레오로 믹싱된 음원을 가지고 한번더 음량과 음색등을 조정하는 작업입니다.예를들어 하나의 음반이 여러곳의 스튜디오와 여러곳의 엔지니어들을 통해서 작업이 되었다면 각자의 볼륨도 다르고 음악 그리고 음향적인 느낌들도 다르겠지요이것을 하나의 음반에 담으면서 공통적인 느낌이 들도록 조정하는 작업. 하지만 저는 마스터링의 정의를 좀더 다르게 내고 싶어요녹음과 믹싱까지는 굉장히 전문적인 환경입니다. 하지만 마스터링은 이러한 전문적인 녹음실들에서 만들어진 소리를 일반 가정에 "효과적으로" 전달을 하는 역할을 한다고 생각을 해요예를들어 녹음실마다 사용하는 모니터 스피커가 다른데 그 스피커에서 나오는 소리를 기준으로 아티스트와 믹싱엔지니어는 음악과 소리를 다듬고 만들어갑니다. 하지만 사람들이 그 음반이 최종 퍼블리싱이 되어서 전달이 될때는누구는 핸드폰 이어폰으로 듣기도 하고 누구는 차에서. 또는 노트북 내장 스피커로, 음악과 소리를 좋아하는 사람이라면 집에 멋진 오디오시스템을 꾸며놓고 음악을 감상할 수도 있겠지요녹음실에서 만들어진 소리가 이렇게 다양한 환경에서 아티스트와 엔지니어가 의도한 바가 최대한 잘 전달이 되도록  소리를 조정하는 작업이 마스터링의 핵심이라 생각해요.-CUE : 아..마스터링이란 그러니까 녹음실에서 만들어진 소리를 일반 가정의 상황에 맞게 여러 환경에서 듣기 좋도록 만드는 작업이라 할수 있는 것이겠네요.아주 조금이나마 알것 같아요.*영자 : 하지만 실제로는 전문적인 마스터링 스튜디오에서는 상당히 많은 음향적인 변화 작업들을 합니다.믹싱 스튜디오들보다는 훨씬 더 정교하고 뛰어난 모니터링 시스템을 갖추는 것이 마스터링 스튜디오의 가장 중요한 부분중에 하나인데요내가 집에서 믹싱을 하거나 스튜디오에서 믹싱을 할때 나의 모니터스피커에서 미처 듣지 못했던 아주 낮은 주파수나 혹은 아주아주 높은 주파수들에서의 과장됨(부스트나 피크)이 있으면 내가 작업한 스피커에서는 괜찮게 들리지만 다른 스피커나 재생환경에서는 굉장히 이상하게 들릴 수 있습니다.이러한 믹싱된 음원에 담겨있는 단점들을 찾아서 우선 제거한후그 다음에는 믹싱된 음원에 숨겨져 있는 장점들을 더욱 더 강하게 표현하여 강조하는 작업이 마스터링이라 할 수 있어요. -CUE : 음향의 분야도 참 다양하네요. 그럼 처음부터 믹싱 엔지니어 혹은 마스터링엔지니어로 시작할수도 있는 것인가요? 대부분의 믹싱엔지니어의 경우는 어시스트와 레코딩 엔지니어의 시간을 지나서 많은 경력이 있는 엔지니어들좀더 정확하게 이야기해서는 누군가가 믹싱작업을 적절한 비용을 주고 의뢰를 하는 사람을 "믹싱 엔지니어"라 할 수 있을것 입니다.마스터링 엔지니어의 경우도 과거에는 오랜경력의 베테랑 엔지니어들이 하는 경우가 많았다면 최근에는 처음부터 마스터링 작업에 특화되어 집중적으로 연구후 본인만의 마스터링 스튜디오등을 만들어서 하는 경우가 점차 많아지고 있습니다.

운이 좋게 부모님을 통해 삶이라는 것을 선물받아 살다보면 많은 것들을 만납니다.그중에 특히 자신을 매혹시키는 것을 만나게 되지요누군가에게는 그것이 사람이거나 사랑일수도 있고. 또 최근의 가까운 지인처럼 자전거이거나 카메라. 자동차. 오디오 등등 사람마다 무척 다양할 것 입니다.제게 있어서 삶에 저를 강하게 매료시키는 것은 바로 "피아노" 입니다피아노 라는 악기가 지니고 있는 독특하고도 복잡한 구조와 아름다운 모습에이루셀수 없을 만큼 다채로운 음악적인 표현까지. 하루를 시작하는 아침에는 늘 피아노 음악을 듣습니다. 반면에 레코딩 엔지니어로써 피아노를 녹음하는 것을 아주 좋아하는 데 그 이유는 좋은 소리로 녹음하기 참으로 어려운 악기이기 때문입니다.처음 스튜디오를 만든것은 95년이었지만 본격적으로 피아노 녹음을 시작할 수 있었던것은 96년에 스튜디오에 어시스트 엔지니어로 시작하였을때였습니다.그때의 피아노는 야마하 C6 마이크는 산켄의 CU41 AB 페어로 거의 고정되어 녹음이 진행되었습니다.(가끔 B&K 4006 페어를 사용하기도 함) 처음 레코딩 엔지니어를 시작했을때 10년은 야마하 피아노와 함께. 그리고 이후 10년은 스타인웨이와. 그리고 2015년의 지금 스튜디오를 만든 이후에는 외부에서 로케이션 레코딩시에는 스타인웨이를 자주 녹음하기도 하지만오디오가이 스튜디오에서 뵈젠도르퍼와 함께 하고 있습니다.앞으로의 10년은 아마도 뵈젠도르퍼와 수 많은 시간들. 혹은 그 이상의 시간들을 함께 하게 되겠지요피아노의 선택 http://blog.naver.com/audioguy1/220527336831 이렇게 긴 시간들을 피아노 녹음에 집중하며 참 많은 부분들을 연구해보았습니다.