이번에 4일에 걸쳐서 광화문에 있는 금호아트홀에서 피아노반주에 성악(카운터 테너)앨범을 녹음하였습니다. 금호아트홀은 국내에 있는 클래식 전문 공연장 중에서 가장 좋은 레코딩 기자재들을 보유하고 있는 곳으로.(영자가 설계와 시공을 하였습니다.^^) 게다가 전문 레코딩 엔지니어분이 함께 녹음 세션에 큰 도움을 주셔서 무엇보다도 편하게 작업을 할 수 있는 좋은 곳입니다. 이번 레코딩은 오디오가이 레이블의 신보 발매 예정작으로. 피아노 반주의 성악녹음은 오케스트라의 공연과 함께 국내에서 가장 공연이 많이 이루어지고 있는 편성이며. 음반의 레코딩 또한 가장 많이 이루어 지고 있는 구성입니다.(다만 발매되는 음반들은 그리 많지 않은 편입니다.) 그런데 이렇나 피아노 반주에 성악음반(이하 성악음반)은 국내는 물론이고 외국의 뛰어난 엔지니어들이 만든 음반에서도 녹음이 "음향적으로" 우수한 것은 극히 찾아보기가 어렵습니다. 저도 피아노 반주의 성악녹음은 실황녹음을 제외하고는 그리 많이 해본적이 없어서. 그 점이 참으로 더욱 더 의아했습니다. 왜. 성악음반은 좋은 소리가 담긴 음반이 드문 것 일까? 그래서 이번은 금호아트홀의 김일범 레코딩 엔지니어와 함께. 국내 성악 음반의 레퍼런스가 될 만한 사운드로 만들어 보자는 굳은 의지로 세션을 시작하게 되었습니다. 녹음 이틀전까지 녹음 방법에 관해 많은 고민을 하였습니다. 이미 금호아트홀에서는 여러 재즈 녹음 세션을 통해 상당히 만족스러운 피아노 소리와 보컬 소리를 얻은 경험이 있었기 때문에. 일반적인 스튜디오 레코딩 처럼. 피아노와 성악에 각각 마이크를 사용해서 나중에 믹싱을 하는 방법으로 할지.. 아니면 전통적인 클래식 레코딩 방법으로 메인 마이크로 전체 사운드를 집음하고 나머지 부족한 부분은 스팟 마이크를 사용할 지에 관해. 많은 생각과 고민을 하게 되었습니다. 그런데 이때 금호아트홀의 김일범 엔지니어가 아주 기막힌 의견을 제안해주었습니다. 항상 풀사이즈의 그랜드 피아노의 반사판을 모두 개방한 상태에서는 성악가의 음량이 피아노에 묻히는 경향이 종종 발생함으로. 이번에는 성악를 단 을 세워서. 단 위에서 노래를 해보게 하자는 취지였습니다. 자세히 설명을 해보면. 그랜드 피아노의 반사판은 약 45도 각도로 소리가 위로 가는 형태로 되어있기 때문에. 마이크를 높게 설치하는 메인 스테레오 마이킹에서는 피아노 소리는 무척 잘 전달이 되지만. 반면에 무대에 그대로 서 있는 성악가의 소리는 마이크에 전달되는 음색과 표현력이 부족하다는 생각이 들어. 우선 피아노의 반사판 에서 소리가 나가는 각도와 거리에 맞추어 단 을 만들어 성악가를 세워보게 되었습니다. 성악가의 경우도 메인 마이크와 더욱 더 거리가 가까워 지기 때문에. 피아노에 묻히는 경향도 적을 것 이라 생각이 들었고요. 결과는 ? 우선 생각했던 것 보다 더 욱 만족스러웠습니다. 의외로 성악가의 목소리가 피아노보다 오히려 너무 크게 메인 마이크로 전달이 되어서. 성악가가 그랜드 피아노의 가운데 굴곡면과 대략 30~40cm 정도 밖에 떨어져있지 않을 정도로 피아노와 무척 가까운 거리에서 메인 마이크로 녹음을 하였습니다. 메인으로 사용한 마이크는. 3가지 종류를 시험해 보았습니다. 메인 레코딩은 스페이스드 페어 방법을 사용하기로 결정을 내린 상태였기 때문에. 노이만의 M150페어. DPA 4006 페어. NBHO410 페어.를 시험해 보았습니다. 각 무지향성 마이크의 거리는 50cm정도(최종적으로는 40cm 로 결정이 되어 녹음이 되었습니다.) 노이만 M150의 경우는 초고역이 너무 지나치게 강조되어있다는 느낌이 들어서. 자연스러운 소리를 좋아하는 영자의 취향에는 그리 부합이 되지 않았으며. 무엇보다도 성악가의 목소리가 마치 12khz 대역을 이퀄라이저로 부스트한 듯한 소리가 들어서 마음에 들지 않았습니다. MBHO 410은 자연스럽기는 하나 너무나도 무난한 소리를 들려주어 매력이 없다는 느낌이 들었고요. 최종적으로 위의 두가지 페어들과는 한차원 다른 수준의 소리를 들려준것은 역시 DPA 4006 페어. 역시 DPA라는 생각이 들정도로. (구입한지 꽤 시간이 지나 베스트 컨디션이 아닌 것으로 추측됨에도 불구하고..) 자연스러우면서도 무엇보다도 고급스러운 음색. 아주 순간만의 비교청취로도 일말의 망설임이 없이 단번에 선택이 되었습니다. 이번 녹음에서는 녹음을 하기 전에 하루는 레코딩을 위한 리허설의 시간으로만 금호아트홀을 부킹해 놓은 상태였기 때문에. 세시간 정도 충분히 여유를 가지고 세팅들을 해 보았습니다. 이렇게 리허설 레코딩의 시간을 정하는 것은. 단순히 레코딩에 사용할 마이크나 세팅에 관한 리허설 뿐만 아니라. 성악가는 녹음할 공간에 울림이나 장소에 적응을 해서. 그에 맞는 목소리를 녹음시 할 수 있게 하고. 피아노 반주자 역시. 녹음하는 공간의 피아노의 상태와 음색을 판단해. 그에 맞는 터치를 사용하며. 성악가나 레코딩 스텝들과 마찬가지로 공연장의 음향성격에 따른 미묘한 터치의 변화에 적응을 할 수 있는 시간이기 때문에. 결과적으로 무척이나 만족스러운 시간이었다는 생각이 듭니다. 이렇게 메인으로 사용할 마이크가 결정이 된 후는 마이크의 높이와 두 마이크의 간격에 관해 많은 실험을 해보았습니다. 사용한 장비는 녹음기로는 피라믹스와 제넥스 컨버터. 패스 x250 파워앰프와 B&W 노틸러스 802 스피커. 그레이스 디자인의 M904 모니터 시스템과 제네릭 8030A 스피커. 그리고 정전형 헤드폰인 스탁스 시그너쳐 2 헤드폰 시스템. 마이크 프리앰프는 밀레니어 미디어 HV-3. 마이크는 그 예의 DPA 4006 이며. 마이크 케이블은 blue사의 케이블. 마이크프리앰프에 사용한 파워케이블은 후루텍사의 제품이었습니다. 위의 장비들을 사용해서 세팅을 하고 들어보는 데. 제네릭 모니터에서는 크게 느끼기가 어려웠습니다만. B&W 노틸러스 802에서는 무언가 위상이 좋지 않은 듯한 느낌이 들어. 계속 고개를 갸웃거리며 의아해 하다가. 결국은 메인 마이크스탠드를 하나만 사용하고. 스테레오 바를 사용해서 마이크를 설치하는 것으로 바꾸어 보았습니다. 사실 마이크 스탠드 2개를 사용하나. 아니면 스테레오 바를 사용해서 마이크를 2대 설치하나. 꼼꼼히 높이와 위치. 각도를 정확하게 설치하면 크게 문제가 없을 것으로 생각해서 지금까지 잘 녹음들을 해 왔으나. 2개의 마이크 스탠드에서 한개로 바꾸로 스테레오바를 사용한 후 소리를 들어보니. 위상이 완전히 정리가 되어 보컬의 정위감도 훨씬 살아나며. 중역의 위상변위로 인해서 부자연스러운 배음을 들려주었던 피아노 소리역시 아주 깨끗하게 변해 있어서 무척이나 놀라웠습니다. 이 녹음이 끝나고 오늘. 사실 오늘은 잠이 잘 오지를 않아. 책을 보고 있다가. 한국의 비올리니스트 리차드 용재 요닐의 음반을 도이치그라모폰의 수석엔지니어가 녹음을 하는 사진들에서. 메인 마이크와 피아노의 스팟 마이크에 사용된 스테레오 바를 보고. 이 칼럼을 쓰기 시작한 것이랍니다. 보니까 메인 마이크를 물론이고 피아노에서도 반드시 스테레오 바를 사용을 하였더군요. 아마도 도이치그라모폰의 엔지니어도 이러한 위상의 이유 때문이었을 것이라는 생각이 들었습니다. 아마도 앞으로 영자가 하는 거의 모든 스테레오 마이킹에는 무조건 스테레오바가 사용될 것 같습니다. 그래서 내일 바로 청계천으로 가서 여러가지 길이의 스테레오 바를 금형집에 가서 주문제작할 예정입니다. 다시 이번 성악 음반 레코딩 이야기로 들어가서. 스테레오 바를 설치하고 나서도 음상정위가 잘 정리되기는 했지만. 좀더 보컬의 안정적인 음상정위를 얻기 위해서. 두 마이크의 거리를 처음에는 60cm로 했다가 나중에는 50cm. 최종적으로는 40cm로 한것을 확정지게 되었습니다. 무지향성 마이크이기는 하지만 역시 중음과 고음에서는 방향성을 명확하게 인지를 하기 때문에. 이러한 10cm씩 움직이는 두 마이크의 거리차이에 따른 소리는 배호님의 표현을 빌어 밤과 낮의 차이가 있습니다.^^ 최근들어 과도한 스테레오 이미지에 관해 음악적으로 과연 그것이 바람직한 가 하고 약간의 의문을 지니고 있었던 터라. 전반적인 사운드(특히 피아노)의 스테레오 이미지가 조금 좁아지더라도. 주인공인 성악의 목소리가 더욱 더 정확하게 표현이 되고 감정과 가사가 전달이 되는 데 중점을 두었습니다. 40cm 거리이기는 하지만 그래도 피아노느 적절한 스테레오 이미지를 가지며. 고음과 저음에 따른 명확한 방향성 또한 보여주는 것에 조금은 놀라웠습니다. 스테레오 이미지는 무조건 두 마이크가 떨어져 있어야만 생기는 것이 아니다라는 것 또한 이번 녹음을 통해 배울 수 있었습니다. 메인 마이크의 높이는 정확하게 3M로 확정이 되었습니다. 높이가 높으면 소리의 공간감을 생기고 고음은 맑아지기는 하지만 보컬의 음상이 옅어지고. 높이가 너무 낮으면 소리가 어두워 지기 때문에. 이번 녹음을 한 금호아트홀과 피아노의 위치와 성악가의 위치에서는 마이크의 높이가 3미터가 적절하다고 생각이 들었습니다. 다만 이번 레코딩의 경우는 피아노의 위치를 약간 다르게 설치하였는데. 이것은 글로 표현이 조금 어려움으로. 나중에 사진을 올려놓도록 하겠습니다. 이렇게 메인 마이크만을 사용해서 1일의 레코딩 세션이 끝났습니다. 다음날 쉬고 와서 들어보니. 무언가 약간의 아쉬움이 느껴져서. 피아노에 스팟마이크를 사용해 보기로 하였습니다. 먼저 스팟마이크는 2가지 종류와 세팅으로. XY방법으로 그랜드피아노의 꼬리에서 80cm정도 떨어진 거리에 노이만 KM184를 설치하고. DPA사의 미니어쳐 마이크 2대를 피아노의 리드 안쪽에 테이프로 붙여놓는 방법을 함께 사용해 보았습니다. 예상대로 노이만 페어에서는 아래로 깔리는 풍부한 소리를. 그리고 리드에 붙인 DPA사의 미니어쳐 마이크로폰(반드시 무지향성이어야 합니다.)은 피아노의 존재감을 강조해주는 소리를 들려주었습니다. 피아노 리드(반사판)에 미니어쳐 마이크를 붙이는 방법은 비단 레코딩 뿐만 아니라 SR에서도 대단히 유요한 방법으로. PZM마이크의 구조를 생각해보시면 사용 방법과 용도가 쉽게 이해가 되실 것입니다. 다만 여기서 메인 마이크의 비중은 90%이상으로 사운드 메이킹의 거의 전부를 차지하며. 스팟마이크의 비중은 최대 10%미만으로 무척 적습니다. 역시 원포인트 레코딩의 경우가 음상정위가 자연스러우며. 무엇보다도 소리가 깨끗한편입니다. 여기에 스팟 마이크를 섞으면 음색과 시간차등로 인한 위상변위에 의한 음색의 투명도가 떨어지는 것은 어쩔 수 없는 일입니다. 아주 재미있게 좋은 경험을 하며 레코딩을 하기는 했지만. 편집을 위해 집에서 들어보니 결과가 아주 마음에 쏙 들지는 않습니다만. 최종적으로 약간의 믹싱을 진행해 본후. 결과를 다시 한번 검토할 예정입니다. 이번 음반은 녹음때의 광경을 2틀에 걸쳐 영상 촬영을 하였기 때문에. 음반으로 만들때는 녹음 영상이 있는 DVD를 스페셜로 첨부할 예정입니다. 최종 믹싱과 마스터링을 한 후에 또다시 느끼는 점이 있으면. 이 글에 보충을 하도록 하겠습니다.

