Episode 1 몇해전 서울역에서 광화문의 사무실로 가려고 버스정류장을 가는 길 신호를 기다리는데 높은 고층빌딩 과 고급주상복합 아파트 사이로 오래된 건물이 한채 눈에 들어왔습니다.화려한 건물들 사이에 있는 오래되고 낡은 건물모습의 비현실적임에 이끌려 출근하는 것을 잠시 미루고 가보았습니다. 서울역에 내려서 큰 대로의 풍경을 보면 무척이나 화려하지만 바로 한블럭 뒤에는 전혀 다른 세상이 펼쳐지고 있었습니다. 마침 건물 관리인을 만나서 건물 안쪽 그리고 옥상에 올라가보았습니다.4층짜리 자그마한 건물 옥상에서 바라보는 서울역 앞 풍경은 무척 멋지더군요.그 건물 4층에는 수십개의 작은 방들이 있었고 사람들이 살고 있었습니다.우리가 흔히 "쪽방"이라 부르는 그곳 말이지요.서울역 바로 앞에 쪽방이 아직도 있다는 것도 그렇지만 더욱 더 놀라운것은 그 주변 풍경들이었습니다.분리수거 되지 않은 검정색 비닐에 담긴 많은 쓰레기들이 대로에 그대로 방채되어있고많은 수의 노숙자들, 옆에 큰 공터에서는 봉사자들이 노숙자와 독거노인분들의 식사를 대접하고 있었습니다.건물 주변과 뒤로 한참을 걸으며 남산쪽으로 천천히 올라가보았습니다. 올라가는 길 한 어린이집이 보였습니다. 이곳역시 용기내어 들어가서 선생님께 잠시 눈인사 드린 후 벽에 걸린 아이들의 사진들을 보았습니다.어린이집의 3분의2가 다문화가정의 아이들이었습니다..길바닥에서 시작이 되는 노숙자들의 쉼터에서부터누워서 따듯하게 잠을 청할 수 있는 곳이라도 있는 쪽방 조금 더 올라가니 무수히 많은 쪽방들과 그보다 조금 더 상황이 좋은집들. 인터넷과 언론에서만 글과 사진으로 보던 그 차이를 실제의 눈으로 확인했을때의 충격은 지금도 잊혀지지 않습니다.동네를 한참보고 광화문으로 돌아가는 길 버스안에서 내내 생각해보았습니다.지금까지는 나와 내 곁에 가족과 지인들 생각만 하면서 살아왔지만세상은 꼭 그러한 것만이 아니고 우리가 함께 살아가는 이곳에는 많은 사람들이 있다는 것을 말이지요처음으로 "사회적"이라는 나의 존재를 직접적으로 체감하며, 내가 할 수 있는 것이 무엇이 있을까?  하고 말이지요.사람은 누구나 본질적으로 음악을 좋아합니다. 꼭 클래식과 재즈, 그리고 국악까지 이것은 특별한 존재들만한 위한 예술일까요? 쪽방촌 옆에 보니 오래된 주택들. 조금만 더 가니 고층고급아파트 단지 앞으로 여러 100여년 가까이 된 주택들이 있었습니다.이곳의 공간을 얻어서 이곳에 음악이 함께하는 문화공간을 만들어서 "동네"사람들에게 전하고 싶다..라는 마음이 들었습니다.당장먹고자는 것이 불편한 사람에게 무슨 예술이 필요할까? 라고 혹시 생각하시는지요? 그것은 어쩌면 우리눈에만 불편해 보이는 것 일수도 있습니다.나의 존재를 알아가는 있어서 음악은  어머니의 뱃속에서부터 우리가 언어를 익히기 전부터 친숙한 것이니까요.도시재생이라는 단어와 함께 사라진 마을중에 하나가 "돈의문 박물관 마을" 이라고 있습니다.구석의 구불구불하고 작은 골목길 안에는 오래된 여관부터 골목 끝에는 근사한 비밀스런 분위기의 이탈리안 레스토랑 그리고 중간에 돈까스 백반집, 한식당들과 함께 집이 있는 그곳은 사람이 살고 있는 "마을"이었지만 지금은 마을이라는 간판이 붙은 영화나 드라마 세트장으로 변해버렸습니다. "마을"에는 일상적으로 음악이 함께 있는 공간이 있으면 분명 좋습니다.  누군가에게는 그것이 그저 스쳐지나가는 것이 될수도 있지만 누군가의 삶에는 당장의 먹고자는 걱정을 잠시 덜수도. 그리고 내 삶에 중요한 것이 무엇인지 음악을 통해서 잃어버린 것을 발견할 수도 있을테니까요.Episode 2오디오가이라는 이름으로 사업자등록증을 내고 레코딩 및 음반제작회사를 운영한지 내년이면 20년이 됩니다.음악 산업은 과거와 지금이 크게 바뀌었습니다.과거에는 아티스트가 음악자체를 녹음하는 것 자체가 무척이나 많은 시간과 비용이 드는 "큰일"이었습니다.하지만 지금은 누구나 쉽고 간편하게 녹음을 하고 본인의 창작물을 만들 수 있습니다.아티스트들과 함께 녹음작업을 하면서 많은 이야기를 나누다 보면 공통적으로 어려워하는 부분이 있습니다.바로 녹음된 내 음악을 세상에 어떻게 내보내고 그것을 효과적으로 알릴 것 인가? 이지요 창작자들은 자신만의 음악세계에 집중하면서도 지금은 음악의 유통부터 홍보 마케팅까지 부지런히 해야 합니다.음악을 소비하는 매체와 플랫폼이 바뀌었으니 시대의 상황에 맞추어서 창작자라면 그래야 한다고요? 하지만 독창적인 자신만의 예술세계를 가꾸고 쌓아가기 위해서는 시간이 필요합니다. 그것을 만드는 데까지의 생각하고 고민하고 하는 긴 시간들 말이지요하지만 지금은 어떤가요? 나와 내 창작물을 알리는데 아티스트들이 더욱 더 많은 시간을 소비하고 있습니다. 좋은 작품을 만들면 그것을 누군가는 알아줄 것 이라는 막연한 기대감만 가지고 창작에만 집중하라고 할수는 없을 것 입니다.레코딩 스튜디오와 음반 레이블을 운영하면서 이러한 부분을 함께 하게 되었습니다. 특히 한국에서 아티스트들과 열심히 만든 음악들을 해외에 알리고 소개하고 싶어서 그동안 부지런히 알아보았습니다. 기관의 후원이나 도움없이 개인 자비로 해외 유명 페스티발의 음악감독 20명을 초대하여 한국 아티스트들의 음악들을 듣고 보고 만날 수 있는 자리를 만들기도 했었고 현재 국내 회사 가운데에서는 가장 많은수의 해외의 음원 유통 사이트들과 계약이 체결되어있기도 합니다.음반시장의 큰 축인 교보문고,알라딘, YES24 그리고 네이버와도 유통사를 통하지 않고 직거래를 합니다.이와 함께 국내 유일의 DSD 음원 다운로드 사이트 UHDMUSIC 이 다음달 오픈을 준비하고 있습니다.아티스트들을 자신의 창작물을 사람들에게 전달되기를 원합니다. 그것이 바로 삶의 이유이며 커다란 가치 가운데 하나이기 때문이지요.하지만 대중들에게 전달이 되는 것은 유명대회에서 입상을 하거나 SNS 관리를 체계적으로 잘하는 인플루언서가 아닌이상 그 창작물들은 아쉽게도 잘 전달이 되지 않습니다. 앞으로는 이러한 부분들을 오디오가이에서 함께 하여 아티스트들에게 도움이 되고 싶습니다.아래와 같습니다.*효과적인 음반 및 음원 유통-단순히 유통되는 것에 그치지 않고 아티스트들의 음반들이나 음원이 해당 유통플랫폼에 배너나 기사, 이벤트로 소개가 될 수 있도록 합니다.*빅데이타를 활용한 예술마케팅- 내가 만든 창작물을 누가 어디에서 얼만큼 듣는지. 나의 창작을 사랑하는 수퍼팬은 어디에 존재하는지 창작자와 소비자가 만나고 소통할 수 있는 튼튼한 고리를 함께 만듭니다.*전문 영상 및 고음질 음원 제작- AUDIOGUY CAST 영상 및 미디어아트 작가들과 협업하여 음악가들의 보다 높은 수준의 영상을 기획하고 제작하며, 오디오가이 스튜디오의 고음질 녹음과 함께 더욱 더 몰입감이 있는 영상컨텐츠를 만듭니다.*예술행정지원-음원을 발매하려고 하는데 저작권은 어떻게 등록하고 허락을 해야하는 것인지. 내가 만들고 연주한 창작물에 대해서 기본적인 관련 정보들이 제대로 전달되지 않아서 이에 관한 권리를 받지 못하고 있는 경우가 아직도 많습니다.또한 국가에서 진행하는 여러 관련 지원사업들에 지원하고 싶어도 서류를 어떻게 작성해야 하는지 선정 후 향후 관련 보고서는 작성은 어떻게 해야하는지 이에 관한 벽은 너무도 높고 단단하게만 느껴집니다.정작 지원을 받아서 진행하는 공연이나 음반의 내실보다는 여러가지 행정적인 부분들에 대한 신경을 더 많이 써서 결과적으로 작품에 대한 준비와 집중이 떨어지게 됩니다.전문 문화예술행정사와 함께 여러 번거롭고 복잡한 행정내용을 지원합니다.감사합니다.음반 녹음 제작 유통 문의audioguy1@naver.com"Episode 3 는 2년후에 시작됩니다."

오늘 비엔나에서 온 작곡가/피아니스트 유건우님의 녹음이 있었습니다. 녹음하면서 함께 하는 김용섭 엔지니어가 그러더군요.오디오가이 스튜디오에서 레코딩 엔지니어로 근무하면서 많은 피아니스트들을 만나보니  자신만의 소리를 지니고 있는 피아니스트들이 있다고 말이지요.  마이크는 MG 사의 KEM970 라인어레이와 MG 사의 M960 무지향성. RODE NT55 페어등 6개의 마이크를 조합해서 솔로 피아노를 녹음하였습니다. 그리고 어제는 시카고에서 오신 권요안 선생님과의 쇼팽 녹음의 마지막날이 있었습니다.어제 녹음 마무리 하시고 오늘 바로 출국^^ 올해 봄 그리고 가을에 걸쳐서 기존의 쇼팽의 피아노 음악에서 흔히 상상되는 소리와는 다른 소리24bit 352.8khz 의 초고해상도로 녹음이 되었는데 재미있는 것은 이렇게 높은 해상도의 디지탈 녹음일 수록 녹음하는 공간의 정보는 가상이 아닌 실제와 같이 수록된다는 것에 있는 것 같습니다.마이크는 DPA 4011 페어와 DPA 4041 무지향성의 조합 그제 일요일에는 스튜디오에 홀로 나와서 녹음을 했습니다. 이러한 콩쿨이나 오디션 제출용도의 성악 녹음역시 오디오가이에서 많이 하는 작업중에 하나로 같은 피아노 녹음이라도 솔로에 따라서도 연주하는 사람에 따라서 곡에 따라서도 모두 녹음하는 방법을 다르게 합니다.사람이 목소리로 이야기를 하는 것처럼피아니스트들은 자신만의 소리로 음악을 이야기를 하는 것 같습니다.

지난 금요일에는 예술의전당 IBK 홀에서 그리고 토요일에는 인천 청라의 엘림아트센터에서의 공연실황녹음이 있었습니다.엘림아트센터는 주변에 많은 아티스트분들께 음향이 좋다고 해서 무척 궁금하였는데 이번에 녹음을 해서 무척 좋았습니다.엘림아트센터의 음향은 상상했던 것 보다도 훨씬 더 좋았습니다.대부분의 국내의 중간규모의 클래식 공연장의 경우는 지나친 난반사를 피하기 위해서 소리가 굉장히 데드한 편이 많습니다.이러한 홀에서 음악을 들으면 매력이 떨어지게 되지요.반면에 엘림아트센터는 이상적인 체적. 울림이 적당히 풍부하면서도 깨끗하게 들려서 너무너무 좋았습니다.이렇게 좋은 소리의 홀에서는 녹음을 해도 역시 좋은 소리로 녹음이 됩니다.^^ 피아노에 성악(곡마다 솔로와 듀오) 그리고 현악사중주가 함께 하는 공연엘림아트센터는 독특하게도 뉴욕 스타인웨이가 있더군요.그동안 국내 공연장에서 본 뉴욕 스탄인웨이는 대부분 아주아주 오래전에 만들어진것이 많았는데 이곳의 뉴욕 스타인웨이는 최근에 제작된것입니다. 스타인웨이 특성상 소리를 어떻게 규정짓는 것보다 사용이 되는 환경 그리고 그것을 환경에 따라서 이상적으로 조정하고 보이싱하는 것에 따라서 소리가 천차만별이지만 함부르크 스타인웨이와는 확실히 다른 뉴욕 만의 매력을 지니고 있었습니다. - 저는 피아노의 소리가 무척 마음에 들었고 다음에 이곳에서 피아노와 바이올린 듀오 녹음작업을 대관해서 진행해보아야 겠다. 하고 생각도 들었습니다.피아노에 사용된 마이크는 RODE NT55 를 무지향성으로 세팅 이렇게 넓은 공간에서는 근접마이크에 무지향성을 사용하면 함께 하는 노래나 스트링 소리들이 피아노 마이크에 자연스럽게 녹아들어가기 때문에 결과적으로 더 깊은 공간감이 있는 음향이 만들어집니다. 현악 파트에는 모두 각각 마이크를 설치하였고바이올린 1ST 에는 MESANOVIC 의 리본 마이크를 사용하였습니다. 리본 마이크 특유의 부드러운 소리가 현악기의 음색을 벨벳처럼 부드럽고 고급스럽게 만들어줍니다.또한 양지향성의 리본마이크 특성상 마이크의 측면에서의 간섭음이 적습니다.(많은 사람들이 이부분을 잘 모르고 있는 것 같습니다. 그만큼 리본마이크를 이렇게 오픈된 공간에서 여러대를 사용하는 경우가 국내 레코딩 엔지니어들은 많지 않으니까요)그리고 마이크 후면의 양지향성이 공연장의 자연스러운 공간음을 함께 녹음할 수 있도록 만들어줍니다. 2ND 바이올린과 비올라에도 같은 회사의 스테레오 리본마이크를 사용하여서 1ST 바이올린과 첼로에 비해 약간의 거리감을 주었습니다.첼로는 DPA 4018 초지향성을 사용해서 아주 근접해서 설치를 해서.  현악 4중주 만으로도 풍부한 소리가 될 수 있도록 녹음하였습니다. 성악은 사진에서처럼 AKG C33E 스테레오 마이크를 사용합니다.왜 노래 녹음에 스테레오 마이크를 사용할까요? 노래에 1개의 마이크만 모노로 사용을 하면 그 마이크에 들어오는 피아노 소리나 다른 현악기들의 소리도 모노로 들어오면서 노래소리와의 위치가 겹치게 됩니다.하지만 이렇게 스테레오 마이크로 녹음을 하면 보컬은 자연스럽게 앞에 있고보컬 마이크로 함께 간섭음으로 들어오는 피아노와 현악 4중주의 소리가 자연스러운 공기감을 띄며 보컬 위치하게 녹음이됩니다.녹음시 마이크로 솔로로 체크할때는 사실 마이크의 음색보다는 보컬 마이크로 들어오는 다른 악기들과 보컬의 거리감이 너무 가깝게 있지 않도록 하는 부분을 특히 유념하며 녹음을 진행합니다.좋은 공간, 그리고 어렵지 않게 누구나 들으면 좋아할 수 있는 분위기의 음악과 연주가 모두 좋았습니다. 

