영자가 음향엔지니어를 하면서 느낀점들..그리고 실제로 녹음과 믹스를 할때의 글들을 올리도록 하겠습니다. 우선 오디오가이 게시판에 있던 글들을 옮겨놓은후.. 자주는 아니지만.. 가급적이면 여러분들에게 도움이 될만한 글들을 열심히 올리도록 노력하겠습니다.  덧쓰기 : 그리고 오디오가이에 있는 칼럼을 다른 곳에 올리실때는 반드시 출처 : 오디오가이(www.audioguy.co.kr)라고 밝혀주시기 바랍니다.

 과거에 혼자 머릿속에서 참 궁금했던 방법중에 하나가 우선 컴프레서의 정확한 사용법. 그리고 토탈컴프(요즘은 마스터컴프 혹은 믹스버스컴프라고 더 많이 부르는 것 같네요)의 사용법이었습니다.​컴프레서는 과거 아웃보드의 시대에서 플러그인의 시대로 넘어오면서 뭐랄까..사용방법에 가장 많은 차이가 생겼다고 볼 수 있는데요. 과거 아날로그 콘솔에 내장되어있던 컴프레서를 사용할때는 컴프레서 세팅을 90%이상 귀로 판단했다면.​플러그인 시대에서의 컴프레서 세팅은 반대로 90%이상 눈에 보이는 숫자에 의지하고, 컴프가 동작하는 게인리덕션되는 순간의 소리에서만 귀로 판단하는 경우가 많습니다. - 어찌보면 후자도 합리적입니다.​사실 SSL 콘솔의 내장 컴프레서 사용시에도 나름대로의 노브위치에 따른 메뉴얼이 있기는 했었습니다.​채널 컴프야 귀로 들으며 판단을 하면 된다고 해도 토탈컴프는 무엇인가 믹싱을 최종 완성하는 듯한. 느낌의 하지만 직접 걸어보면 전체적인 고역의 배음이 줄어들어 음색이 답답하게 느껴지고. 특히 좌우의 스테레오 이미지와 깊이감이 현격하게 줄어드는 것 같아서.​마스터볼륨이 좀더 커지는 것 외에 어떠한 장점이 있는 것일까?​무엇인가 토탈컴프를 잘 세팅하면 믹싱때의 밸런스가 튀는 부분들이 자연스럽게 정리되면서 무엇인가 "음반"과도 같은 사운드처럼 만들어질 것 같은 기대와는 다른 결과를 얻게 되어서 토탈컴프의 세팅방법이 참 어려웠습니다.한가지 흥미로운 사실은 많은 사람들이 컴프레서와 리미터의 사용과 용도를 명확하게 이해하지 못하고 혼용해서 사용하고 있다는 것 입니다. ​과거 대부분의 기기들 보면 컴프레서/리미터 혹은 사진의 니브 33609처럼 리미터/컴프레서가 함께 있는 이유에 관해서 다들 리미터 보다는 보다 돌려야하는 노브가 많고 더 어려워보이고 그래서 있어보이는 컴프레서에만 집중하는 경향이 있습니다.​왜 리미터와 컴프레서가 함께 붙어있을까요? ​그리고 그 둘은 각자 어떠할때 사용하는 것일까요?​물론 사진의 WAVES L2 같은 브릭월리미터는 그 용도가 명확하기 때문에 이해가 쉽습니다. - 하지만 위 L2 만 해도 브릭월리미터의 동작원리에 대해서 알고있는 사람은 또 굉장히 적습니다. - 예를들어 L2의 어택은? 비율은??? 등등​컴프레서와 리미터의 본질부터 이해를 하면 참 쉬운것이 컴프레서인데 그래서 이번에는 오디오가이 회사만의 토탈컴프(마스터컴프) 사용방법을 소개해보고자 합니다.​조금 생소하실 수 도 있겠습니다만. 유튜브와 음향책에 나와있는 사용법만이 소리의 전부는 아닙니다.사진은 오디오가이 스튜디오에서 메인으로 사용하는 DAW 인 MAGIX 내장 컴프레서입니다.​저는 아직도 대부분의 DAW 안에 번들로 포함되어있는 내장 이큐와 플러그인, 리버브를 사용하는 것을 좋아합니다.​SSL 콘솔을 사용할때도 외부 아웃보드 보다는 콘솔의 내장이큐와 컴프를 선호했던것 말이지요.​자. 사진은 Advanced Dynamics 라는 컴프레서(리미터?^^) 플러그인입니다.​저는 이플러그인에서는 리미터는 바이패스하고 본래 기능처럼 "병렬 컴프레서"로 사용합니다.​토탈컴프만큼 병렬(시리얼) 컴프가 잘 어울리는 세팅이 또 있을까요?​2대의 컴프레서를 사용하는 병렬컴프가 왜 토탈컴프에 유용한지는 먼저 제가 사용하는 토탈컴프 세팅을 설명하도록 하겠습니다.​사진을 보면 컴프 1과 2가 있습니다. 사진은 플러그인 디폴트 상태입니다.​많은 플러그인(특히 컴프레서)는 제조회사의 디폴트 세팅을 유심히 살펴보라고 꼭 당부하고 싶습니다. - 이렇게 만든 이유가 있으니까요.​컴프 2가 자그마치 -40dB 드레솔드. 컴프 1은 일반적으로 컴프에서 가장 많이 사용하는 -20dB 드레솔드입니다.

 그제 통의동 오디오가이 스튜디오에서 피아니스 황성훈의 온라인 공연이 있었습니다.​특히 이번 공연은 오디오가이에서 보유중인 타이탄라이브서버를 통해서 돌비애트모스 사운드로 송출이 되는 의미가 있는 공연이었는데요.우리가 지금까지 경험해온 스테레오 방식의 녹음과는 또 다른 돌비애트모스 방식의 이머시브사운드로 녹음할때는 무엇이 다른것일지 많은 분들이 궁금해하시리라 생각합니다.우선 클래식 음악은 녹음당시부터 피아노 소리를 위한 마이크외에 공간에 울리는 다양한 포지션에 마이크를 설치합니다.특히 오디오가이 스튜디오는 3년전부터 천정에 4대의 DPA PZM 마이크가 설치되어있어서 돌비애트모스 음원으로 제작할때 4대의 하이트채널을 위한 소리를 손쉽게 캡쳐할 수 있습니다.사진에서처럼 스트라우스패킷 AB 에 C 마이크를 추가.그리고 이렇게 서라운드 채널의 마이크들은 다양한 포지션에 둡니다.이머시브 사운드 레코딩을 보면 대부분 마이크를 천정높은곳에 설치하는데.  이번 공연에서는 귀 높이에 마이크를 설치했습니다. 이유는 울림이 길고 풍부한 스튜디오안에서 귀로 실제로 듣는것과 같은 소리를 구현하고자 하였기 때문인데요.스테레오에서 이머시브사운드(공간음향/돌비애트모스음원)의 세계로 오면서 믹싱뿐만 아니라 녹음의 관점에 있어서도 과거와는 다른 생각과 시각들이 필요하다고 생각합니다.​이 음원은 올해말 스테레오와 공간음향(돌비애트모스) 음원으로 들어보실 수 있습니다. 

 지난주 전주시립교향악단의 공연실황녹음을 다녀왔습니다.(장소는 소리문화의전당 모악당)​이번 공연에서는 기존과는 조금 다른 세팅으로 진행하였는데요.오디오가이에서 가지고 간 RODE 의 플래그쉽마이크인 TF5 페어를 모악당 서스펜션으로 설치하고 높이를 고정. 아웃트리거 마이크도 같은 RODE 사의 마이크를 사용하였습니다.(제가 좋아하는 션머피는 "스트링부스터" 라고 표현하더군요)그밖에 여러 스트링과 목관등의 마이크는 이전의 오케스트라 녹음방법의 세팅과 동일합니다.특히 이번공연장소인 모악당의 경우 천정과 측벽의 음향반사판이 없기 때문에 공연실황의 녹음과 더불어서 객석으로 지휘자와 단원들이 만들어낸 소리를 최대한 자연스럽게 관객들에게 전달하는 것이 공연진행에 있어서 중요한 부분이었습니다.클래식음악이 연주되는 장소의 한계점을 뛰어넘어 관객들에게 더욱 더 이상적이고 음악적인 소리를 전달하는 것은 기존 대중음악의 공연음향과는 전혀 다른 접근방법이 필요하니까요.예를들어 이번공연에서의 확성으로 잘 사용이되지 않는 서스펜션 마이크에서 전체 오케스트라 소리를 극장의 스피커로 내보내고 필요에 따라서 해당 마이크들을 더해서 진행하였습니다.또한 모악당의 내부 음향이 롯데콘서트홀처럼 관객들이 보다 풍부한 소리를 들을 수 있도록 극장에 설치된 2/3층의 서라운드 스피커에 녹음된 리버브를 전송하여서 객석의 뒷편에서 자연스러운 잔향을 경험해서. 객석에 있는 사람들에게는 뒤에서 소리가 나는것이 아닌 ​전주시향의 연주하는 소리에서 울림이 공연장 뒷쪽에서 풍부하게 객석으로 "되돌아 나오는소리를 느낄 수 있는 정도" 로 자연스럽게 확성하였습니다.리허설때는 해당 담당자분들이 서라운드로 나오는 소리가 너무 큰것이 아닌지 의견주셨지만 객석이 차면 괜찮을것이라 의견드렸고. 역시 객석이 차니 딱 알맞게 자연스러운 음향으로 전달이 되었습니다.다만 제가 목표로한 롯데콘서트홀의 음향보다는 잔향이 조금더 짧지만 스트링소리가 풍성하게 전달되는 예술의전당 콘서트홀에서 듣는 소리와 비슷하게 되었습니다.특히 이번 프로젝트에서 신선했던 부분은, 두분의 성악가분이 오페라 아리아를 부를때 무대에서 이동하면서 노래를 하는 부분을 바닥에 있는 MBHO 630PZM 을  통해서 함께 자연스러운 확성을 진행했다는 부분입니다.성악가의 얼굴에 아주 근접해서 설치된 성악가마이크가 아닌 바닥에 있는 PZM 마이크로 녹음과 확성까지 진행하고. 물론 이동 동선에 따라서 성악가의 음량의 차이는 약간 발생하기는 하였지만.  공연현장에서 함께들으며 무척이나 만족스러운 결과의 공연이었습니다.함께해주신 김도담 감독님께도 감사의 말씀을 드립니다. 