음악을 하던. 레코딩엔지니어를 하던. 아마도 가장 먼저 녹음을 하게 되는 것은 보컬이 아닐까 합니다. 영자도 고등학교때. 집에다가 알레시스 ADAT와 알레시스 1622믹서. 그리고 소니 DAT 와 타스캄 카세트 데크로 가끔씩 주변에 있는 친한 선배 작곡가들의 보컬 데모녹음을 방안에서 해주기도 하였었습니다.(고등학생치고 기기들이 많았지요? 정말 잠안자고 아르바이트 해서 기기들 구입했었습니다.) 그때는 노래방 마이크를 믹서에 바로 넣고. 모니터 스피커를 바로 들으면서 리버브만 살짝 주고 녹음을 하는 형식이었는데.. 보컬녹음에 관해 진지하게 생각해보게 되는 것은 10년전 녹음실을 운영하면서. 첫 고객으로 작곡자이자 가수였던 임기훈씨와 와서 녹음을 했던 기억이 납니다. 그때는 콘트롤룸과 부스의 케이블도 연결해 놓지 않은 상태에서 임기훈씨가 와서. 그냥 고등학교때 처럼. 컨트롤룸에서 마이크를 들고 부르라고 이야기 했었습니다. 지금 생각해보면 실소를 머금을 수 밖에 없는 에피소드 이지요. 이후로 예음스튜디오에 가서 어시스트를 하면서. 프로의 보컬녹음은 어떻게 되는 것인가 알게 되었습니다. 다른 많은 어시스트 엔지니어들도 느끼는 것 이었겠지만. 프로스튜디오에서 본 보컬녹음은.. "음.. 생각보다는 별것이 없군. 의외로 쉽군.." 하는 생각이 들게 만듭니다. 노이만 마이크에 아멕 9098 마이크 프리앰프 그리고 튜브텍 컴프레서의 매칭으로. 10년전 국내 메이저 스튜디오에서는 거의 이 세팅으로 보컬녹음을 많이 하고 있었지요. 이 후로 프리랜서가 되어 녹음을 하면서. 보컬녹음은 왠지 피아노나 드럼의 녹음에 비해 조금은 무게가 가볍게 느껴졌습니다. 오디오가이 포럼에도 영자가 코멘트로 "보컬녹음은 의외로 간단하다."라고 이야기한 글을 보신분들이 계실 것 입니다. 하지만 요즘들어와서는 그 인상이 조금 달라지고 있는 데. 지금까지 보컬사운드가 아주 마음에 쏙 들지 않았던 것을. 너무 가수의 목소리 탓 만 했던 것이 아닐까 합니다. 요즘에는 오디오가이레이블의 다음 작품으로 여자 재즈 보컬앨범을 진행하고 있는 데. 반주와 보컬 녹음이 90%정도 진행된 상태입니다. 보컬에는 Microtech Gefel UM-900 을 몇번 사용하려고 시도해보았으나. 노래를 잘하는 사람이든. 못하는 사람이든 모두 그 UM-900 특유의 사운드로 보컬의 표현력이 충분히 발휘가 되지 않는 다고 생각해서 MG M940으로 바꾸어서 모든 녹음을 하였습니다. 녹음은 3일에 걸쳐서 8곡이 녹음이 되었는데. 마지막 날의 경우는 아주 깜짝 놀랄만큼 좋은 소리를 얻을 수 있었습니다. 아..참고로 이번 보컬녹음은 누엔도와 아포지 로제타 컨버터로 녹음하고 있습니다. 3일 모두 보컬의 소리는 아주 많이 다르게 녹음이 되었습니다. 같은 가수에 같은 스튜디오. 엔지니어. 그리고 기기들 인 데 말이지요. 마지막날에 얻은 보컬사운드를 들으면서. 속으로 생각했습니다. " 아.. 그동안 내가 너무 보컬사운드에 부지런하지 못했구나.." "진직 저것을 생각했었더라면 내가 지금까지 녹음한 보컬 사운드가 훨씬 더 좋아졌을 텐데.." 위에도 이야기 했지만. 정말 그동안은 너무 보컬의 목소리 탓만 한 듯 합니다. 사실은 그것이 아니었는 데 말이지요.. 이번 오디오가이 칼럼에 보컬녹음에 관해 이야기 하고자 하는 것은. 사실 거의 대부분의 오디오가이 가족분이라면.. "그게 뭐야.. 그것은 모두들 다 알고 있는 사실이잖아?" 라는 반응을 보일 것입니다. 물론 영자도 그 이전에 분명이 알고 있는 사실이었지만. 다른 악기들의 녹음에 마이킹을 여러번 바꾸어 보면서. 진작 음악에 있어 가장 중요한 보컬 녹음에서는 그러한 부지런함을 보이지 못했었던 것 같습니다. 영자는 녹음때 부지런한 엔지니어야 말고 좋은 결과물을 얻을 수 있다고 굳게 생각하고 있습니다. 예음스튜디오 어시스트 시절. 정도원 기사님께서도 늘. "몸이 귀찮고 피곤해야 좋은 사운드를 얻을 수 있다" 라는 말씀을 아주 자주 하였지요. 사실 스튜디오에서 녹음을 하다보면. 마음속으로는 "저것은 한번 저렇게 바꾸어 볼까?"라는 마음속의 생각을 하다가도., 이내 "귀찮다.. 그냥 가지 뭐.,." 하는 생각을 쉽게 해버리게 됩니다. 이때는 몸이 조금 귀찮더라도 직접 가서 머릿속으로 생각한 실험과 방법들을 적용해 보아야 하는 것임에도 말이지요. 이번에 같은 보컬의 녹음에서 드라마틱한 다른 소리를 얻을 수 있었던 결정적인 것은 바로 모든 오디오가이 가족분들이 알고 있는 "마이크의 그 각도"였습니다. 대부분의 보컬녹음에 있어서. 보컬의 입술과의 거리는 15cm~30cm 정도. 마이크는 보컬의 입술의 약간 위에서 15도 정도 각도를 주는 것이 교과서적인 일반적인 보컬 녹음입니다. 하지만 영자는 그동안 마이크의 각도를 주지 않고 보컬의 입술과 일직선으로 마이크를 설치하고. 거리또한 15cm 정도로.. 가깝게 하는 방법을 선호하였습니다. 이편이 한국사람 특유의 중역에서의 피크감을 없애주고. 더 풍부하고 따듯한 소리로 녹음을 할 수 있었으니까요. 그리고 보컬 녹음시 마다 항상 보컬들에게.. 콘트롤룸에서 큐를 누르며. "마이크에 가까이 가면 갈 수록 더욱 더 아름다운 소리가 녹음이 됩니다." 라고 앵무새 처럼 반복해 왔습니다. 마치 오디오가이에 새로운 분께서 가입인사글을 올리시면. "반갑습니다. 앞으로 자주 오셔서 많은 이야기 나눌 수 있으면 좋습니다."라고 항상 같은 이야기만을 하는 것 처럼 말이지요^^ 이번에도 역시 이틀 동안은 같은 방법으로 녹음을 하였습니다. 하지만 보컬이 너무 부드럽고 조금은 답답하게 들리더군요. 하지만 이것이 원래 보컬의 목소리 여니..라고 생각해 그대로 두었습니다. 그리고 3일 째 녹음을 하러가는 차 안에서. 문득 생각을 해보았습니다. 보컬의 소리가 너무 부드럽고 어둡게 들리니 마이크를 조금 띄우고 각도를 한번 줘 볼까? 라는 생각을하였지요. 마치 현악기 녹음때 마이크를 높일 수록 고음이 더 잘 들어가는 것 에 착안해서 말입니다. 그리고 나서 보컬녹음에 마이크를 약간 띄우고 각도를 줘 보았습니다. 하지만 거리는 역시 15cm정도도 가까운 소리를 영자는 아주 좋아하기 때문에. 가깝게 하였고요. 녹음되는 보컬사운드를 들어보았습니다. 놀랍더군요. 낮게 깔리는 저역부터. 화려하게 뻗는 고음역까지. 딱 내가 원하고 있는.. 아니 상상했던 소리 이상의 보컬 사운드를 들을 수 있었습니다. 그동안 다른 악기들의 녹음에 있어서는 마이크의 높이. 위치. 거리등에 그렇게 민감하게 세팅을 하면서도. 정작 보컬은 너무나도 대강대강 녹음해 왔던 것 입니다. 이렇게 약간의 변화로도 드라마틱한 변화와 더불어. 전체사운드의 70%이상 을 차지하는 보컬사운드의 향상으로 인한. 전체 음악의 수준이 올라가는 것 역시 그동안 잊고 지내왔던 것 입니다. 그러나 이 칼럼을 보고 여러분들 역시 보컬은 역시 마이크를 약간 띄우고. 각도를 주는 것이 제일이군.. 하는 생각을 하신다면 이 칼럼의 취지가 잘 못 전달이 된 것입니다. 영자가 하고 싶은 이야기는. 자신만의 확립된 보컬 녹음 방법이 있더라도. 지금 녹음하고 있는 보컬 사운드가 마음에들지 않으면. 그것은 보컬 탓이나 다른 기기탓을 하지 말고. 자신 스스로가 몸을 움직여. 마이크의 위치를 다르게 바꾸어 보라고 하는 것 입니다. 그러면 정말 우연하게 혹은 운이 좋게 그동안 자신이 녹음해왔던 보컬 사운드와는 한차원 다른 소리를 녹음할 수 있게 될수 있을런지도 모릅니다. 사실 이번에 영자와 함께 작업을하고 있는 보컬은 아주 좋은 보컬입니다. 하루에 한두곡을 너끈히 소화해 내기도하고. 그제의 보컬녹음에서는 4곡이나 하루에 하였습니다. 이번것은 영자가 프로듀서를 함께 겸하고 있는 것 입니다만. 영자는 좋은 가수들의 경우는 녹음시 처음과 그 다음것 이상의 것은 100번을 불러도 다시 나오기 어렵다.. 라는 생각을 지니고 있기 때문에. 보컬녹음을 아주 빠르게 진행하는 편입니다. 이번에 느낀 사실입니다만. 역시 엔지니어는 좋은 보컬들과 녹음작업을 많이 하는 것이 중요할 듯 합니다. 이렇게 미묘한 마이크의 변화로도 드라마틱한 변화를 느낄 수 있는 것은 훌륭한 보컬들의 녹음에 해당합니다. 기본이 되어 있지 않은 가수들의 녹음에서는 어떠한 마이크나 마이크 테크닉도효력을 발휘가기가 어려울 수 가 있지요.. ... 네... 그렇습니다. 보컬이 좋아야 합니다. .... .... 영자의 의견에 동감하십니까? 그렇다면 이번 칼럼에서 영자가 하고자 하는 이야기가 제대로 전달이 되지 않은 것입니다. 이제는 좋지 않은 보컬 사운드에 있어서. 가수의 탓 만 하는 것은 정말 버려야 합니다. 노래를 잘 하든 잘 하지 못하든. 항상 같은 방법의 보컬녹음에서 탈피해서. 조금 귀찮더라도 자신의 몸을 움직여서 세팅을 바꾸어 보고. 또 마이크를 바꾸어 보십시오. 좋은 사운드를 만들고 싶다. 라는 마음속의 욕망은. 이렇게 몸을 움직여야만 현실로 이룰 수 있는 것 이니까요.