광주에서 진행되는 정율성 국제음악제와 함께 하는 행사로 광주성악콩쿨의 실황녹음을 다녀왔습니다.2006년에 정율성 국제음악제가 시작이 되었는데 제 기억으로는 2007년 혹은 2008년 부터 이 프로젝트의 공연실황녹음을 하고 있습니다.벌써 10년이 넘었는데. 녹음은 오디오가이가 그리고 영상은 광주에 있는 위즈씨엔아이라는 회사가 하는데 어제 공연장에서 그 회사 대표분을 만나서 서로 처음 만났을때보다 한결 중년의 느낌이 든다고 웃으며 이야기를 하기도 했습니다.^^광주는 공연장의 음향도 괜찮고무엇보다도 실력이 뛰어난 피아노 조율사분들이 계셔서. 90년대 초반에 만들어진 오래된 스타인웨이 이지만 소리는 녹음에 전혀 문제가 없을 정도로 좋고 관리도 잘 되어있습니다. 이러한 공연 실황녹음에서는 연주자가 몸을 움직이면서 노래를 하는 경우가 많기 때문에 성악에 이렇게 스테레오 마이크를 사용합니다.아티스트의 움직임에 따라서 자연스럽게 소리를 녹음할 수 있고무엇보다도 피아노 바로 앞에서 녹음을 하는데 성악 마이크로 함께 녹음되는 피아노소리가 스테레오로 들어오기 때문에성악에 1개의 마이크를 사용하는 것보다 피아노 마이크와 성악 마이크를 섞었을떄 훨씬더 자연스러운 거리감이 있는 피아노 소리를 얻을 수 있습니다. 피아노 녹음에는 최근 자주 사용하고 있는 RODE NT55 마이크를 무지향성클래식 음악 녹음에는 마이크를 너무 가까이 설치하지 않고 소리가 자연스러운 거리감이 생기도록 녹음하는 것이 일반적인데 이렇게 가깝게 설치하는 경우는 단일지향성보다 무지향성쪽이 더 좋은 결과를 들려줍니다.이러한 콩쿨등을 녹음하면 지금 막 활동을 시작하는 혹은 막 공부를 마친 학생들의 새로운 음악과 그들의 목소리를 들어봅니다.보통은 스튜디오에서 녹음을 하는 아티스트들은 보통 완성된 자기만의 세계를 지니고 있는 분들이 많은 것에 비해서 가끔은 이렇게 젊은 목소리와 그들의 음악을 들어보는 것도 녹음의 즐거움 입니다.

음악을 들을때 마다 많은 사람들이 "공간감"에 관해 이야기를 합니다.그럼 공간감은 무엇일까요?https://blog.naver.com/audioguy1/221313004249지난번 1편을 보니 상당히 어렵게 쓴 것 같네요^^ 공간감은 인간이 느끼는 공간의 지각능력을 의미합니다. 위 글에서처럼 내가 어떠한 공간에 있을때 소리를 들으면서 그 소리의 위치를 파악하고 그 소리가 얼만큼 멀리 떨어져 있거나 가깝게 있는지를 파악하는 능력이지요. 아주 오래전 언어가 있기 전에는 소리가 언어의 역할을 하였습니다. 많은 동물들과 마찬가지로 인간도 위험을 감지하고 느끼는데 큰 역할을 청각이 하였고.  나를 해칠수 있는 맹수가 얼만큼 떨어져 있는지 사냥에서 나를 함께 도와줄 내 친구들이 얼마나 가까이 있는지등을 공간감으로 파악을 하게 됩니다.(거리감은 공간감안에 포함이 되는 요소입니다.) 그럼 오디오에서 느껴지는 이러한 공간감은 과연 무엇일까요? 흔히 음반을 들을때 리버브가 많으면 공간감이 많다고 생각을 하게 됩니다물론 직접음에 비해서 간접음인 리버브의 양이 많으면 공간이 커진곳을 시뮬레이션한것이라 그렇게 느낄 수 있습니다만.일반적으로 공간감이란 평면상태에서의 입체감을 의미합니다. 오디오에서의 공간감이란 위와 같이 정확한 스윗스팟에서 들을때 느낄 수 있는 좌우의 스테레오 이미지의 크기 앞과 뒤의 깊이감 과여기에 상과 하의 정위감을 함께 이야기를 합니다.이글의 첫번째 사진처럼 말이지요.  오디오의 재생에서 공간감이 좋다는 것은 좌우의 스테레오 이미지가 넓고 앞과 뒤의 깊이감이 깊으며 소리의 상과 하가 길게 표현되는 것입니다.좌우의 스테레오이미지는 누구나 느낄 수 있지만 나머지 두가지를 느끼는 것은 어렵기도 하고 쉽기도 합니다.좋은 오디오시스템이라는 것은 이러한 공간감의 표현이 탁월합니다. 현대의 대부분의 녹음들은 보다 큰 음량을 위해서 이러한 미세한 공간감을 줄이고. 리버브의 양을 늘이고 좌우의 스테레오 이미지만 넓게 만드는 경향이 강하고 또 많은 사람들이 이 소리를 좋은 소리라 생각합니다.이미 공간감이 잘 세팅된 오디오시스템을 가지고 계시다면음악을 들을때 그 음반의 공간감에 관해서 유심히 한번 들어보셔요특히 얼마나 깊은 깊이감이 표현이 되는지. 소리의 상하의 폭이 어느정도의 차이가 있는지 말이지요.

올해 여름은 스튜디오가 상당히 한가하고 여유롭습니다.  그래서 최근 이런저런 잡생각을 할 시간들이 주어지네요. 근처 자주가는 분식집에서 간단히 요기를 하고 스튜디오로 돌아오는 건널목에서 들어가서 "밸런스"에 관한 이야기를 하나 써야겠다.. 라고 하고 와서 확인해보니 작년 이맘때 남긴 짧은 글이 있네요^^ http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=1468&sfl=wr_subject&stx=%EB%B0%B8%EB%9F%B0%EC%8A%A4&sop=and 그럼 하이파이 오디오의 재생에 있어서 "밸런스" 라는 것은 무엇일까요?많은 사람들이 밸런스라는 단어를 많이 사용합니다. 과연 밸런스는 무엇을 의미하는 것일까요?사람들이 일반적으로 의미하는 밸런스의 가장 손쉬운 의미는 저역. 중역. 고역 간의 평준화를 이야기 합니다.특별히 저역이 적거나 혹은 많거나고역이 적거나 혹은 많거나 하지 않고 저역부터 중역을 거쳐서 고역까지 특별히 튀거나 부족한 소리 없이 잘 들려지는 것을 "밸런스"가 좋다! 라고 표현하는 것이 가장 많습니다. 그럼 밸런스가 좋은지 좋지 않은지는 어떻게 알수 있고 또 체크할 수 있는 것일까요? 아니면 요즘 유행하는 룸이퀄라이제이션 프로그램으로 주파수를 플랫하게만 만들면 밸런스가 완벽하게(?) 재생이 되는 것일까요?밸런스는 음악과 오디오에 가장 기초를 이루는 것이면서도 또한 가장 많은 사람들이 미처 혹은 잘 알지 못하는 부분이기도 합니다. 많은 사람들이 밸런스를 체크하는데 있어서는 과거의 오디오시스템과의 비교로 이루어집니다.지금 스피커가 M 사의 제품이고 과거 스피커가 B 사의 제품이라면  B 사의 제품을 사용할때. 자주 듣던 음반에서의 음색과지금 사용하는 M 사의 스피커에서 같은 음반을 재생했을때 음색이 어떻게 다르게 들리는지를 보고 밸런스를 알아가게 됩니다. 하지만 과거 사용하던 B 의 스피커 혹은 시스템에서도 밸런스가 제대로 맞지 않은 상태였다면 B 사 이전에 A 사나 J 사의 시스템에서도 그러하였다면..이 경우는 밸런스가 맞지 않은 시스템으로 계속 듣게 되기 때문에 밸런스에 대한 감각을 미처 알지 못하고 오디오생활을 하게 됩니다. 밸런스라는 소리의 개념은 귀로 들어본 경험에 따라서 누구는 전혀 그 감각을 모를 수 있고 또 어떤사람은 몇번만 오디오를 들어도 그 시스템의 밸런스가 어떠한지 짧은시간에 느낄수도 있습니다.밸런스라는 것은"음원에 저장되어있는 정보가 얼마나 그대로 나의 오디오를 통해서 가감이 없이 재생이 되는지" 를 이야기 합니다.어떻게 보면 음악과 오디오에 있어서 전부이기도 하지요. 음색이나 공간감등이 모두 밸런스에 포함이 되니까요.  "밸런스가 맞는다" "밸런스가 맞지 않는다" 라는 뜻은 과연 저역과 중역 고역이 적당히 플랫하게 잘 나오는 것 으로만 이야기를 할수는 없을 것 입니다.음악에 있어서 밸런스가 잘 맞는다는 것은 작곡자가 곡을 쓰고 아티스트가 연주하고 레코딩 엔지니어나 녹음한 소리의 전달 입니다.가끔씩 오디오를 판단하는데 있어서 "음악성"이라는 단어를 사용하는 경우가 있습니다. 바로 음악적인 소리 라는 것이 밸런스가 잘 맞는다고 볼 수 있습니다.이부분은 두가지로 나눌 수 있는데오디오의 재생음을 들으면서 그 순간에 음악에 깊숙히 빠지게 되는 느낌.그리고 또 하나는 음반에 수록된 음악(각 악기)의 밸런스를 얼마나 정확하게 재생하는가.  이 두가지가 함께 가는 것이 저는 오디오에 있어서 "음악성이 있다" 라고 표현하는 것이라 생각합니다.밸런스라는 것은 피아노와 성악을 예로 들으면 작곡가와 아티스트가 의도한것처럼 피아노의 왼손과 오른손 의 밸런스 그리고 노래한 사람의 감정선을 따라서 함께 움직이는 음악과 소리가 제대로 표현이 되는 것아주 밸런스 좋게 잘 녹음된 베토벤 현악사중주 음반을 듣는데  첼로의 음량이 너무 작게 들리거나첫번째 바이올린의 음색과 음량이 너무 튀게 들리거나 한다면 그 오디오시스템은 밸런스가 좋지 않은 것입니다.오케스트라에서도 악보에 표기되어있는 무수히 많은 악기들의 소리와 음량에 대한 세세한 느낌들이 오디오시스템을 통해서 제대로 전달이 된다면 그것은 오케스트라를 밸런스 좋게 전달이 되는 오디오 시스템이라 할 수 있겠지요.많이들 좋아하시는 바흐무반주 첼로를 들어보면 첼로의 각 현다마의 음량밸런스가 고르게 잘 들리는지도 내 오디오시스템에서 살펴봐야 합니다.참고로 실연을 가는 것은 그저 그 악기의 음색을 들으러 가는 것이 아니라 - 많은 사람들이 실연에서의 악기 음색과 오디오의 악기 음색만을 비교하고 이야기 합니다.실연에서 들리는 그 공간. 음악. 악기의 밸런스가 어떠한지를 듣고 그것을 오디오의 재생음과 비교를 해보는 것도 밸런스를 익히는데 있어서 무척 좋은 방법이라 생각합니다.오디오에서 첫번째는 디자인을 제외하고는 소리적인 측면에서는 단연 밸런스라 생각합니다.평소에 밸런스 좋은 시스템으로 오디오시스템을 꾸미고 거기에 자신만의 취향을 더하는 것이 진정한 오디오의 취미가 아닐까 싶습니다.

오늘 부터 4일에 걸쳐서 피아니스트 이유화 선생님과 함께 스페인 작곡가의 건반곡들을 녹음합니다.정말 오랫만에 오디오가이 레이블의 신규 레코딩 작업이기도 합니다.https://www.youtube.com/watch?v=ZWd7zvubDA4작년 아르보패르트의 곡들로 함께 멋진 음반을 만들었었고.이번 스페인 작곡가 건반모음곡집은 아르보패르트와는 또 전혀 다른 느낌입니다. 피아노 가까이에 DPA의 무지향성 마이크 4041 을 설치하고 피아노 사운드에 자연스러운 깊이감을 더해주기 위해서 앰비언스 마이크로 DPA 4011A를 사용하였습니다.음색이나 리버브등은 녹음후에 조정을 할 수 있지만 스테레오 스피커 사이에서 재현이 되는 깊이감은 녹음하는 그 순간에만 포착할 수 있습니다.오디오가이 레이블의 다른 녹음들처럼 DXD(24bit 352.8khz) 초고해상도로 녹음이 되어 피아노의 화려한 현의 튕기는 소리. 그리고 공간안에 초기반사음 들을 앰비언스 마이크로 함께 수록하였습니다.