 제게있어서 레코딩엔지니어를 하면서 많은 영향을 준 기기중에 하나가 있다면 바로 야마하의 디지털 믹서였습니다.글을 쓰기위해서 구글링을 해보니 무엇인가 사정이 있겠지만 제가 기억하던 추억의 사진들이 모두 지금은 사라져 검색이 되지 않아 아쉽네요.제가 레코딩 스튜디오에 어시스트 엔지니어로 근무를 할때는 아날로그 멀티트랙 레코딩은 더이상 사용하지 않고(하지만 스튜더 A827은 있었습니다) SONY 3348 이라는 16비트 48Khz의 거대한 멀티트랙 레코더와 SSL 4000G 시리즈 콘솔이 있는 곳이었습니다.이후부터 제 핸드폰 번호와 사무실의 뒷번호가 3348로 사용이 되게 되었는데요^^그당시 국내방송국에서는 아날로그 4분의1인치 릴테입과 DAT를 병행해서 사용하고 있었기 때문에 어시스트 엔지니어의 주 업무중에 하나가 SSL 콘솔로 믹싱된 DAT의 소리를 스튜더 A807이나 810 등의 레코더로 복사하고 또 길이가 긴 음원은 편집하는 것이었습니다.레코딩엔지니어를 하고 있지만 변함없이 하이파이 오디오로 음악을 듣는 것을 좋아하고 있었기 때문에 자연스럽게 그당시 도이치그라모폰에서 나왔던 4D 레코딩 이라는 것에 관심을 지니게 되었습니다.AAD나 DDD가 아닌 4D?설명을 하면 악기(아티스트) 근처에 마이크프리앰프를 최대한 가깝게 두고 디지털로 연결해서 콘솔로 연결하고(여기까지가 2D. 이후 콘솔에서 멀티트랙으로 디지털 녹음한다음. 최종적으로 2트랙 디지털로 마스터를 만드는 것이었습니다. 그래서 4D?^^)이때 거대한 아날로그 콘솔이 아닌 디지털콘솔에 대한 동경의 시작이라 볼 수 있는데요.바로 사진의 야마하 DMR8 입니다.독일의 도이치그라포몬 소속의 클래식음악 엔지니어들이 DMR8을 여러 녹음에 적극적으로 사용하고 - 주문자방식의 폴리그램 아날로그 믹서들을 많이 사용하지 않았을까. (데카는 주로 NEVE 콘솔을 사용)_ 물론 그전에는 지멘스나 노이만을 사용했겠지요.독일 엔지니어들은 왠일인지 그당시 음향제조기기 강국이었던 영국의 기기들을 잘 사용하지 않는 것 같은 느낌이었습니다.이러한 아날로그 세상에서 갑작스레 발견한 야마하 DMR8을 사용한 DG의 4D 레코딩은 사실 그당시 소리가 너무 깨끗하고 좋았습니다.아날로그에서는 도저히 경험하기 어려운 신세계였지요. 그러다가 드디어 야마하의 DMC1000이라는 그당시 정말 있어보이는 디자인의 디지털 믹서를 만나게 됩니다.(90년대 초반)도이치그라모폰에 하노버 스튜디오에 이 믹서가 설치되었다는 기사와 사진들. 또하나 제가 직접 레코딩엔지니어로써 레이블을 만들게 된 큰 계기가 된곳이 있었는데 한곳은 미국의 텔락이었고. 다른 한곳은 주로 재즈음반을 만들던 DMP 레코드의 TOM JUNG 이었습니다.https://en.wikipedia.org/wiki/DMP_Digital_Music_Products톰 정의 스튜디오에 설치된 DMC1000 디지털 콘솔과 그 옆에 보이는 첼로의 팔레트라는 아날로그 이퀄라이저는 그당시 저의 꿈의 기기들이기도 했습니다.특히 이당시는 DMP 레코드의 음반이라면 모두 다 구입해서 집에있는 소박한 오디오로 들어보는 것을 좋아했는데요. 다른 음반에서 들어보지 못한 훨씬 더 생생하고 살아있는 느낌의 음반들은 지금다시 들어보아도 사운드가 정말 훌륭합니다.특히 최근의 음반들처럼 지나치게 높은 볼륨으로 마스터링이 되어있지 않아서 볼륨을 키우고 들으면 정말 좋습니다.그당시 저의 마음을 설레게 했던 멋진 사진들이 아마도 야마하와의 관계때문인지 지금은 모두 사라져 다시찾을 수 없다는 것이 무척 아쉽네요(DMP에서 SONY와 함께 미국에서 가장 먼저 SACD를 출시하고 PCM 에서 DSD 로 넘어가면서 그렇게 되지 않았을까 하는 생각도 듭니다만.)이후 DMP 레코드에서 초기제작된 SACD의 그 인상적인 소리도 지금도 기억이 납니다.이당시 DMC1000은 멋진 외관만큼이나 또 엄청난 금액이기도 했습니다. 그러다가 제가 구입한 첫 디지털믹서 야마하 PRO MIX01 이라는 제품이 95년도에 출시됩니다.과거 DMP8과 DMC1000을 동경하던 저는 이 믹서가 출시되자마자 열심히 모아서 구입하게 됩니다.하지만 지금 생각해보면 그당시의 MAKIE 의 아날로그 믹서에 비해서 소리가 인상적이지는 않았습니다.이때는 MAKIE에서 1604VLZ 라는 16채널 아날로그 믹서를 출시해서 저렴하고. 작고 또 놀라운 음질로 전세계적으로 센세이션 했을때이기도 했습니다. 프로믹스01보다 사이즈도 커지고 한결 소리와 기능이 좋아진 야마하 O2R 디지털 콘솔(1996)O2R은 디지털콘솔 사용방법을 배우고 또 활용하기에 보다 본격적인 제품이라 여러곳의 학교부터 이때부터 야마하의 콘솔이 레코딩스튜디오의 역사에서 O2R 부터가 라이브 현장에 사용되기 시작했다고 생각합니다.그러다가 야마하 디지털 콘솔의 전성기를 만들어준. 지금들어도 정말 훌륭한 콘솔이 출시됩니다. 도이치그라모폰의 엔지니어들이 향후 독립해서 만든 에밀베르리너 스튜디오 사진.야마하와 DG의 엔지니어들은 DM시리즈에서 다시 뭉치게 됩니다. DM2000 디지털 콘솔은 이당시 유럽의 클래식 음악 레코딩 회사들에서 사용하게 되는데 그 전통이 지금까지 이어지고 있지요.스웨덴의 BIS라던가. 독일의 수많은 레코딩회사들 B#뮤직부터. 트리토너스에 이르기까지.유럽의 클래식 레코딩 스튜디오에서는 야마하 DM2000 그리고 로케이션 레코딩에서는 야마하의 DM1000이라는 보다 작은 사이즈의 믹서가 많이 사용되었습니다.노이만 마이크의 유럽전시에서도 DM1000에 연결해서 노이만 마이크들의 소리들을 들려주곤 했으니까요.DM1000과 DM2000은 과거 O2R이나 PROMIX01에 비해서 비교할 수 없을정도로 순수하고 깨끗한 소리의 마이크프리앰프와 훨씬 더 다이나믹레인지가 향상된 AD컨버터. 그리고 정확한 모니터링이 가능한 DA 컨버터부터다양한 MADI부터 AES.EBU등의 옵션카드까지.이당시 DM2000의 소리에 대해서 제가 다시한번 생각하게된 경험이 하나있었는데요.오디오가이 사이트(audioguy.co.kr) 의 부산에 있는 한 분의 스튜디오에서 DM2000의 소리를 듣는데 그당시 생소한 MLAN이라는 방식의 옵션카드를 통해서 컴퓨터와 연결해서 소리를 들어보았는데. 그 소리가 너무 좋아서 속으로 많이 놀랐던 기억이 있습니다.그때부터 LAN을 통한 음향신호 전송에 대해서 큰 인상을 받고 이후 AES67 방식의 라베나 방식의 전송을 적극적으로 오디오가이 스튜디오에서 도입하게 되는 계기가 되기도 합니다.가끔 중고장터에서 깨끗한 상태의 DM1000 믹서가 나오면 한대 구입해서 사용해보고 싶은 충동이 들기도 했었습니다.야마하의 DM 이라는 이름으로 시작하는 디지털믹서는 오래전부터 저의 로망중에 하나였으니까요.하지만 이후 레코딩스튜디오 프로덕션이 프로툴스 DAW를 중심으로 콘솔이 급격하게 사라지게 되면서 야마하 콘솔을 사용하는 인연은 쉽지 않게 되었습니다.야마하 기기들이 적극적으로 사용되던 유럽의 클래식음악 레코딩씬에서도 RME MICSTASY의 출현 이후로 많은 회사들이 야마하 콘솔은 믹싱용도와 모니터링 정도로만 남겨둔채 마이크프리겸 AD 컨버터는 RME제품으로 교체하게 됩니다.위에 언급한 대표적인 클래식음악 녹음회사들 모두 RME 의 기기를 지금도 메인으로 사용하고 있고 저희회사 또한 마찬가지입니다. RME 믹스타시 3대 XTC 4대부터 UFX+ 3대와 그밖에 등등등..어떻게 보면 RME의 소리는 야마하와도 상당히 공통점이 있는 것 같기도 합니다.이후 야마하 디지털 콘솔은 레코딩스튜디오보다는 라이브현장(PA)에서 메인으로 확장되기 시작합니다.야마하 입장에서는 좋은 판단이었고 꾸준하게 야마하의 디지털콘솔 제작 노하우가 사라지지 않고 전통으로 이어지고 있다는 부분이 멋지다고 생각합니다.그러다가 작년 심쿵하는 사건이 발생합니다. https://kr.yamaha.com/ko/products/proaudio/mixers/dm3/index.html컴팩트 디지털 믹싱 콘솔 DM3 시리즈는 다양한 환경에 맞는 다재다능한 성능과 이동성을 갖추고 있어 우수한 사운드 퀄리티, 빠르고 손쉬운 셋업과 운용 그리고 프로페셔널급의 기능들을 제공합니다.kr.yamaha.com야마하에서 사라졌던 제게에는 잊을수 없는 단어인 야마하 DM 시리즈가 다시 나온것입니다.물론 지금은 레코딩스튜디오보다는 공연부터 스트리밍과 설치등 보다 넓은 용도이기는 하지만.. 그래도 야마하에서 다시 DM 시리즈를?DM3 라는 이 콤팩트하고 가벼운 디지털 믹서가 출시된것을 보고. 마이크프리앰프와 AD 컨버터가 20여년전에 출시된 DM1000보다 좋다면 지금 사용하는 RME 기기들을 몽땅 다 정리하고.회사의 스텝들 1인당 DM3 1대씩 지급해서 이 믹서를 통해서 녹음과 믹싱작업들을 진행하면 어떨까? 혼자 잠시 상상해보기도 하였습니다.저는 아직도 컴퓨터 내부의 DAW에서 믹싱하는 소리보다 디지털 믹서를 통해서 믹싱하는 소리가 제게는 더 "자연스럽게" 들리거든요.(이유는 모릅니다.) DM3 출시이후 나온 상급의 모델 DM7.이제는 이 콘솔을 보고 레코딩스튜디오에서 사용할 생각을 하는 사람은 아마도 전세계적으로 많지 않겠지만. 최근에 출시된 이 콘솔을 보고 저는 오디오가이 스튜디오에 설치해서 사용하고 싶어지더라구요.클래식등 어쿠스틱 음악 레코딩에 있어서의 야마하 DM 시리즈의 오랜 협업과 저의 위에서 이야기한 개인적인 추억들.제가 레코딩 엔지니어(음향엔지니어)라는 직업을 언제까지 하게될런지는 모르겠지만 야마하 콘솔로 이제는 25여년전의 그때의 마음으로 돌아가서 다시한번 작업해보고 싶다. 라는 생각이 듭니다.특히 최근에는 클래식 오케스트라와 합창의 공연실황 녹음 뿐만 아니라 현장에서 확성(PA)를 하는 부분도 점점 늘어나고 있고 - 아마도 오히려 녹음보다도 현장에서 공연음향을 담당하게 되는 일이 더 많아지지 않을까? 라는 생각도 들고요https://kr.yamaha.com/ko/products/proaudio/afc/index.html특히 오디오가이의 장점이라고 할 수 있는 이머시브사운드(공간음향) 제작에 관해서 야마하에서 AFC라는 기술을 상당히 오래전부터 개발하고 발전시키고 있기 때문에 AFC를 통해서 클래식 공연에서의 관객분들에게 새로운 소리에 대한 경험을 전달해보고 싶다. 라는 생각도 들고요.어떻게 보면 야마하의 DM시리즈가 클래식음악 녹음게에 참 많은 영향과 변화를 주었다는 부분을 오랜 기억과 함께 생각해보았습니다.과연 DM7을 구입하게 될것인지. 저 자신도 궁금하네요^^