아무래도 어쿠스틱 음악을 즐겨듣고. 어쿠스틱 음악만을 녹음하는 영자에게는. 역시 레퍼런스 음반들도 모두들 어쿠스틱음악에 한정되어 질 수 밖에 없는 듯 합니다. 그래서 팝을 좋아하시는 오디오가이 가족분들에게는 조금 죄송한 마음이 들기도 하는군요. 게다가 이번에도 또 "독일 사운드" 인가? 영자는 무슨 독일 추종자인가 하실런지는 모르겠지만. 클래식음악과 마이크로폰의 나라라서 그런지는 모르겠으나. 역시 어쿠스틱음악 녹음에 있어서 독일사운드는 정말 수준이 높다라는 생각을 다시한번 가지게 만듭니다. 잠시 잡담입니다만. 보통 저는 12시전에는 거의 항상 자는 편인데. 오늘은 새벽2시가 넘도록 잠을 청하지 못하고 있습니다. 이유는 2가지의 설레임때문인데. 하나는 심혈을 기울여서 만든 오디오가이 레이블의 2번째 작품을 내일 공장에서 받기 때문입니다. 이번 앨범은 피아노와 타악기 듀오로 된 음반인데. 클래식과 재즈. 그리고 현대음악의 경계에 있는 아주 독특한 음악입니다. 음악도 신선하며 개성적이고. 무엇보다도 제게는 아주 멋있게 들립니다. 녹음된 상태도 지금까지 영자가 작업한 모든 앨범중에 가장 만족도가 높습니다. 피아노도 영창 그랜드 피아노로 녹음이 되었는 데. 피아노가 영창이라서 음악의 분위기가 해치는 등의 부분은 없습니다. 하지만 스타인웨이였다면 좀더 좋았겠지요.^^ 또 하나의 설레임은 지금 듣고 있는 한 음반때문입니다. 작년 하이파이 오디오페어에 가서 수입처인 C&L에서 싸게 팔길래. 직원분에게 하나 추천을 해 달라고 해서 구입한 음반으로. 구입하고 나서는 음악이 너무 난해하고 어려운 듯 해서 거의 듣지 않다가. 오늘 다시 들어보니. 젠장.. 잠을 청할 수가 없게 만드는군요. 영자가 닮고 싶어하는 독일의 ECM 이라는 레이블에서 나온 음반으로. 이 음반을 들으면서 드는 생각입니다만. ECM에서 제작한 음반들은 음악적으로나 음향적으로나 정말 모든 앨범에서 완성도가 높습니다. 사실 완성도가 들쭉날쭉한 것이 대부분의 음반제작으로. 수백개의 타이틀 모두에서 이렇게나 높은 수준을 유지한 다는 것을 정말 놀라운 일이 아닐 수 없습니다. 게다가 이 레이블의 사장이자 프로듀서인 만프레드 아이허는. 엔지니어가 누구든 간에. ECM 특유의 독창적인 사운드를 들려줍니다.(대부분 독일엔지니어. 하지만 수석엔지니어는 얀 에릭 콩사욱 이라는 노르웨이 사람입니다.) ECM은 전반적으로 리버브가 상당히 길고. 소리가 아주 내추럴합니다. 이큐로 고역을 올리는 등의 느낌은 ECM의 모든 음반들에서 전혀 찾아볼 수 없으며. 컴프레션 감 역시 거의 느낄 수 없습니다. 녹음되는 현장 사진을 보니 숍스의 마이크들을 주로 사용하는 것 같더군요. 전반적을 좌우의 펼침과 깊이감이 깊은. 그러면서도 투명함을 잃어버리지 않는. 정말 매혹적인 사운드를 만들어 주는 레이블입니다. 이 레이블이 녹음 사운드를 얼마나 중요시하게 생각하는 지를 알 수 있는 일례로. 사운드의 확고한 철학을 옅볼 수 있는 ECM레이블의 캐치프레이드에서 알 수 있습니다. "ECM = 침묵 다음으로 아름다운 소리" 그래서 많은 ECM의 앨범들은 앨범 시작이 1번트랙이 10초정도 지나고 천천히 나오는 경우도 많으며. 곡 사이의 간격도 상당히 긴 편입니다. 레이블의 사장이나 프로듀서인 만프레드 아이허는. "침묵"이야 말로 가장 아름다운 소리 라고 생각한다고 합니다. 참고로 ECM 레이블의 수석엔지니어인 얀 에릭 콩사욱은 엔지니어 하기 전에 베를린필하모닉의 첼리스트였고. 얼마전에 ECM레이블로 어쿠스틱 기타 음반(클래식이 아닌 재즈로..)를 본인이 직접 연주하고 작곡해서 발표했는 데. 역시나 음악적인 수준도 높더군요. 소리야 말할 것이 있겠습니까만은... 만프레드 아이허도 베를린필인가..정확치는 않습니다만 과거에 연주자 였다고 들은 것 같습니다만.. 이들 음악인 출신 프로듀서와 엔지니어가 만들어는 내는 사운드는. 라디오에서 모르는 음악의 몇소절만 들어도. '아.. 저것은 ECM에서 나온 음반이구나.."라고 누구나 쉽게 알 수 있을 정도로. 그들은 자신들만의 사운드를 철저하게 "브랜드화"시키는 데 성공하였습니다. 자꾸 여담으로만 흘러갑니다만. ECM 앨범의 커버는 가히 최고수준의 현대미술 작품들을 보는 것과 다름없다고 생각합니다. 과거 LP 시절에. 국내에 한 음반사에서 ECM사의 LP를 라이센스화. 시키고 싶다고 ECM에 이야기를 했었는데. ECM에서는 그때까지는 한국의 LP 인쇄기술이 부족해서. 자신들의 커버는 꼭 자신들이 직접 감리. 인쇄해야. 퀄리티를 유지할 수 있다며. 라이센스를 주지 않았다는 에피소드도 있습니다. 이 음반을 들으며 잠을 청하지 못하는 것은. 역시 피아노 소리에 의한 영향이 큽니다. 개인적으로 바이올린이나 첼로등의 현악기 보다는 피아노가 좋은 녹음을 하기가 훨씬 더 어렵다는 생각을 지니고 있습니다. 이 앨범을 들으면서. 영자가 얼마전에 녹음한 피아노 소리를 들어보면. 확실히 영자는 피아노의 마이킹을 너무 가깝게 한 소리가 나며. ECM의 피아노 소리는 보다 자연스럽고. 보다 투명하며. 게다가 무척이나 아름답습니다. 마이크가 피아노의 해머와는 멀지감치 떨어져 있는 듯 한 소리로. 고음역의 투명함은 정말 대단합니다. 이러한 투명한 소리를 이큐가 아닌. 마이크와 믹싱만으로 만들어 내는. ECM의 사운드는. 음향 엔지니어를 하시는 분들이라면 꼭 한번 관심있게 들어보시기를 추천합니다. 물론 과거. 지금처럼 ECM레이블의 위상이 높지 않을 때에는. 국내의 한 평론가는. "ECM의 사운드는 잔향이 너무 길고 눅눅해서 싫다" 라고 표현하는 사람도 있습니다만. 어떻게 보면 이 또 한 아주 예리한 표현으로 볼 수 있을 것입니다. ECM음반들은 대부분 잔향이 길고. 게다가 잔향 성분 역시. 악기와 인위적으로 배합될 만한 고음성분이 거의 없는. 낮은 중역대와 저음 성분만을 지닌 잔향소리를 들려주고 있습니다. 하지만 전 세계의 그 어떤 레이블에서 조차. ECM 레이블만큼 음악과 사운드에서의 캐릭터감이 강하며. 두 존재가 이처럼 절묘하게 블랜딩 된 케이스는 정말 찾아보기가 어렵다고 생각이 듭니다. 얼핏들으면 평범한 듯 하지만. 세상에서 가장 개성적이고 매혹적인 소리를 만드는 레이블. ECM.

가끔씩 온라인상의 음향관련 사이트들을 보다보면. 몇년동안 한결같이 올라오는 내용이 있습니다. 그것은 바로 "국내에는 믹싱에 관해 설명한 책이 없다." 라는 것인데. 아주 많은 프로듀서. 작곡가. 음향엔지니어 분들이 보다 더 좋은 믹싱을 하기 위해 많은 고민들과 생각을 하시고 계신 것 같습니다. 그래서 이미 마무리는 되었지만 믹싱에 관한 이야기를 좀더 해 볼까 합니다. 사실 아주 중요한 것은 아래 믹스에 관한 글들에서 모두 다 전했다고 생각이 됩니다. 앞으로는 아래글들을 보고 너무 추상적이다. 실용적이지 않다. 라고 생각하실 분들을 위해서. 흔히 말하는 "잡기술" 위주로 앞으로는 설명을 해 보도록 하겠습니다. 사실 이렇게 믹스에 관한 이야기를 다시 하려고 글을 시작하기는 하였습니다만.. 역시나 다시 생각해 보아도 믹스는 바로 "밸런스"에 서 시작해서 "밸런스"로 완결이 되는 것이며. 이것은 그 어떤 믹스시에 사용되는 기기나 방법들에 우선 합니다. 항상 머릿속에 가장 중요한 것은 이퀄라이저나 컴프레서 노브를 돌리는 것이 아닌. 음악을 이해하고. 음악적인 밸런스를 맞추는 것이 가장 중요하다라는 것을 반드시 기억해 주셨으면 합니다. 오늘 이야기 할 것 은 "리버브"입니다. 리버브라는 것에 대한 정의에 대해서 여러분들은 어떻게 생각하십니까? 그리고 먼저 어려운것 같은 이야기를 해서 죄송합니다만. 밸런스와 리버브와는 어떠한 관계가 있을 까요? 위에 밸런스는 그 어떤 믹스시에 사용되는 기기나 방법들에 "우선"한다는 이야기를 드렸습니다만. 특히 리버브는 많은 부분을 밸런스로도 표현할 수 있습니다. 이것이 무슨 말인지 이해가 되시지 않으신다고요? 그럼 천천히 이야기를 해보도록 하겠습니다. 리버브. 흔히 원음에 잔향을 부가하여 공간감 거리감등을 만드는 기기입니다. 사실 좋은 믹스는 이퀄라이저나 컴프레서를 거의 사용하지 않고도. 음악적인 밸런스와 적절한 리버브의 사용만으로도 끝낼 수 있다고 생각이 듭니다. 먼저 리버브에 대한 설명을 하기 전에., 우리는 왜 원음에 잔향성분이 있으면 공간감을 느끼게 되는 것 일까요? 우선 이러한 원론적인 부분을 명확하게 이해하고 있어야. 리버브의 적절한 사용. 더 나아가서 보다 훌륭한 믹스를 만들 수 있을 것이라 생각이 됩니다. 우리는 살아가면서 여러가지의 소리를 듣게 됩니다. 누가 바로 옆에서 귀에다 대고 가깝게 이야기 할때도 있고. 아주 멀리서 누군가가 하는 이야기를 들을 때도 있습니다. 혹은 악기의 바로 근처에서 소리를 들을 때도 있으며. 콘서트홀에 가서 아주 멀리나 혹은 2층 같은곳에서 클래식 악기의 소리를 들을 때도 있습니다. 여기서 한번 "거리감"에 대해 생각해 보겠습니다. 우리는 어떻게 해서 "거리감"을 느끼게 되는 것 일까요? 어떻게 가까운 소리는 가깝게 있다는 것을. 그리고 멀리있는 음원에서 나는 소리는 눈을 감도고 멀리 있다는 것을 알 수 있는 것일까요? 바로 정답으로 도출해보도록 하겠습니다. 몇가지 이유가 있습니다만 우선. *음량이 크면 가깝게 들리고. 음량이 작으면 멀리 들립니다. 이유는. 음원과 청취자의 음량은 같은데 거리가 멀수록 소리는 사방으로 퍼져나가기 때문에. 소리가 작게 들리지요. 그래서 우리는 작은 소리는 "멀리있다"라고 인지하게 됩니다. *원음에 잔향성분이 많으면 많을 수록 멀리들립니다. 이것을 보고. 원음에 잔향이 많으면 멀리들리는 것이 당연하지? 그것은 누구나 다 아는 사실 아닌가? 라고 생각하실런지 모르겠습니다만.. 그렇다면 왜 잔향이 많으면 멀리들리게 되는 것 일까요? 위에 영자가 콘서트홀 이야기를 했던 것 처럼. 음원에서 청취자의 거리가 멀면 멀수록. 음량도 떨어질 뿐만 아니라. 주위 어쿠스틱 환경에 영향을 더욱 더 많이 받게되어. "직접음 대비 반사음의 비율"이 올라가게 됩니다. 그래서 일반적으로 음원과의 거리가 멀수록 반사음의 비율이 높아지기 때문에. 반사음의 비율(잔향성분이 많으면)이 많으면. 거리가 멀다고 느끼게 되는 것입니다. 이러한 일반론을 이해하고 있어야 리버브의 적절한 그리고 유익한 사용이 가능합니다. 음.. 그런데 쓰다보니 또 원론적인 이야기들이 나와버렸군요. 본래 이 칼럼을 쓰기 시작할때는 이러한 이야기들이 아닌. 킥의 리버브성분에 피치쉬프터를 걸어서 리버브 성분만 소리가 더 낮게 들리게 해. 아주 아래로 깔리는 듯 한 킥소리를 만드는 방법. 등에 관한 이러한 이야기들을 하려고 했는데 말이지요. 그래도 위와같은 원론적인 이야기들은 한번 이해해 두면 분명 많은 도움이 되리라 생각하고 계속 이야기를 해보도록 하겠습니다. 거리감을 느끼게 하는 마지막 이유에 대해서 생각해 보도록 하겠습니다. 그것은 바로 음원의 음색과 관련이 있습니다.(이부분 아주 중요합니다.) *음원의 고음성분이 적을 수록 멀리들립니다. 다시 음원과 청취자와의 거리를 생각해 보겠습니다. 아주 가까이서 있을 때에는 주변 어쿠스틱 환경에 따른 고음의 손실이 적기 때문에. 음색이 제대로 들립니다만. 아주 먼거리에서는. 소리가 반사되며. 특히 고음부분이 많이 "흡음"이 됩니다. 우리 인간이 생활하고 있는 주변환경은 대체적으로 "저음" 보다는 "고음"이 흡음되는 소재들이 많기 때문에. 우리는 살아가면서 평소에 "거리가 멀수록 고음이 흡음이 되어. 고역대의 성분이 떨어진다"라는 것을 청각지각함수로 기억을 하고 있습니다. 자신이 음원과의 거리를 멀게 있으면 있을 수록. 음량도 떨어지고. 잔향성분은 많아지고. 더불어 고음역대의 성분도 내려가는 것을 조금만 신경쓰면 쉽게 구분할 수 있을 것입니다. 거리감을 느끼는 것에는 위의 3가지 외에도. "엔벨로프 특성"에 관한 부분도 있습니다만. 이것은 컴프레서에 관한 설명에서 이미 이야기를 한 바가 있으므로 여기에서는 설명하지 않겠습니다. 이제 조금 이해가 되셨는지요? 다시 한번 정리를 해보면. 우리가 흔히 말하는 거리감(리버브감)을 느끼게 되는 3가지 요소가 있습니다. 1, 음량이 작으면 멀게 들린다. 2. 원음대비 잔향성분이 많으면 멀게 들린다. 3. 고음역대가 적으면 멀게 들린다. 마지막 3번에서 빠진 것이 있네요. 리버브의 수 많은 파라미터들에서 영자가 아주 중요하게 생각하는 3가지가 있습니다. 1. 리버브 타임(RT) 2. 프리딜레이 타임(PreDly) 3. 컷오프 프리퀀시 : 이것은 리버브의 고음역때를 조절하는 것으로써. 영자는 일반적으로 리버브 성분의 고역을 많이 줄이는 편입니다. 프로의 믹스에서 들을 수 있는 지저분하지 않으면서도 깔끔하고. 그러면서 공간감을 느낄 수 있는 리버브를 사용한 믹스의 방법은 바로 위의 3가지 요건이 적절하게 사용이 되었다고 볼 수있을 것입니다. 특히 3번 컷 오프 프리퀀시는. 정확하게 다시 표현하자면 리버브의 고역성분의 감쇄를 표현한 것으로. 