 최근들어서 오디오가이 스튜디오에서 녹음하는 대부분의 아티스트들은 영상도 함께 촬영을 합니다.어떤 분은 녹음후에 영상을 덧붙이기도 하고. 또 이번과 같이 처음 녹음할때부터 영상과 동시에 녹음을 하기도 합니다.작곡가 신혁진의 "야간비행" 음반은 곡마다 영상과 음향의 최적의 위치를 함께 조율하며 녹음을 하였습니다.많은 아티스트들의 음악이 유튜브에 있는데 들어보면 굉장히 흥미롭습니다.특히 녹음된 음질이 정말 각양각색입니다.2L 처럼 환상적인 사운드로 영상과 볼 수 있는 곳도 있고. 악기의 배음이 하나도 없이 듣다보면 귀가 피로한 소리로 나오는 곳도 있고 다양합니다.스튜디오에서 작업한 음반들을 다시 듣는 경우도 이렇게 듣기 편한 유튜브상에서 듣는 경우도 많아 지는 것 같습니다.오디오가이 스튜디오의 작업 방식상. 녹음후에 밸런스 조정외에는 크게 믹싱이나 마스터링 과정에서 소리를 바꾸지 않는 편입니다.다시금 녹음된 음악들을 이렇게 들어보니. 녹음된 소리라는 것이 마이크 1개에서 하나의 악기 소리만 너무 가깝게 녹음되다보면마치 사람의 목소리를 바로 얼굴 앞에서 마주보고 듣는 것처럼 불편한 소리로 느껴지기도 합니다.악기앞에 두는 마이크 역시 악기의 소리가 시작되는 곳 바로 앞에만 두는 것이 아닌 연주되는 공간의 소리와 그리고 악기의 음역의 밸런스가 고르게 녹음되는 위치에 마이크를 두는 것이 제게는 더 자연스럽고 음악적인 소리로 들려지게 됩니다.https://www.youtube.com/watch?v=1JlgMcK1ykE 

정제되고 아름다운 소리로 연주를 하는 베스퍼스 합창단그렇기 때문에 녹음후에 결과물이 무척 좋습니다.^^ 지난 오르간 반주의 곡은 영등포중앙교회에서 녹음https://blog.naver.com/audioguy1/221549549048다른 무반주 곡들은 오디오가이 스튜디오에서 녹음을 하고 있습니다.특히 익숙한 캐롤곡을 이렇게 무반주 합창으로 듣는것이 벌써부터 크리스마스의 설레임의 향기가 느껴집니다.  사진과 같이 합창단이 옆으로 길게 타원형으로 서고  메인 마이크로는 DPA 3511ES 를 ORTF 세팅 그리고 사이드에는 DPA 4011 을 사용하였습니다.변함없이 앰비언스에는 MBHO 648PZM 마이크를 사용특히 이번녹음에는 오랫만에 리본마이크를 사용해보았는데요. MESANOVIC 이라는 회사에서 제작된 마이크인데 DPA와 소리만 비교해서 잠시 들어보고 내리려 했는데. 상상했던 것보다도 훨씬 저 소리가 좋아서 녹음에 사용하고 있습니다.특히 양지향성의 블룸레인 방식으로 녹음을 하니 소리의 깊이감(입체감)이 ORTF에 비해서 훨씬 더 깊게 들립니다.앞으로는 합창 녹음의 메인 마이크가 DPA 에서 MEGASONIC 의 리본마이크로 바뀌게 될런지도 모를만큼 마음에 드는 소리로 녹음이 되고 있습니다. RENSHEIJNIS 의 배터리구동 마이크프리앰프는 오디오가이의 합창녹음에 있어서는 스튜디오 녹음이나 로케이션 녹음에서나 절대 빠질 수 없는데 이처럼 사람의 사람의 목소리와 녹음하는 공간의 미세한 정보들을 그대로 증폭해서 AD 컨버터로 전달해주는 마이크프리앰프는 아직 만나보지 못했기 때문입니다.렌스의 마이크프리앰프의 출력은 RME 믹스타시로 들어가서 MADI 로 변환을 해서 컨트롤룸으로 전달해서 녹음하고 있습니다. 

보통 여름이 되면 그해 크리스마스에 발매될 캐롤 음반 작업들을 하게 됩니다. 올해는 조금 빠른 5월말 캐롤 음반 녹음을 진행하였습니다.작년부터 오디오가이와 함께 작업을 하게 된 베스퍼스 합창단 - 작년과 녹음장소도 동일합니다.영등포 중앙교회는 오랜 예배당의 느낌도 너무 좋고. 오르간의 소리도 캐롤 음악과 너무너무 잘 어울립니다. 잔향이 길지 않지만 소리가 생생하게 살아있는 깨끗한 울림이라 녹음을 하면 음색이 아주 섬세하게 녹음이 됩니다.사실 많은 사람들이 생각하는 것과는 다르게 소리에 정말 중요한것은 잔향시간의 길이가 아니라직접음과 초기반사의 비율과 시간. 그리고 거기에 맞는 잔향의 음색이니까요. 이러한 면에서 영등포 중앙교회는 초기반사가 아주 선명하지만 직접음을 해치지 않고 소리에 선명도를 더해주며잔향의 음색역시 짧지만 밝습니다. 마이크는 DPA 3511ES 를 ORTF 세팅으로 가운데 양 사이드에는 DPA 4015(반무지향성 마이크)를 사용 해서 좌우의 풍부함을 더했으며사진에는 없지만 교회 가장 뒷편 바닥에 PZM 마이크 2개를 사용하여 소리에 자연스러운 깊이감을 만들었습니다.  마이크프리앰프는 배터리 방식의 네델란드 Rens Heijinis 가 만든 마이크프리앰프. 이렇게 로케이션 녹음시에 현장의 전원상태에 따라서 노이즈가 유입이 되거나 소리가 혼탁해지는 문제가 많이 발생하는 데 그러한 문제가 없습니다.그리고 무엇보다도 시중에 시판되고 있는 마이크프리앰프들이 미처 AD 컨버터나 레코더로 전송하지 못하고 사라져 버리는 공간의 배음까지 명확하게 레코더로 전달해줍니다. 마이크프리앰프는 늘 마이크와 최단거리에 위치를 하고역시 AD 컨버터 역시 마이크프리와 최단거리에 위치를 합니다. RME MICSTACY는 아주 좋은 소리의 마이크프리앰프 겸 AD 컨버터로 유럽의 BIS 나 에밀베르리너 스튜디오등 많은 곳에서 메인 기기로 사용하고 있는 제품입니다.이번에는 마이크프리앰프는 사용하지 않고 AD 컨버터로서만 사용하였습니다.이 기기에서 MADI 로 길게 출력을 해서 컨트롤룸에서 RME UFX+ 인터페이스를 통해서 녹음을 하였습니다.무척 만족스러운. 아름다운 소리로 녹음이 되었습니다.^^이렇게 좋은 결과가 나오게 되면 참 이일을 하는 것이 더욱 더 즐겁게 느껴집니다.

 지금의 오디오가이 스튜디오를 만든이후는 어지간한 합창 녹음은 스튜디오에서 하고 있습니다. 아주 넓은 공간의 홀등에서의 녹음작업역시 좋지만대관과 이동등을 생각하면 스튜디오에서 이러한 대편성의 녹음을 할 수 있다는 것이 참으로 좋습니다.특히 스튜디오에 모두 소음닥트로 냉난방이 되어있어서 여름에도 겨울에도 쾌적하게 녹음작업을 할 수 있습니다.여러해동안 함께 음반 녹음작업을 하고 있는 콜레기움 보칼레서울 (지휘 : 김선아) 가 하는 한국 합창곡들세상에는 내가 아직 모르는 아름다운 음악들이 이렇게나 많이 있구나.. 하는 생각이 들었습니다. 합창 메인마이크는 DPA 4011 을 NOS 세팅을 하고 아웃트리거에 DPA 4015(반무지향성) 을 사용피아노에는 DPA에서 피아노 전용으로 내부에 자석으로 고정할 수 있는 DPA 3511ES 마이크(정말 피아노 녹음에 좋습니다.)그리고 바닥에 PZM 마이크로 앰비언스를 살짝 더하였습니다.콜레기움보칼레 서울이 노래한 한국 합창곡음반은 7월에 발매될 예정입니다~audioguyrecords.com

지난주말부터 3일간 동인천에 머물면서 파이프오르간 음반을 녹음하였습니다.콜레기움보칼레서울과 고전성가 음반녹음을 했던 인천제일교회로 내부 울림도 깨끗하고 무엇보다도 오르간의 상태가 굉장히 좋습니다.특별히 이번 녹음을 위해서 오르간 제작자분이 한국에 오셔서 조율 등을 한번 더 확인을 하기도 하였습니다.우리가 생각하는 오르간이라는 악기의 소리는 어떻게 보면 상당히 정형화 되어있기도 한데.  이번 음반은 곡마다 어울리는 오르간 음색을 긴시간 동안 아티스트가 그만의 음악에 맞추어서 섬세하게 선택하고 조정하여 사용하였습니다.녹음을 하기전에 이곳에서 공연을 미리 진행하면서 오르간에 대해서 적응하는 시간들을 가지기도 했었고. 저도 녹음전에 충분히 음악을 들어보면서 미리 녹음에 관한 구상들을 할 수 있었습니다.  녹음은 원포인트 앰비소닉으로 진행이 되어서 최종적으로 스테레오 뿐만 아니라 바이노럴. 7.1.4 채널 3D 사운드의 음반으로 발매가 됩니다.  최근에 오디오가이에서 녹음되는 많은 음반들은 이러한 3D 사운드로 제작이 되고 있습니다.   스튜디오가 아닌 이러한 로케이션 녹음에서 공간의 상황에 따라서 전기사정이 좋지 않은곳들도 많이 있고.마이크에서 출력된 아주 미세한 신호가 마이크프리앰프를 통해서 증폭이 되면서 배음이 사라지거나. 소리가 탁해지는 등의 현상이 가장 많이 일어나는데 이러한 음질적인 문제의 대부분이 전기에서 오는 경우가 많기 때문에 마이크프리앰프는 네델란드의 제작자에게 의뢰하여 배터리 방식으로 주문제작하여 사용하고 있습니다.  인천제일교회 인천에서 첫번째로 생긴 장로교회라 해서 인천제일교회라는 이름으로 되었다 합니다.수많은 근대역사의 현장인 인천은 주변에 오래되고 멋진 건축물들이 많아서 개인적으로 굉장히 좋아하는 동네이기도 합니다.   교회바로 옆 인천구락부 도 있지만 인천의 역사자료들을 모아둔 멋진 한옥까지.늘 갈때마다 즐겁고 좋은 동네.이곳에서 그간 꼭한번 만들어보고 싶었던 파이프오르간 솔로 음반을 드디어 제작하게 되어 기쁩니다.음반은 올해 가을 SACD로 발매 될 예정입니다.

어제 반포에 있는 남서울교회에서 공연실황 녹음이 있었습니다. 이렇게 녹음을 하면서 새로운 장소와 소리들을 만나는 것이 제게는 참 즐거운 일입니다.최근 대부분의 교회들은 갈수록 새것으로 크고 현대적으로 신축하는 부분들이 많은데 이렇게 오랜모습을 그대로 간직하고 있는 교회를 만나면 참 반갑습니다.그리고 대부분 새로 짓는 교회들보다는 이렇게 오랜교회들의 내부의 소리가 더 좋은경우가 많습니다.특히 바닥이 타일로 되어있어서 소리의 울림이 길지는 않았지만 아주 깨끗하고 구석구석 어떠한 자리에서도 소리가 잘들렸습니다. 높은 천장은 사진과 같은 모습이라 소리가 천장에서 잘 모여서 다시 반사되어 좌석들로 전달이 됩니다. 특히 이러한 초기반사음이 그 공간의 성격을 규정짓는 역할을 하기 때문에 무척이나 중요한 부분이기도 합니다. 녹음은 오디오가이 합창녹음의 기본세팅 DPA ORTF 를 기준으로 양쪽에 AB로 4011A를 한대씩 더하고오케스트라와 전체 합창 메인 마이크는 DPA 4015(반무지향성 마이크를 사용해서 뒤에 프로젝터들의 소음이 많이 들어가지 않도록 하였습니다.) 실제 소리의 80%는 3대의 L C R 4015 마이크로 완성이 됩니다. 그밖에 스트링스와 하프. 팀파니에 약간의 보조마이크를 설치해서 음의 윤곽을 선명하게 하는 용도로 약간 사용합니다. 마이크프리앰프와 마이크간의 케이블 거리가 가장 짧은편이 소리의 순도를 그대로 유지할 수 있기 때문에 마이크프리겸 AD 컨버터는 무대옆에 두고 광케이블(MADI)로 컨트롤룸으로 보냅니다. 주로 자모실이라 부르는 공간은 녹음때 최적의 컨트롤룸 장소로 사용이 됩니다.^^ 디지탈 케이블을 RME UFX+ 에 MADI 로 연결을 해서 노트북으로 녹음. 모니터링 헤드폰은 제나이저의 HD800 과 울트라손 PRO900 을 함께 사용합니다.녹음하면서 섬세하게 그자리에서 믹싱을 하고스튜디오에서 최종 확인후 마스터링 작업을 하면 하나의 음반이 완성됩니다.  교회에서 하는 공연의 관람을 위해 길게 줄이 서있습니다.교회에서의 클래식 녹음은 정말 즐겁습니다.