그러다보니 자연스레 각 제조회사의 피아노 특성에 관해서도 어느정도 알 수 있게되었지요. 지금 스튜디오를 만들면서 뵈젠도르퍼와 함께 최종적으로 고민한 피아노는 야마하의 풀사이즈 CFX 였습니다.피아노라는 악기가 지닐 수 있는 메커니즘적으로는 스타인웨이보다 야마하가 훨씬 더 뛰어나다고 생각합니다.야마하는 피아노 마다의 편차도 굉장히 적고. 건반의 배열도 출시상태에 훨씬 더 고르게 되어있습니다.무엇보다도 조율. 스타인웨이에 비해서 훨씬 더 빠르게 정확하게 조율을 할 수 있지요. 피아노 녹음을 하면서 중요한 것이 조율사의 능력이라는 것을 알게된후 20년이 넘는동안 3분정도의 조율사 분들하고만 함께 하였습니다.지난 통의동 스튜디오에서 스타인웨이 D를 설치하고.  오랜시간 함께 했던 조율사분께 의뢰를 드려서 진행했을때 깜짝 놀랐지요야마하를 그렇게 완벽하게 다루시던 분이 스타인웨이에서는 그렇지 못했습니다.야마하는 피아노라는 악기이자 기계를 아주 정교하고 정확하게 만들어져있습니다. 스타인웨이에 비해서 왜 이렇게 가격이 저렴한지는 사실 잘 모르겠습니다^^ 반면에 스타인웨이는 처음 출고를 할당시 이것이 과연 완제품 맞나 하는 생각이 들정도로 많은 부분을 사용자의 환경에 따라서 맞추어서 사용을 해야 합니다.야마하의 경우 새것을 구입하고 "보이싱"이라는 작업이 거의 필요가 없다면스타인웨이의 경우는 반드시 필요하지요이 보이싱을 통해서 최종 음색을 다듬고 만드는 것입니다.우리가 듣는 스타인웨이의 음색은 사실 스타인웨이사에서 만든것이 절반. 그리고 나머지 절반은 뛰어난 조율사에 의해서 만들어집니다.그것은 공간의 크기 및 음향상태에 따라서 달라지게 되지요.그리고 스타인웨이는 야마하에 비해서 건반이 훨씬 더 균일하지 못합니다.이것을 조율사가 긴 시간을 들여서 조정하고 또 조정해서 완벽한 상태로 만드는 조율의 예술에 관해서 옆에서 지켜보며 정말 감탄하지 않을수가 없습니다.국내에서 스타인웨이를 완벽하게 다루고 조율할 수 있는 조율사의 수는 아주 극히 적을 것으로 생각합니다. 스타인웨이도 함부르크와 뉴욕의 소리가 또 전혀 다릅니다. 사실 지금의 스타인웨이가 콘서트 피아니스트들에게 가장 선호하는 악기가 된 이유중에 가장 큰 부분은 바로 "음량" 입니다.다른 피아노에 비해서 림을 나누지 않고 하나로 만드는 스타인웨이는 톤이 넘는 현의 장력을 더욱 더 강하게 모았다가 외부로 보냅니다. 그 어떤 피아노보다도 강력한 포르테시모를 낼 수 있지요.이것은 공연장의 크기와 클래식 음악의 전성시대와 함께 하였습니다. 물론 스타인웨이 고유의 금속성의 중고역 역시 매력적입니다.사람들의 생각과는 다르게 특정대역(사람의 귀가 민감한)의 경우 스타인웨이가 야마하보다도 소리가 더 밝습니다. - 잘 조정된 함부르크 스타인웨이의 경우. 하지만 국내에서 만나고 있는 대부분의 스타인웨이들에서는 야마하보다. 아니 영창보다도 못한 소리를 만날때가 참 많아서 그때마다 피아노를 사랑하는 사람으로써 속이 상하기도 합니다^^  지금 오디오가이 스튜디오에서 사용하는 뵈젠도르퍼는 또 야마하 스타인웨이와는 전혀 다른 구조 및 소리를 들려줍니다.뵈젠도르퍼는 피아노에 현악기의 구조를 차용해왔습니다.스타인웨이가 림을 최대한 단단하게 만들어서 소리의 직접음을 멀리 보내는데에 최적화 되어있다면뵈젠도르퍼는 림 안에 울림판(공명판)이 있어서 림 자체에서 여음이 더 많이 생기게 만들어있는 구조입니다.아주 신기합니다. ^^ 그래서 다른 피아노들에 비해서 폭팔적으로 큰 음량을 낼수는 없지만 페달을 적게 사용하더라도 은은한 여운이 함께 하는 소리를 들려줍니다.  흔히들 뵈젠도르퍼는 소리가 풍부하다 하는데 그것을 92 혹은 그 이상의 저음 건반이 추가되어있어서 그렇게들 표현합니다만뵈젠도르퍼가 저역이 풍부하기 보다는 저역의 울림이 좋다. 라고 생각하는 것이 더 정확합니다.실제로 뵈젠도르퍼 아래에 추가된 건반의 경우 가끔 사용이 되기도 하지만 실제로는 피아노 내부의 울림을 더해주는 역할이 좀더 크기 때문이지요. 이렇게 다른 구조를 지니고 있는 피아노들. 물론 이밖에도 소리가 엄청 밝고 화려한 이탈리아의 파지올리도 빠질수 없을테고.  국내에는 인기가 적지만 특유의 매력적인 소리를 들려주는 벡슈타인도 있습니다. 이렇게 각 피아노마다 구조가 다르기 때문에 피아노 마다 녹음하는 방법도 다릅니다. 야마하의 경우는 피아노 내부에 가깝게 마이크를 설치를 해도 상당히 좋은 소리를 들려줍니다.반면에 스타인웨이는 피아노 내부에 가깝게 하면 정말 멍청한 소리를 들려주지요. 