 몇해전 부터 오디오가이의 레코딩 메이트로 함께하고 있는 시흥시립합창단 공연에 왔습니다.​오늘은 오케스트라에 합창 그리고 솔리스트 구성. 오디오가이의 로케이션 레코딩 가운데 가장 많은 비중을 차지하고 있는 공연구성이기도 합니다. (레코딩과 PA(확성)을 함께 담당하고 있습니다.)기본적인 마이크세팅은 지난 천안시립교향악단의 녹음때와 동일합니다.​오늘 가장 중요한 부분은 역시 "합창"인데요.합창의 레코딩은 어떻게 보면 오케스트라 레코딩보다도 훨씬 더 어려운 분야이기도 합니다.지휘자가 공연장에서 의도한 소프라노(소) 알토(알) 테너(테) 베이스(베)의 밸런스가 조화롭게 되도록 마이크를 설치 하는 것이 가장 중요합니다.특히 유의해야할 점은 마이크가 특정 합창단의 사람의 소리만 지나치게 크게 들린다던가.(마이크의 위치 조정) 작은 부분에서는 괜찮은데 음량이 큰 부분에서는 소리가 깨지는 느낌이 든다던가(마이크의 높이 및 거리 조정) 하는 세세한 부분외에도. 소 알 테 베중 특정부분에서 알토나 테너가 너무 튀거나 하는등 음향적으로 중요하게 체크해야할 부분들이 많이 있습니다.무엇보다도 실제 현장에서 합창을 들으면 굉장히 소리가 풍부하게 들리는데, 마이크를 통해서 녹음을 해서 들어보면 합창단의 인원수가 마치 절반정도로 줄어든것 같이 들리게 되면 마이크의 설치위치에 문제가 있는 것인데요.이 이유는 합창단의 스팟마이크로는 실제 귀로 듣는것처럼 풍부한 소리로 절대 녹음이 되지 않습니다.음악을 듣는 사람은 대부분 합창단과 상당히 떨어진 거리의 객석에서 듣기 때문에 공연장의 음향상황에 따라서 빈약하거나 또는 아주 풍부한 소리로 듣게 되는데요.그렇기 때문에 오케스트라 녹음에서와 마찬가지로 메인마이크(홀에 서스펜션마이크)가 굉장히 중요합니다.하지만 오늘 녹음하는 공연장의 경우는 서스펜션 마이크가 없습니다^^  이때는 이렇게 케이블 타이로 마이크스탠드를 조명바텐에 고정해서 마이크를 직접 설치합니다.오늘 녹음된 소리를 들어보니 이 마이크가 없었다면 녹음된 소리는 모두 아티스트 바로 앞에서. 홀이 아닌 방에서 듣는것과 같은 소리로 완성이 되었을 것 입니다.오늘은 공연장의 무대의 크기제한으로 아웃리거 마이크를 설치하지 않고 관객석을 향한 PZM 마이크의 비중을 더욱 더 높게 하여 공연장에서 직접 듣는것과 같은 현장감을 재현하였습니다. 