리버브의 3대 파라미터로 아주 중요합니다. 대부분의 엔지니어들이 리버브의 파라미터는 이렇게 3가지를 기본으로 조절하고 있다고 생각합니다. 현대 우리가 사용하고 있는 플러그인 리버브의 경우. 고음역이 도들아지는 경우가 많기 떄문에. 음원. 특히 보컬에 사용하면 자음등에 리버브가 반응하여 지저분하게 들리는 것이 있는 데 개인적으로 저는 이러한 것을 대단히 싫어하는 편입니다. 리버브는 어디까지나 원음에 자연스럽게 매치가 되어 음원과 음원 사이의 거리감을 조절할때 사용하는 것이지. 리버브의 소리가 원 소스 만큼이나 부분부분 튀게 들리는 것을 좋아하지 않고 있습니다. 영자가 리버브에 관해 이야기 를 하는데 자꾸 "거리감"으로만 한정되는 부분이 있습니다만. 많은 분들이 이미 경험하신바와 같이 리버브는 거리감 외에도 좌우의 "공간감" 을 표현하는 데 가장 중요한 기기 입니다. 이러한 좌우의 공간감은. 위에서 이야기한 2번의 내용을 다시한번 살펴보시기 바랍니다. "2. 원음대비 잔향성분이 많으면 멀게 들린다." 소리라는 것은 단방향이 아닌 사방으로 흩어지면서 반사와 흡음을 하면서 청취자에게 도달하게 됩니다. 좌우의 거리감은 여기서. "잔향성분의 위상변위" 로 인해서 좌우의 공간감을 우리는 리버브로 얻을 수 있는 것입니다. 어것은 이번 리버브에 대한 칼럼에서 가장 중요한 부분이 되겠습니다. 이부분에 대해서는 여러분들께서 한번 진지하게 고민을 해 보시기 바라고. 영자는 계속 하고 싶은 다른 이야기들을 이어나가겠습니다. 지금 머리속에 하고 싶은 이야기들이 하나 둘 글을 쓰면서 떠올라. 약간은 정신이 없는 상태이거든요^^ 그럼 보컬 리버브 사용방법! 많은 초보자 분들이 알고 싶어하는 내용입니다. 거의 대부분의 책들에서 그것은 "상황에 따라 다르다"라고만 설명할 뿐. 구체적으로 이야기를 하고 있지는 않습니다. 영자 역시 그 부분에는 동감합니다만. 이번 칼럼의 취지는. 초보자 분들이 믹싱을 할때. 무엇부터 손을 대야 할지 전혀 모르는 상태를 생각하고 이야기를 하는 것임으로. 이러한 세세한 부분들도 한번 이야기를 해보도록 하겠습니다. 모든 경우가 다 좋은 결과를 얻을 수 는 없겠지만(상황에 따라 다르기 떄문에) 분명 "참조고는 될 것이라 생각이 듭니다. 그럼 다시 "보컬 리버브 사용방법" 저의 경우는 보컬 리버브는 일반적으로 빠른 곡이든 느린곡이든 2.4 초에서 3.0 초가 가장 많습니다. 사실 리버브 타임은 리버브의 양에 많은 영향을 받기 때문에. 아주 빠른 곡에서도 이렇게 리버브 타임을 넉넉히 길게 하고. 양을 줄이는 편이. 믹스 전반적에서 오히려 더욱 더 풍성한 공간감을 얻을 수 있다고 생각합니다. 보컬의 프리딜레이 역시 거의 항상 비슷합니다. 아주 짧은 것이 10ms 길어도 30ms을 넘지 않습니다. 그런데 프리딜레이는 같은 값이라도 리버브의 종류에 따라서 아주 많이 다릅니다. 예를들어 롤랜드사의 리버브들은 10ms만 되어도 야마하의 30ms처럼 길게 들리기 때문에. 롤랜드 리버브를 사용할때는 프리딜레이를 10ms 이하로 할 때도 많이 있습니다. 아.. 그런데 여기서 혹시 리버브 타임과 프리딜레이가 무엇인지 모르시는 분들이 계실런지도 모른다는 생각에. 리버브 타임은 "리버브의 길이(시간)"입니다. 리버브가 사라지는 데 까지 걸리는 시간. 그리고 프리딜레이는. 원음에서 첫번째 리버브가 나오는 데 까지 걸리는 시간을 의미합니다. (정확히 말하면 초기반사입니다만. 초보자 분들의 이해를 돕기 위해 생략하고 쉽게 설명하였습니다.) 그럼 다시 위에서 영자가 초반부에 했던 이야기와 연관을 시켜보겠습니다. 리버브 타임이 길다는 것은 원음과 청취자사이의 거리가 멀다는 것. 혹은 공간이 크다는 것을 의미하며. 프리딜레이 타임 역시 프리딜레이가 길면 길수록 원음과 청취자 사이의 거리가 멀리 있다는 것. 공간 이 크고. 특히 프리딜레이는 어떠한 공간에서 천정이 높을 곳일 수록 프리딜레이 타임이 길게 느낍니다. 그렇기 때문에 .프리딜레이가 길면 천정이 높고 공간이 큰 것으로 생각을하시면 됩니다. 만약 이 이야기가 이해가 되시지 않는다면. 이해되실때까지 이 글을 처음부터 반복해서 읽어보시기 바랍니다. 이번 기회에. 리버브에 대한 칼럼을 보고. 여러분들이 리버브에 관한 것은 확실하게 파악하고 이해를 하실 수 있다면 정말 좋겠습니다. 휴.. 그럼 다음은 다시 컷 오프 프리퀀시 입니다. 위에 말씀드린바와 같이 이것은 믹싱때 반드시 조절하는 3개의 파라미터로 . 보컬에 사용하는 것은 물론이고 대부분의 소스에서도 저는 컷 오프 프리퀀시를 8Khz 정도로 설정을 해 놓아서. 8Khz 이상의 리버브 성분은 모두 커트 해 버립니다. 때때로 보컬에는 이것을 4Khz나 혹은 1,2Khz 까지 아주 낮게 설정을 할때도 있습니다. 많은 분들이 좀처럼 잘 조절하지 않을런지도 모르는 파라미터라고 생각합니다만. "원음에 잘 매치가 되는 자연스러운 리버브" 와 "원음과 따로 노는 어색한 리버브"의 차이는 여기서 있다고 보시면 됩니다. 사실 리버브 기기에 있는 대부분의 프로그램은 몇몇개의 알고리즘만을 가지고 위의 3가지 파라미터를 중심으로 조절한 것이기 때문에. 영자는 리버브 프로그램을 선택할때 시간을 들이지 않습니다. 대부분 Hall 계열 프로그램을 많이 사용하는 편입니다. 프로그램의 Medium Hall 을 선택하고 위의 3가지 파라미터를 조절하는 경우가 많습니다. 여러분들도 한번 보컬에 리버브를 사용할때. 컷오프 프리퀀시 주파수를 과감하게 변경을 해서 한번 들어보시기 바랍니다. 어쩌면 이것은 프리딜레이 보다도 더 중요한 파라미터라고 생각이 듭니다. 특히 플러그인 리버브는 대부분 고음이 지저분하게 걸리는 경우가 많기 때문에. 이부분을 과감하게 내려보십시오. 우리가 일반적으로 생활하는 공간은 (위에서 한번 나온 이야기 입니다만. 글이 길어졌으니 다시 한번 강조합니다.) 대부분 고음이 쉽게 흡음이 되고 있습니다. 그렇기 때문에 음원과의 거리가 멀면. 사실 8khz 이상의 초고음은 공간에 다 흡음이 되버려서. 실제로도 듣기가 거의 어렵습니다. 우리 귀가 지금까지 항상 듣고 있던 거리감이나 음색. 이러한것을 우리는 "자연스럽다" "좋다" 라고 느끼기 때문에. 우리가 믹스때 리버브를 사용하는 것도 이러한 것을 염두해 두면 좋습니다. 그럼 잠시 쉬어가는 시간으로. 영자가 정도원기사님에게 배웠던 리버브의 사용방법에 대해서 이야기 해보도록 하겠습니다. 먼저 드럼 사운드 부터. 드럼 사운드의 리버브? 하면 역시 첫번째로 떠올리는 것은 바로 "스네어"일 것입니다. 정도원 기사님이 사용하셨던 스네어는. 먼저 이븐타이드 H3000 시리즈에는 반드시 들어가 있는 프로그램인. "게이트 리버브"를 사용합니다. 이 게이트 리버브의 프리딜레이는 10ms. 타임은 대부분 1.8초 정도입니다. 기본적으로 게이트 리버브 위에. AMS RMX-16(요즘은 보기가 거의 어려워진 기기이지요)의 "앰비언스" 프로그램을 사용합니다. 위의 게이트 리버브는 짧은 리버브. RMX-16은 리버브 타임이 3초 정도의 긴 리버브를 함께 스네어에 사용을 해서 발라드 같은 분위기의 스네어 드럼 사운드를 만듭니다. 탐탐에는 게이트 리버브는 사용하지 않고 RMX-16의 긴 리버브만 사용을 합니다. 킥 드림에는 게이트 리버브만 약간 걸어서 킥이 다른 드럼세트들과 잘 섞이도록 만듭니다. 그리고 보컬에는 먼저 TC2290 딜레이를 16분 음표로 짧게 해서 보컬의 발음이 부드러워지도록 만들고. 소니의 R7 리버브의 50번 프리셋(프로그램 명이 stone wall snare 였던 것으로 기억합니다.)을 사용하는데. 이것은 본래 스네어 용도로 나온 프리셋이사 컷 오프가 높게 설정되어있으므로. 컷오프를 아주 낮게 내려서 리버브 소리를 부드럽게 만들고. 리버브타임은 대략 3초 정도로 해서 보컬에 매칭을 하였습니다. 이렇게 해서 과거 그 유명한 보컬 사운드가 만들어져 졌던 것 이지요. 그리고 98년도에 ZZ TOP 스튜디오에서 임창덕기사님의 믹스에서 보았던 보컬 리버브는. 임창덕기사님은 거의 항상 보컬에는 렉시콘 480의 Large Hall 프로그램을 선택., 리버브 타임은 3초정도. 프리딜레이는 30부터 최대 65ms도 길게 줄때도 있습니다. 이렇게 보면 대략적으로 느린 템포의 곡의 보컬 리버브는 3초 정도면 아주 무난하다고 볼 수 있을 것입니다. 더 중요한 것은 "리버브의 양" 이겠지요. 참고로 리버브기기와 억스센드. 리턴의 조절에 관한 주관적인 견해를 잠시 말씀드리면. 우선 영자는 믹서의 억스 마스터 노브는 최대치로 해 놓고. 채널별 억스에서 리버브로 보냅니다. 중요한 것은 리버브의 입력 노브와 출력 노브인데. 같은 리버브의 프로그램이라도 입력 노브와 출력 노브의 위치에 따라서 미묘하게 리버브의 느낌이 다르게 느껴지는 것 같습니다. 그래서 저는 보통 리버브의 입력 노브는 9시 방향으로. 출력 노브는 3시 방향이나. 아니면 최대치로 해 놓는 경우가 많습니다. 리버브의 입력 노브를 올리고. 출력노브를 내리는 것보다. 리버브의 입력 노브를 내리는 편이 좀더 자연스럽고 부드럽게 리버브가 원음과 매치가 되는 것 같습니다. 글을 열심히 쓰다가 배가 고파서 밥을 먹고 왔더니. 이제 무슨말을 써야할지 다 까먹어 버렸습니다.^^ 다음번에는 또 다른 주제로 이야기를 해보도록 하겠습니다. 예를들어 "보컬믹싱방법" "드럼믹싱방법"등도 재미있을 듯 하군요

토탈컴프레서의 사용법에 대해서 한번 이야기를 해보고자 합니다. 먼저 토탈컴프레서는 어떠한 용도로 사용이 되는 가? *믹스된 음원에 전반적인 펀치감 향상. *청감상 음압을 높힘. 이 두가지로 대표될 수 있을 것입니다. 또한 마스터의 피크를 제어하여 더욱 더 높은 음량을 얻을 수도 있고요. 하지만 이 부분외에도 토탈컴프레서는 더욱 더 다양한 변화를 주기도 합니다. (여기서는 멀티밴드는 제외하고 스테레오 컴프레서의 경우만 이야기 하도록 하겠습니다.) 오디오가이 스터디 멤버분들에게 귀가 따갑고 머리가 아플정도로 영자가 강조하는 "컴프레서는 무엇인가?" 라는 질문의 답. "컴프레서는 음원의 엔벨로프를 변화시키는 기기이다." 라는 것이 영자의 컴프레서에 대한 정의입니다. 이미 아래의 보다 훌륭한 믹스를 만드는 방법- 컴프레서 편에서도 누차 이야기를 한 바가 있지요. 그렇다면 엔벨로프를 변화시킨다는 것은 무엇을 의미하는 가? 엔벨로프에 대한 영자식의 정의는. "엔벨로프 - 시간 경과에 따른 음원의 레벨변화" 로 생각하고 있습니다. 즉 소리의 생성부터 소멸까지의 과정을 의미한다고 볼 수 있을 것입니다. 컴프레서. 그리고 가장 어려운 토탈컴프레서에 대해 공부하기 전에. 이러한 엔벨로프에 대한 정의를 명확하게 이해하고 있어야. 비로소 효율적인 컴프레서의 사용이 가능하게 됩니다. 엔벨로프의 정의. 영자가 고등학교때 미디를 하면서. 신디사이저론을 배우면서 엔벨로프에 대한 정의는 그때 배웠는데 내용은 아래와 같습니다. +어택 : 음원의 시작부터 피크레벨까지의 시간. *디케이 : 어택부터 서스테인까지의 시간. *서스테인 : 음의 지속시간. *릴리즈 : 음이 사라지는(소멸하는)데 까지의 시간. 이 정도로 정의를 해 볼 수 있을 것입니다. 엔벨로프를 이해하고 나면. 이제 컴프레서의 파라미터가 눈에 들어올 것입니다. 컴프레서의 파라미터중에서 가장 중요한 것은. 역시. 어택과 릴리즈 노브 이니까요. 컴프레서의 어택과 릴리즈는 엔벨로프에서의 어택과 릴리즈와는 전혀 다른 것 입니다. 컴프레서에서의 어택타임 : 컴프레서가 음원에 동작하는 데 까지 걸리는 시간. 릴리즈 타임 : 컴프레서가 음원에 동작하고. 풀리는 데 까지 걸리는 시간. 을 의미합니다. 오늘은 마스터링에서의 컴프. 즉 토탈컴프레서에 한정된 이야기임으로. 이제 토탈컴프레서에 관한 이야기로 다시 돌아가 보겠습니다. 많은 사람들이 토탈컴프레서 사용을 무척이나 어려워 합니다. 저도 마찬가지입니다. 자칫 잘 못해서는 공들여서 만든 믹스를 엉망으로 만들게 될 수도 있고. (특히 최근 플러그인 컴프레서에서의 과도한 컴프레싱으로 인해서 듣기 좋지 않는 디스토션감이 들리는 음반들도 종종 보입니다.) 열심히 걸어 보아도. 좋은 결과를 얻기가 정말 어려운 것이 바로 토탈 컴프레서 라고 볼 수 있을 것 입니다. 그래서 마스터링 엔지니어의 전문화가 된 것인지도 모르겠지요. 토탈 컴프레서의 효과는 위에 이야기 한 것 외에도 무수히 많습니다. 우선 순기능부터. 전체 믹스의 배경을 깨끗하게 만들어서 전반적으로 클리어한 사운드로 만듭니다. 외국 음반에서 들을 수 있는. 그리고 국내 음반에서 믹싱과 마스터링이 잘 된 음바에서 들을 수 있는 . 아주 선명하고 깨끗한 사운드는 바로 토탈컴프레서에 의해서 결정이 된다고 해도 과언이 아닐 것입니다.(하지만 깨끗한 사운드를 만드는 방법은 아래 믹싱편에서 여러가지 방법에 관한 이야기를 한 것이 있으므로 참조를 하시기 바랍니다.) 그리고 믹싱때 왠지 믹싱이 된 것 같지 않은. 