오디오가이 스튜디오에는 녹음하는 공간 (부스 또는 공간이 넓으면 홀이라 부릅니다.)그리고 2개의 콘트롤룸(녹음하는 것을 듣고 소리를 조정하고. 녹음후 믹싱이나 마스터링을 하는 공간) 이 있습니다. 1개의 콘트롤룸은 디지털 콘솔로 모두 MADI 로 세팅이 되어있습니다.또 하나의 콘트롤룸은 아날로그 콘솔로 믹싱과 마스터링을 하기 위한 세팅을 준비하고 있습니다. 물론 사진처럼 오래된 빈티지 콘솔이 사용이 되는 것은 아닙니다.^^ 요즘은 대부분의 음반작업이 컴퓨터 안에서 모두 끝나는 것이 대부분입니다.어찌보면 심플함이 가장 좋다. 라는 취지에서는 이부분이 소리의 변화가 적을수도 있을 것입니다만하지만 사람의 귀는 참으로 신기합니다.비단 최단경로에서 변환과정이 없는 것보다굳이 AD 가 된 소리를 다시 DA 과정을 거쳐서 아날로그 콘솔에서 믹싱을 해서 다시 AD 과정을 통해서 최종 음원을 만드는 것이 컴퓨터 내부에서 모든 작업을 다 끝내는 것에 비해서 소리가 더 좋은 경우도 있습니다.그래서 최근 하나하나 다시 아날로그 콘솔로 믹싱작업을 하기 위한 기기들을 세팅하고 있습니다.  가장 먼저 선정한 것은 녹음된 여러채널의 악기소리를 DA 로 변환하는 멀티채널 DA 컨버터.여러가지 제품들을 고민후 오디오가이에서 이미 상당히 많은 기기들을 사용하고 있는 독일 RME 사의 제품으로 선택하였습니다.특히 RME 의 경우는 과거 도이치그라모톤의 녹음을 담당하던 레코딩 엔지니어가 개발에 함께 참여를 하고 있습니다. 과거에는 미국의 아포지등 하이엔드 컨버터에 비해서 소리의 퀄리티가 조금 떨어진다는 세간의 평가가 많이있었지만 근래 10년동안 가장 성공한 디지털 컨버터 제조회사이기도 합니다.특히 수많은 유럽의 클래식 레코딩 회사들. BIS 와 DG 의 녹음작업을 하는 에밀베르리너 스튜디오. ECM 음반 작업을 많이 하는 트리토너스 등 많은 클래식 레코딩 회사들에서 애용하고 있는 기기이기도 합니다. 소리가 굉장히 선명하고 깨끗하며. 이밖에 특유의 착색감이 적습니다.RME 의 M32 DA 컨버터는 96Khz 로 32채널 DA 가 되는 모델입니다.오디오가이 스튜디오에 있는 아날로그 콘솔이 36채널 모델이라 딱 구성이 맞습니다.^^ 이번달부터 본격적인 아날로그 콘솔을 이용한 믹싱작업이 다시 시작이 됩니다.제가 처음 스튜디오에 입사한 90년대 중반만 해도 이러한 멀티트랙 레코더와 아날로그 콘솔의 조합은 전세계 모든 레코딩 스튜디오에서의 표준이었는데 2000년도 이후부터는 급속도로 컴퓨터 안에서 녹음과 편집 그리고 믹싱까지 완성하는 것으로 급변하게 됩니다.컴퓨터에 저장이 되어있으면 언제든지 녹음된 음원의 믹싱파일을 수정하고 다시 작업할 수 있지만 이렇게 아날로그 콘솔로 믹싱하는 경우는 다음에 작업을 수정할경우는 다시 처음부터 작업해야 하는 시간적인 번거로움도 있습니다.하지만 음악에 따라서는 컴퓨터 안에서 모든 믹싱과 마스터링까지 완성하는 것이 좋을때도 있지만또 어떠한 음반들의 경우는 아날로그 콘솔을 통해서 믹싱작업을 하는 것이 훨씬 더 소리가 좋을때도 있습니다. 오디오가이에서 제작한 음반가운데 좋은 평판을 얻고 있는 이부영의 미셀르그랑을 노래하다와 작은별 음반도 모두 컴퓨터 내부에서 작업이 된것이 아닌 아날로그 콘솔을 통해서 만들어진 음반입니다.이후 여러 음반작업들에 시간적인 부족함을 느끼다 보니. 다시 컴퓨터 안에서 최대한 빠르고 효율적으로 작업을 하는 편이었는데.이제 슬슬 소리 하나하나에. 아스라이 사라지는 여운 하나하나를 섬세하게 들으며 음반 한장 한장을 만들어보려 합니다.^^

현대 오디오파일 전문 레이블 가운데 세계적으로 가장 유명한 곳을 한곳 꼽는다면 노르웨이의 2L 레이블이 먼저 떠오를 것 입니다. 2001년에 모르텐 린드버그가 설립한 곳으로 본래 회사는 Lindberg Lyd 라는 클래식 음악 레코딩회사로 시작이 되었습니다.  LYD 는 노르웨이어로 오디오 혹은 소리를 의미하고 있습니다. 레코딩 아카데미에서 음향을 공부하던 시절의 린드버그의 같은 반 친구들은 대부분 대중음악 관련 부분에 진로를 생각하고 있었지만 린드버그는 여러 클래식 음악들을 들으면서 교회와 콘서트홀등에서 녹음 경험들을 쌓고 있었습니다. 학교를 졸업후 1년동안 벌써 45장에 달하는 음반작업들에 참여를 하기도 하였습니다.92년 설립된 Lindberg Lyd 는 주로 EMI / Virgin, Naxos, ASV, Hyperion, Linn 및 Philips 레이블의 음반작업들을 하였습니다. 실제로 2L 레이블이 전세계적으로 알려진 2005년 까지도 스튜디오에서 작업된 결과의 절반은 2L 레이블의 작업이 아니라 외부 레이블과 아티스트들이 의뢰하는 녹음작업들이었습니다. 물론 지금도 이러한 레코딩 서비스는 2L 회사 운영에 중요한 부분을 차지하고 있습니다. 2L 레이블의 경우는 다른 나라의 음반 회사들에서는 쉽게 발견할 수 없는 독특한 특성이 있는데 바로 회사의 캐치프레이드이기도한 2L – Nordic Sound 처럼 노르웨이 작곡가와 연주자들을 중심으로 하고 있는 것을 넘어서,  북유럽 정서의 음악들을 중심으로 한 음반들을 제작한다는 것입니다.  우리가 흔히 북유럽 하면 생각하는 쌀쌀한 날씨와 맑고 깨끗함이 떠오르는 것처럼 이것은 2L 레이블의 확고한 사운드캐릭터이기도 합니다.과거 음반 레이블의 전성기시절 이후 여러 M&A 를 통해서 지금은 각 레이블의 사운드라는 것은 사라졌지만 2L 에서는 다른 레이블들에서는 발견할 수 없는 확실한 소리의 차이점들을 알 수 있습니다. 그런데 여기서 한가지 재미있는 사실이 있습니다. 2L 레이블에서 제작되는 사운드와 가장 비슷한 사운드 캐릭터를 지니고 있는 곳은 바로 한국에도 굉장히 많은 팬을 지니고 있는 독일의 ECM 레이블 이라는 것입니다. 실제로 ECM 의 경우 음악에 따라서 참여하는 레코딩 엔지니어팀이 각 대륙별 모두 다르게 있지만 지금의 ECM 사운드 라는 것을 ECM 의 대표이자 프로듀서인 만프레드 아이허와 함께 만든 사람은 노르웨이 레인보우 스튜디오의 얀 에릭 콩사욱 이라는 엔지니어기도 합니다.  실제로 ECM 음반들의 유명한 재즈 음반들은 대부분 이곳에서 레코딩 되고 믹싱 마스터링이 이루어져있으며, 독일에 위치한 ECM 레이블이지만 자국의 아티스트들 보다는 주로 북유럽의 아티스트들의 음반이 훨씬 더 많이 출시되었다는 것을 보아도 쉽게 예상해볼 수 있는 부분들이기도 합니다.하지만 2L 는 ECM 보다도 훨씬 더 소리가 화려하고 섬세하며 깨끗한 소리를 들려주는데 ECM 의 경우는 녹음 이후 믹싱된 작업에서 자사 레이블 사운드에 최대한 맞추어 조정을 한다면 역시 2L 은 레코딩 당시부터 이러한 사운드를 만들어간다는 것에 있습니다, 대표인 모르텐 린드버그는 좋은 소리에 관해서 한결같이 이야기하는 몇가지 부분이 있습니다. 녹음장소2L 은 기본적으로 아주 넓은 공간에서 녹음하는 것을 선호합니다. 린드버그 라이드 (Lindberg Lyd)는 스칸디나비아 전역을 여행하여 적절한 대성당이나 예배당을 찾았고 행운이었던 부분은 노르웨이에는 음향이 좋은 성당들이 굉장히 많이 있다는 것이었습니다. MAGNIFICAT 음반이 녹음된 Nidaros Cathedral이 음반 외에도 2L 의 수많은 음반들이 Nidaros Cathedral 에서 녹음되고 있습니다.Miss Julie (Ullmann) Original Motion Picture Soundtrack 음반이 녹음된 Jar Church  GLORIA 음반이 녹음된 Uranienborg Church, Norway  ORGANISM 음반이 녹음된Ålesund Church, Norway이렇게 노르웨이에는 굉장히 아름다운 울림을 지니고 있는 다양하고 많은 성당들이 있어서 합창등은 큰 대성당에서 녹음을 하고 실내악등은 그보다 조금 작은 규모의 성당에서 녹음을 합니다.실제로 수 많은 이러한 성당에서의 녹음을 통해서 몇가지 중요한 녹음 방법에 대한 2L 만의 기준을 만들었습니다. 성당안에서 소리가 울려퍼질 때 벽근처에서의 반사음 보다는 직접음과 공간 전체의 반사음을 함께 수록을 하는 것입니다. 음악 특성에 따라서 최상의 소리를 들려줄 수 있는 장소를 먼저 선정하고 그곳에서 녹음을 진행하는 2L 의 사운드는 차가운 공기를 머금고 있는 노르웨이 성당의 사운드라고 해도 과언이 아닐 것 입니다. *녹음장비  2L 사운드가 전세계의 오디오파일은 물론 이고 레코딩 엔지니어들에게도 큰 인상을 주면서 함께 더욱 더 유명해진 마이크제조회사가 있다면 덴마크의 DPA 일것입니다.실제로 2L 은 사용하는 녹음 및 모니터링 장비의 대부분을 북유럽에서 제작된 기기들로 사용을 하고 있습니다. DPA는 Danish Pro Audio 의 약자로 소음진동의 측정장비로 세계적으로 유명한 B&K 에서 독립된 회사입니다.B&K (Brüel & Kjær) 는 1942년도에 덴마이크에서 설립된 회사로 각종 측정에 사용되는 기기들을 개발하고 있는 회사입니다.소음 및 진동 측정에 빠질 수 없는 핵심이 특히 마이크부분이기 때문에. B&K 에서 만들어진 마크는 정말 많은 사람들에게 사랑을 받았습니다.재미있는 사실은 70년도에 창립자의 아내가 합창단에서 활동을 하고 있었는데 본인회사의 마이크로 합창단 녹음을 진행한 것 입니다.무지향성의 측정마이크를 사용한 녹음결과가 굉장히 좋았고 - 이당시에는 무지향성 마이크보다는 단일지향성 마이크를 녹음에 더욱 더 많이 사용하였습니다.이후 덴마크 라디오 방송국의 콘서트 녹음을 B&K 무지향성 여러대로 진행을 하고 무척 좋은 소리를 얻게 됩니다.그리고 82년 아예 레코딩용 마이크를 출시하게 되지요그것이 바로 전설적인 모델이라 할 수 있는 B&K 4006 - 무지향성 마이크의 표본같은 제품입니다.좌측이 B&K 4006 우측이 DPA 4006 입니다.   기본적으로 측정용 마이크(무지향성) 를 만드는 곳이기 때문에 처음 출시한 제품 모두 무지향성이었습니다.4006을 필두로 근접설치해서 큰 음압용인 4007그리고 4006의 팬텀파워 48V 가 아닌 더 높은 130V의 파워를 사용해서 더 넓은 다이나믹레인지를 얻을 수 있는 4003그리고 2L 에서 메인 마이크로 사용을 하고 있는 DPA 의 유일한 라지다이어프램 마이크인 역시 무지향성인 4041 이 있습니다.2L 에서는 4041과 4003 을 위와 같이 사용하는 것을 기본으로 해서 모든 녹음에 적용합니다. B&K 4006 이 출시되자 가장 먼저 이 마이크를 사용하게 된곳은 클래식 음악 녹음이었습니다.그전까지의 마이크들에 비해서는 비교할 수 없는 가장 완벽한 무지향성 특성을 지니고 있는 마이크였기 때문에 주로 홀이나 성당 등에서 녹음을 하는 클래식음악 녹음에서는 공간의 정보까지 함께 녹음하여 수록하기에 최상의 마이크였기 때문이지요.B&K 4006 은 이후 수 많은 레코딩 엔지니어들에게 무지향성 마이크의 기준으로 자리를 잡게 됩니다.B&K 는 90년대 큰 변화를 맞이하게 되는데 B&K 에서 음악녹음용 마이크 제작을 더이상 하지 않는 것으로 결정이 되었습니다. 이렇게 훌륭한 녹음용 마이크가 더이상 생산이 되지 않는다는 것에 큰 아쉬움을 느낀 두사람이 DPA 를 창립합니다.바로 B&K 의 직원이었던 사람 두명이서 그 파트를 인수받아서 DPA(Danish Pro Audio)를 설립합니다.이후 B&K 는 변함없이 측정산업으로 발전하고. DPA는 4011 단일지향성 마이크 개발부터 시작해서 4006 무지향성 마이크이외에도 무수히도 많은 새로운 녹음용 마이크들을 출시하기에 이릅니다.이전에 클래식 음악 녹음에 많이 사용이 되는(지금도 변함없이) 마이크의 대표적인 모델이 노이만 M50 (무지향성) 마이크 3개를 사용한 테카트리 라고 할 수 있는데 M50 처럼 진동판(다이어프램)의 사이즈가 큰 마이크들에 비해서 B&K 4006 처럼 진동판이 작은 마이크가 더욱 더 정확한 무지향성 특성을 나타는데 구조적으로 유리한 부분이 많이 있습니다.이것은 과거의 클래식 음반들이 대부분 노이만이나 텔레푼켄의 큰 다이어프램을 지닌 튜브마이크들로 녹음이 되었다면 90년대 이후의 클래식 음반들은 DPA 마이크들 - 소구경 마이크가 훨씬 더 많이 사용이 되게 됩니다.무엇보다도 진동판이 큰 마이크들에 비해서 작은 마이크는 작은 만큼 더 빠르고 정확하게 마이크의 진동판이 움직일 수 있습니다.오디오시스템에서 스피커에 따른 소리의 차이. 그리고 스피커의 위치에 따른 소리의 차이가 가장 큰 것처럼 녹음에서도 마이크의 위치와 종류가 어떠한 소리로 녹음이 되는 것인가. 가 결정이 되게 됩니다.2L 의 린드버그는 기본적으로 빈티지 혹은 노이만의 튜브마이크등을 전혀 선호하지 않는다고 과거 글에서 밝힌바 있습니다. 이러한 완벽함에 가까운 무지향성 특징으로 인해서 녹음하는 장소의 공기감을 포함한 울림을 그대로 녹음에 담을 수 있는 DPA 마이크를 사용하는 것은 2L 사운드의 거의 모든 것이라고도 할 수 있는 중요한 사실입니다.*마이크프리앰프 와 AD 컨버터2L 의 모든 녹음은 스위스 멀징테크놀러지사에서 제작된 Horus 