 오케스트라 녹음에서 가장 중요한것은 전체를 포착하는 메인마이크의 위치입니다.  세션녹음의 경우는 오디오가이 팀에서 붐스탠드를 가지고 가서 녹음하지만 공연실황이나 영상중계등이 함께있을때는 사전에 홀과 협의해서 홀에 설치된 서스펜션 마이크의 위치를 조정하며 함께사용합니다. - 음악에 따라서 오디오가이의 마이크를 홀의 서스펜션에 설치하기도 합니다.메인마이크 이후 오디오가이 스텝들이 항상 설치하는 것은 각 스트링 마다의 스팟마이크(보조마이크)의 "위치와 높이 입니다.사진은 지휘자의 바로 왼쪽. 오케스트라 수석이 있는 제1바이올린의 스팟마이크입니다.​공연장의 음향에 따라서 다르지만 사진보다 높이가 더 낮으면 딜레이보정을 하더라도 메인마이크(서스펜션마이크)와의 조합이 좋지 않습니다. 위와 같은 높이에 방향이 반드시 제 1바이올린쪽으로 아래를 향하고 있어야 정확한 "스팟"을 녹음할 수 있습니다.​다음은 마이크를 어디에 두는지 인데요. 여러분들의 상상과는 다르게 제 1바이올린 수석과 차석 사이에 마이크를 둡니다.(마이크프리 게인은 +20dB)​"제1바이올린 수석쪽으로 마이크를 향하지 않습니다."오케스트라의 스팟마이크는 해당 소리만 녹음하는 것이 아니라 메인마이크를 보조하는 역할이며 자연스러운 스팟마이크에서의 의도하는 직접음 뿐만 아니라. 간섭음으로 다른 스트링파트의 소리들이 자연스럽게 들어와야 합니다.​스팟마이크의 방향은 바이올린을 향하지만 정확하게 on axis 하지 않는 이유가 중요한데요.가끔씩 오케스트라 녹음에서 특정부분에서 제 1바이올린의 소리가 지나치게 튀어나오는 녹음을 들을때마다 자연스럽지 않게 들립니다.그리고 스팟마이크의 역할은 마이크를 바라보는 악기들만 녹음하는 것이 아닌 스트링 뒷 플트의 소리들이 자연스러운 거리감으로 녹음이 되어야 OK 입니다. 제2바이올린과 비올라의 스팟마이크 위치. 그리고 사진처럼 첼로도 동일합니다.4개의 지휘자 앞에 각 스트링 파트 앞에 두는 마이크의 높이는 통일시켜야 자연스럽게 섞입니다.​ 자 그렇다면 이 마이크는 무엇일까요? 스트링 뒷플트의 스팟마이크입니다.​귀로 현장에서 오케스트라를 들으면 소리가 정말 풍부하고 꽉차는 음향에 매료되지만. 녹음된것을 들으면 한결 소리가 빈약하게 들리는 여러가지 이유들이 있습니다.메인 마이크와 각 현악 수석들 앞에 스팟마이크외에도 뒷 플트에도 이렇게 스팟마이크를 더합니다.이 마이크프리의 게인은 약 +10dB 정도로 상당히 작습니다. ​사진에서처럼 630PZM 마이크는 지향성이라 스트링 뒷플트 소리를 정확하게 녹음할 수 있고 고역이 완만하게 롤오프되어있어서 소리가 자연스럽게 들립니다. ​콘트라베이스 수석앞에도 스팟마이크를 설치.이역시 630PZM 마이크를 설치합니다.  콘트라베이스같은 저음악기 일수록 PZM 마이크를 사용했을때 효과가 더욱 더 놀랍습니다.​ 다음은 목관 스팟 마이크입니다._마이크프리 게인 +15dB목관은 보통 DPA 3521 ORTF 마이크를 사용해서 세팅합니다. 실제 소리는 현악 스팟마이크정도의 높이를 하는 것이 필요하지만 실제로는 그보다 스탠드의 높이를 낮게 녹음합니다.이유는 2가지.첫번째, 목관 스팟마이크는 지휘자의 딱 정면의 시선에 있기 때문에 너무 높으면 목관 뒤 금관이나 타악기 파트와의 아이컨택이 불편해질 수 있습니다.두번째, 목관 스팟 마이크의 위치가 너무 높으면 뒤 금관 그리고 그 뒤 팀파니 소리가 목관 스팟마이크로 상당히 크게 전달이 되기 때문입니다.목관악기는 솔로로 나오는 부분들이 상당히 많기 때문에 이경우는 오토메이션으로 볼륨을 조정하기 때문에 목관 스팟은 딱 원하는 목관의 소리만 정확하게 녹음되도록 하는 것이 중요합니다.목관 스팟마이크의 마이크프리 게인이 낮은 이유는 목관의 경우 메인마이크로도 상당히 소리가 자연스러운 거리감으로 전달되기 때문입니다.그렇기 때문에 모든 오케스트라녹음에서의 스팟마이크도 그렇지만 특히 목관 스팟마이크의 페이더를 올렸을때.  스팟이 없을때보다 오케스트라의 "깊이"감이 얕아지게 되면 안됩니다. - 오케스트라 녹음에서 스팟마이크를 많이 사용할수록 메인마이크에는 전달되어있는 "깊이감"이 사라지게 되기 때문인데요.반드시 "딜레이보정"(메인마이크와 스팟마이크의 거리를 cm로 계산해서 시간차만큼 파일을 뒤로 미루어서 메인마이크와의 조화가 잘 될 수 있도록 조정하는 것) 다음으로는 팀파니입니다.팀파니 역시 드럼을 녹음하듯이 너무 가깝게 마이크를 설치할 필요가 없습니다.사진정도의 높이에서는 팀파니 외에도 곁에서 함께 연주하는 타악파트들의 소리도 어느정도 함께 전달이 되어도 괜찮습니다. 결국 이것이 소리의 현장감을 만들어내니까요.팀파니 마이크를 설치할때는 사진에서처럼 꼭 마이크가 팀파니를 정면으로 바라보아야 합니다. 마이크가 악기의 타점을 바라보는 형태로 세팅을 하면 위상변위로 인한 오히려 깨끗한 트랜전트를 얻기 어렵습니다. 공연장 메인 마이크(서스편션)과 함께 오디오가이 팀에서는 늘 3미터 스탠드를 두개 가지고 가서 양쪽으로 아웃리거 마이크를 설치합니다.(무지향성 AB, 사진과 같은 게펠 빈티지 마이크사용) + 마이크프리 게인으 +15dB오케스트라 녹음에 있어서 절대로 없어서는 안되는 마이크 포지션이기도 합니다.이 마이크를 설치할때는 연주자분들의 활이나 움직임에 방해가 되지 않는지. 설치후 리허설할때 가장 먼저 확인해야햐는 부분이기도 합니다. 그리고 역시 오디오가이 로케이션레코딩의 트레이드마크인 공연장의 현장의 분위기를 녹음하기위한 MBHO 648PZM 마이크 2개를 관객석 방향으로 설치하는데요.이것도 처음 스트링 스팟마이크와 같은 위치에 설치합니다.특정 관객방향만 향하게 되면 박수칠때 그사람의 박수만 크게 들리면서 오히려 공간감이 적게들립니다.그렇기 때문에 공연장의 관객석이 아닌, 사진처럼 복도쪽을 마이크가 바라보도록 하고 설치합니다.(중요)​ 바이올린 협주곡에서의 마이올린 스팟마이크는 DPA 4018을 사용했습니다.현장에서의 소리의 느낌을 그대로 관객에게 전달하는 오케스트라 녹음은 제가 가장 좋아하는 분야이기도 합니다

오래전에 직접 작편곡한 음악을 가지고 스튜디오에 가서 음반작업을 위해서 녹음이라는 경험을 한지 곧있으면 30년이 됩니다.​최근에 문득 드는 생각은, 나는 음악과 소리를 아주 좋아하는 사람이기는 한데 어찌보면 음향에 큰 재능이 있는 것은 아니지 않았나.. 생각을 해보기도 합니다.​물론 스튜디오에서 신입엔지니어로 들어와서 2-3년이 지나면 본인 스스로가 세계적인 음향엔지니어 인것처럼 생각하고 생각하는 사람들도 있습니다만.. ​참 자신을 객관적으로 바라본다는 것이 누가 가르쳐줄수도 없는것이고 쉽지 않구나.. ​내가 들었을때는 참 부족한점이 많은데 스스로 작업물에 대한 부족함은 어떻게 그렇게 생각하지 못하고 다른사람의 작업에 부족한것만 그렇게 잘 찾아내는지. 하는 생각도 있습니다.​이 직업이 자신이 좋아하는 소리와 음색으로 밸런스를 조정하다보면 자신이 듣기에는 자신이 만든 소리가 좋게들립니다.​하지만 결국에는 내 자신이 듣기위해서 소리를 통해서 음악을 만든것이 아닌만큼,​내가 만든 소리를 통한 음악이 보다 많은 사람들이 듣고 "좋다" "음악적이다" 라고 느끼는 것이 무엇보다도 중요하지 않을까 싶습니다.​내가 좋아하는 음악을 소리로 만들어서 전달하는 이 직업이 과연 언제까지 존재하게 될까? 라는 생각들이 드는데요.​HIFI, 고음질 이라는 단어는 이제는 정말 사어가 되어가고 있는 것 같습니다.​https://www.tokyo-m-plus.co.jp/반면에 또 놀랍게도 정말 오래전부터 염원해왔던 일본 피지컬음반 진출을 하게 되었습니다.(마지막 불꽃인가요?)​킹레코드와 함께 일본 음반유통계의 양대산맥이라 할 수 있는 도쿄엠플러스와 좋은 인연이 되어(김보경 대표님 넘넘 감사드려요.ㅜ.ㅜ) 벌써 한국에서만도 3번째 미팅. ​기존 오디오가이 레이블의 음반외에 내년에 새롭게 런칭을 준비하고 있는 신규레이블에 대한 계획까지 일본 유통사 대표와 함께 여러 준비들을 하고 있습니다.​일본은 아직도 CD의 판매량이 우리의 상상보다도 훨씬 더 높은 편입니다.​내년부터 본격적으로 일본과의 파트너쉽이 시작이 되지만. 또 마음한편으로 이러한 생각도 듭니다.​전세계 음반시장에서 아직까지 피지컬음반의 배수의 진이라 할수 있는 일본의 음반시장은 향후 몇년정도 유지될 수 있을까? 하고 말이지요. 그래도 감사하고 또 좋은점중에 하나는 일본판 스테레오 사운드에서 앞으로 오디오가이에서 제작한 음반들의 소식이 종종 소개가 된다는 부분입니다.^^​계간지이지만 그 어떤책보다도 서점에 나오자 마자 가장 빠르게 구입하고 또 읽고 또 읽고. 가족들이 어떻게 똑같은 내용 그렇게 보는데도 질리지 않냐고 물을정도로 애독하는 책이기도 합니다.  다시 레코딩엔지니어라는 직업이야기로 돌아와서. ​이 직업이 언젠가는. 혹은 곧 희미해질런지도 모르겠지만. 50-60년전 처음 이직업의 황금기였던 시절을 생각하며 ​이렇게까지 하지 않아도 누구도 알아주지 않더라도. 그래도 내가 좋아하는 음악과 소리가 제작이 될 수 있도록.