정리되지 않은 부분들이. 토탈컴프레서를 거치면서. 싹 정리가 되면서. 믹싱때는 데모사운드 이던것이. 토탈컴프레서를 거치면서 갑자기 앨범사운드로 돌변하는 것도 느낄 수 있습니다. 이것은 영자가 어시스트 시절, 정도원 기사님의 믹스에서 종종 느끼던 것인데. 토탈 컴프레서를 넣기 전에는. 왠지 정리가 되지 않고. 완성된 믹스처럼 들리지 않았는데. 토탈 컴프레서 후에는 갑자기 믹스에서 완성됨이 느껴지는 것 이었습니다. 이러한 장점들 외에 역기능으로는.. 가장 쉽게 경험할 수 있는 것이. 믹싱때 공들여서 만들어 놓은 공간감이 좁아지는 것입니다. 특히 토탈 컴프레서를 걸면. 좌우의 스테레오 이미지가 좁아지는 것은 물론. 깊이감도 많이 줄어드는 것을 누구나 아주 쉽게 경험할 수 있을 것입니다. 이외에도 또 흔히 볼 수 있는 것은. 믹스의 특정주파수에서 컴프레서가 과도하게 걸려서(일반적으로 베이스 기타가 많습니다.) 사운드가 물에 젖은 종이가 마르면서 쭈글쭈글 해지는 것처럼. 부분 부분 우는 것 처럼 들리는 것입니다. 흔히말하는 펌핑 현상이지요. 이러한 역기능을 없애면서. 위의 엄청난 장점들을 어떻게 하면 잘 살릴 수 있는 가. 가 이번 칼럼의 내용이고 목적입니다. 먼저 토탈컴프레서의 사용에서 중요한 것. 단순하게 영자의 예를 들어보겠습니다. 다른 소스들은 몰라도 토탈컴프레서의 경우는 자신이 사용하는 파라미터의 수치를 서로 알고 있는 것도 좋을 것이라 생각됩니다. 영자의 경우 토탈 컴프레서에서 드레숄드의 조정은. 게인리덕션이 피크에서 -3~6db 정도 되도록 하고. 비율은 2:1~에서 4:1 그리고 빠른 곡이라면 8:1까지. 어택은 일반적으로 아주 템포가 빠른 곡이 아닌이상 10~15ms 로 해 놓습니다. 아주 느린곡의 경우가 40ms정도로 해 놓고요. 그리고 토탈 컴프레서에서 이번 칼럼의 포인트는 바로. "릴리즈" 입니다. 다른 개별 소스에서와는 다르게. 토탈 컴프레서에서는 릴리즈 타임의 조정이 가장 중요하다고 생각됩니다. 릴리즈만 잘 조절하면. 위의 토탈 컴프레서의 역기능들을 모두 예방할 수 있습니다. 그래서 토탈 컴프레서를 보면 어택은 메뉴얼이라도 릴리즈는 오토로 조절할 수 있는 모델이 무척 많습니다만.. 이것이 바로 함정이라고 생각합니다. SSL의 토탈컴프레서를 사용할때는 제외하고. (특히 플러그인 컴프레서들의 경우는 더욱 더 중요합니다.)는.. 토탈 컴프레서 사용시 오토 릴리즈는 가급적이면 지양하는 것이 좋다고 생각합니다. 오토릴리즈는 일반적으로 너무 응답이 빠른 경향이 있어서. 저음역대에서의 펌핑이 잘 생기며. 음상이 작아지는 경우도 흔하게 볼 수 있고,. 또한 음이 전체적으로 너무 안으로 들어가게 됩니다. 토탈 컴프레서에 중요한 것은 음이 스피커 밖으로 튀어나오듯이 생생한 음질을 얻는 것인데. 잘 못 사용해서 음들이 오히려 들어가 버린다면 이것은 무언가 큰 잘못이 생긴 것이겠지요. 물론 이부분은 어택의 조정도 한 몪 합니다만. 어택은 일반적으로 10~15ms정도면 크게 실수가 나오지 않는 세팅이라고 생각합니다. 토탈 컴프레서에 있어서 릴리즈는 영자의 설정은 대략 200ms에서 발라드는 400ms 사이가 많습니다. 빠른 곡의 경우도 릴리즈는 적당히 길게 주어도. 오히려 자연스러운 컴프레션 감을 느낄 수 있는 경우가 많습니다. 위의 영자가 이야기한 세팅을 해 놓고 한번 실험을 해 보시기 바랍니다. 위에서 이야기한 토탈 컴프레서의 사용으로 인해서 "배경이 깨끗해 진다"라는 의미를 느낄 수 있는 것은 릴리즈 세팅 변화입니다. 그동안 오토릴리즈에서 벗어나서. 자신만의 릴리즈 타임으로 노브를 한번 움직여 보십시오. 릴리즈 양에 따라서 변하는 믹싱의 주 선율과 리듬악기들의 조화. 좌우 음상의 변화는 물론이고. 음원의 거리감 변화 등. 토탈 컴프레서 세계의 심오함을 느낄 수 있을 것입니다. 다만 이러한 변화는 모니터 스피커보다는. 먼저 헤드폰으로 해 보시는 것이 그 변화를 더욱 더 쉽게 알아차릴 수 있을 것입니다. 다만 L2같은 리미터 계열의 맥시마이저들은 릴리즈를 오토로 하는 편이 무난하나도 볼 수 있을 것입니다. 본래는 마스터링시의 컴프와 이큐까지 이야기 하려고 했는데. 나중에 마스터링 컴프레서 [2] 를 올리도록 하겠습니다. 마지막으로 [2]편으로 넘어가기 전에. 이 칼럼에 전반부에서 영자가 강조한 "엔벨로프"에 대해서 유심히 한번 더 생각해 보시기 바랍니다. 엔벨로프로 인해서 외 그리고 어떻게 소리가 바뀌는 가?

각각의 나라들. 예를들어 미국. 영국. 일본. 프랑스. 독일. 같은 나라들은. 그 나라 고유의 사운드를 지니고 있는 것 같습니다. 미국은 하이파이하고 화려한 사운드. 영국은 좀더 로우파이하면서도 개성적인 사운드. 일본은 저역이 조금 가볍고 고역이 부스트된 사운드. 프랑스는. 리버브감이 독특하고 묘하면서도 개성적인 사운드. 물론, 이렇게 각 나라의 사운드들이 일률적을 모두 같을 수는 없겠지요. 영자는 이번 칼럼에서 이 "독일"이라는 나라의 사운드에 관해서 한번 이야기를 해 보고자 합니다. 요즘들어 독일이라는 나라에 대해서 여러가지 생각들을 해봅니다. 과거에는 정말 미국사운드에 열렬히 빠져서 지냈습니다. 부르스스웨디언의 완벽함이나 알슈미트의 자연스러움. 믹거자우스키의 화려함이나. 밥락의 에너지감 있는 명작들을 들으며. 정말 무아지경에 빠지기도 하였었지요. 사실 독일의 팝은 별로 들어보지 못했습니다. 일렉트로니카의 원산지이기도하고(이렇게 말하자면 독일은 현대 음악의 장르의 원산지가 너무나 많지요.) 게다가 독일 힙합도 상당히 좋다고 하더군요. 엔지니어를 하기 전,. 과거에 음악을 할때는. 미디에서 좀더 깊히 전자음악 공부를 하면. 빠지지 않고 가장 먼저 접하게 되는 것은 역시 "독일"입니다. 전자음악이라는 것은 바로 독일 사람들에서 부터 학문화 되고 체계화 된 것이니까요. (그들은 비단 전자음악 뿐만 아니라 세상의 수 많은 학문과 과학들을 정립해 놓았습니다.) 영자가 가장 좋아하는 마이크 메이커들의 90%의 독일 산. 그외에도 현대 음향 그리고 음향기기에 독일은 절대적인 영향력을 발휘해 왔습니다. 음향을 학문으로써 발전시키고 개발한 것은 독일이라고 해도 과언이 아닐 것입니다. 사실 독일은 오디오가이 가족분들께서도 잘 아시다 싶히. 음향외에도 무수한 문화적. 예술적인 전통과 유산들을 지니고 있습니다. 클래식이나 재즈의 어쿠스틱 악기 녹음을 주로 하고 있는 영자에게 있어서. 요즘 레퍼런스로 듣게 되는 음반의 절반이상은 독일에서 제작된 앨범 들입니다. 클래식이야. 도이치그라모폰 같은 원체 거대한 레이블이 자리 하고 있기 때문이라고 하더라도. 여러분들은 독일에서 녹음된 재즈음악이나 크로스오버음악들을 들으면. 어떤 느낌이신지요? 음향을 10년동안(정말 쏜살같이 지나가는 군요) 공부해 나가면서. 저의 취향이나 생각 역시 점점 변해가리라 생각합니다. 시간이 지나면 지날 수록. 이상적인 음향. 즉 레퍼런스 사운드에 대한 생각들이 한가지로 모이는 것 같습니다. 단순히 화려하거나. 또는 듣기 편하거나. 강렬해서 인상에 남는 사운드.. 정말 멋지고 엔지니어의 어깨를 으쓱하게 만들어 줍니다. 그런데. 독일에서 작업된 몇몇의 음반들을 한번 들어보면. 지극히 주관적인 감상을 이야기 해보자면.. 음.. "엔지니어는 아무것도 하지 않고 그냥 마이크만 아티스트들의 주변에 둔" 것 같은 느낌을 받습니다. 음반에 엔지니어의 성향이나 특성이 나타나는 경우가 무척 드뭅니다. 반대로 독일의 ECM레이블의 경우같이. 프로듀서와 엔지니어의 사운드 철학이. 레이블 자체가 되어 버리는 경우도 있습니다만.. 대부분의 독일의 레코딩 작품에서는. "소리"를 느낄 수 가 없습니다. ... 여러분들은 이 의미를 한번 아주 주의 깊게 생각해 보시기 바랍니다. 독일에서 작업한 몇몇의 작품들에서는 "소리"를 느낄 수 없다. 이것이 무슨 엉뚱한 말인가?? 기돈크레머라는 아주 대단한 클래식 바이올리니스트가 피아졸라의 탱고음반을 녹음한 것 이 있습니다. 녹음한 회사는 트라이토너스라는 아주아주 유명한 클래식 전문 레코딩 회사입니다. 이 음반을 들어보면. 음향은 전혀 느껴지지 않습니다. 그럼 무엇이 느껴지냐고요? 바로... "음.악"만이 느껴집니다. 언젠가 영자가 어디엔가의 글에서.. "소리는 사라지고 음악만이 남는 다." 라는 표현을 한 적이 있을 것입니다. 10년이 조금 넘게 지나니. 이제서야 내가 생각하는 레퍼런스 사운드. 그리고 내가 앞으로 갈 방향을 알 것 같은 느낌입니다. 그렇습니다. 바로 그것입니다. 음향은 전혀 느껴지지 않고. 그 훌륭하고 감동적인.. 음악만을 음반에 담아내는 것 입니다. 독일의 사운드들은 거의 대부분이. 이러한 점에서 정말 대단하다는 이야기를 하고 싶습니다. 그들이 만든 음반을 들으면. 사운드는 그리 좋은 것 같지는 않습니다. 하지만 그렇다고 나쁜 사운드도 거의 찾아보기가 어렵습니다. (반대로 미국의 음반들의 경우는 우리가 알고 있는 대가들외에 다른 작품들에서는 가끔씩 황당할정도로 이상한 사운드들을 종종 만나기도 합니다.) 독일의 엔지니어들은 확실의 우리와는 다른 시각으로 접근하는 부분이 있는 듯 합니다. 엔지니어의 교육역시도 10년가까이 하는 지루한(?) 교육방식만 보아도. 그 들의 음향과 그리고 음악에 대한 생각들을 살짝 엿 볼 수 있습니다. 지금 영자가 하고 싶은 이야기가 잘 전달이 되고 있는 지는 모르겠습니다만. "독일"의 사운드는. 정말 음악적인 그리고 예술성을 그대로 음반에 담아줍니다. 한번 생각해 보시기 바랍니다. 우리가 너무 열심히 하려다가 정작 중요한 것을 놓히고 있는 것은 아닐까요? 음향의 근본은 과연 무엇일까요? 위에 소개한 기돈크레머가 연주한 피아졸라의 음반을 들으면. 리버브감이라던가 딜레이 같은 "음향적인 표현" 이나 "엔지니어의 색깔"은 전혀 드러나 있지 않습니다. 그 음반에 들어나 있는 것은. 아티스트의 눈물흐를 정도의 감동적인 연주와 바로 음악. 그 자체 입니다. 많은 엔지니어들이. 음반을 더 욱 더 좋게 만드려고 하면서. 오히려 음악적인 느낌은 반감하는 경우를. 가끔씩 보게 됩니다. 저 역시도 초기에는 그러한 실수를 항상 하였던 것 같습니다만.. 오디오가이 가족분들도 한번 독일 사운드를 한번 유심히 들어보십시오. 그곳에는 화려함이나 단번에 귀에 쏙 들어오는 사치성은 없습니다. 하지만 이 시대 음향을 정립시키고 발전시킨 그들의 전통을 느낄 수 있는. 정말 "철학"이 음반에 담겨 있습니다. 그리고 "음향"의 본질에 현재 가장 가까이 접근해 있다고 생각합니다. 음악을 담는 그릇으로써의 음향. 에 있어서. 이러한 "철학"은 음향엔지니어에게는 정말 가장 중요하며 결코 놓혓는 안되는 부분이 아닐 까 싶습니다. 하지만 아쉽게도 많은 엔지니어들은 이러한 철학이 생기기에 앞서. "고집" 혹은 "아집" 그래서 이에 따른 편협한 시각이 생기는 경우도 볼 수 있습니다. 물론 오디오가이 가족분들중에서는 거의 드물고 없으리라 생각합니다. 그러한 분들은 이렇게 다른 사람의 글을 읽거나 하는 것에 관심이 별로 없을 테니까요. 여러분들께서도. 음향은 단순히 소리만 좋다고 그것만이 전부가 아니라는 것을 꼭 기억해 주셨으면 합니다. 특히 요즘들어서 더욱 더 음향기기들에만 무슨 목숨 거는 사람들처럼. 음향기기와 소프트나 플러그인에만 관심이 있고. 정작 음악적인 소양이나 음향적인 기본적인 지식. 그리고 음악과 음향을 멋지게 조화시킬 수 있는 자신만의 "철학"은 없이. 단순한 "흥미"의 시각에서만 음향을 바라보는 사람들을 볼 때는 참으로 안타까운 생각이 듭니다. 독일 사운드에서는. 정말 음악에 대한 진지함이 느껴집니다. 더불어. 그들이 음악의 단 한 선율. 한 음표 하나하나를 얼마나 소중하게 생각하는 지를. 그들이 만들어낸 음반들에서 느낄 수 있습니다. 우리들은 음향기기들만 소중하게 생각할 것 이 아니라. 음악의 전체적인 그림과 더불어. 순간적인 시간의 예술인 음악의 그 한 순간 순간의 표현들을. 결코 놓혀서는 안 될 것입니다. 전혀 인공적인 그리고 어색함이 느껴지지 않는. 음향에 있어서 이상적임에 가장 근접해 있는 독일 엔지니어들의 음반을. 오디오가이 가족분들에게 레퍼런스 음반 그리고 레퍼런스 사운드로 써 적극 추천합니다. 분명히 여러분들의 cd함에 독일 에서 만들어진 음반들이 몇장 있을 것입니다. 다만 그다지 인상적으로 느껴지지 않아서. 그냥 지나쳤을 런지도 모릅니다. 사실 영자도 그랬으니까요.. 하지만 다시 한번 들어 보시기 바랍니다. 음향은 느껴지지 않고. 음악 그리고 예술만을 이 조그마한 CD에 담아내는 그들의 "완성"을 말입니다. 덧쓰기 : 어쿠스틱 녹음과 믹싱을 여러 환경에서 아주 많이 해 보신 다면. 위에 표현한 음향은 느껴지지 않는 사운드가 얼마나 어려운 것 인지. 직접 느끼 실 수 있을 것입니다. 그리고 반대로 "음향"으로 "음악의 표현"을 극대화 시키는 것 역시. 넓은 의미에서는. "음향이 느껴지지 않는 사운드"에 포함이 될 수 도 있습니다.