스타인웨이 특성상 림과 반사판이 중요하고 그렇기 때문에 림과 반사판 근처에 마이크를 두고 녹음하는 것이 좋습니다. 야마하는 라지다이어프램 마이크가 잘 맞는 경우가 많은 반면 스타인웨이는 DPA나 숍스. 제나이저의 스몰다이어프램 마이크가 잘 맞는 경우가 좀더 많지요. 그럼 뵈젠도르퍼는? 뵈젠도르퍼를 처음 오디오가이 스튜디오에 설치하고 바로 다음날 부터 피아노 녹음을 하였는데. 정말 고생하였습니다.결국에는 오디오가이에서 피아노의 첫 녹음은 피아노 반사판을 떼고 하였어요. 뵈젠도르퍼는 스타인웨이 녹음 방법에 좀더 가까우면서도야마하처럼 마이크를 아주 근접해서 가깝게 설치해도 괜찮기도 합니다.대부분 림의 가운데 굴곡진 부분에 마이크를 설치하는 것이 그랜드 피아노 녹음의 기본인데 뵈젠 도르퍼 역시 림 근처에 마이크를 설치한느 것이 가장 좋은 소리를 들려줍니다.스타인웨이처럼 피아노와 3미터 이상 떨어진 곳에 마이크를 설치하면 그야 말로 솜뭉치로 피아노를 연주하는 소리가 나게 됩니다. 이렇게 2년이 넘는 동안 정말 많은 뵈젠도르퍼 피아노의 녹음들을 해보았습니다.스튜디오 특성상 집중해서 다양한 마이크 세팅등을 시험해 볼수 있습니다. 과거에는 피아노에 적어도 6개 정도의 마이크를 사용해서 조합하는 것을 좋아했었는데 지금은 늘 최소한의 간결한 마이크 세팅으로 보다 순수하고 깨끗한 소리를 담는 것을 선호하는 편입니다.아무래도 많은 마이크를 사용하면 좀더 입체감이 있는 것처럼(?) 들리기도 합니다.적은 마이크를 사용하면 평면적으로(?) 들리는 것처럼 들리기도 하지요.하지만 입체감 있는 피아노 소리는 작곡자의 곡에 이미 완성이 되어있고 나머지는 피아니스트에 따라서 달라질것입니다.오케스트라처럼 너무 웅장한 피아노 소리보다는 피아노 자체와 피아니스트의 연주 특성이 그대로 들어나는 녹음을 선호하게 됩니다.이달 말 오디오가이에서 나올 피아니스트 이유화의 아르보 페르트 피아노 뮤직 음반 중에 한곡링크 남깁니다.결국 좋은 피아노 사운드는 레코딩 엔지니어가 아닌 좋은 피아니스트를 통해서 세상밖으로 나오게 된다는 것을 다시한번 알게 한 그러한 피아노 녹음 작업이었습니다.MP3 http://www.mediafire.com/file/5vi3a1dckaauzbc/-++-+12+-+Fur+Alina+%281978%29__48k-24b.mp324/88.2Khz WAV https://www.mediafire.com/file/e6y3el4dbp734k1/-%20%20-%2012%20-%20Fur%20Alina%20%281978%29__88k-24b.wav녹음 원본은 DXD(24Bit 382.4Khz) 인데 DXD로 들으면 정말 좋습니다^^ 

2017년 두달을 앞두고. 올한해 아티스트들과 함께 열심히 만들었던 음반들이 나오고 있는 시기 입니다. 한국에 살고 있는 네델란드의 쳄발로 연주자 아렌트 흐로스펠트와 함께한 음반 환상양식 - "자유롭고 제한받지 않는 작곡형식" 이라는 제목으로 다양한 작곡가들의 매력적인 건반곡들을 들려줍니다. 이번에는 쳄발로 솔로 쳄발로라는 악기는 어떻게 보면 녹음을 해서 오디오로 듣기 상당히 불편한 부분들도 있습니다.챙챙~ 거리는 소리가 너무 강하게 들리게 녹음되어있는 음반들이 대부분이지요.사실은 서양의 엔지니어들도 피아노 녹음에 관해서는 다양한 연구와 시도를 통해서 좋은 피아노 사운드를 녹음하는 방법들을 어느정도는 정립해 두었다면 우리가 국악기의 녹음 방법과 관점이 다양하듯이. 쳄발로의 녹음 방법과 관점 역시 대단히 다양합니다. 대부분의 쳄발로 음반들에서는 마치 현 바로 앞에서 듣는 것 같은 아주 화려한 고역을 느낄 수 있는 소리들로 녹음되어있는 것이 일반적이지요. 물론 "음색"이 중요합니다.이것은 연주자 마다의 자신을 표현하는, 남들과의 다른 자신만의 음악적 목소리이니까요. 하지만 클래식 음악을 녹음이라는 과정을 통해서 재현하는데 있어서 음색과 더불어 중요한 것이 "음장" 혹은 "깊이감"이라 표현할 수 있는 단어입니다.오케스트라의 예를들면 그저 좌우로 평행으로 되어있는 것만이 아닌 각 현파트마다도 플트가 존재하는 것처럼클래식 음악의 녹음에서는 오케스트라의 깊이감 이 얼만큼 연주되는 공간의 소리와 잘 어울어져서 재생이 되는 것인가가 중요한 요소이기도 하지요. 이번 쳄발로 음반의 녹음에서는 이러한 부분에 촛점을 맞추었습니다.잉타이나 여러 쳄발로 음반들에서 들을 수 있는 스피커 바로 앞에서 들리는 쳄발로의 화려한 음색이 한발자국 뒤에서 들립니다. 