스톡피쉬 레코드 & 파울러 어쿠스틱 현대의 음반 레이블과 레코딩부터 믹싱 마스터링 까지 진행하고 있는 스튜디오가 가장 이상적으로 결합이 되어있는 곳을 꼽는다면 단연 독일의 스톡피쉬 레코드 & 파울러 어쿠스틱스가 먼저 떠오르게 될 것 입니다.스톡피쉬는 1974년에 레코딩  엔지니어 귄터파울러가 설립한 레이블로 주로 싱어송라이터 중심의 포크나 컨트리, 블루스 그리고 재즈등의 음반들을 기획 제작을 합니다. 초기 체스키에서 가장 유명한 여성보컬중에 한명이었던 SARA K 가 지금은 스톡피쉬 에서 음반이 나오고 있기도 합니다. 스톡피쉬 레코드에서 제작한 포크나 컨트리 등의 어쿠스틱한 음악들의 사운드퀄리티는 전세계적으로 굉장히 유명합니다.스톡피쉬의 사운드 철학은 명확합니다. 대부분의 많은 오디오파일들이 좋아하는 음향적인 요소들을 정확하게 충족하는 낮은 저역부터 아주 높은 고역까지의 안정된 밸런스 그리고 오디오시스템을 바꾼것처럼 들리는 높은 해상도 라 정의할 수 있을 것 입니다.실제로 같은 독일이라도 진공관 기기를 사용하는 TACET 과는 전혀 다른 사운드컨셉을 지니고있습니다. 그렇다고 해서 특정 고역등이 지나치게 부스트 되어있어서 차가운 느낌이 드는 것은 아니고 무엇보다도 안정된 밸런스 안에서 음향적인 여러 요소들을 높은 수준으로 충족하여 만들어지고 있다는 것이라 볼 수 있습니다.  이는 전세계적으로 정평있는 마스터링 스튜디오인 파울러 어쿠스틱스의 사운드 컨셉과도 정확하게 일치합니다. *파울러 어쿠스틱스 레코딩 스튜디오스튜디오는 놀랍게도 지어진지 1000년이나 된 수도원 지하에 있습니다.  사진에서처럼 컨트롤룸에서 종종 녹음작업을 진행하기도 하고 피아노의 경우만 별도의 공간에 독립적으로 위치하고 있습니다.내부에 울림이 많은 곳이기 때문에 사진에서처럼 벽에 다양한 흡음재들이 추가로 붙여져 있습니다.레코딩 및 이후 믹싱이 이루어지는 스튜디오에는 스튜더 사의 VISTA 5 디지털 콘솔 그리고 제네렉의 8260 스피커가 사용이 됩니다. 제네렉 8260 스피커는 최근에 스튜디오에 업데이트가 된것인데 무엇보다도 제네렉 스피커 특유의 공간음향 튜닝이 가능한 GLM 기능으로 인해서 다른 경쟁한 어떤 모니터스피커보다도 좋은 결과를 얻을 수 있었다 합니다.제네렉이 개발한 GLM Genelec Loudspeaker Manager 와 SAM: Smart Active Monitor 는 스피커 설치후 사용하는 환경의 룸튜닝을 해주는 기능입니다.사실 이러한 기능은 아주 오래전부터 여러 제조회사들에서 만들어왔지만 제네렉만큼 이 기능을 완성도 있게 만든 회사가 없습니다.  상황에 따라서 아주 반사음이 많거나 잔향이 많은 장소에서도 GLM 튜닝을 통해서 아주 깨끗하고 정확한 소리를 얻을 수 있다는 것이 가장 큰 장점으로 룸 튜닝에 관한 가장 현실적이면서도 좋은 결과를 들려주는 방법이라 할 수 있습니다.스톡피쉬에서는 스튜디오에서의 녹음외에도 외부 로케이션 레코딩때도 제네렉의 8260 스피커를 가지고 가서 녹음하는 현장에서 GLM 튜닝을 하고 사용을 하고 있습니다.  스튜디오의 메인 모니터스피커는 한국에서는 생소한 스위스의 스트라우스 일렉트로닉 사의 MASTERING STUDIO MONITOR SE-MF-2 입니다.  이곳은 건축음향 컨설팅과 함께 전문적인 마스터링시에 사용이 되는 모니터 스피커를 만드는 곳입니다.  위 사진의 일본 소니뮤직의 마스터링 스튜디오도 이 회사의 스피커가 모니터 스피커로 사용이 되고 있으며 이와 함께 소니뮤직 스튜디오의 음향 컨설팅도 스트라우스 일렉트로닉 사에서 함께 진행을 하였습니다.  파울러 어쿠스틱은 초창기부터 이 회사의 스피커로 5.1 채널을 오랜시간 사용을 하고 있습니다그런데 여기서 굉장히 의아한 부분이 하나 있습니다. 스톡피쉬 레코드 & 파울러 어쿠스틱스는 보다 더 좋은 소리를 위해서는 사용하는 모든 기기들에 투자를 아끼지 않고 있습니다. 다른 그 어떠한 레이블들에 비해서 수많은 수의 하이엔드 레코딩 기기들을 보유하고 있으며 조금이라도 더 좋은 사운드를 만들기위해서 꾸준하게 기기들의 업그레이드도 하고 있습니다.  그런데 2만불이 넘는 고가의 모니터 스피커를 구동하는 앰프는 바로 일본산 FLYING MOLE 에서 출시된 DAD-M100 이라는 클래스 D 앰프입니다. 8옴에 100W 한조에 $699 의 굉장히 합리적인 가격을 지니고 있는 파워앰프입니다.  파울러 어쿠스틱스에서 평균적으로 녹음부터 믹싱 마스터링에 사용하는 기기들의 가격을 생각하면 이는 아마도 동사에 있는 기기들 가운데 가장 저렴한 가격일 것 입니다. 하지만 파워앰프라는 것은 스피커가 가지고 있는 성능을 얼마만큼 이끌어내는지에 있어서 무척 중요한 부분이고 이렇게 소리를 직접 녹음하고 믹싱하며 만드는 과정에서는 뛰어난 모니터링 시스템이 있어야 거기에 맞추어서 좋은 소리의 음반을 제작할 수 있습니다.파울러 어쿠스틱에서 스피커에 매칭하여 모니터링으로 사용할 앰프에 관해서 아마도 시중에 있는 수많은 앰프들을 테스트하였을 것 입니다. 단순히 가격대비 소리가 아닌 제품 자체의 완성도로 선택이 된 앰프가 FLYING MOLE DAD-M100 이며 더욱 더 놀라운 것은 이 앰프의 소리가 얼마나 마음에 들었는지 파울러어쿠스틱스에서 이 앰프의 독일 디스트리뷰터를 하여 독일시장에 소개를 하고 있다는 것 입니다 귄터 파울러 스톡피쉬 레코드 및 파울러 어쿠스틱스 대표스튜디오에서 녹음과 믹싱에 사용이 되는 여러 기기들은 현재 시중에 나와있는 제품들 가운데 가격을 고려하지 않고 가장 성능이 높은 제품들에 집중되어있습니다.사진 왼쪽의 마스터링 이퀄라이저들도 한대에 $2만불이 넘는 제품들입니다.  *마이크 스톡피쉬 레이블의 녹음에 사용이 되는 마이크의 다양함과 그 종류 역시 다른 레이블들과는 그 양에서 엄청난 차이가 있습니다.대부분으 레이블들이 몇몇 마이크들을 메인으로 오랜시간 사용하는 것에 비해서 자사 레이블 외에 여러 레코딩 및 마스터링 서비스를 전세계적으로 하고 있는 파울러 어쿠스틱스는 사용하고 있는 마이크의 수도 굉장히 다양한 편입니다. 2015년 그래미 최우수 서라운드음반 부분에 노미네이트 되기도 했던 중국의 가수 송주앙과 중국필하모닉 오케스트라의 음반의 녹음을 중국에서 파울러어쿠스틱에 의뢰를 해서 녹음부터 마스터링까지 전과정이 진행이 되었습니다.사진에서 처럼 오케스트라의 메인 마이크는 DPA의 4041A 가 데카트리로 사용이 되었으며 아웃트리거 마이크로 노이만 M50 무지향성 마이크가 사용현악기의 스팟마이크로는 Sennheiser MKH-800 Twin 과 MKH30 양지향성 마이크를 스팟마이크로 사용이 되었으며 이밖에 합창에는 KEM 970 라인어레이 마이크가 4대 그밖에 솔로악기들의 녹음에는 ennheiser, DPA, Sonodore, Schoeps, AEA, Josephson및 Gefell 등의 무수히 많은 마이크들이 조합되어 사용되었습니다. 또한 스톡피쉬 레이블의 레코딩은 대부분 건물 지하의 스튜디오에서 이루어집니다. 스튜디오 녹음때에는 Sonosax SX-S 및SX-ST 레코딩 콘솔 그밖에 노이만 UM57 등의 오래된 빈티지 튜브 마이크도 자주 사용이 됩니다. 자체 스튜디오에는 파지올리228 사이즈의 그랜드 피아노를 보유하고 있어서 스톡피쉬 레이블의 모든 녹음은 철저하게 목적하는 소리의 방향이 확실한 자사의 스튜디오에서 모두 이루어지고 있습니다.  *마스터링 스튜디오사실 스톡피쉬 레이블은 제작한