 지난금요일 대구에 있는 수성아트피아 대극장에서 한경필하모닉 공연실황 녹음이 있었습니다​오랫만에 그간 녹음을 진행해보지 않은 새로운 극장에서의 녹음이었는데요. 홀의 잔향은 제가 선호하는 만큼 길지는 않았지만 적절한 초기반사를 지니고 있어서 객석으로의 소리전달은 괜찮았습니다.​홀의 서스펜션 마이크를 가지고 간 DPA DRK40000 세트중 잠시 고민후 4015로 NOS 로 서스펜션 마이크를 홀의 음향감독님께 양해를 드리고 설치하였습니다.​4015는 와이드카디오이드라 ORTF에서는 소리가 모노스럽게 되기 때문에 NOS가 적당합니다. ​그리고 양 사이드에 아웃트리거 AB로는 3미터 스탠드에 DPA 4006 무지향성 마이크를 설치하였는데. ​전반적인 오케스스트라 사운드의 85%는 이 4개의 마이크로 이루어 집니다.그리고 보통 포디엄앞에 스트링 파트마다 수석앞에 보조마이크(스팟마이크)를 두는 것이 일반적인 오케스트라 녹음인데 저는 최근에는 MBHO 648 PZM 마이크를 스트링 스팟의 보조 마이크로 많이 사용합니다.​먼저 메인 마이크와 훨씬 더 자연스럽게 섞이기 때문인데요. ​다만 스탠드형 마이크에 비해서는 타악기라던가 다른 금관등의 간접음 소리비중이 높은편이지만 또 간접음과의 적절한 믹스가 결국에는 좋은 오케스트라 사운드를 제작할 수 있는 것이니까요.​제1바이올린앞 제2바이올린과 비올라 수석 사이에 1개, ​그리고 첼로와 콘트라베이스 수석앞에 있는 스팟마이크는 최근에 구입해서 놀랍도록 유용하게 사용하고 있는 MVHO 630 PZM 마이크를 사용하였는데요. ​이마이크는 상당히 지향성이 강한 PZM 이라 첼로와 콘트라베이스 같은 저음악기에 원하는 악기소리만 깨끗하게 녹음할 수 있습니다.​같은 PZM 이라도 바이올린같은 고음악기들은 이 지향성 PZM 에서는 제대로 집음을 하지 못하지만 첼로와 콘트라등 저음악기에는 마치 초지향성 스팟마이크를 사용한것과 같은 놀라운 효과를 들려줍니다.​다만 648 PZM 에 비해서 이 630PZM 은 보다 긴 서스펜션마이크와의 딜레이를 걸어서 자연스럽게 타이밍이 맞도록 믹싱합니다.​ 다음은 목관 스팟 마이크입니다.​사실 서스펜션마이크(메인마이크)로도 대부분 충분한 목관의 밸런스가 거리감있게 자연스럽게 전달이 되어서 스팟마이크 가운데 가장 낮은레벨로 사용하는 마이크이기도 합니다. - 보통 녹음시 +10dB 마이크게인으로 녹음합니다.​그것도 스튜디오에서 믹싱하면서 들어볼때는 아예 바이패스하는 경우도 상당히 많지만. 음악에 따라서 목관파트 솔로가 명확하게 표현되어야 하는 경우를 위해서 사용한다고 보면 됩니다.​처음에는 MBHO 604 초지햐성 ORTF 로 설치를 했다가 아무래도 지휘자 정면에 바로 보이는 마이크라 시선에 걸리지 않았으면 해서 DPA 4018 초지향성으로 교체하였습니다.피아노에는 DPA 4099 로 심플하게 세팅 - 앞으로 합창과 오케스트라의 피아노 녹음에는 이 세팅으로 고정이 될 것 같습니다. 로우컷 마이크바디를 사용하였습니다.녹음세팅의 항상 마지막이지만 어떻게 보면 메인마이크만큼이나 중요한 공연장도 하나의 악기라고 볼 수 있기 때문에 공연장의 음향을 녹음하기 위한 관객석 방향으로 한 DPA 4060 PZM 마이크를 2대 설치하였습니다.​늘 객석쪽 앰비언스 마이크를 설치하고 현장에서 헤드폰으로 들어보면 자연스레 미소가 지어집니다.

 스튜디오에 새로운 팀원이 오면 소통에 가장 먼저 막히는 부분이 있다면 녹음시 DPA 4011 마이크로 피아노 마이크 ORTF 로 설치해주세요! 라고 하면 DPA 마이크가 무엇인지 혹은 여러개의 DPA 마이크가운데에서 4011이 무엇이닞 잘 모른다는 것입니다.^^ 그래서 오디오가이에서 사용하고 있는 기기들에 대한 간략한 소개와 스튜디오에서의 세팅방법에 관해서 오래전부터 업무메뉴얼을 만들어서 꾸준히 업데이트를 하고 있습니다.최근버젼을 올리기는 조금 그렇고 2020년의 오디오가이 스튜디오 어시스트엔지니어 업무메뉴얼을 공개합니다.그냥 스튜디오에서 사용하고 있는 기기들의 메뉴얼이라고 볼 수 있겠지만 수백페이지의 메뉴얼가운데에서 항상 사용하고 있는 부분들만 간추려서 만들어두었습니다.

오디오가이/사운드360 스튜디오에서 구체적으로 돌비애트모스 믹싱을 어떻게 진행하는지 구체적인 프로세스에 관한 내용입니다. 

음악에 풀 오케스트라 같은 사운드를 만들기 위해서 스튜디오에서 스트링을 녹음하는 경우 같은 파트를 여러번 녹음을 해서 풍성함을 더합니다.​하지만 그것이 과연 소리가 풍성해지는 것일까요?실제 현장에서 풀오케스트라 녹음을 할때보면 위와 같이 메인 마이크 ​그리고 각 파트마다 보조마이크가 있습니다.​스튜디오에서 스트링을 녹음하고 여러번 더빙을 하는 경우 과연 사람이 많아진것 같은 소리가 나게 될까요? ​사실 그렇지 않습니다.​이유는 두번째 사진의 바이올린 스팟마이크를 보시면 제1바이올린의 악장은 마이크에 가깝고 ​그 뒤로 갈수록 마이크와의 거리가 멀어집니다.(떨어집니다.)​거리가 멀어진다는 것은 어떠한 것을 의미할까요? ​​그래서 저는 스튜디오에서의 스트링 녹음에 더빙을 하는 경우. 더빙때마다 마이크의 높이를 조금씩 높힙니다^^ ​단순하지만 아주아주 유효한 방식입니다.​또는 3번혹은 4번을 더빙할때는 보조마이크는 사용하지 않고 메인 마이크나 앰비언스의 마이크만 더 높혀서 더빙을 합니다. - 이역시 아주 효과가 좋습니다.​하지만 이렇게 녹음되지 않고 단순하게 더빙만 된경우는 믹싱작업을 통해서 이러한 효과를 만들어내게 되는데요​우선은 메인이 되는 스트링 파트의 밸런스를 조정합니다. - 늘 밸런스는 가장 중요하니까요 ​사용하는 리버브의 경우도 첫번째 더빙한 스트링에 더하는 리버브 타임이 프리딜레이 30ms 에 리버브타임 3.45초 라면 여기에는 dry 를 15에서 30% 정도한 리버브를 사용합니다.​그리고 두번째 더빙된 리버브에는 같은 리버브 타임이라도 프리딜레이를 0ms로 하고 중요한 dry를 0% 로 합니다.​이것만으로도 메인 스트링과 1번 더빙된 스트링과의 상당한 입체감이 생기게 되는데요.​위 오케스트라 녹음시의 사진을 보는 것처럼 사실 거리가 멀어진다는 것은 레벨이 함께 떨어진다는 것을 의미합니다.​그렇기 때문에 더빙된 스트링의 경우는 녹음된 것에서 레벨을 30% 낮춥니다.​2번째 더빙된 트랙은 50% 낮추고 여기서부터는 하이컷을 하기 시작합니다. - 거리가 멀어지면 당연히 고음도 롤오프 되니까요 - 혹은 첫번째 더빙된 트랙부터 하이컷을 사용하기도 합니다.​3번때 더빙된 트랙 역시 볼륨을 더 낮추고 하이컷을 더 많이 겁니다.(중역부터) ​4-5번째 더빙된 트랙부터는 모든 더빙된 트랙을 사용하지 않고 밸런스과 공간감 깊이감을 조정하면서 제1바이올린이나 저음의 첼로 스팟마이크만 사용하던가 합니다. - 그러면 위 2마이크에 들어가있는 제2바이올린과 비올라의 소리가 더 거리감(깊이감)이 있게 됩니다.​오케스트라 사운드에서 있어서 가장 중요한 것은 지휘자의 포디엄을 둘어싼 악기들의 소리가 어떻게 음향적으로 깊이감이 살아있으면서 자연스러운 블렌딩이 되는 것인데요​스튜디오에서 여러번 더빙을 거친 소리를 이렇게 풀오케스트라 사운드로 믹싱하는 경우는 이렇게 믹싱을 통해서 다양하게 실제 오케스트라와 마이크의 거리감을 생각하면서 귀로 들으면서 과감하게 사운드를 조정해보는 것도 필요합니다.