하지만 쳄발로가 단순히 고역에서만 화려한 악기라고 생각했던 부분에서 쳄발로의 보다 깊은 저음. 그리고 여러 현에서 함께 울리는 쳄발로 음색의 깊이감을 느낄 수 있도록 녹음을 하였습니다.  녹음에 사용된 마이크는 지금은 단종된 오스트리아 AKG C426B 라는 스테레오 마이크입니다.스테레오 마이크는 하나의 몸체에 두대의 마이크가 들어있는 것으로 쉽고 간단하며 정확하게 XY와 MS 등의 스테레오 녹음을 할 수 있다는 장점이 있어서 개인적으로 아주 좋아합니다.AKG C426B는 지금은 사라진 스웨덴의 레이블 Propirius 의 메인 레코딩 마이크이기도 합니다. 녹음할때 컨디션의 문제로 빈티지 기기들을 사용하지 않는 편인데 유일하게 사용하는 빈티지 기기들이 있다면 바로 그것은 마이크들입니다. 이러한 출시된지 수십년된 빈티지 마이크들은 본사에 보내서 정기적으로 매칭과 클리닝등의 점검을 하면서 사용을 하고 있습니다. 지난 문지형 20세기 무반주 첼로 녹음에서는 이와 비슷한 노이만 USM69 라는 스테레오 마이크가 사용이 되었습니다. 아렌트와 문지형 음반 모두 하나의 스테레오 마이크를 사용하여 MS 방식으로 레코딩이 되었습니다. 사진출처 : http://bobbyowsinski.blogspot.kr/2013/08/the-pros-and-cons-of-m-s-recording.html#axzz4xnemc91F이렇게 단일지향성 마이크 1개와 양지향성 마이크 1개를 이용해서 녹음하는 방식입니다.두대의 마이크를 사용할 경우는 저는 이렇게 합니다 그밖에 지난글에서도 MS 레코딩에 관한 내용이 있습니다.http://blog.naver.com/audioguy1/221068574037국내에서는 어찌된일인지 MS 방식을 선호하지 않지만 오디오가이에서 녹음하는 곳에서는 항상 MS 방식으로 녹음을 합니다.여러대의 마이크들을 함께 사용할경우 MS는 아주 자연스럽게 다른 마이크들과 소리가 잘 섞입니다. 이번 아렌트의 "환상양식" 음반중 1곡 Flac 파일 다운받아 들어보실 수 있습니다.http://www.mediafire.com/file/7952sm56i67ee4j/AREND_GROSFELD_-__-_11_-_Prelude_in_G_minor_BWV_917__44k-16b.flac오디오가이 음반샵 판매링크http://storefarm.naver.com/audioguy/products/2287562212

오늘 누군가의 글을 읽었는데.참으로 오래된. 추억속의 감정을 불러일으키는.. 마치 90년대에 나온 혹은 그시절 알게된 책을 읽는 듯한 느낌이었습니다.이글의 제목을 후다락 쓰면서 저도 그러한 생각을 잠시 해보게 되네요.사람의 글이라는 것은 그 사람을 잘 느껴주는 것 같습니다.세대에 따라서 쓰는 단어만 해도 굉장히 큰 차이가 있기 때문에 글만 읽어보아도 글쓴이의 연령이 대략 짐작이 되기도 하지요.여러 프로젝트들을 동시에 여러사람과 함께 하고 끝나고는 아이셋을 보러 집에 뛰어들어가다보니 차분히 컴퓨터의 하얀 화면을 검정 선으로 채우지 못하게 되고 그저 자극적인 문구의 뉴스 혹은 그와 비슷한 페이스북의 담벼락글들만 소비하게 되는 것 같습니다.늘 정체성에 대해서 생각이 듭니다.나는 무엇을 하는 사람이지?대외적으로는 오디오가이 레코딩 스튜디오를 운영하는 레코딩 엔지니어이지만실제 하는 일의 정말 많은 부분은 오디오가이 레이블의 음반의 기획부터 발매까지의 무수히 수 많은 일들을 함께 하기 때문이지요.그렇기 때문에 정작 스튜디오의 콘트롤룸에서 음악을 듣고 소리를 조정하는 시간보다 다른 시간들의 비중이 많아지면.내자리는 어디인지. 나는 지금 무엇을 하고 있는것인지 하고 속으로 되새김질을 합니다.그래도 마음속에 늘 잊지 않고 있는 것이 있다면 내가 머릿속에서 마음속에서만 상상으로 듣던 그 음악과 소리를 찾고 음반으로 만들어 내는 것입니다.이러한 두 음반을 만들었습니다.(혹은 만들었다 생각합니다.)한장은 디자인까지 마치고 CD 프레싱을 진행중이고 몇달후면 LP로도 발매가 됩니다.오디오가이 "울림" 프로젝트로 선정된 아티스의 음반으로 녹음 후 결과가 너무 마음에 들어서 오디오가이의 100번째 카다로그 넘버로 미리 점찍어 둔 음반이기도 하지요.AGCD0100지금 스튜디오에서 심수봉 선생님 새음반 마지막곡을 녹음하고 있는데 코러스세션으로 오신분과 21년만에 인사를 나누었습니다.20년도 그렇고 좋아하는 아티스트들과 함께 음반을 만들어보자. 한것도 금새 100장이 되네요.모두 한장 한장 아티스트들과 녹음전에 많은 이야기를 나누고 녹음부터 디자인에 이르기까지 함께 하고 있는 터라 100장이라는 것이 참 적게도 느껴지는 반면. 