요즘 매일 같이 한국예술종합학교의 자그마한 연습실에서 레코딩을 하고 있습니다. 바로 오디오가이 레코드에 2번째 앨범이 될. 카운터테너의 앨범입니다. 작년 9월부터 기획을 해서. 녹음장소를 여러곳 찾아보고. 잠원동 성당을 대관해서 녹음도 해보고 하였습니다만.. 이번에는 여러가지 이유로 인해서(챔발로 악기 렌트문제. 렌트용의 챔발로는 소리가 너무 마음에 들지 않더라구요) 예종의 챔발로 연습실에서 녹음을 하게 되었습니다. 크기는 약 3평정도로. 안에 챔발로가 2대 들어있고. 콘트라 베이스도 서너대 들어있고. 거기서 챔발로. 첼로(바로크첼로), 카운터 테너. 이렇게 트리오 녹음을 하였습니다. 연습실의 음향은 보통 음대 연습실이 다 그렇듯이. 벽면은 타공판으로 되어있고. 상당히 데드한 편입니다. 그렇기 때문에. 개인적으로 나중에 믹싱을 거의 하지 않는 원포인트 녹음을 좋아하는 제 취향과는 조금 다른. 모두 클로즈 마이킹으로만 녹음을 진행하게 되었습니다. 다행이 챔발로도 음량이 크지않고. 이번에 사용한 첼로는 바로크 첼로라. 스틸현이 아닌 거트현으로 되어있습니다.(쇠줄이 아닌 가죽줄) 그렇기 때문에 음량이 작고. 여음이 길며. 소리가 더 부드럽습니다. 카운터 테너역시 일반적인 테너나 바리톤처럼 무조건 소리 큰 사람이 장땡이다..식의 지르지 않고 음색을 곱게 뽑아내는 스타일이기 때문에. 녹음하는데 큰 어려움을 없었습니다만. 그래도 역시 3평 정도의 작은 공간이 아주 꽉 차서(거기에 장비들과 엔지니어도 있으니까요) 첼리스트의 오른 팔꿈치가 자꾸 챔발로 마이크 스탠드에 닿을 정도로 협소한 공간이었습니다. 넓은 공간에서도 그렇지만. 작은 공간에서 한번에 여러악기를 녹음할때. 가장 고심이 되는 것은 무엇일까요? (클래식이니 반주만 먼저 만들어 놓고 더빙할 수도 없지요) .. 그렇습니다. 역시 문제는 간섭음 이겠지요. 이번 칼럼의 주제는 바로 이 "간섭음"에 관한 내용입니다. 아..이렇게 칼럼의 서론을 길게 써본것은 또 처음인듯 하군요. 많은 엔지니어들이 이 간섭음에 관한 일종의 두려움을 지니고 있는 것 같습니다. 일반적으로 간섭음은 소리를 탁하게 만드는 주범이다.? 혹은 간섭음이 많으면 믹싱때 원하는 소리를 만들기가 어렵다.? 등의 간섭음에 대한 많이 좋지 않은 이야기가 자주 들려옵니다만.. 그래서 많은 엔지니어들이. 과감한 시도를 하지 않는 다는 것이 있습니다. 가장 큰 문제는 이러한 간섭음 문제로 연주자들을 각방에 떼어놓거나. 아니면 더빙을 종용하는 사태가 아주 자주 있습니다만. 이러한 녹음의 편의성(?) -이것이 과연 편의성 인가는 좀더 두고 볼 문제입니다.- 때문에 연주자들이 녹음하면서 서로 아이콘택트와 호흡을 통한. 음악성에 영향을 줄 수 있다는 것입니다. 처음 녹음 세팅할때 연주자들이 들어옵니다. 모 아티스트 : "저기 어디서 연주하죠?" 오디오가이 영자 : 네. 여러분들이 가장 연주하기 편하신 위치에서 하시면 됩니다. 항상 영자는 이러한 반복된 영자카세트 테이프를 들려줍니다. 그런데 항상 연주자들이 위치를 잡은 후에는 제 마음에 들게 미세하게 위치 조정을 하기도 합니다만..^^ 우선 중요한 것중에 하나는 녹음때문에. 연주자들이 연주하기 불편한 상태로 만드는 것은 반드시 지양해야 한 다는 것입니다. 음향은. 우선 음악이 최상의 상태로 들려오면. 그것을 바로 담는 것이라 생각합니다. 음향때문에. 음악이 최상의 상태가 되지 못한다면. 그것은 아주 커다란 문제가 있는 것이 아닐까 합니다. 영자가 처음 이 간섭음에 대해서 관심을 가지게 된 계기는. 과거 어떠한 칼럼에서 알슈미트 이야기에서도 나왔겠지만.. 여기서 잠시 알슈미트 이야기로 삼천포로 다녀오겠습니다. 영자는 물론이고 정말 많은 엔지니어들이 존경하는 사람으로 알슈미트를 손꼽는 사람이 정말 많을 것입니다. 그런데 요즘 아주 이상한 현상들을 보고 있습니다. 요즘 음향을 공부하는 사람들 중에서 알슈미트를 아는 사람이 100명에 한명도 되지 않는 것 같더라구요. 알슈미트가 힙합이나 댄스뮤직을 작업을 하지 않아서 그런가 했더니.. 요즘 음향을 공부하시는 분들은 대부분. 외국 음향엔지니어에 대해서 동경이라던가.. 아니면 관심이 별로 없는 듯 하더군요. 영자는 과거에 알슈미트라던가. 부르스스웨디언. 밥클리어마운틴. 휴퍼잼 등. 어쩌다가 중고음반 가게 같은 곳에서 구입한 앨범에. 위 엔지니어의 이름이 있으면. 세상을 다 얻은 것 처럼 기뻐했던 시절이 있었던 것 같습니다만.. 요즘은 이러한 것들은 많이 사라져가고 있는 듯 합니다. 그런데 미국도 10년전이나 지금이나. 탑 엔지니어들은 정말 거의 변화가 없는 듯 하던데..^^ 다시 간섭음. 이야기로 돌아가겠습니다. 위의 삼천포 가기 전에 글 처럼. 믹스지에서(믹스지를 모르시는 분. 혹은 한번도 보시지 않은 분들도 요즘은 대부분이더라구요.ㅜ.ㅜ..) 알슈미트 인터뷰를 보았습니다. 과거부터 현재까지도 변함없이. 어쿠스틱 악기 녹음에 관해서는 세계 최고의 엔지니어인 알슈미트의 어쿠스틱 악기 녹음에 관한 간섭음의 이야기가 저의 시선을 끌었습니다. 알슈미트 : 간섭음을 너무 두려워하거나 싫어하지 말라. 원음이 좋으면 간섭음도 좋으며. 그리고 좋은 마이크로 녹음을 하면. 간섭음의 퀄리티 역시 높기 때문에. 전혀 문제가 될 수 없다. 이전까지 영자는 간섭음은 아예 신경을 딱. 끉고. 필요없는 것. 귀찮은 것.. 으로 규정하고 있다가. 좋은 마이크로 녹음을 하면 간섭음의 퀄리티도 높다는 것에. 깜짝 놀랐습니다. 여기서 알슈미트는 M149를 지칭하며 이야기를 했었습니다만..(M149는 개인적으로 사용하기가 불편할만큼 감도가 너무 높다고 생각됩니다) 그 이후로 간섭음에 대한 새로운 시각이 생기기는 하였지만. 역시나 녹음이나 믹스에 있어서. 간섭음은 최대한 배재하는 것을 기본으로 작업 하던 때가 많았던 것으로 기억 됩니다. 지난번 재즈 트리오 녹음도 그렇고. 이번 클래식 녹음도 그렇고. 이러한 어쿠스틱 악기 녹음에 있어서. "간섭음"이란. 그 동안 내가 잊고 있던 중요한 소리의 핵심이라는 것을 요즘 들어서 느끼고 있습니다. 이번 클래식 녹음도 그렇습니다만. 마이크가 좋아서 그런지^^ 간섭음의 소리가 너무나도 자연스럽습니다. 첼로 마이크에 챔발로 소리가 아주 많이 들어갑니다만. 작은 공간이지만. 딱 챔발로에 모노 리버브가 걸린 소리가 첼로 마이크에서 납니다. 모노 리버브 소리인 이유는. 첼로 마이크는 하나이니까요. 자..그럼 여기서 바로 이번 칼럼의 핵심을 바로 도출해 보도록 하겠습니다. 첼로마이크의 챔발로 소리가 자연스럽고. 게다가 공간이 협소하고 데드한 곳인데도 불구하고. 리버브같은 공간감 있는 소리가 들린 이유는 무엇일까요? 우리가 사용하고 있는 마이크들에는. 대부분의 사람들이 on axis 특성에만 집중을 하는 경우가 대부분입니다. (*on axis : 마이크의 근접. 그리고 정면에서의 주파수특성) 하지만 마이크에는 on axis만이 있는 것이 아닙니다. off axis의 음색과 특성도 존재합니다. 많은 엔지니어들이 off axis 에는 관심을 두지 않습니다. 하지만 아주 많은 마이크 제조회사들에서는 on & off axis 특성 그래프를 항상 함께 보여주고 있습니다. 별로 대단치도 않고 중요하지도 않은 것을 마이크 제조회사에서는 번거롭게 항상 그렇게 표기를 하는 것이 일까요? 항상 보던 한개의 원에서. 이제는 그 옆에 있는 다른 원. 혹은 원 안의 울퉁불퉁한 그래프들에도 관심을 가져 보시기 바랍니다.(이 문구가 이해가 되시지 않는 분들은 마이크 사이트들에서 그림들을 많이 보시다 보면 무슨 말인지 이해가 되실 것입니다.^^) 그럼 다시. 같은 문장을 사용해서. 첼로마이크의 챔발로 소리가 자연스럽고. 게다가 공간이 협소하고 데드한 곳인데도 불구하고. 리버브같은 공간감 있는 소리가 들린 이유는 무엇일까요? 정답은 바로 첼로마이크의 of axis 된 소리가 챔발로의 리버브 같은 소리를 들려주었기 때문입니다. 바로 우리가 그토록 두려워 하는 "간섭음"이. 어쿠스틱 악기 녹음에 있어서 중요한 공간감과 함께. 가장 잃어버려서는 안되는 "생명력"을 부여한다고 믿습니다. 잘 들어보십시오. 어쿠스틱 악기들을 클로즈로 솔로로 녹음을 해보면. 무언가 소리가 어색합니다. 왠지 답답하고. 생생하지 못한 소리가 납니다. 그래서 왠지 이큐로 고음도 부스트 해보지만. 그렇게 하면 소리만 얇아질 뿐. 음악성은 더 없어지고 소리도 나빠집니다. 어쿠스틱 악기 녹음을 했을 때. 왠지 실제 악기 소리를 듣는 것 과 같은 "생생함'이 부족함을 느끼신 분들은. 이제 연주자들을 부스에서 다 나오라고 하시고. 그리고 연주자 머리위에 무겁게 씌어져 있는 헤드폰은 벗어던지고(더빙할 필요가 줄어들테니까요) 부스든. 콘트롤 룸이든. 연습실이든. 강당이든. 교실로 모두 나오라고 하십시오. 그리고 그곳에서. 실제 악기를 연주하는 아티스트들의 그 "생생함'을 마이크로 받아 보시기 바랍니다. "간. 섭. 음" 과 함께. 덧쓰기 : 그림은 영자가 이번 레코딩에 사용한 마이크의 폴라패턴 그림입니다.(단일지향성) 이번에 사용한 마이크는 챔발로 MBHO 440(ORTF) 그리고 첼로와 카운터 테너 모두 MBHO 440 입니다. MBHO 440은 정말 저렴함 가격에 숍스와 전혀 구분할 수 없는 자연스러운 소리를 들려주는. 손바닥이 부르트도록 박수를 쳐 주어도 아깝지 않은 마이크 입니다. 덧쓰기 2 : 리버브에 대해서도 잘 생각해 보시기 바랍니다. 리버브의 주파수 특성.(초고역은 거의 없고. 중저역이 리버브. 공간음.의 대부분을 차지 합니다. 이유는? 고음은 공간에서 흡음이 되기 때문에. 우리가 실제로 공간에서듣는 자연 리버브 역시. 고음이 롤 오프된 중저역 위주의 소리입니다. 그렇기 때문에 우리의 귀와 뇌는. 공간감을 느끼는 리버브에 대한 소리는. 고역보다는. 중저역이라고. "청각지각함수"가 기억을 하고 있습니다. 이 리버브에 관한 것도 쓰기 시작하면 길어져 글이 처질 것 같으니. 리버브와 주파수 특성. 그리고 마이크의 폴라패턴등을 자세히 보시고. 거기서 근접 마이킹과 그리고 이번 칼럼 주제의 "간섭음"의 차이 등. 여러가지 새로운 발견들을 해보시기 바랍니다. 분명. 오디오가이 가족분들께 유용한 부분이 되리라 생각합니다.