지난달 네이버 x 돌비 x 오디오가이 함께 즐겁게 워크샵하면서 강의했던 내용입니다.과거 오디오가이 칼럼에 올렸던 내용들에 이미지를 추가하고 내용을 조금 간결하게 수정하였습니다.  

 어제 토요일 여의도에 있는 영산아트홀에서 "더싱어즈"의 공연실황녹음이 있습니다.​공연실황녹음하러가 가서 이렇게 많은 합창지휘자 분들과 인사한것은 또 처음인것 같습니다. (그간 함께 작업했던 지휘자 분들이 모두 함께 노래하시고 계셨습니다.)​이렇게 공연실황 녹음할때는 함께 하는 공간의 스텝분들과의 소통도 무척중요한데요. 영산아트홀은 특히 음향감독님이 열정적이시고 너무 좋습니다.^^​영산아트홀에서 녹음할때는 아티스트 대기실이나 무대 상수나 하수의 여유공간이 아닌 이렇게 무대 근처, 객석옆 기둥에 자리를 합니다. - 이럴때는 헤드폰을 오픈형인 HD800 이 아니라 클로즈형으로 하나 마련해야겠다 생각이 드는데 아직 소리가 마음에 드는 클로즈형 헤드폰을 만나보지 못했습니다. ​컨트롤룸에는 RME사의 UFX+ 와 12프리가 들어있는 랙케이스  그리고 무대 한쪽에는 RME 믹스타시 2대가 들어있는 박스에 광케이블로 컨트롤룸의 UFX+와 연결합니다.​꽤 오랫동안 오디오가이의 로케이션 레코딩의 안정적인 세트로 사용하고 있는 제품인데요.​생각해보니 이렇게 오랫동안 이 기기를 사용하고 있는 제가 조금은 신기하게 느껴지기도 합니다.​과거에는 상당히 녹음때마다 기기들을 교체해가며 사용했었거든요​RME 믹스타시는 출시된지 벌써 10년이 넘었지만 지금도 유렵의 클래식 음악 녹음에서는 멀징 제품과 함께 스탠다드로 가장 선호되는 제품이기도 합니다. 영산아트홀은 놀랍게도 내부가 대리석으로 되어있습니다.​건축음향으로 그 유명한 나가카어쿠스틱이 설계한 곳이기도 합니다.​적절한 초기반사로 소리가 좌석 구석구석 잘 들리고 깨끗합니다.​공연장의 숍스 SUS 마이크와 더불어 합창 각 파트마다 DPA 4097 마이크 4대를 사용하였습니다. 피아노는 그간 정말 오랫동안 DPA 마이크들을 피아노녹음에 사용해보았지만 처음으로 설치해본 DPA 4099 세트​최종 세팅에서는 사진보다 마이크를 좀더 높혔습니다.​4099 피아노 소리는 오랜시간 사용하던 DPA 3521에 비해서는 확실히 레인지가 좁다고 느껴졌습니다. 그런데 이번에는 DPA 4099 마이크는 너무나도 유용하게 사용하였는데요​사진처럼 첼로의 스팟마이크. 그밖에도 해금과 피리의 스팟마이크로도 보면대에 마이크를 클립으로 고정해서 사용하였습니다.​이렇게 하니 카메라에 걸리지도 않고 무대 전환도 한결 심플하고 좋았습니다. - 사전에 DPA4099 케이블을 보면대에 고정해두었습니다^^​PS ; 악기에도 직접 붙일 수 있지만 악기와 마이크의 거리가 너무 가까운것보다는 사진처럼 적절하게 떨어져있는 것이 "공기감"을 함께 녹을할 수 있다 생각합니다. 지금까지 영산아트홀에서 오르간과 합창녹음에서는 오르간에 스팟마이크를 사용하지 않아도 충분한 밸런스를 얻을 수 있었는데​이번에 연주하는 곡들은 포지티브 오르간의 음색을 사용하는 곡들이라 별도의 스팟마이크를 사용하였습니다.​오르간은 무엇이랄까.. ​피아노보다도 훨씬 더 오래전부터 사람의 목소리와 함께 해온 모든 악기들 가운데 가장 사람목소리와 잘 어울리는 음색이라 생각하는데요.​처음에는 DPA 4015 반무지향성 마이크를 사용했다가 합창 소리와의 분리를 생각해서 DPA 2011로 교체하였고 이편이 더 좋은소리(음악적으로)를 들려주었습니다.​아마도 오르간 솔로였다면 사진보다 더 먼거리에 마이크를 설치하고 DPA 4015 가 훨씬 더 좋은 소리를 들려주었겠지만 이번 음악에서는 DPA 2011 이 합창과 더욱 더 잘어우러지는 소리를 들려주었다 생각합니다. 이번 녹음에는 DPA 수입처인 사운드솔루션에서 오디오가이에서 DPA 마스터즈클럽의 한국의 두번째 멤버가 된 기념으로 DPA의 거의 모든 마이크들이 3단랙안에 들어있는 DRK40000 세트를 빌려주셔셔 오랫만에 DPA 마이크들을 원없이 다양하게 사용해볼 수 있었습니다.​최근 몇년간늘 같은 마이크로 같은 세팅으로만 녹음을 하다가 ​DRK40000 세트를 만나면서 보면대에 마이크를 붙이기도 하고 그간의 녹음에서 미처생각해보지 못했던 다양한 아이디어들이 떠올라 더욱 더 즐거운 공연실황 녹음이었습니다.​공연이 끝나고 지휘자 선생님께서 더싱어즈라는 단체에 관한 ​

 작년 부산 아시아드 경기장에서 있었던 큰 규모의 KPOP 콘서트에서 현장 돌비애트모스 라이브 스트리밍을 위한 믹싱 및 녹음을 진행하였습니다.시스템은 사진처럼 모두 제네렉과 포커스라이트.특히 이번 공연을 위해서 굉장히 긴시간동안 여러 준비를 하였는데 포커스라이트 레드 시리즈를 통해서 만족스러운 결과를 얻을 수 있었습니다.  스튜디오에서 마우스로 진행하는 믹싱이 아니라 현장 실시간 공연의 라이브스트리밍이기 때문에 볼륨 조정을 위한 아비드 컨트롤러를 새롭게 구입하여 사용하였습니다.ㅜ.ㅜ우측은 포커스라이트 R1 컨트롤러 - 정말 혁신적인 제품이지요.  기본적으로 서초동 오디오가이/사운드360 스튜디오의 기기들을 그대로 떼서 경기장으로 가지고 왔습니다.포커스라이트 레드 8와 16. 그리고 AES 컨버터  경기장의 FOH에서 멀티채널 소스들을 받기위한 포커스라이트 레드 AD 컨버터특히 이번에는 FOH 와 모니터 콘솔쪽에서 돌비애트모스 믹싱룸까지 거리가 200미터가 넘기때문에 단테를 광으로 변환하여 전송하였습니다. 이번 돌비애트모스 라이브스트리밍의 블럭다이어그램입니다. 올해 오디오가이/사운드360에서 돌비애트모스 라이브스트리밍이 가능한 LIVE360 중계차가 상반기중에 완성됩니다.이제 어떤 장소에든 LIVE360 중계차를 통해서 공연장의 분위기를 집안에서 경험할 수 있습니다.^^ 