처음 레이블을 시작할때 40년은 문닫지 말고 해야지.. 라고 생각은 해보았어도 얼만큼의 타이틀을 만들게 될런지는 몰랐었습니다.사람들이 작곡가 서거 몇년이나 기념 몇년이다 라고 이야기를 하는 것을 곁에서 지켜볼때마다 그까짓 숫자가 무엇이 그렇게 대수라고.. 생각을 하지만마음에 들어 숨겨둔 100번째 음반을 만들고 나서는 마음이...채워지네요.누군가가 그러더라군요" 모두의 존경을 받고 평온한 미소를 짓고있는 사람들도 남루하고 부끄러운 시절을 고스란히 겪어왔다"이렇게 부끄러운 시절이라 더욱 더 음악과 소리에 매달리게 되는 것일런지도 모르겠습니다.아내는 제게 힘을 좀 빼라고 이야기를 종종 합니다.세월이 지나면 자연스레 힘이 빠져야 하는데 무엇때문에 자꾸만 마음속에 힘이 들어가는 지 모르겠습니다.그래서 삶의 선배들을 오디오를 핑계로 찾아뵙고 좋은 말씀들을 귀동냥하였으나늘 생각들이 더욱 더 많게 느껴지네요.사람들이 이야기하는 음악들은 대부분 늘 유명하고 화려한 아티스트들의 음반들에 치우쳐 있습니다.사람들이 방송에서 KPOP만 나온다 이야기를 하지만 클래식이나 재즈 국악을 듣는 사람들도 맨날 똑같은 아티스트들의 음악들만 듣는 것은 비슷한 것 같습니다.혹은 누군가 아는 사람을 꼭 내가 안다고 이야기를 해야만 그 틈안에 들어갈 수 있다 생각하는 이들이 많다보니세상에 음악과 음악가는 많아도 사람들부터 사람들에게 전해지는 사람은 모두 남이 좋아하는 혹은 남이 좋아한다는. 아티스트들의 음악들만이 눈에 더욱 더 자주 띄입니다.국내 제작 오디오를 보면서 비교가 되기도 합니다.리비도의 앰프 보다는 클라세나 코드의 앰프가올닉이나 KTS의 진공관 앰프보다는 옥타브나 에어타이트 혹은 럭스만?사운드포럼의 스피커보다는 B&W 나 윌슨이카시오페아보다는 매지코가.. 등등국내 제작 오디오의 열렬한 팬은 정말 정말 소수이지요..그저 디자인이 별도다. 소리가 별로다. 제작자가 음악을 모른다 등등의 끝없는 험담만 주변에서 이야기 되고 들려옵니다.오디오가이도 딱 그러한 국내 회사가 아닐까 싶습니다.오디오가이에서 만든 음반들 과 비슷한류의 그것도 유명한. 사고 나서 SNS에 올리면 폼도 나는 그러한 음반들이 훨씬 더 많으니까말이지요.그래도 일단 100장은 만들네요.눈물 콧물 쏙 빼면서 말이지요.AGCD0100 은 무반주 첼로 솔로 음반입니다.연상되는 바흐는 아니고 다양한 현대음악 코다이. 힌데미트의 무반주 첼로 음악들 아티스트들과 녹음현장에서 늘 함께 하고 있다 보니 실제 실연으로 듣는 큰 음량과 강한 소리는 귀가 피로해질때도 있습니다.특히나 피아노의 경우는 바로 눈앞에서 듣는 것보다울림이 좋은 한 1000석짜리 홀의 2층 중앙 앞에서 관객이 아무도 없이무대의 바닥에서 악기의 소리가 시작이 되어 높은 천장으로 전달이 되기까지 무수히 많은 반사를 하며그렇게 직접음과 반사음을 함께 듣는 것을 좋아합니다.직접음은 앞에서 들리지만 반사음은 사방에서 나를 감싸주거든요.손쉬운 DSP 를 사용한 디지털 리버브가 아닌 그 공간에서 악기가 울리는 소리.공간의 특성이 명확하게 악기의 소리와 함께 녹아들어가 있는 소리 말이지요.이번 무반주 첼로 음반은 이렇게 만들었습니다.솔로악기에서 수많은 마이크를 사용해서 근접 마이크. 중간 마이크. 원거리 앰비언스 마이크들을 조합하여 위상차이를 이용한 스테레오의 깊이감을 만들어 내는 것이 요즘의 클래식 음악의 추세이지만노이만 USM69I 스테레오 마이크 한대의 심플한 MS 세팅음악을 미리 들어본 가까운 지인들은 첼로의 소리가 너무 멀게 들리는 것 같다 이야기를 합니다.우리가 지금까지 들어온 무반주첼로는 모두 첼로의 현을 긁는 소리(송진가루 떨어지는 소리)가 얼마나 잘 재현되는 것이냐에 따라서 사람들이 첼로의 음색을 기억해 오고 있습니다.녹음 그리고 레코드라는 것이 실제 존재하지 않는 것을 경험할 수 있다는 것이 참으로 흥미로운 일입니다.하지만 바로 코앞에서 듣는 첼로소리도 그렇지만울림이 좋은 홀에서 고요히 혼자 듣는 무반주 첼로의 소리 역시 우리가 쉽게 경험을 할 수 없는 것 중에 하나가 아닐까요?시스템이 커지고 많고 다양한 아티스트들의 음악 녹음을 하기 위해서는좀더 쉽고 편하고 빠르고 효율적인 방법으로 작업을 하는 것이 당연한 것인데. - 그래야 운영이 되니까요편한것보다는 불편하더라도 시간이 더 걸리더라도 내가 알지 못하는 그 무엇인가를 위해 천천히.. 그리고 많은 시행착오를 겪으며 돌아서 돌아서 100번째의 음반을 만들어 곧 세상에 나옵니다. 