60년대 LP 90년대 CD와 함께 음반산업의 최대 황금기라는 시대가 있었습니다. 하지만 지금은 음악 외에도 즐기고 느낄 수 있는 것이 훨씬 더 다양해졌고 이와 함께 많은 음반회사들이 사라졌습니다. 특히나 스웨덴의 프로피리우스와 미국의 DORIAN 같은 뛰어난 오디오파일 레이블은 물론이고 미국의 TELAC 과 프랑스의 OPUS111의 뒤를 이은 NAÏVE 같은 상당히 규모가 있는 레이블까지 문을 닫는 등 음반산업과 레이블을 운영한다는 것이 그리 녹록치만은 않은 일인 것을 알 수 있습니다.  필립스 이후 네델란드를 대표하는 음반 회사는 챌린지클래식과 구 필립스 레코딩 팀이 세운 펜타톤이 있지만 많은 사람들에게 가장 많이 알려져 있는 곳은 바로 채널클래식스라고 볼수 있을 것입니다. 본래 호른주자였던 미국인인 제라드 삭스가 네델란드로 이주해서 처음에는 본인의 집에서 하우스 콘서트를 진행하다가 공연의 녹음을 취미로 시작 하게 됩니다.  이후에는 녹음의 취미를 본업으로 살려서 연주를 그만두고 레코딩 회사 겸 음반레이블을 만들게 되지요.  그가 있는 네델란드는 독일 프랑스 이탈리아와 함께 음악과 미술에서 바로크 음악의 전통이 깊은 곳이고 특히 초기에 바로크 음악의 큰 영향을 지닌 안너빌스마나 구스타프 레론하르트 그리고 프란스 브뤼헨 이 세사람이 지금의 바로크 음악에 굉장히 큰 영향을 주었음을 아무도 부정하지 못할 것입니다.  그렇기 때문에 네델란드는 지금도 전통적인 바로크 음악, 특히 교육에서 세계적으로 굉장히 큰 지명도를 지니고 있습니다. 많은 유럽의 아티스트들이 바로크 음악을 공부하기 위해 많이 찾는 곳이 네델란드 이기도 합니다. 암스테르담은 자연스럽게 세계적인 바로크 음악 아티스트들이 머무는 장소가 됩니다. 이와 함께  암스테르담에 위치한 채널클래식스에서 뛰어난 바로크 음반들이 탄생하게 된 이유이기도 합니다. -녹음장소채널클래식스의 대표이자 레코딩 엔지니어인 제라드 삭스는 녹음에 있어서 가장 중요한 것은 역시 녹음장소의 선택이라 합니다. 늘 그는 녹음장소를 선정하는데 많은 시간을 투자하는 것을 아쉽지 않게 생각하지요. 체스키의 경우 한곳의 공간에서 그 공간을 깊히 이해하고 그 안에서 새로운 사운드를 만들어가는 것에 비해서 채널클래식스는 녹음하는 프로젝트에 따라서 공간을 선정합니다. 하지만 극히 드문경우를 제외하고는 레코딩 스튜디오에서 녹음이 되는 일은 거의 없으며 울림이 아주 길고 아름다운 성당에서 녹음을 합니다. 한국과는 다르게 유럽에는 굉장히 많은수의 오래된 성당들이 있습니다.  유럽의 오랜 성당의 경우 과거 카톨릭이 문화 예술적으로 지금보다 훨씬 더 큰 영향을 사회에 지니고 있을 때 만들어진 곳이기 때문에 그당시의 최첨단 건축기술이 모두 동원되었다고도 볼 수 있습니다.  그중에 하나가 바로 “건축음향”입니다.  지금은 넓은 공간에 수천명 혹은 수만명의 사람들이 모여있더라도 간단하게 음향 시스템을 통해서 여러 사람들에게 소리를 전달할 수 있었지만 수백년전에는 이러한 음향시스템이 없었습니다.  수천명이 동시에 들어가는 유럽의 큰 대성당 에서 이루어지는 미사에서 신부님의 목소리를 사람들은 PA 시스템의 도움없이 사람들에게 어떻게 전달할 수 있었을까요?바로 소리가 아주 멀리 전달 될 수 있도록 내부의 구조가 건축음향을 고려하여 결정되었습니다. 특히 대부분의 성당안에 있는 양쪽의 원형 보 에서 소리의 직접음이 반사되어서 뒤에까지 길게 전달이 될 수 있도록 만들었습니다. 그리고 소리가 흡음되어 사라지지 않도록 최대한 소리는 확산되는 재질로 성당안은 만들어졌습니다.  유럽의 성당들은 비록 그시절 만큼 성당에 많은 사람들이 기도를 드리러 찾아가지는 않지만 이렇게 작은 소리가 성당 구석구석까지 골고루 전달될 수 있도록 만든 음향은 음반의 레코딩 작업으로 최적의 공간이 됩니다.지금의 나무로 만들어진 콘서트홀에서는 성악가가 최대한의 음량으로 노래를 해야 사람들은 좋아하고 홀의 구석구석까지 잘 들리게 되지만 이러한 성당들에서는 그렇게 소리를 지르며 노래를 할 필요가 없이 약간의 운율만 음성에 실어내보내더라도 소리가 멀리까지 전달이됩니다.여기서 바로크 악기와 현대 모던 악기의 차이점에 관해서 생각해봐야 할 부분이 있습니다. 본래 성당 혹은 왕이나 귀족의 성에서 연주가 되던 바로크악기의 음악 시절에는 지금의 음악적인 감정표현의 하나의 기준이 된 “비브라토”가 없었습니다. 사실상 비브라토는 음악을 귀족에서 시민들이 향유하게 되고 음악공연을 위한 전용의 오페라하우스나 콘서트홀이 생기면서 아티스트들이 악기의 소리를 더욱 더 멀리 그리고 크게 전달하기 위해서 비브라토 라는 연주법이 생기게 된것이지요.  그렇기 때문에 현대의 콘서트홀에서는 강한 비브라토가 있는 음악을 연주하는 것이 당연합니다. 하지만 4~5초의 잔향을 지니고 있는 유럽의 성당들에서는 현대의 모던 악기로 강한 비브라토를 사용하며 연주를 하는 것과. 거트현을 지닌 바로크 현악기로 그시대의 주법처럼 비브라토 없이 깨끗하게 연주하는 것중 어떠한 것이 성당에서의 연주 그리고 녹음에 어울리게 될까요?당연히 후자입니다. 그렇기 때문에 채널클래식스의 주요 레파토리인 바로크 음악은 모두 성당에서 녹음이 이루어지지만 이반피셔와 부다페스트 페스티발 오케스트라의 음반은 부다페스트에 있는 현대의 콘서트홀에서 녹음이 이루어지는 것이지요.채널클래식스의 대부분의 녹음은 암스테르담은 물론이고 헤이그나 흐로닝엔등 네델란드 각지에 있는 오래된 성당들에서 녹음작업을 합니다. 체스키가 녹음작업을 하는 교회에 비해서 채널클래식스에서 녹음하는 유럽의 성당은 훨씬 더 크고 잔향도 길고 풍성합니다. 이러한 녹음 공간의 특징이 바로 두 레이블 음향의 결정적인 차이점중에 하나로 볼 수 있습니다.-녹음방법 및 마이크 세팅채널클래식스의 큰 특이점 중에 하나는 네델란드에서 제작된 레코딩 기기들을 많이 사용한다는 것입니다.  채널클래식스에서 사용하고 있는 네델란드의 음향기기 제작자 렌스헤이니스가 만든 고품질의 믹싱보드채널클래식스의 레코딩 기기라고 하면 빠질 수 없는 사람이 바로 렌스헤니이스 입니다. 본인이 만드는 음향기기의 브랜드를 크게 확장해서 전세계적으로 수출하거나 하는 사람은 아니지만 유럽의 클래식 음악 레코딩 회사들에서 모두 비밀스럽게 이사람이 만든 기기들을 사용하고 있을 정도로 시중에 나와있는 레코딩 기기들의 퀄리티에 만족을 하지 못하는 프로듀서와 엔지니어들의 열광적인 지지를 받고 있는 사람이기도 합니다.일반적으로 레코딩시 사용을 하는 콘덴서 마이크는 48V의 팬텀전원을 사용합니다. 하지만 렌스헤이니스는 마이크들을 60V 팬텀전원을 사용하는 것으로 모두 개조를 합니다. 일반적인 48V 팬텀파워가 사용이 되는 마이크와 마이크프리앰프의 연결전원과 오디오신호가 함께 흐릅니다.렌스 헤이니스가 개조한 60V 팬텀전원이 사용이 되는 블록다이어그램전원부와 오디오시그널을 별도로 분리가 됩니다.  이를통해서 전주파수대역의 왜곡이 줄어들며 무엇보다도 스테레오 이미지상의 더욱 더 명확한 정위감 및 더욱 더 선명하고 깨끗한 트랜전트특성을 얻을 수 있습니다. 결과적으로 훨씬 더 배음이 살아있는 소리로 녹음을 할수 있게되는것이지요.  이와 함께 요즘의 현대마이크들에 있는 SMD 회로기판을 모두 들어내고 새롭게 제작을 합니다.  사실상 많은 녹음들에서 사용이 되고 있는 노이만, AKG, DPA, 숍스등의 마이크를 다이어프램만 그대로 두고 내부는 새롭게 설계를 바꾸어서 만드는 것입니다. 채널 클래식스의 마이크 박스실제로 채널클래식스의 모든 마이크는 이렇게 전부 렌스헤이니스가 기본 3PIN이 아닌 4PIN 60V 용으로 모두 개조가 되어있습니다.  채널클래식스는 오랫동안 사용하는 마이크들을 바꾸지 않고 지금까지 우리가 듣는 거의 모든 녹음들을 위 마이크들을 통해서 녹음을 하고 있습니다. 렌스헤이니스가 제작한 60V 전원공급기.채널클래식스에서는 마이크의 최단거리에서 60V 전원을 공급합니다. 그리고 이후 신호를 멀티케이블을 통해서 컨트롤룸의 마이크프리앰프와 믹싱보드로 보내는 구성으로 하고 있습니다.최근의 거의 모든 클래식 음악 레코딩에서는 AD 컨버터에 내장된 마이크프리앰프들을 사용해서 녹음작업을 하는 것에 비해서 이것은 상당히 오래된 혹은 전통적인 녹음방식이라 볼 수 있는 부분입니다.  특히나 AD 컨버터를 마이크 근처에 두고 MADI 나 LAN 케이블을 통해서 컨트롤룸으로 전송하는 것과는 달리 채널클래식스에서는 아날로그 케이블을 통해서 컨트롤룸으로 신호를 전송하고 있습니다. 렌스헤이니스가 제작한 60V 전원부에서 마이크프리앰프로 연결이 되는 반덴헐 멀티케이블.음악을 녹음하는 레코딩 현장에서는 고가의 케이블이 사용이 되는 경우가 굉장히 드뭅니다.  채널 클래식스에서는 모든 케이블. 즉 마이크에서 60V 팬텀전원. 전원에서 마이크프리앰프 그리고 믹싱보드에서 AD 컨버터로의 케이블부터 심지어 기기들에 사용하는 파워케이블에 이르기까지 모두 네델란드 반덴헐사의 케이블을 사용합니다.  채널클래식스와의 협업을 통해서 반덴헐에서 뛰어난 퀄리티의 마이크용 케이블을 제조하고 있다는 것이 아직 전세계 레코딩 스튜디오들에 알려지지 않았다는 것이 참으로 안타까운 현실이기도 합니다. 마이크에서 출력되는 신호는 음향기기의 신호가운데 가장 작습니다. 그렇기 때문에 이렇게 작은 소리를 증폭하는 마이크프리앰프의 퀄리티는 녹음결과에 현격한 영향을 주기 마련이지요.  렌스헤이니스의 마이크프리앰프는 기본적으로 배터리로 구동이 됩니다. 때에 따라서 전기사정이 좋지 않을수도 있는 오래된 성당들. 그리고 마이크들과 최단거리에 마이크프리앰프를 설치하는데 있어서 배터리 구동의 장점은 분명하게 존재합니다. 일반적인 마이크프리앰프의 구조 배터리 마이크프리앰프의 구조하이엔드 레코딩 기기 제조회사 답게 문도르프의 캐패시터 그리고 실텍의 순은선을 통한 내부 배선재를 사용하는 마이크프리앰프는 아마도 이기기밖에 없을 것입니다. 대다수의 레코딩 용 제조회사들에서는 부품에 투자를 하기보다는 안정성과 대량생산에 중점을 두고 있는것에 비해서 렌스 헤이니스의 레코딩 기기들은 하이엔드 오디오와 같은 기준으로 만들어지고 있습니다. - 모니터 스피커와 AD 컨버터 마이크프리앰프에서의 라인레벨로 증폭된 신호는 믹싱보드로 전달이 되고 믹싱보드에서 녹음현장에서 바로 다이렉트 2트랙으로 그림오디오사의 DSD AD 스테레오 컨버터로 전송이 됩니다 .기본적으로 채널클래식스는 놀랍게도 녹음 현장에서 바로 2트랙 믹싱을 하는 전통적인 방법을 고수하고 있습니다. 물론 프로젝트에 따라서 멀징사의 호러스나 하피 DSD ADA 컨버터를 통해서 녹음이 되고 이후 세밀한 편집과 믹싱작업이 진행되기도 합니다.성당등에서의 로케이션 녹음때는 네델란드의 오디오랩이라는 작은 소규모 공방에서 제작된 2WAY 모니터스피커를 오랫동안 변함없이 사용을 하고 있습니다.(서라운드용으로 5대)이를 구동하는 파워앰프 역시 국내에는 생소한 van Medevoort 라는 회사의 제품을 오래전부터 사용하고 있습니다. 이곳은 파워앰프외에도 인티앰프와 프리앰프부터 CDT 및 DAC 에서 스피커와 케이블까지 종합적으로 제작을 하고 있는 곳입니다.이렇게 오디오랩과 van Medevoort 앰프를 사용하여 성당등의 녹음현장에서 모니터링 되어 녹음된 음악은 채널클래식스 편집 & 마스터링룸에서 최종 작업이 이루어 집니다. 이곳에서는 역시 클래식 녹음작업의 스탠다드라 할 수 있는 B&W 803D 가 서라운드로 클라세 CA5200 파워앰프로 구동이 되어 최종 사운드 조정작업이 이루어집니다.

지금까지 레코딩엔지니어 인생에서 가장 많이 녹음한 분야는 아마도 피아노와 함께 하는 성악 인것 같습니다. 하지만 사람의 목소리라는 것은 사람마다 모두 다르기 때문에 녹음도 매번 다르게 됩니다.특히 클래식 음악 녹음은 대부분 별도의 헤드폰을 사용하지 않고 공연하듯이 자연스럽게 서로의 소리를 들으면서 호흡을 맞추면서 녹음을 하는 것이 일반적입니다. 그렇기 때문에 피아노 마이크에는 자연스럽게 성악의 소리가성악 마이크에는 상당히 큰 볼륨으로 피아노 소리가 함께 녹음이 됩니다,이경우 피아노와 성악의 위치를 어떻게 하느냐에 따라서 서로의 마이크들에 들어오는 소리들이 크게 바뀌기 때문에 아티스트의 위치선정은 좋은 녹음 결과물을 위해서 굉장히 중요한 부분이라 할 수 있지요. 서로 소리의 간섭음이 각 마이크들에 적게 들어가도록 거리를 멀리 떨어지면서로의 소리들이 잘 들리지 않아서 좋은 연주가 나오지 않기 때문에 저는 피아노와 노래가 가까운 위치에서 녹음하는 것을 선호합니다. 사진과 같이 피아노와 성악의 위치를 함께 합니다.   총 4일의 녹음 가운데 첫날은 성악에 노이만 TLM170R 을 사용했고 둘째날 부터는 DPA 4018 (초지향성)을 사용하고 있습니다.특히 DPA 4018 은 다른 초지향성 마이크들이 중고역이 부스트되어있는 것에 반해서 동사의 4011 보다도 소리가 더 플랫해서 이러한 근접 녹음에 유용합니다.마이크를 보면대 앞으로 두어서 마이크와 성악가의 거리가 너무 떨어지지 않도록 하였습니다.윈드스크린의 경우는 팝핑의 효과도 있지만 믹싱때 보컬과 피아노 모두에 리버브를 걸기 때문에 초고역대의 불필요한 잔향이 너무 많이 녹음이 되지 않도록 하는 역할도 있습니다. 피아노에는 오디오가이 피아노의 고정 마이크인 DPA 4011A 피아노 녹음에 있어서는 다른 마이크가 생각이 나지 않는 모델입니다.하지만 같은 마이크라도 피아노의 녹음방법은 늘 할때마다 얼핏보이면 비슷하게 보여도 세세하게는 다르게 합니다.피아니스트마다 연주법이 전혀 다르니까요이번 피아니스트 분은 무척 아름다운 소리로 연주하셔셔 녹음도 그렇게 되었습니다.^^ 피아노 바닥면에 설치한 흡음판피아노 굴곡진 곳에 늘 마이크를 설치하는데 보통 이곳의 바닥에서 불필요한 초기반사가 굉장히 많이 일어납니다.그렇기 때문에 이렇게 공간의 잔향이 긴곳에서 피아노를 녹음할때 이곳에 흡음판을 두면 보다 깨끗한 소리로 피아노를 녹음할 수 있게 됩니다.아주 작은 튜닝이라 할 수 있지만 최종적으로 들려주는 소리의 차이는 굉장히 큰 편입니다.한국 가곡의 경우는 가사와 피아노의 소리가 아주 명료하게 들리는 것을 저는 선호하는 편이라 기존의 잔향이 아주 길고 풍부하게 만드는 오디오가이 스튜디오의 소리와는 관점이 조금 다릅니다. 하지만 한국 가곡은 이편이 노래의 느낌이나 작곡자가 만든 반주의 느낌이 좀더 표현이 잘 되는 것 같습니다.