무척 오랫만에 오디오가이 칼럼을 올리는 것 같군요 게다가 칼럼의 진행이 중구난방으로 되고 있는 듯 합니다. 프로듀서 기법이 시작되는 가 싶더니 갑자기 믹싱시리즈가 나오다. 드럼 테크닉. 이제는 어쿠스틱 악기의 녹음 방법등..^^ 가끔씩 칼럼이 언제 업데이트가 되는 지 여쭈어 보시는 분들이 계서서 무척 송구스럽습니다만. 칼럼을 올릴 때는 대부분 레코딩이나 믹싱 세션이 끝난 직후. 파릇파릇하게 솓아나는 느낌들을 그대로 담고 있어서.(시간이 지나면 다 까먹습니다. ) 다음번 업데이트가 언제 될런지는 딱. 말씀을 드리기 어려운 것이 사실입니다. 어제는 금호아트홀에서 재즈트리오의 녹음을 하였습니다. 재즈트리오 녹음은 개인적으로 무척 녹음하기 좋아하는 구성으로. 녹음할 때 아주 재미가 쏠쏠한 구성이라고 생각입니다. 이번에는 피아노에 신광웅씨. 콘트라베이스에 전성식씨. 드럼에 크리스바가. 이렇게 3연주자가. 금호아트홀 무대에서 한번에 연주를 한 것을 녹음 하였습니다. 재즈음악 같은 것은 사전 리허설 시간도 무척 짧은 편이라. 무엇보다도 녹음중에 연주자의 아이콘택트가 무척이나 중요하다고 생각합니다. 이러한 상황에서. 각자 다른 부스에서 들어가서 녹음을 한다는 것은. 음질은 깨끗할런지도 몰라도. 연주자들의 음악적인 영감에서는 그리 좋지 않을 수 도 있지요. 갑자기 위의 문구를 쓰고 보니. 맨날 영자는 칼럼에서 똑 같은 이야기만 하는 것 같아. 조금 쑥스러운 생각이 들기도 하는군요. 이번 칼럼에 주제는. 음.. "중구난방"입니다. ^^ 그래도 가장 큰 주제는 역시 "소구경 다이어프램 마이크와 대구경 다이어프램 마이크의 차이점에 관해서" 라고 볼 수 있을 것입니다. 오디오가이 칼럼들이 너무 어렵고 졸립다는 이야기들을 많이 하셔서. 아래와 같이 중간중간 쓸떼없을런지도 모르는 이야기들을 조금씩 삽입 하도록 하겠습니다. 여기서 "다이어프램"은 마이크의 진동판. 즉 마이크의 사이즈를 생각하시면 될 것입니다. 지난 달에 독일에서 활동하고 있는 한국인 엔지니어를 만나서 오랜시간 이야기는 나눈 적이 있습니다만. 그 엔지니어 분 역시. 절대적으로 어쿠스틱 악기 녹음에 있어서 절대적으로 소구경 마이크를 선호한다고 하더군요. 그래서 제가 보컬녹음에도 그렇게 생각하느냐고 물었습니다만.(그분은 클래식 음악의 레코딩 엔지니어 입니다.) 보컬의 경우(여기서는 성악이나 합창이 되겠지요)도 때에따라서는 소구경 마이크를 즐겨 사용한다고 하더군요. 그래서 제가 어떠한 점에서 소구경 마이크들이 대구경 마이크들에 비해서 장점을 가지고 있는 가? 라고 물었습니다만. 그 엔지니어분의 대답은. 소구경 마이크가 대구경에 비해서 한결 투명한 고역을 들려주기 때문이라고 합니다. 여기서 말하는 투명한 고역은 단순히 부스트된 고역특성과는 조금 다른. 고역특성에 있어서 대구경보다 소구경의 장점이 우월하다. 로 도 볼 수 있을 것입니다. 사실 물리적으로도. 파장이 아주아주 작은 초고역의 경우. 다이어프램이 크고 무거운 쪽 보다는. 아무래도 다이어프램이 작고 가벼운 쪽이. 초고역에 대해서 더욱 더 민감한 반응을 보이는 것은 당연한 사실일 것입니다. 그리고 대구경의 경우. 저역의 진동이. 초고역의 진동을 마스킹하는 경우도 있어서. 자연스러운 초고역을 얻기 어려운 부분이 있을 수도 있다고 생각합니다. 그래서 이러한 보완점을 마이크내부의 앰프부분들에도 많은 부분. 기대고 있는 마이크 제조 회사들도 있다고 생각합니다만. 대부분의 마이크 회사 카다로그의 주파수 특성을 보면. 소구경 쪽이 대구경에 비해서 18k 이상의 특성에서는 현격하게 좋은 특성을 보여주는 경우가 대부분입니다. 영자는 화장실에서 심심할 때 가장 자주보는 것이 음향관련 잡지나. 클래식음악 잡지. 아니면 음향기기 회사의 카다로그 들입니다. 어제 녹음한 세션에서 사용된 마이크는. 우선 피아노에는 노이만 U87Ai 페어(영자가 87에 정말 열렬한 지지자 인것은 오디오가이 U87 리뷰를 통해서 확인하실 수 있습니다.) 콘트라 베이스에는 처음에는 DPA 4011을 사용하였으나. 소리가 마음에 들지 않아서 좀더 엣지가 살아있는 숍스 CMC6 + MK2V(단일지향성 MK2에 중고역이 좀더 부스트된 특성을 지니고 있는 캡슐입니다.)로 바꾸었습니다. 그리고 드럼. 우선 재즈드럼에서 전체사운드의 90%이상을 차지하는 오버헤드에는. MBH0의 440 CL. 페어 스네어에는 DPA 4011. 베이스드럼에는 콘트라 베이스와 같은 숍스의 CMC6 + MK2V 를 사용하였습니다. 여기서 잠시 국내에는 생소한 MBHO의 440CL 마이크에 대해서 소개를 드리면. MBHO는 숍스의 공동 창업자인 DR. 슈나이더씨가 사장으로 있는 회사로. 숍스와 비슷한 캐릭터를 지니고 있으며. 마이크 케이스나 그러한 부분에 경비절감이 되어있는 대신. 마이크의 가격이 상당히 합리적으로 책정이 되어있는 편입니다. 영자는 MBHO사의 마이크 캐릭터를 무척 좋아하는데. 이 회사의 마이크들의 소리는 숍스처럼 자연스럽고 과장이 없는 플랫한 소리입니다. 그러면서도 너무 밋밋하지 않고. 고급감이 느껴지는 편이라 생각합니다. 마이크 세팅은. 오버헤드는 숍스 스테레오 바를 사용해서(MBHO와 사이즈가 딱 맞더라구요^^) XY 로 드러머의 머리 위 1.2M 정도 올렸습니다. 스네어와 베이스 드럼은 일반적인 세팅이었고요. 여기서 감동한 것은 오버헤드의 소리로. 지금까지 제가 녹음한 재즈 드럼 사운드 중에서는 가장 만족할만한 소리를 들려주었습니다. 정말 자연스럽고. 오버헤드 만으로도 밸런스가 너무 좋고. 개인적으로 오버헤드에서 심벌소리가 너무 튀거나. 찢어지는 듯한 자극적인 소리를 들려주는 것을 무척이나 싫어하는 편인데. MBHO 440CL의 소리는 너무나 공간감 있는 자연스러운 소리를 들려주어서. 참 기분이 좋더군요. 드러머인 크리스 바가도 만족하는 듯. 사운드에 대해서는 전혀 코멘트가 없이 마음에 든다고 하더더라구요(다만 모니터를 피아노. 베이스. 드럼. 각각 뽑아달라는 이야기 밖에는..^^) 드럼 오버헤드에는 그동안 세팅이 편한 스페이스드페어(A-B방식)을 주로 사용하였으나. 이번에는 XY로 해보았는데. 앞으로 당분간은 영자가 녹음하는 모든 드럼녹음의 오버헤드는 MBHO 440CL로 XY 방식으로 녹음하게 될 듯 합니다. 스페이스드 페어로 오버헤드를 녹음할 때마다. 위상차이때문에 음상이 조금 흔들리는 경우가 많았는데. XY의 경우는 아주 안정적이고 튼튼한 소리를 들려주더군요. 특히 베이스 드럼의 소리도 오버헤드로 아주 좋게 들어오고. 스네어의 위상역시 좋습니다. 드럼은 이렇게 만족할만한 소리를 들려주었고. 다음은 콘트라 베이스 였습니다. 사실 콘트라 베이스에는 현재까지는 DPA 4006을 브릿지에 넣고. 외부에 노이만 U87을 사용하는 것이 영자의 베스트 녹음 방법이었는데. 이번에는 소구경인 숍스 하나만으로 녹음을 해 보았습니다. 아무래도 소구경 마이크들은 고역특성이 우수하고. 대구경 마이크들은 저역특성이 우수하다. 라는 선입견 때문에. 콘트라에 마이크를 하나만 사용할 경우는 소구경이 잘 손에 가지가 않더군요. 그러나 스네어나 탐을 소구경 마이크로 녹음해보면 느끼는 것이 지만. 소구경 마이크가 대구경 마이크에 비해서 고역 특성이 우수하다고 해서. 저역특성또한 항상 떨어지지는 않는 다고 생각합니다. 이번에 녹음한 콘트라 역시. 콘트라베이스 같은 현악기 녹음에서 제가 가장 중요하게 생각하는 것은. "각각의 현 마다 얼마나 고른 밸런스를 들려주는 가."입니다. 이것은 마이크 위치를 결정하는 데 있어서도 중요한 문제이기는 합니다만. 이번에 콘트라베이스에 사용한 숍스 MK2V 는 아주 좋은 현 밸런스를 들려주었습니다. 격렬한 연주때는 생생한 현을 튀기는 소리를 들려주기도 하고. 워킹때는. 풍부하고 차분한 소리를 들려주더군요. 베이시스트 역시 소리가 마음에 든다고 하더군요. 그리고 피아노에는. 역시 노이만 U87을 사용하였습니다. 지금까지 이렇게 소구경 마이크 칭찬을 주르륵 늘어놓고. 피아노 재즈 트리오에서 있어서 가장 메인이 되는 악기인 피아노는 왜 대구경 마이크를 사용했을 까요? 영자생각에도 위에서 밝힌바와 같이. 소구경 마이크들이 더욱 더 투명한 고역을 들려준다는 데에는 이견이 없습니다만. 단순히 소구경과 대구경의 차이를. 고역 특성. 저역 특성. 이렇게 나뉠 것이 아니라 . 저는 "음상의 크기"로 보는 시각이 더 바람직하다고 생각합니다. 영자만의 개인적인 느낌인지는 모르겠습니다만. 마이크는 생긴대로 소리를 들려주는 것 같습니다. 다이어프램이 크면. 스피커에서 맿히는 음상의 크기가 좌우로 넓습니다. 반대로 작으면 음상의 크기 또한 작은 것을 볼 수 있습니다. 여기서 영자가 말하는 음상이란 혹시라도 공간감과는 전혀 다른 것임을 먼저 밝힙니다. 예를들어. 보컬녹음에 있어서도. 소리가 FAT 하다. 혹은 가늘다. 라고 표현을 하는 데. 뚱뚱한(FAT)한 소리는 역시 다이어프램이 큰 마이크에서만 나옵니다. 소구경 마이크로 보컬을 녹음하면. 역시 음상이 두껍게 나오지는 않는 것 같습니다. 하지만 여기서 말하는 "음상"이라는 것이 모든 경우에 있어서 두껍다고 다 좋은 것은 아닙니다. 오디오가이 칼럼에서 지겹게도 많이 나오는 이야기 입니다만. 음악의 장르와 성격에 따라서 음상의 크기 또한 결정되어야 할 것입니다. 그렇기 때문에. 재즈 피아노 녹음에 있어서는. 소구경 마이크 보다 대구경 마이크 쪽이. 음상이 크고. 두껍고. 그래서 아티스트의 감성전달에 유리하다고 생각합니다. 더 이야기 하면 조금은 추상적인 이야기가 될런지도 모르겠습니다만. 이러한 마이크의 다이어프램의 사이즈는. 음과 음사이의 공간. 혹은 여백에 있어서도 다른 느낌을 줍니다. 굵은 음상의 음의 여백과 여운이. 작은 음상의 음의 여백과 여운보다 더 느낌이 좋고. 길게 느껴집니다. 이러한 것은 지극히 개인적인 느낌이기 때문에. 모든 분들이 영자와 같은 느낌을 받거나 생각을 가지고 계신것은 아닐 것입니다. 오디오가이 칼럼이라는 것인 일종의 "스탠다드한 음향내용" 보다는. "아주 아주 개인적이고 감성에 치우친 음향내용" 이니. 판단과 수용의 폭은 글을 읽으시는 여러분들께서 결정을 하시면 된다고 생각합니다. 그래서 피아노에는 대구경 다이어프램 마이크를 사용. 제가 좋아하는 독일의 ECM 레이블은 아주 차분하고. 그러면서도 정말 분위기 있는 소리를 들려주는 곳 입니다만. ECM은 특히 피아노 녹음에 있어서는 정말 대단한 평가를 받고 있습니다. 이곳의 피아노소리 역시 음상의 폭이 크고. 그러면서도 공간감이 있고 자연스럽습니다. 전형적인 대구경 마이크의 소리라고 생각합니니다. 반대로 텔락같은 레이블에서 녹음된 재즈 피아노의 소리를 들어보면. 분위기나 은은함. 보다는. 맑고 수정같이 깨끗한. 청명한 가을하늘을 연상시키는 소리를 들려주는 데, 이러한 것은 소구경 마이크의 특징이라고 보아도 과언이 아닐 것입니다. 그렇기 때문에 마이크의 크기는. 무조건 대구경이 좋다. 소구경이 좋다. 라는 것은 존재하지 않으며. 음악의 특성과. 무엇보다도 자신만의 녹음철학에 따라서. 판단이 되고 사용이 될 것입니다. 영자는 개인적으로 대구경 마이크를 선호하는 편 입니다. 이번에 MG사의 대구경 마이크를 6개나 주문을 하였는데. 도착하는데로 바로 오버헤드에 XY로 사용해 볼 예정입니다. 저는 개인적으로 드럼의 오버헤드에 특별한 음향처리(이퀄라이징을 하지 않고)를 하지 않고도. 아주 편안하고 자연스럽고. 아래로 가라앉는 소리를 얻기 원하고 있는 데. 이러한 것은 아무래도 소구경 보다는 대구경 마이크들에서 얻을 수 있는 소리일 것으로 생각합니다. 피아노에 U87을 사용한 것도 역시. 이러한 음상의 크기와 음악에서의 구성과 연관이 있습니다. 예를들어 템포가 대단히 빠른 피아노 곡 들이라면. 소구경쪽이 더 유리할 수 도 있습니다. 소구경 마이크 들은 음과 음사이가 짧지만 깨끗한 소리를 들려주기 때문입니다. 반대로 대구경 마이크들은 스테레오 사용할 시 소구경에 비해서 위상에도 더욱 민감하기 때문에. 세팅이 더 까다로워 진다는 단점이 있기는 합니다. 다만 어떠한 음악에서는 꼭. 대구경의 넒은 음상이 필요할 때 가 있다고 생각합니다.