 돌비애트모스믹싱을 하는데 있어서 중요한 포인트중에 하나인 애트모스 리버브의 사용법입니다.​스테레오 리버브를 각 7.1.4 채널로 보내서 믹싱하는 것이 왜 안되는지에 관해서는 향후 글에서 자세히 설명드리도록 하겠습니다.​먼저 돌비애트모스 믹싱을 할때는 2개 이상의 다른 전용 애트모스 리버브를 사용하는 것을 추천합니다. - 공간이 더 넓게 구현됩니다.​​가장 손쉽게 사용할 수 있는 애트모스 리버브인 리퀴드소닉 시네마틱룸에 관해서 살펴보겠습니다.​https://blog.naver.com/audioguy1/221232134160리우선 애트모스 리버브를 사용하려면 스테레오 리버브의 구조와 파라미터에 관해서 명확하게 파악하고 있어야 정확한 활용이 가능합니다.​시네마틱룸 화면을 보면 보통 리버브들과는 다르게 "초기반사(리플렉션)과 "리버브"의 두개의 화면이 나옵니다.​이것은 그만큼 초기반사의 파라미터가 중요하다는 것을 뜻한는데요.​이유는 초기반사음이 공간의 크기와 재질(성향)등을 결정하는 요소이기도 합니다. - 이 이유는 위 링크의 글들에서 이해하실 수 있습니다.​​어떻게 보면 돌비애트모스믹싱에서 보컬의 리버브 세팅이 가장 쉬운편이고 다른 악기들의 리버브 세팅이 조금 까다롭고 복잡합니다. - 리버브와 공간감에 대한 이해가 있다면 엔지니어의 머릿속에서 풀어서 사운드를 디자인하며 만들어낼 수 있습니다.​보컬이라면 아마도 위와 같은 세팅으로 진행할 것 입니다. - 초기반사 세팅과 리버브 타임​그러면 스테레오이던 애트모스이던 믹싱의 시작이라 볼 수 있는 드럼. ​드럼에서 킥드럼의 경우는 어떨까요? ​스테레오 믹싱에서 컴프와 이큐, 리버브등으로 공간감을 조정하는 것 처럼 애트모스 믹싱에서도 동일합니다.​만약 킥드럼에 애트모스 리버브를 사용하게 된다면 위 세팅에서 어떻게 바뀌게 될까요?리버브의 사용방법과 파라미터에 관해서 이해를 하고 있다면 시네마틱룸의 가장 중요한 파라미터는 사실 오른쪽 위에 있습니다.​마스터 리버브 세팅후 프론트,리어,센터,사이드.엘레베이션(하이트 혹은 오버헤드) 채널의 리버브의 파라미터를 각각 조정할 수 있게 되어있습니다.​킥 드럼에 애트모스 리버브를 사용한다면 아무래도 소리가 바닥 아래로 깊게 깔리는 것이 좋겠지요?​그렇다면 킥 드럼 애트모스 리버브에서는 굳이 소리를 오버헤드(엘리베이션)으로 많이 보낼 필요가 없거나 엘리베이션에는 리플렉션 부분이 필요하지 않고 공간감을 만들어주는 리버브 정도면 필요합니다.​킥 드럼 애트모스 리버브에서는 리플렉션 부분을 잘 들리지 않도록 파라미터를 조정해야 하는 것이지요.​반면에 다른 프론트, 리어, 센터, 사이드 등으로 보내는 것도 쿵~ 에서 다이나믹한 느낌을 더 주고 싶다면 리플렉션 레벨을 조정하고​리버브의 하이컷을 아주 아래로 내립니다. - 저는 0.5K 미만으로 아주 낮게 사용하는 것을 추천합니다.​이렇게 아주 살짝만 킥드럼에 걸어주면 공간을 채워주는 리버브가 킥 드럼보다도 더욱 더 낮게 아래로 깔려서 애트모스의 공간감이 깊어집니다. ​​# 스테레오 믹스이든 애트모스 믹스이든 좋은 믹스에서는 공간감이 더 크게 만들어지니까요. ​베이스기타 리버브의 경우는 이보다 리버브의 하이컷 프리퀀시를 좀더 높혀볼 수 도 있을 것이며 이것은 어디까지나 믹싱엔지니어의 선택에 달려있습니다.​다음은 스네어 애트모스 리버브.​킥드럼의 애트모스 리버브와는 성향이 전혀 다르게 사용하게 됩니다. ​스네어의 경우는 엘리베이션으로도 상당한 리버브를 보내고 엘리베이션에 초기반사 세팅에 따라서 공간감의 느낌이 크게 바뀌기 때문에 음악의 장르와 템포등에 따라서 들어보면서 리버브 파라미터를 조절합니다.​킥이나 베이스 기타도 그리고 스네어의 경우도 애트모스 리버브가 확연하게 들어나는 것이 아니라​마치 하나하나 건축물을 쌓아서 건물을 짓는것처럼 아주 작은 차이로 귀로 들으며 공간을 채워주는 느낌을 더한다는 것으로 생각하면 됩니다. 애트모스 믹싱에서 특히 중요한 악기중에 하나인 '코러스" ​코러스의 스템파일이 스테레오 스템으로 온경우는 할로와 같은 스테레오 - 애트모스 업믹서를 사용해서 코러스를 펼쳐줍니다.​그렇다면 코러스의 애트모스 리버브 세팅은 어떻게 하는것이 좋을까요?​우선은 메인보컬과는 다른 성향의 애트모스 리버브를 사용하는 것이 메인보컬과 코러스의 공간의 분리도가 좋습니다.​특히 코러스의 애트모스 리버브에서는 엘리베이션(오버헤드)에서 상당부분 코러스 리버브가 함께 들리도록 세팅을 하는 것이 좋은데 이것을 음량으로 조절하면 어색해지니 리버브의 파라미터로 해야합니다.

 FLUX 사에서 만든 라우드니스 레벨 조정 플러그인인 "레벨매직"입니다.오디오가이 스튜디오에서 3대나 구입해서 여러 컴퓨터에서 사용하고 있는 주력 플러그인인데요.이 기기를 처음 알게된것은 에밀베르리너스튜디오의 장비리스트를 찾아보다가 신기한 기기를 하나 발견한 것입니다. https://junger-audio.com/en/legacy-product/classic-line/digital-dynamics-processor-d01  바로 융거오디오의 d01 이라는 기기였는데보통 클래식 음악 작업하는 회사에서는 좀처럼 볼 수 없는 기기라 한참을 찾아보았습니다.주로 방송국에서 송출하는 레벨을 콘트롤하는 기기인데 이 기기가 에밀베르니너 스튜디오의 디지털 녹음과 믹싱 마스터링의 핵심 기기중에 하나가 아닐까 하는 생각이 들더라구요에밀베르리너스튜디오 팀에서 작업된 초기 DG 음반들 들어보면 다른 클래식 레이블 음반에 비해서 음량이 더 크고 선명한 소리를 들려주었고 이당시는 이 소리가 "고해상도"의 의미로 좋게 사용이 되었습니다.  다만 지금 에밀베르니너 스튜디오는 초기 80년대부터 디지털 믹서를 사용해서 녹음과 믹싱하던것에서 완전히 바뀌어서 60년대 빈티지 기기들로 싹 시스템을 바꾸었고 그러면서 자연스레 이 기기도 리스트에 빠졌습니다^^로케이션 레코딩에서는 오디오가이와 같은 RME의 MICSTASY를 사용하지만 후반작업 하는 스튜디오는 이렇게 텔레푼켄이나 80년대 폴리그램 믹서등의 빈티지 기기로 이루어져있습니다.융거오디오 D01의 소리가 무척 궁금했으나 그당시 가격이 굉장히 높아서 사용해보지 못했다가. 20년가까이 지나고 이 기기가 플러그인 프로그램으로 출시되었습니다.오래전부터 꼭 한번 소리를 들어보고 싶은 기기였기 때문에 바로 구입해서 사용해보았는데요이후 유튜브 업로드를 위한 공연실황 녹음의 최종 마스터링작업에서 빠질 수 없는 프로그램이 되었습니다^^아래 저의 세팅을 간략하게 소개해봅니다.좌측 인풋게인 : 이것은 항상 바이패스 해둡니다.레벨매직으로 소리가 입력되기 전에 이미 DAW 상에서 피크(-0.2dB) 정도까지 올려둡니다.레벨매직으로 입력되는 소리가 작은경우 인풋게인을 사용해서 올리거나 하면 소리의 해상도가 떨어집니다.플러그인이지만 인풋게인을 바이패스 하는 것만으로도 소리의 해상도가 올라갑니다.그다음은 이 기기의 핵심기능인 "레벨러" 인데요컴프레서와는 조금 다른.레벨매직은 내가 설정한 타겟레벨에 맞추어서 소리를 올리고 내려서 평균음량을 맞추어 주는 프로그램입니다.라우드니스 타겟은 -14 LUFS 부터 시작합니다.타임 / 프리즈 레벨 파라미터는 조정하지 않음맥스게인은 내가 설정한 타겟 레벨에서 최대 어느정도까지 작은레벨의 음량을 올릴지 설정하는 파라미터 입니다.모든 플러그인들도 디지털 도메인이라 해서 소리가 바뀌지 않는것이 아니라 하드웨어들처럼 너무 많이 소리를 올리면 역시 해상도가 떨어집니다.보통 맥스게인은 +5 정도에서 시작합니다.다음에는 우선 리미터를 OFF 하며 음악의 피크부분에서 레벨매직에서 레벨러 - 게인리덕션이 어느정도 동작하는지 눈과 귀로 확인합니다.보통 피크부분에서 아주 살짝 레벨러가 - 게인리덕션으로 동작하도록 라우드니스 타켓을 다시 수정합니다.클래식 음악의 경우 보통 라우드니스 타켓을 -11에서 -12 LUFS 근방으로 조정하는 경우가 많습니다.이렇게 피크에서 살짝 레벨러가 동작하도록 라우드니스타겟(드레솔드라 생각하면 됩니다.)을 설정하고레벨매직으로 들어오는 인풋 트루피크 레벨과 아웃풋 트루피크 레벨을 확인합니다.(인풋레벨에서 피크가 있다면 해당 곡이나 악장(프로젝트)의 레벨을 오토메이션으로 살짝 피크 있는 부분만 줄입니다.이제 가장 중요한 인풋의 인티그레이티드 레벨과 아웃풋의 인티그레이티드 레벨을 확인합니다.유튜브용의 경우는 아웃풋 인티그레이티드 레벨을 -14lUFS가 되도록 해당 파라미터를 조정합니다.이때 -14LUFS가 되지 않는경우는 이제서야 리미터 ON 을 하고 라우드니스 타켓을 올리거나 맥스게인을 더 올려서 -14LUFS를 만듭니다.리미터 ON을 하는 경우 역시 약간의 해상도 저하가 있지만 평균레벨이 청감상 더 올라가서 소리가 풍부하게 들리는것이 중요하다면 그렇게 합니다.리미터 ON 하고는 아웃풋 레벨은 -0.5dB 로 설정합니다.*레벨매직이 플러그인은 손쉽게 평균음량을 조정할 수 있지만 사용하는 순간 해상도의 저하가 있습니다.특히 피아노 솔로음반에서는 절대 사용하지 않는데 피아노소리의 섬세한 배음이 많이 사라집니다.(부득이 하게 피아노에 사용할때는 리미터 OFF 로 레벨만 조정)반면에 오케스트라나 합창에는 사용빈도가 높습니다.그리고 믹싱이 완료된 세션에서 레벨매직을 마스터 인서트로 사용하는 경우 반주와 보컬의 밸런스를 다시 조정해야 합니다.특히 피아노와 보컬곡이라면 피아노의 밸런스가 믹싱할때보다 레벨매직을 걸면서 작은소리가 올라가면서 피아노소리가 많이 커지기 때문에1차로 믹싱을 완료한후 레벨매직을 걸고 다시 밸런스 체크를 한번 더 하고 레벨매직의 파라미터를 조정해서 마스터링 모니터 파일을 만듭니다. 