언제부터인가 갑작스렇게 자주 듣고 있는 단어가 있습니다. "바이노럴" 이라는 어찌보면 생소할 수 도 있지만 수년전부터 다시 관심을 받고 있습니다. 그것도 음악이 아닌 새로운 ASMR 분야에서 각광을 받고 있지요. - ASMR - 소리로 심리적인 안정을 얻는 것으로 주로 불면증을 위한 수면유도 관련이나 일본의 경우는 싱글남녀에게 멋진 목소리의 성우가 사랑을 속삭여 주는 데이트 CD도 있습니다.위 사진은 레코딩 마이크의 명가 노이만에서 제작된 KU100 이라는 더미헤드 마이크로 바이노럴 레코딩의 대표적인 제품이라 할 수 있습니다. 최근 ASMR 로는 여러회사들에서 이보다 좀더 단촐한 바이노럴 마이크들이 많이 출시되고 있지만 사람의 목소리면 몰라도 주파수가 넓은 본격적인 음악 녹음을 하기에는 부족한 부분이 있습니다.바이노럴은 위 더미헤드 마이크의 양쪽 귀안에 마이크가 들어가 있습니다.마이크의 몸체도 사람의 피부와 최대한 비슷하게. 귓볼도 마찬가지로 그렇게 만들어져 있고 귀부분을 자세히 보시면 좌우의 모양이 약간 다른것역시 실제의 사람의 시력이 좌우가 조금씩 다르고 귀의 모양도 좌우가 조금 다른것처럼 최대한 비슷하게 만들었습니다. 이렇게 만들어져서 귀 안에 마이크가 들어가있어서 실제 소리를 이 마이크를 사용해서 녹음을 하게 됩니다.사실 이 바이노럴 레코딩의 시작은 어찌보면 미국의 벨연구소보다도 오래전 유럽에서 시작이 되었다고도 볼 수 있을 것 입니다. 씨어터폰 이라고 해서 1800년대 후반에 프랑스에서 인기있는 오페라 공연에 들어가지 못한 사모님들을 대상으로 공연장 로비에서 아래와 같이 실황음악을 감상하였습니다. 사람들의 음악과 소리에 대한 열정은 예나 지금이나 차이가 없는 것 같습니다.  프랑스의 자료로 불어로 되어있습니다만 사진과 같이 공연 실황에 마이크를 연결하여 위 그림과 같이 여러 부스에서 음악을 들을 수 있게 되었고. 이것역시 어찌보면 바이노럴 음악의 시작이라고도 볼 수 있는 흥미로운 사례일 것 같습니다.(게다가 스테레오로^^)이후 입체음향이 활발하게 연구가 시작된 70년대에 바이노럴 레코딩은 잠시 각광을 받는듯 하다가 결정적인 단점으로 실현되지 않았는데. 이렇게 바이노럴 레코딩한 음악들은 이어폰이나 헤드폰에서는 정말 생생한. 게다가 머리의 좌우까지의 입체음향으로 느낄 수 있었지만스테레오 스피커로 재생시에는 그렇지 않다는 것이었습니다.스피커 재생시 L과 R에서 나오는 양쪽 스피커의 소리들이 사람의 귀에는 함께 들리게 됩니다. 이 이유때문에 좌우가 완벽하게 분리되어 재생이 되어야 하는 바이노럴 레코딩은 이어폰이나 헤드폰 재생에서만 가능한것으로 특화되고 스피커 재생시는 한결 좁아진 스테레오 이미지등으로 느끼게 됩니다.하지만 90년대 이후 이어폰 과 헤드폰을 통한 음악감상이 전세계적으로 일반화 되면서 음악을 바이노럴 레코딩하여 나오는 것들이 쏟아질 줄 알았는데 생각보다 전세계적으로 굉장히 적습니다아마도 여러가지 부분들이 있겠지만 녹음방법의 까다로움 혹은 바이노럴 레코딩이 시작된지는 오래되었지만 이로 인한 보편적인 레코딩 방법들에 관한 정보가 많지 않기 때문에 일반적인 음악 레코딩에 비해서 좋은 결과를 얻기가 어려운 부분이 있는 것도 어느정도는 작용을 하였을 것 입니다. 이렇게 다양하게 실험을 하는 것을 좋아하는 터라 저는 90년대 후반부터 다양하게 바이노럴 레코딩들을 진행해보았는데요. 특히나 노이만 KU 100 을 사용해서는 참 많은 악기들을 녹음해보았습니다.마이크 특성상 원포인트로 레코딩을 해야 바이노럴 특성을 얻을 수 있지만 이 더미헤드 마이크를 가지고 일종의 스테레오 레코딩 방법중에 하나로 다른 멀티마이크들과 함께 사용들도 해보았습니다. 