Analog reel tapeThe history of analog reel tape and its development현존하는 아날로그 녹음 기기 중 가장 음질이 뛰어나다고 평가 받고 있는 아날로그 릴 테이프 (analog reel tape). 방송 뿐만 아니라 LP나 음반 제작에도 압도적으로 많이 쓰인 이 릴 테이프의 역사도 축음기 역사와 크게 멀지 않습니다. Valdemar Poulsen’s Telegraphone1877년 미국의 공학자인 오벌린 스미스 (Oberlin Smith)가 음성 신호를 자성을 띈 물체에 자기 형식으로 기록하고, 그것을 전기 신호로 재생하는 부분에 관한 논문을 내놓으며 자기 녹음 (magnetic recording)에 관한 첫 가능성이 제기되었습니다. 이를 바탕으로 1898년, 덴마크의 기술자인 발데마르 폴센 (Valdemar Poulsen)이 피아노선을 자성체로 이용한 텔레그라폰 (Telegraphone)을 발명하고 특허를 받지요. 이 텔레그라폰을 이용한 역사상 가장 오래된 자기 녹음 테이프는 1900년 프랑스 파리에서 열린 만국박람회에서 오스트리아-헝가리 황제였던 프란츠 조세프 카를 1세 (Franz Joseph Karl)의 목소리로 기록되고 있습니다. 1937 Blattnerphone recorder그 당시 상당한 화제였던 자기 녹음 방식이었음에도 불구하고, 실린더 녹음 및 SP의 출시로 사람들에게는 잊혀져갔습니다. 1920년에는 영국의 기술자인 루이스 블래트너 (Louis Blattner)가 자 텔레그라폰의 자성체로 사용하던 피아노선이 너무 가늘고 쉽게 끊어진다는 점을 강철 와이어로 대체한 블래트너폰 (Blattnerphone)을 개발하여 BBC에서도 방송용 장비로 쓰이지만, 녹음 가능 시간대에 비해 지나치게 많은 강철 와이어가 필요하다는 단점으로 인해 이 또한 많은 주목을 받지는 못합니다.BBC 또한 이탈리아 공학자인 굴리엘모 마르코니 (Guglielmo Marconi)와 함께 연구하여 3mm 굵기의 강철 레이저 와이어를 이용한 마르코니-스틸 자기 녹음기 (Marconi-stille magnetic recorder)를 개발하기도 합니다.  이 녹음기의 특징은 100Hz 부터 6kHz에 이르는 주파수 대역을 녹음할 수 있었다는 점이었죠. German Wehrmacht tape recorder AEG Magnetophon이러한 자기 녹음기에 대한 여러 개발 중,  독일의 담배 종이 제작 회사의 사장이었던 프리츠 플뢰머 (Fritz Pfleumer)는, 1928년 얇은 두루마리 종이에 래커칠을 한 후 산화철을 입히는 방식으로 최초의 자기 테이프를 발명합니다. 1932년에는 독일의 AEG 회사 (Allgemeine Elektricitäts-Gesellschaft)와 BASF 회사가 플뢰머의 기술을 조금 더 보안하여 자기 녹음 방식을 적용한 첫 번째 아날로그 테이프 녹음기인 마그네토폰 K1 (Magnetophone K1) 을 개발합니다. 다만, 마그네토폰 K1은 여러 단점들이 있었습니다. 예를 들면, 기기당 무게가 거의 300kg에 가까웠고, 30ips로 재생되던 이 기기는 처음 나왔을 당시 노이즈가 너무 심하여 제대로 사용할 수 없었지요.이러한 단점은 1940년에 월터 웨버 (Walter Weber)에 의해 크게 개선됩니다. 월터 웨버는 작은 레벨에서의 자기 뒤틀림 등 자기 이력 현상의 문제점을 크게 개선시키는 AC Bias를 개발하여 마그네타폰의 노이즈 문제를 크게 개선시킵니다. 이로 인해 그 당시 방송국에서 주로 사용하던 아세테이트 디스크나 와이어 레코더보다 훨씬 깨끗하고 뛰어난 음질을 가지게 되었지요. 또한, 이런 자기 테이프 녹음 방식은 녹음/재상 시간도 훨씬 길었고 편집도 용이했습니다. 하지만 그 당시 미국은 세계 2차 대전으로 인해 AC Bias가 적용된 개량형 자기 테이프 녹음기에 관해서는 알지 못했지요. 전쟁의 이로움을 위해 나치 정치 시대였던 독일은 이 기기를 철저히 비밀로 한 채, 라디오 방송에 적극적으로 활용하였습니다. 독일이 패전한 후에야 이 자기 테이프 녹음기는 미국 군부대 소속이었던 공학자 잭 뮬린 (Jack Mullin)에 의해 미국으로 보내지게 됩니다.  이를 크게 관심가진 회사는 산프란시스코의 암펙스 사 (Ampex corporation)였고, 1946년 봄부터 ‘Ampex Model 200A’이라는 이름으로 시판하기 시작합니다.  이 개량형 자기 테이프 녹음기가 미국 전역에 쓰이기 시작한 데에는 재미있는 일화가 있습니다. 그 당시 잭 뮬린은 화이트 크리스마스의 최초 가창으로 유명했던 빙 크로스비 (Bing Crosby)의 라디오 방송을 녹음하기 위해 이 자기 테이프 녹음기를 사용합니다. 때 마침 미국 동부와 서부의 시간차와 그로 인한 주 시청 시간대를 맞추는데 고민하고 있었던 빙 크로스비는 녹음/재생 시간이 길고 편집도 쉬운 자기 테이프 녹음기에 크게 관심을 두었고, 사비로 Ampex Model 200A 2대를 구입하기로 결정합니다. 이 여파로 다른 방송국들과 제작사들도 자연스럽게 동일 모델을 사용하기 시작하였죠.이 자기 테이프 녹음기는 빙 크로스비의 친구이자 기타리스트로 알려져 있는 레스 폴 (Les Paul)에 의해 현대에까지 영향을 끼치게 되는 굉장한 발전을 이룹니다. 1945년 레스 폴은 헐리우드 (Hollywood)에 있던 본인의 집 창고에 녹음실을 만드는데, 그런 그에게 빙 크로스비는 가지고 있던 Ampex Model 200A를 주게 되죠. 레스 폴은 이 자기 테이프 녹음기를 가지고 녹음된 소스 위에 겹쳐 녹음하는, 이른바 멀티 트랙 녹음의 시초라고 할 수 있는 ‘Sound on Sound’ 기술을 만들어 냅니다. 현대에까지 이르는 아날로그와 디지털의 모든 멀티 녹음의 시작을 알리는 순간이었죠. 또한, 그는 이로 인해 전세계적으로 자기 테이프 녹음기의 발전을 이끌어 냅니다.레스 폴은 즉시 이 기술을 음반 녹음에 사용합니다. 그렇게 탄생한 첫 음반은 1948년에 발매된 ‘Lover’, 8번의 기타 연주를 녹음한 음반이 탄생하죠. 다시 말해 8 트랙의 멀티 트랙 녹음인 것인데, 여기서 그는 자기 테이프 녹음기가 아닌 아세트 판 (acetate disk) 혹은 래커 판 (lacquer)을 사용해 녹음합니다. 한번 연주를 하여 녹음하고, 그 위에 다시 녹음하여 멀티 트랙 녹음을 한 것이죠. 그는 여기서 멀티 트랙 녹음과 자기 테이프 녹음기를 통하여 음의 시간차를 이용한 테이프 딜레이 (tape delays)와 위상 효과 (phase effects) 기법을 만들어 냅니다.1953년, 레스 폴은 Ampex 사의 엔지니어 로스 스나이더 (Ross S. Snyder)와 함께 멀티 트랙 자기 테이프 녹음기 개발에 들어가고, 1957년 ‘Ampex Sel-Sync 1-inch 8-track machines’ 라는 이름으로 최초의 멀티 트랙 녹음기가 탄생합니다. 이는 Ampex 사에서 1967년에 출시되었던 ‘MM 1000 model’ 16 멀티 트랙 녹음기와 그 당시 최고의 녹음기라고 일컬어지는 1970년대의 ‘MM 1200 2-inch’ 16 멀티 트랙 녹음기 그리고 24 멀티 트랙 녹음기 출시의 발판이 됩니다.게다가 이 자기 테이프 녹음기의 발전은 전자 음악의 탄생, 그리고 급속도로 발전하는 계기도 만듭니다. 프랑스의 작곡가였던 피에르 앙리 마리 셰페르 (Pierre Henri Marie Schaeffer)는 가공되지 않은 자연의 소리들을 기계적으로 변형하여 멀티 트랙 녹음을 한 ‘구체 음악’ 이란 장르를 만들어 냅니다. 그 당시, 일정한 박자에 따라 음정을 붙인 음악의 개념에 정면으로 반하는 새로운 음악 장르였죠. 이후 작곡가 피에르 불레즈 (Pierre Boulez)나 칼하인츠 슈톡하우젠 (Karlheinz Stockhausen)가 영향을 받아 전자 음악을 발전시켰으며, 현대의 모든 전자 음악은 이 영향을 받았다고 할 수 있습니다. Revox D-36 reel-to-reel tape recorder manufactured aroun 1960s미국의 Ampex 사에서만 이 자기 테이프 녹음기가 시판된 것은 아닙니다. 1949년, 엔지니어이자 오디오 기기 개발자인 빌리 스튜더 (Willi Studer)는 ‘Dynavox’라는 그의 첫 테이프 레코더를 만듭니다. 1951년에 빌리 스튜더와 한스 윈즐러 (Hans Winzeler)가 ‘ELA AG’사를 세운 뒤에는 ‘Revox T26’으로 이름이 바뀌게 되지요. ‘Revox T26’는 1952년에 대량 생산되며 1960년에는 고르고 넓은 주파수 대역으로 인기가 있었던 ‘Studer C37’ 모델의 개발로 이어집니다. 특히, 빌리 스튜더의 ‘Studer J37 4-track’ 레코더는 그 당시 가장 보수적인 회사였던 EMI 사도 비틀즈 녹음에 사용하게 만듭니다.  Kolbe at his 3-channel Leonhard Electronics portable tube recording console,Studer C37 recorder at background / Revox G36 recorder at foreground The Beatles : Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band 1967미국에서는 대표적으로 Ampex 사와 Studer 사가 있었다면, 일본에서는 Otari, Sony, 그리고 TEAC/TASCAM 사가 있었습니다. 특히, TEAC/TASCAM 사는 일부 성능을 낮춰 가격은 낮추지만 그와 동시에 기능이 뛰어난 기기들로 시장에 뛰어들며 미국의 두 회사와 경쟁하였습니다. 대표적으로 SMPTE 컨트롤러가 달린 ‘Fostex E16 1/2-inch’ 녹음기가 있으며, 1990년대 디지털 녹음의 활성화 직전까지 팔렸던 ‘TASCAM TSR 24 1-inch’ 녹음기가 있죠. 이러한 경쟁 속에서 위기감을 느낀 Ampex 사는 1979년에 ‘ATR-124’ 모델을 출시합니다. ‘ATR-124’ 모델은 그 당시 가장 뛰어난 아날로그 릴 테이프 녹음기로 불려진 기기이지만 비싼 가격 탓에 많이 쓰이지 못했고, 결국 Ampex 사는 1983년에 테이프 녹음기 시장에서 완전히 물러나게 됩니다. 스튜더 또한1970년에 2인치 24트랙 멀티 테이프 녹음기를 출시하며 1978년에는 자동 연산 기억 장치 (microprocessor-controller)가 달린 ‘Studer A800’ 모델까지 출시합니다. 이의 개량형인 ‘Studer A820’을 마지막으로 스튜더 또한 테이프 녹음기 시장에서 물러나게 됩니다.