매년 12월은 이 음악과 함께한다고 해도 과언이 아닐 것 입니다.헨델의 "메시아" 지난주 시흥시립합창단에 이어 어제는 아트센터인천에서의 인천시립합창단 아트센터인천은 공연실황 녹음시 마이크 설치후. 헤드폰으로 소리를 들어보는 순간, 화려하고 아름다운 배음에 미소가 자연스레 미소와 감탄이 지어지는 공간입니다. - 특히 메시아 같은 곡은 이렇게 고음의 잔향이 긴곳에서의 분위기가 좋습니다.오케스트라부터 포지티브오르간과 챔발로, 합창과 4명의 솔리스트​어제는 리허설때 사운드 체크를 하면서 함께 일하는 정재현 엔지니어와 객석에서 들으며 실제공연장에서의 소리와 녹음되는 소리의 밸런스 부분을 함께 체크해며 조정하였습니다.메인마이크는 아트센터 인천의 DPA 4011 NOS 그리고 객석뒷편에 DPA 4006 앰비언스 여기에 오케스트라 마이크는 DPA 4060 PZM 마이크 4대를 현악기 앞 바닥에 두었고. 콘트라베이스는 JZ47, 포지티브 오르간은 JZ67 ​솔리스트 4명은 모두 오스트리안 오디오 OC18 라지다이어프램 마이크마지막으로 합창에는 오디오가이 합창 녹음의 메인마이크인 DPA 4097 4대를 각 파트별로 사용하였습니다.이렇게 설치후 보다 음악적으로 안정적인 밸런스로 녹음이 될 수 있도록 마이크의 거리나 위치를 조정, 혹은 마이크를 바꾸어봅니다. 사실 어제도 카운터테너와 소프라노에 JZ47과 67을 사용하였다가 소리가 조금 탁하게 들려서 OC18로 교체하였는데 한결 카운터테너와 소프라노의 색깔이 살아있게 들립니다.이렇게 마이크세팅을 완성한후에는 각 마이크마다의 마이크프리앰프 볼륨을 조정하는데. 이경우 모든 채널을 높은 볼륨으로 녹음하지 않고 메인마이크는 높은볼륨으로 녹음그리고 스트링스팟등의 볼륨이 크지 않은 악기들은 애초 녹음할때부터 적정볼륨으로 녹음합니다.특히 합창의 경우는 메인 악기라 할 수 있기 때문에 상당히 높은 볼륨으로 녹음후, 메인마이크와 합창과 각 스트링 마이크등에 "딜레이"를 걸어서 메인 마이크와 각 악기의 스팟마이크의 위상을 맞추어 줍니다.이렇게 하면 원포인트 마이킹 녹음의 장점을 멀티 마이크에서도 같은 결과를 얻을 수 있게 되어서 최근에는 솔로악기를 제외하고는 전세계적으로 원포인트 레코딩이 사라지게된 이유이기도 합니다.처음부터 모든악기의 녹음레벨을 높게하지 않고 이렇게 녹음할때부터 녹음레벨로 밸런스를 조정해서 녹음을 하면 각 마이크의 블렌딩이 훨씬 더 자연스럽게 됩니다. 무엇보다도 마이크 - 마이크프리앰프의 연결과 마이크프리앰프의 증폭에서 +40dB 를 하는 소리와 + 25dB를 올리는 소리는 볼륨에 따라서 소리가 확연하게 다르니까요.

 아트센터인천에서의 공연실황 녹음왔습니다.게다가 모차르트 레퀴엠 입니다.이 곡만큼 아트센터 인천의 길고 풍부한 울림과 잘어울리는 곡이 또 있을까요?모차르트 레퀴엠의 경우 곡이 지니고 있는 음악의 다채로움으로 녹음시 메인과 더불어 스팟마이크의 세팅이 상당히 중요한 곡입니다.아트센터 인천의 서스펜션 DPA 4011 을 메인으로. 양사이드에 오디오가이 로케이션 녹음에 작년부터 자주 사용이 되고 있는 60년대 게펠의 무지향성 마이크를 서스펜션 마이크와 같은 높이인 4.5 미터로 AB로 세웠습니다.이공연장을 특히 좋아하는 이유중에 하나는 관객석 중간에 DPA 4006 의 앰비언스 마이크를 사용할 수 있어서 음악의 깊이감 표현에 좋다는 부분이 있어서 이렇게 3쌍의 마이크가 전체사운드의 대부분을 담당하지만음악의 흐름에 따라서 합창의 각 성부 및 솔리스트의 밸런스 역시 분명하게 표현이 되어야 하기 때문에스트링의 스팟마이크인 DPA 4060 을 L C R 로 사용한것을 제외하고는 합창에 DPA 4097 초지향성 미아크를 4개솔리스트에는 SE T2 를 역시 초지향성으로 세팅, 그밖에 콘트라베이스와 포지티브오르간과 팀파니도 SE T2 를 초지향성을 세팅하여 녹음하였습니다.울림이 풍부한 메인마이크들의 소리에서 각 성부를 보다 분명하고 명확하게 조정하기 위한 스팟마이크는 대부분 단일지향성을 사용합니다만 이렇게 울림이 풍부한 곳에서는 초지향성으로 사용하더라도 단일지향성과 비슷한 울림을 들려줍니다. 

재즈녹음에서의 콘트라베이스 마이킹 최근 들어 클래식과 함께 다양한 재즈음악들 녹음들을 함께 하고 있습니다.기본적으로 피아노 베이스 드럼 트리오의 경우 콘트라베이스의 사운드가 특히 중요합니다.재즈음악에서는 보통 킥드럼의 역할이 크지 않으니까요. 콘트라베이스는 사진과 같이 콘덴서(가급적이면 튜브) 를 아래에 AB 두대로 설치하고 위 사진과 같이 SDC(스몰다이어프램) 마이크를 추가합니다.콘트라베이스 같은 모노악기에 왜 스테레오 마이킹이 필요한가. 라는 부분에 관해서는 두대의 마이크를 사용한다고 해서 소리가 좌우 스테레오로 들리지 않습니다.마이크의 간격과 지향성에 따라서 차이가 많이 나는데요.베이스의 경우 마이크를 1개만 사용하는 것보다 이렇게 2개를 사용하는 것이 저음이 더 풍부하게 녹음이 됩니다. 음상이 아래로 깔리는 낮은 콘트라베이스 사운드를 원하는 경우는 마이크 1개를 사용하는 것보다 사진처럼 2개를 사용하는 것이 좋습니다.- 이유는?^^위에 있는 스몰다이어프램 마이크의 비중이 너무 높으면 또 베이스의 음상이 올라갈수 있어서 아래 스테레오 튜브 마이크에 비해서 절반정도의 레벨로 녹음해서 베이스의 현이 튕기는 소리를 함께 녹음합니다. 이경우는 DPA 4018 초지향성을 사용베이스는 최근들어서 굉장히 자주 사용하고 있는 WA67 입니다.