성공회 성당에서 녹음한 카펠라무지카서울의 토마스아퀴나스 합창곡집에서도 지휘자 뒷편의 메인 마이크는 DPA 4006 무지향성 마이크 4대를 사용한 필립스방식(오노트리) 그리고 가까이 두는 스팟마이크로 DPA 4006 두개와 더불어 KU100 더미헤드를 함께 사용하여 좀더 입체감이 있는 소리로 만들었습니다.  게다가 이렇게 록 밴드음악 녹음에서도 사용더미헤드 마이크를 전체 밴드사운드로 하고. 드럼과 베이스 기타 보컬등에 각각의 마이크를 더하여 믹싱을 하기도 하였습니다.색소포니스트 강태환의 솔로음반 "소래화"도 알려져있지는 않지만 바이노럴로 레코딩 된 음반이기도 합니다.이렇게 여러 음반 녹음작업에 더미헤드 마이크를 사용해서 바이노럴 레코딩을 하다가 문득 깨달은 것이 있습니다.이 녹음방식이 국악기 녹음에 너무너무 좋은 것 입니다.실제로 국악의 경우는 서양악기와는 소리를 내는 구조가 달라서 좋은 소리로 레코딩을 하는 것에 레코딩 엔지니어들이 어렵게 만들고 있는데요.KU100 마이크를 이용해서 국악기 녹음을 해보니 일반 마이크들에서는 잘 들리지 않던 농현의 울림이 정확하게 녹음이 되는 것을 보고 얼마나 기뻤는지 모릅니다. 사진은 조정아 김죽파류 가야금 산조 레코딩시의 사진입니다.사진과 같이 더미헤드 마이크가 가야금 바로 위에 향하고 있고 장구는 뒷편에. 보조마이크로 KEM970 이라는 라인어레이 마이크도 있지만 이것은 사용이 되지 않았습니다.마이크 바로 옆에 마이크프리앰프와 AD 컨버터를 두어서 케이블 거리를 최대한 짧게하였습니다.음반제작도 그렇지만 세상에 모든일이 너무 큰 기대를 하면 나중에 그 기대에 미치지 못하는 경우가 많이 있는 것 같습니다.이 음반은 전혀 기대없이 정말 편한 마음에 국악을 좀더 좋은 소리로 음반으로 만들고 싶어서 제작하였는데.지금까지 오디오가이에서 제작한 음반 가운데 가장 좋은 평가와. 그리고 그만큼의 높은 음반 판매량을 기록한 음반이기도 합니다.http://blog.naver.com/audioguy1/90171855891 SNS에서 제 프로필로 사용이 되는 사진으로 좌측은 홀로폰에서 나온 7.1채널 마이크. 그리고 우측은 위 소개한 노이만 KU100 입니다.7.1 채널 서라운드 마이크를 이용한 녹음도 있고. KU100에 내장된 마이크 성능에 약간의 아쉬움이 있어서 최근에는 바이노럴 레코딩으로 OSS (Optimal Stereo Signal)디스크를 사용하기도 합니다. 스위스의 요르그 제클린이라는 레코딩 엔지니어가 개발하여 제클린 디스크로 불리는 이 방법역시 바이노럴 레코딩중에 하나로 볼 수 있습니다.   제클린 디스크의 실제 사진이렇게 보니 참 음악을 녹음하는 방법이 다양하지요? 어떻게 녹음하느냐에 따라서 음악의 느낌이 전혀 달라지기 때문에 세계의 수많은 사람들이 더욱 더 좋은 음질로 녹음하는 방법등을 연구하고 있습니다. 저는 위 제클린 디스크의 변형이라 할수 있는 슈나이더 디스크를 사용해서 녹음하는 것을 좀더 좋아하며. 이것이 좀더 바이노럴 효과를  느낄 수 있습니다. DPA 4006 무지향성 마이크에 연결한 슈나이더 디스크 - 음색의 경우는 KU100을 사용하는 것보다 이편이 훨씬 더 풍부하고 섬세한 소리를 들려줍니다. 이렇게 사진 우측처럼 합창녹음의 마이크로 데카트리와 함께 사용하기도 하고요.최근에 3D Audio 에 대한 이슈로 다시한번 바이노럴 레코딩이 관심을 받게 되어 반가운 일이며. 앞으로 이러한 방식으로 녹음된 음반들이 좀더 늘어나면 좋겠습니다.