SIGSALY system in 1943 The history of digital recording1877년 토마스 엘바 에디슨에 의해 첫 축음기가 발명된 이후, 1970년대까지 실린더 혹은 왁스 등으로 만든 레코드 판을 이용한 아날로그 녹음이 대부분이었습니다. 그러나 수 많은 엔지니어와 개발자들의 연구와 시도에도 불구하고 아날로그 녹음의 고질적인 노이즈 문제와 음상의 일그러짐(distortion) 등은 여전했습니다. 특히, 먼 거리로 신호를 보내야 할 때는 이러한 문제들이 더욱 심각했습니다. 이를 개선하기에는 많은 어려움이 있었고 무엇보다 많은 비용이 들어갔죠. 결국 엔지니어들은 새로운 시도를 하기 시작합니다. 바로 아날로그의 연속적인 신호를 시간 단위의 불연속적인 수치로 나눠 데이터 형식으로 저장하는, 디지털 녹음 (Digital reocrding)입니다.1900년대 통신에 있어서 신호의 샘플링 (Sampling)이 필요한 가장 큰 이유는, 많은 신호를 단 하나의 케이블로 전달하고자 했던 이유였습니다. 기존에 시분할 다중화 (Time division multiplexing (TDM))나 주파수 분할 다중화 기술 (Frequency division multiplex (FDM)) 등을 사용하여 신호를 전달하였지만 심한 노이즈 문제가 있었습니다. 이를 개선하기 위해 영국의 기술자 알렉 할리 리브스(Alec Harley Reeves)는 1937년, 펄스 부호 변조 기술 (Pulse-code modulation (PCM) )을 발표합니다. 사실 그전에 이미 PCM을 기반으로 한 팩스기는 1926년, Western Electric의 엔지니어인 폴 레이니 (Paul M.Rainey)에 의해 발표된 적이 있습니다. 깜빡이는 불빛을 이용한 광기계식 AD 컨버터를 사용하여 특정 이미지를 반대편으로 전송하는 기술이었죠. 하지만 그 당시 Bell Laboratories에서 큰 주목을 받지 못했고, ’소리’를 디지털 신호로 변환하여 전달하는 기술은 아니었습니다. 반대로 알렉 할리 리브스는 아날로그 신호의 소리를 진공관 튜브와 연결된 AD컨버터로 변환하고, 변환된 디지털 신호를 전송하여 DA 컨버터에서 다시 아날로그 신호로 변환하는, 사실상 오늘날 우리가 알고 있는 PCM의 개발을 이루어 냈다고 말할 수 있습니다. 펄스 부호 변조 혹은 PCM이란, 연속적인 아날로그 신호를 일정한 시간의 흐름에 따라 나누고 디지털 코드, 즉 이진법으로 양자화하여 불연속적인 디지털 신호로 변환하는 기술입니다. 쉽게 말해, 아날로그 신호를 디지털 신호로 변환 시켜준다는 것이죠. 그 당시 PCM 기술은 소리를 녹음하기 위해서라기보다는 통신 기술의 발전에 초점이 맞춰져 있었습니다. 그렇기에 PCM 기술의 발견은 역사상 최초의 텔레포니 기술 (Telephony Technology)로도 기록되어 있습니다.PCM의 기술이 도입되어 실용적으로 사용된 기기의 개발은 다름 아닌 AT&T Bell Laboratories에서 이루어졌습니다. 세계2차 대전 당시, 장거리 통신 기술은 승패를 가를 수 있을 만큼 중요했습니다. 그리고 독일은 아날로그 신호로 런던과 미국의 펜타곤을 오가는 통신을 가로채고 해독할 수 있는 기술을 가지고 있었죠. 이를 해결하기 위해 Bell Laboratories에서는 약 2년 간의 연구가 이루어졌고, 결국 1943년에 “SIGSALY” 기기의 개발로 Western Electric에 의해 결실을 맺습니다. “SIGSALY”는 일회성 패드 혹은 OTP (One-time Pad)의 암호 기법을 적용한 암호화 통신 기기로, 특히 전쟁 당시에 영국의 수상이었던 윈스턴 처칠 (Winston Churchill)과 미국의 대통령이었던 프랭클린 D. 루스벨트 (Franklin D. Roosevelt)의 대화에 쓰였습니다.SIGSALY는 그 당시 Bell Laboratories 기술의 집합체라고 불릴 수 있을 정도로 다양한 기술이 적용된 기기였습니다. SIGSALY는 사람의 목소리를 효과적으로 전달하기 위해 150Hz ~ 2950Hz 사이의 주파수 대역을 10개의 구간으로 나누고, OTP로 암호화 후에 각각 따로 PCM을 적용하여 디지털 시그널로 반대편으로 전송하였습니다. 아날로그 신호로는 먼 거리를 온전히 보낼 수 없었기 때문입니다. 또한, 10개의 주파수 대역으로 나뉜 소리들은 필요에 따라 화이트 노이즈 (white noise)등을 이용하여 최대한 음질에 손상 없게 전달될 수 있도록 하였습니다.   Max MathewsBell Laboratories는 SIGSALY에 이어 첫 번째 컴퓨터 음악 프로그램도 개발합니다. 1957년 Bell Laboratories의 엔지니어였던 맥스 매튜스 (Max Mathews)에 의해 개발된 이 프로그램은 맥스의 “MUSIC-N” 시리즈의 첫 번째 시리즈인 “MUSIC-1” 로발표되며, 아날로그 신호를 디지털 신호로 변환하여 녹음하는 기술은 아니었지만 컴퓨터 내부에서 디지털 파형을 생성하여 음악을 만들어내는 프로그램이었습니다. 맥스 매튜스는 IBM704 컴퓨터를 이용하여 특정 주파수를 설정할 수 있게 하고, 그 음압과 길이를 설정할 수 있게 하여 삼각파 파형으로 된 17초의 음악을 만들어냅니다. 이 디지털 신호는 자기 테이프에 녹음되어EPSCO사가 개발한 12bit의 DAC를 통해 아날로그 신호로 변환되었습니다. 이 당시 미국에서 유일하게 DAC를 가지고 있던 곳은 Bell Laboratories 뿐이었죠.  아날로그 신호를 디지털 신호로 변환하여 통신 수단으로만 쓰는 것이 아닌, 음악 혹은 소리를 녹음하고 재생하고자 하는시도와 개발은 1960년대 부터 본격적으로 시작됩니다. 처음으로 PCM 녹음기를 개발한 곳은 일본 회사인 NHK 사의 “Technical Research Laboratory” 부서였습니다. 1967년에 발표된 이 녹음기는 모노의 아날로그 신호를 12-bit/30kHz까지의디지털 신호로 녹음할 수 있었으며, 이렇게 녹음된 디지털 신호는 헬리컬 주사 방식(Helical-scanning)의 비디오 테이프 녹음기(Videotape recorder (VTR)에 저장되는 방식이었습니다. 이에 이어 NHK 사는 1969년에 스테레오 PCM 녹음기 또한 개발합니다. 이 녹음기는 13-bit에 32kHz 까지 녹음할 수 있었죠. NHK 사에서 사용한 디지털 신호를 VTR에 변환하여 녹음하는 방식은1990년대까지 활발히 쓰입니다.NHK 사에서 PCM 녹음기 개발에 힘 쓸 당시, 일본의 음반사였던 동시에 음향 기기 제조사였던 Nippon Columbia (이후Denon 사)사는 LP의 음질 개선에 골머리를 앓고 있었습니다. 특히, 아날로그 테이프 녹음기에서 발생하는 음의 일그러짐은 음질 개선의 큰 숙제였죠. Denon 사는 이러한 문제를 해결하기 위해 NHK 사와 손을 잡고 PCM 녹음기를 사용합니다. 그렇게 하여 시중에 처음 나온 디지털 녹음 음반은 1971년 1월에 발매된 스티브 마커스 (Steve Marcus)의 “Nippon Columbia NCB-7003 ‘Something’” 음반입니다. Denon DN-023R PCM recorder아날로그 테이프 녹음에 비해 월등한 음질과 성능을 경험한 Denon 사는 그들만의 VTR 시스템을 이용한 녹음기를 개발하기 시작합니다. 더욱 뛰어난 음질과 멀티 트랙 (multi-track) 녹음을 하기 위한 목적이었죠. 개발 끝에 Denon 사는 1972년에 8트랙을 13-bit에 47.25kHz 까지 녹음할 수 있는 “DN-023R” 녹음기를 내놓습니다. “DN-023R” 녹음기는 곧바로 음반 녹음에사용되며, 이를 사용하여 나온 첫 LP는 스메타나 현악 사중주 (Smetana Quartet)의 “Nippon Columbia NCC-8501, Mozart: String Quartets K. 458 and K. 421” 입니다. 여기서 그치지 않고 “DN-023R”을 개량한 녹음기를 개발하는데, “DN-034R”의이름을 가진 이 녹음기는 1977넌에 발표되며 “DN-023R”과 같이 8트랙을 47.24kHz까지 녹음할 수 있었지만 14-bit까지 녹음이 가능했습니다. 이러한 성능으로 “DN-034R”은 이후에 16-bit의 48kHz 포멧인 Digital Audio Tape (DAT)에 가장 가까운 녹음기로 기록됩니다. 특히, “DN-034R” 녹음기는 오버더빙 (over-dubbing)이 가능했기에 그 당시 재즈와 락 장르 녹음에 큰 인기였습니다. Thomas Stockham이러한 디지털 녹음은 1970년대에 일본 뿐만 아니라 미국에서도 인기를 끌게 됩니다. 특히, 유타 대학교 (University of Utah) 박사였던 토마스 스톡햄 (Thomas Stockham) 박사는 그의 연구실에서 디지털 녹음과 편집 기술에 대한 연구를 진행하며녹음된 신호를 컴퓨터에서 시각화하여 편집하는 기술을 만들죠. 이는 현대에 컴퓨터 및 DAW를 사용하여 녹음 및 편집하는 모든 기술의 기반이 되는 연구였습니다. 1976년에는 디지털 녹음 회사인 Soundstream 사를 설립하는데, 이 회사는 그 당시16bit/37.5kHz 를 지원하는 디지털 녹음기와 AD/DA 컨버터, 그리고 디지털 신호의 레벨을 확인할 수 있는 미터링 시스템까지갖추고 있었습니다. 토마스 스톡햄은 이 녹음 장비들을 하루 빨리 시험해보고 싶었죠.1976년 여름, 산타페 오페라 (Santa Fe Opera)는 “The Mother of Us All” 공연을 준비하고 있었습니다. New World Records 사의 제리 브룩 (Jerry Bruck)이 이 공연의 녹음을 담당하고 있었는데, 토마스 스톡햄은 그에게 직접 연락하여Soundstream의 디지털 녹음 장비를 시험해보고 싶다고 얘기합니다. 제리 브룩은 흔쾌히 허락하고, 그리하여 이 공연에서는 아날로그 녹음과 디지털 녹음이 동시에 진행되게 되죠. 녹음 장비의 세팅은 간단했습니다. 우선 제리 브룩이 아날로그 장비들을연결하여 녹음하는 동시에 같은 아날로그 신호를 토마스 스톡햄의 디지털 시스템으로 전달하는 방식이었습니다. 이 때 토마스스톡햄은 제리 브룩의 아날로그 장비에서 어딘가 윙윙거리는 소리 (humming sound)가 있음을 확인하게 됩니다. 그 당시, 가장뛰어난 테이프 녹음기와 노이즈 리덕션 (Noise reduction) 기술로는 70dB의 다이나믹 레인지 (Dynamic range)가 최대였는데, 토마스 스톡햄의 디지털 녹음 장비로는 그 밖의 레인지에 있던 소리까지 확인 가능했던 것이죠. 제리 브룩은 이에 대해 두 가지방식의 녹음을 비교할 수 있었던 매우 귀한 시간이었다고 말합니다. 토마스 스톡햄 또한 모든 것은 완벽했다고 표현하죠. 그의시험 녹음 테이프는 시중에 팔리지는 않았지만 1976년 가을에 뉴욕에서 열렸던 AES 전시회에 발표됩니다.AES 전시회를 통한 토마스 스톡햄의 디지털 녹음 테이프는 Crystal Clear Records 사의 관심을 끌게 됩니다. Crystal Clear Records 사의 엔지니어였던 버트 와이트 (Bert Whyte)는 버질 폭스 (Virgil Fox) 의 솔로 오르간 녹음을 담당하였는데, 이때에도 토마스 스톡햄은 버트 와이트와 함께 Soundstream의 디지털 녹음 장비를 가지고 시험 녹음을 하게 되죠. 1977년 말에발매된 이 음반은 토마스 스톡햄의 녹음이 아닌 아날로그 녹음 소스를 사용하였지만, 1981년에 Ultragroove Records 사의“The digital Fox” 음반으로 발매되어 판매됩니다. 비록 토마스 스톡햄의 디지털 녹음은 시험용이었지만, 이 두 녹음을 통해 그는 미국 전역에 디지털 녹음을 확실히 알리게 됩니다.AES 전시회에서 토마스 스톡햄의 디지털 녹음에 대해 관심을 가지게 된 것은 Crystal Clear Records뿐만이 아니었습니다. 미국 오하이오의 또 다른 클래식 레이블 음반사 Telarc의 설립자 잭 레너 (Jack Renner)와 로버트 우드 (Robert Woods) 또한 1977년 AES 전시회에서 Soundstream 사에 관해 알게 되고 크게 관심을 가집니다. 하지만 그들은 음반 녹음을 하기에 앞서토마스 스톡햄에게 기존 Soundstream 사 녹음기의 주파수 대역을 20Hz에서 20kHz까지 가능하도록 개량을 부탁합니다. 그 당시 Soundstream 사에서 연구 중이던 녹음기 조차 20Hz에서 15kHz 까지의 주파수 대역만 가능했던 점을 생각한다면 쉽지 않은일이었습니다. 하지만 잭 레너와 로버트 우드는 고역대의 주파수가 제한적이라 소리 특유의 공간감이나 공기의 질감을 느끼지못한다는 점을 아쉬워 했죠. 모두의 우려와는 반대로, 토마스 스톡햄은 그 부탁들 받아들입니다. 그리고 1978년 1월, 토마스 스톡햄은 놀랍게도 4개의 디지털 트랙을 동시에 녹음이 가능하면서 50kHz 주파수까지 녹음이 가능하게끔 만들어 버립니다. Frederick Fennell “The Cleveland Symphonic Winds”이 소식을 전해듣자마자 잭 레너와 로버트 우드는 그 당시 전설적인 지휘자이자 교수였던 프레드릭 페넬 (Frederick Fennell)과 함께 녹음을 시작합니다. 1978년 4월 4일부터 2일간의 녹음을 마치고 음반이 발매되었을 때, 사람들의 반응은 뜨거웠습니다. 기존의 아날로그 녹음에 비해서 음악의 다이나믹 표현은 월등했으며, 특히, 베이스 드럼의 소리가 매우 인상적이었다는 평이 대부분이었죠. 1978년 발매된 이 음반은 미국에서 공식적으로 디지털 녹음으로 발매된 첫 클래식 LP로 기록되고, 이음반만으로도 디지털 녹음의 우수함을 미국 전역에 알리는데 충분했습니다 Dennis Russell Davies and St. Paul Chamber Orchestra1978년 중반에는 2 채널 디지털 녹음기인 “Herbie”를 Sound80 녹음 스튜디오에 설치하고 지휘자 데니스 러셀 데이비스(Dennis Russell Davies)의 지휘 아래 세인트 폴 챔버 오케스트라 (St. Paul Chamber Orchestra)의 연주 녹음에 시험적으로 사용합니다. 이 때 녹음한 곡은 에런 코플런드 (Aaron Copland)의 “Appalachian Spring”과 찰스 아이브스 (Charles Ives)의“Three Places in New England” 이었습니다. 하지만 녹음 당시, 이 음반은 디지털 녹음에 있어서 아직까지 논란이 되고 있습니다. 당시, 세인트 폴 챔버 오케스트라 멤버였던 빌 맥글로린 (Bill McGlaughlin)은 녹음 끝 무렵에 3M에서 갑자기 나타나 디지털녹음을 시험하고 싶다고 하였고, 총 3번의 녹음 중 한번은 제대로 녹음되지 않았으며 나머지 2번도 LP 커터에 문제가 있어 원활히 녹음되지 않았다고 주장하죠. 반대로 이 음반의 라이너 노트에서는 디지털 녹음은 기존에 계획되어 있었고 결과가 좋았다고쓰여져 있습니다. 분명한 사실은, 이 음반은 1979년에 최우수 실내악 퍼포먼스 그래미상 (Grammy for Best Chamber Music Performance) 최우수상을 받으며 그래미상을 받은 첫 디지털 녹음 음반으로 알려집니다. 3M은 Sound80 녹음 스튜디오에서 여러 다른 음반을 녹음하고 제작합니다. 재즈 팀이었던 “Flim & the BB’s” 와의 녹음음반은 미국의 클래식 장르가 아닌 첫 디지털 녹음 음반으로 알려져 있으며, 이 녹음 에서 디지털 녹음은 아날로그 녹음의 예비용으로 진행되었지만 소리가 아날로그보다 뛰어나 디지털로 작업된 음반이었습니다. 3M 사의 32트랙 디지털 녹음기는 1979년기타리스트 라이 쿠더 (Ry Cooder)가 참여한 Warner Bros. Records 사의 “Bop ’Til You Drop” 음반에 사용되고, 스티비 원더(Stevie Wonder)의 “Journey Through the Secret Life of Plants" 음반에도 사용됩니다. 이러한 음반 발매 사실만 보아도 우리는 1970년대부터 디지털 녹음이 음반 제작과 녹음에 얼마나 많은 영향을 끼치고 있었는지 알 수 있죠.  1970년대 유럽에서도 디지털 녹음에 관심을 가지기 시작합니다. 그러나 많은 음반사들은 서로 누가 첫 디지털 녹음의 음반을 발매하는지 눈치만 보고 있었죠. 첫 발을 내딛은 곳은 다름아닌 영국의 Decca Records 사입니다. Decca Records 사의 엔지니어들은 1970년대부터 디지털 녹음에 관해 시도하고 연구할 필요성을 느끼기 시작합니다. 이러한 생각은 1977년 그들을 AES 전시회로 이끌었지만 그들은 그 어떠한 장비도 그들의 마음에 든 것이 없었다는 말과 함께 스스로 개발하기로 결정합니다. 그들은 Denon 사가 사용하였던 헬리컬 주사 방식의 비디오 테이프 녹음 (helical-scan video transport record) 기술을 크게 개량하고 기존의 Decca Records 사의 장비에 적용함으로 18-bit/48kHz의 디지털 녹음기를 개발합니다. 이 녹음기는 컴퓨터를 이용하여 편집 또한 가능했죠. 이 당시 Decca Records 사의 디지털 녹음기는2채널 녹음기였는데, 1980년 AES 전시회에서 Decca Records 사의 엔지니어였던 토니 그리피스 (Tony Griffiths)는 클래식 녹음에는 2채널만사용되며 멀티 트랙 녹음은 주로 백업 용으로 쓰였기에 그 이상의 녹음기를 개발할 필요성을 못 느꼈다고 발표합니다. Decca Records 사에서 디지털 녹음기를 개발한 후에 실용적으로 사용된 음반은 1978년 비엔나 필하모닉 (Vienna Philharmonic)의 “The Year’s Day Concert in Vienna” 음반입니다. D147D2 카탈로그 넘버인 이 음반은 2 장의 LP 구성으로 되어 있으며, 시중에 발매된 유럽의 첫 디지털 녹음 음반이죠. Decca Records 사는 이 음반을 시작으로 디지털 녹음에 있어 끊임없는 발전을 이루어 냅니다. 그 영향은 Decca Records 사의 모회사인 Polygram이 “Decca’s Recording Centre”를 닫기 직전인 1990년대까지 끼치게 됩니다.