이부영 "미셀르그랑을 노래하다" 음반 LP 가 제작이 완료되어 다음주에 유럽에서 한국으로 출발합니다!보통 테스트 프레싱보다 완성품 LP의 음질이 좀더 좋기 때문에 정말 기대가 됩니다.http://blog.naver.com/audioguy1/220966777145 지난 "디지털 녹음 시대의 LP" 에 관한 글에서도 이야기 한것처럼 많은 사람들의 생각과는 달리 LP의 사운드는 원본이 아날로그 녹음인지 디지탈 녹음인지만이 중요한 이슈는 아닙니다.음악을 녹음이라는 작업을 통해서 기록하는 매체가 "아날로그" "디지털"에 따라서 분명한 소리차이가 있습니다만 그전에 어떻게 어떠한 방법으로 녹음이 되는지가 더욱 더 중요합니다.잘 녹음된 음악의 MP3가 잘녹음되지 않은 음악의 고해상도 음원보다 음질이 훨씬 더 좋은 것 처럼 말이지요.매체에 기록되기 이전에 녹음자체의 원본이 좋다면 디지털 녹음된 음악들도 LP에서 좋은 소리를 들려줍니다. 그런데 최근에 디지털로 녹음된 LP의 사운드는 과거의 아날로그 녹음된 배음이 풍부하고 화려한 사운드에 비해서 왜 무엇인가 부족한 소리들을 들려주게 되는 것일까요? 대부분 출시되고 있는 LP들을 들어보면 오히려 CD나 음원이 훨씬 더 좋은 소리를 들려주고 LP에서는 무엇인가 어색한 소리가 많이 납니다.그래서 많은 사람들이 과거의 LP들을 찾게 되고. 디지털 녹음의 LP는 문제가 있다. LP가 아날로그이기 때문에 녹음도 무조건 아날로그 녹음이어야 한다 라는 잘못된 편견이 생기게 되었습니다.물론 아날로그 녹음의 장점에 대해서는 저도 인정하고 최근들어서 아날로그 녹음 프로젝트들을 적극적으로 진행하고 있을 만큼 아날로그 사운드도 굉장히 좋아합니다. LP의 시대가 저물고 CD와 음원으로 되는 과정중에 음반의 녹음 및 믹싱 마스터링에서 많은 변화가 있었습니다.특히 마스터링에서 수록할 수 있는 최대음압으로 올려서 하는 음압전쟁이 일반화 되게 됩니다.https://en.wikipedia.org/wiki/Loudness_war 지금도 많은 아티스트들이 마스터링에서 본인들의 음악들을 더욱 더 크게 수록해달라고 이야기들을 합니다.아날로그 시대보다 디지털로 되면서 편집이 굉장히 수월해졌고 콘솔에 함께 연결이 되었던 수많은 아웃보드 음향기기들이 컴퓨터 프로그램화 되어서 "플러그인" 이라는 이름으로 컴퓨터 내부에서 간단히 사용할 수 있게 됩니다. https://en.wikipedia.org/wiki/Plug-in_(computing)플러그인에는 다양한 프리셋들이 있어서 초보자들도 쉽게 믹싱이나 마스터링등을 할 수 있다는 장점이 있어서 음향의 세계가 과거의 소수의 전문가 영역에서 아티스트를 포함한 대중의 영역까지 넓어지는데 큰 역할을 하게 됩니다. 지금은 음반의 소리를 다듬는 믹싱 작업에서 플러그인을 사용하지 않는 엔지니어가 거의 없을 정도로 일반화 되었습니다. 그밖에도 마스터링 과정에서 브릭월 리미터등으로 음악이 다이나믹스를 줄이고 평균레벨을 올리는 작업 역시 습관화 됩니다. 위 파형은 퀸 음반의 오리지널 원본과 브릭월 리미터를 사용하여 리마스터링 한 파형의 비교. 어찌보면 많은 사람들이 음질이 더 좋다? 라고 느꼈던 리마스터링 본들은 음량을 키워서 좋게 들릴수도 있겠지만 과연 이것이 좋은 소리인지에 관해서는 의문이 듭니다. 아날로그에서 디지털로 변화가 되는 음반 녹음 프로덕션에서  아날로그 녹음시대의 LP 를 제작할때와디지털 녹음시대의 LP로 제작하는데 단순히 녹음 포맷 외에도 많은 변화가 있다는 것을 알 수 있습니다. 이러한 경험들 대부분 있으실것입니다.과거 LP의 전성기 시절에 녹음된 음원을 CD 초기에 발매된것들의 CD 음질이 어떠셨는지요?이것이 단지 CD가 LP보다 소리가 좋지 않다. 라고 초기에는 큰 오해를 받았습니다만 CD 라는 포맷이 인정받기 까지는 LP 시절의 녹음방식이 아닌 CD에 맞는 녹음방식들을 프로듀서와 엔지니어 그리고 레코딩 기기 제조회사들에도 노력해왔습니다.그렇다면 최근의 디지털 녹음의 LP의 소리가 엉망인 이유는 과연 무엇일까요? CD나 고해상도 음원으로 들으면 더없이 훌륭하게 녹음된 음원인데도 말이지요. 그것은 녹음과정중에 하나에 있습니다. 컴퓨터를 통해서 여러가지로 소리를 가공하고 만드는 것이 아닌 단지 순수한 소리를 디지털로 녹음해서 LP로 만들면 과거 아날로그 시절때 제작된 LP처럼 소리가 좋습니다. 최근 몇년간 LP 용 리마스터링과 LP 타이틀을 제작하면서 저도 이부분을 참 많이 고민을 하여서 컷팅의 경우 DMM 을 사용하게 되었지만이번 이부영 과 조정아 음반의 LP를 만들어보면서 알게되었습니다. 여러 복잡한 프로세싱등을 하지 않은 음반들은 원본이 아날로그이던 디지털이던 LP를 만들었을때 충분히 좋은 소리가 납니다. 지금의 LP를 만드는 과정에서는 우리가 음반제작 과정중에 좋은 소리의 LP를 만드는데 적절하지 않은 하나 하나를 다시 되돌아보아야 할 필요가 있습니다.앞으로 오디오가이에서 발매되는 LP는 이제 DMM 컷팅이 아닌 락카컷팅으로 돌아갔습니다. 과거에 비해서 컷팅을 잘하는 엔지니어 수가 굉장히 적기 때문에 정말 전세계에 수소문 해서 찾게되었네요.7-8월에 오디오가이 레이블로 녹음되는 클래식 음악 타이틀이 6장이나 있는데. 어서 클래식 음반들 LP로 만나고 싶습니다.http://blog.naver.com/kimih13/220980800966