믹싱이야기 하다가 프로듀서 이야기 하다가 갑자기 또 드럼녹음???> 이래저래 영자 마음대로 주제를 바꾸어서 죄송합니다만. 글이라는 것이 마음속에서 그냥 끄집어 내는 것이 아니라. 그때 그때의 경험과 느낌을 써가는 것이 아무래도 편해서. 최근에 드럼녹음에 관한 생각들을 조금 정리를 해 볼까 합니다. 드럼 녹음. 그리고 드럼 사운드.. 많은 사람들이 정말 잘 하고. 그리고 좋게 하고 싶어하는 부분 일 것 입니다. 최근의 국내 음반들의 드럼 사운드는 과거와 비교해서 정말 현격한 발전을 이루었다고 생각합니다. 물론 아직도 앨범마다의 편차가 아주 많이 큰것이 단점이기는 하지만. 사운드가 좋은 몇몇 음반들의 경우는 정말 깜짝 놀랄정도의 드럼 사운드가 담겨있는 것을 볼 수 있지요(개인적으로 이오리스 스튜디오에서 작업한 드럼사운드가 무척 좋다고 생각한 적이 많았습니다.) 드럼녹음에 관해서 4년전에 월간PA에 리드사운드에 가서 드럼에 마이킹을 이래저래 마이킹을 해 놓고 사진까지 실어서 10페이지에 걸친 글을 쓴 기억이 납니다. 최근 다시 한번 읽어보니. 지금도 그때의 시각과는 큰 차이는 없는 듯 합니다. 드럼사운드는.. 역시나 엔지니어가 만드는 것은 아니다. 라고 생각합니다. 아주 많은 사람들이 드럼 사운드는 드러머가 만드는 것으로 엔지니어가 하는 것이 아니다. 라는 이야기들을 많이 합니다. 물론 영자도 공감하는 내용입니다만. 어떻게 보면 드럼사운드 만큼 엔지니어에 따라서 소리가 달라지는 악기는 존재하지 않을 런지도 모릅니다. 같은 드러머라도 엔지니어에 따라서 사운드는 완전히 다르게 들리기도 합니다. 바로 여기서 좋은 드럼 사운드의 핵심과 비밀이 있지 않을 까 합니다. 그럼 한번 시작해 보겠습니다. 영자의 방법으로 한다고 해서 어떠한 환경에서도 좋은 결과를 얻을 수 있을 것이라는 생각은 하지 않습니다. 다만 드럼사운드에 대한 시각과 접근방법을 한번 바꾸어 보도 다르게 시도해 보는 것이 중요할 것이라 생각됩니다. 적절한 마이킹과 좋은 프리앰프를 무기로 엔지니어가 조정할 수 있는 드럼사운드의 변화폭은 무척 크다고 볼 수 있을 것입니다. 얼마전에 바이날로그라는 퓨전국악팀의 드럼 녹음을 하면서. 일산에 있는 아주 작은 스튜디오에서 드럼녹음을 하였습니다. 대부분 아주 넓은 홀과 4~5미터는 되는 넓찍한 천정을 지닌 경희대 스튜디오에서 드럼녹음을 하다가 모처럼 아주 5평정도의 아주 작은 부스에서 드럼을 녹음할 계획을 하고. 아티스트들과 많은 상의를 해보았습니다. 우선 먼저 가이드로 한번 드럼녹음을 해보고. 그 결과에 따라서 이곳에서 드럼녹음을 할지. 아니면 좋은 마이크와 프리앰프등을 지니고 있는 큰 스튜디오에서 드럼녹음을 할지 결정을 하기로 하였었지요. 그리고 드러머가 도착했습니다. 부스에 설치를 하는데. 드럼의 종류가 DW이더군요. 개인적으로 DW드럼은 한번도 영자가 녹음해서 만족할만한 소리를 얻은 적이 없었기 때문에. 조금은 두려운 마음이 들었습니다. "음..DW이군요. 야마하 메이플 커스텀에 비해서 파퓰러한 소리는 아니지요.." 라는 말로 우선 드러머를 안심시키고..^^ 그리고 정성껏 마이킹을 하고. 사실 영자가 하는 드럼마이킹. 전혀 별다른 것이 없습니다. 국내 메이저 스튜디오의 드럼에 항상 상설로 셋업되어 있는 스탠다드한 드럼마이킹과 동일 합니다. 국내 메이저 스튜디오 드럼 상설 마이킹은 오디오가이 가족분들이 흔히 보시는 음향관련 책들에 있는 것과 같은 방법과 마이크의 종류입니다. 킥에 RE-20이나 D112. 탐에 MD421. 스네어에 SM57. 오버헤드에 C414등등.. 이번에는 마이크의 선택의 여지가 그리 많지 않았기 때문에. 뿐만 아니라 마이크 스탠드의 선택의 여지도 적었지요^^ 킥에는 슈어의 Beta52. 탐.하이햇.오버헤드 에는 옥타바 012-a를 사용하였습니다. 여기서 나중에 탐은 옥타바에서 sm57과 sm58로 바꾸게 되었습니다만.. 나름대로 정성껏 세팅을 하고 소리를 들어보는데. 정말 대단히 실망스러웠습니다. 근래에 내가 녹음한 드럼 사운드 중에 최악이군..마음속으로 되내이며. 아티스트들과 상의를 했습니다. "여기서 드럼 녹음은 하기가 어렵겠습니다. 다른 큰 스튜디오를 렌탈을 해서 하는 것이 좋겠습니다." 그리고 몇몇 스튜디오에 바로 전화를 걸어 부킹을 하려고 했으나 마침 비어 있는 스케줄이 잘 나지 않더군요. 그래서 우선은 데모겸해서 녹음이라도 해 놓자. 그리고 좀더 연구해서 더 좋은 사운드가 혹시라도 나올 수 있는 지 한번 보자..라는 생각을 가지고 다시 한번 시도를 해 보았습니다. 사실 이번 드럼녹음을 위해서 이 스튜디오에서는 영자의 적극추천으로 API 3124+를 구입하였습니다. 가이드라 생각해서 영자는 API를 사용하지 않고 스튜디오에 상설되어 있는 맥키8BUS믹서의 마이크 프리앰프로 테스트 녹음을 해보았던 것인데. 아무리 프리앰프의 차이가 많다 하더라도 맥키의 마이크 프리앰프로도 여기서 드럼녹음세션을 진행 할 수 있는 지 없는 지 정도는 충분히 구분히 가능하다고 생각했기 때문입니다. 오디오가이에서 장비에 관한 많은 차이를 이야기 하면서도. 그렇게까지 결정적으로 소리에 관해서 장비가 주는 범위는 크지 않다고 생각했던 것이지요. 다른 스튜디오의 스케줄이 맞지 않고 우선 드럼이 녹음되어야 다른 악기들의 더빙이 가능하니. 어떻해든 드럼을 우선은 녹음해 놓자.라는 결론으로 API를 연결해서 다시 사운드를 들어보았습니다. 킥드럼의 소리를 듣는 순간.. 정말 놀랐습니다. 이것이 정말 같은 마이킹과 같은 종류의 드럼과 같은 연주자에서 나오는 소리가 맞나?? 할정도로 스튜디오에 있는 사람들의 눈과 귀를 의심하게 되었지요. 맥키에서 API로 프리앰프가 교체된 후 너무나도 바뀐 소리에 모두들 용기백배하여. "이 정도면 충분히 이곳에서도 드럼 녹음을 할 수 있겠다"라는 부분으로 방향으 급선회. 본격적인 드럼 녹음에 들어갔습니다. 드럼 녹음 테크닉 [1] 이라는 거창한 제목을 써 놓고. 마이크 프리앰프가 좋으면 무조건 소리가 다 좋다..라는 이야기만 늘어놓는 것이 아닌가 하시겠지만. API 3124+는 드럼녹음에 있어서 만큼은 그 어떤 찬사를 들어도 부족하지 않는 너무나 훌륭한 프리앰프라는 데에는 이견이 없을 듯 합니다. 한국에서 400만원 가까이 되는 상당히 비싼 가격임에도 불구하고. 전혀 그 비용이 아깝게 생각이 되지가 않더군요. 맥키에 비해서 소문의 그 강렬한 어택... 시원하게 쫘악~ 올라가는 초고역들. API3124+는 4채널이기 때문에. 킥과 스네어. 그리고 오버헤드에 사용하였습니다. 맥키 프리앰프에 비해서 킥과 스네어에는 정말 드라마틱한 변화가 있더군요. 하지만 오버헤드에서는 이보다 훨 씬 더 많은 차이가 있었습니다. 저음부터 초고음까지의 밸런스. 마치 드럼룸이 바뀐 듯 한 효과를 보여주더군요. API의 칭찬은 여기까지만 하고.. 이제 본격적인 드럼 녹음에 들어갔습니다. 먼저 킥 드럼부터. 이번에는 킥 드럼에 2가지의 마이크를 선택해볼 수 있었습니다. AKG의 D112와 슈어의 Beta52. D112는 그동안 한결같이 킥 드럼에서 마음에 드는 소리를 들려주던 믿음직한 마이크로 강한 고음의 어택감과 함께 낮은 저음도 충분히 잘 들려주는 좋은 마이크입니다. 슈어의 Beta52는 6~7년정도 전에 정도원기사님과 함께 코아스튜디오에서 조덕배씨 음반 녹음할때 킥 드럼에 사용해본적이 있는 마이크였는데. 그때의 느낌으로는 "중음역의 돌출감이 개성있고 참 매력이있구나.."라는 생각을 하였었지요. 역시 먼저 손이 가는것은 D112.. 무난한 소리를 들려주더군요. 그리고 슈어 Beta52로 마이크를 바꾸어보았습니다. 역시 수년전의 느낌이 떠오는 중역에서의 달콤함을 들려주는 음색. 개인적으로 튼실한 중역을 최고의 음색이라고 생각하고 있기 때문에. 마이크는 슈어 Betra52로 결정을 하였습니다. 저는 개인적으로 킥 드럼을 녹음할때 마이크 본체 전부를 드럼 안쪽으로 넣는 것을 무척 싫어하는 편인데. 요즘 대부분의 작은 규모의 스튜디오들에 가서 보면 킥드럼 안에 마이크가 쏘옥~ 하고 들어가 있는 경우를 자주 보게 됩니다만. 그 경우는 드럼 뮤트(튜닝안에 포함이 되겠지요)에 문제가 있다고 생각합니다. 사실 드럼 녹음과 튜닝에 무엇 맞고 틀리는 것이 있다. 정석을 가리는 것 자체가 아주 말도 되지 않는 우수운 일이겠지만. 영자의 경우는 킥 드럼의 구멍안에 마이크의 본체의 반이상은 절대로 들여보내지 않는 다. 가 우선은 킥드럼 튜닝의 기준입니다. 많은 사람들이 드럼 녹음의 90%는 연주자와 튜닝이라고 합니다. 하지만 여기서 나머지 10%는 엔지니어능력. 거기에 마이킹. 정상적인 마이킹이 아닌 상태에서 연주하는 훌륭한 드러머와 좋은 튜닝은 힘을 잃어버리게 됩니다. 현대 드럼사운드에서 가장 중요시 되는 것이 역시 킥과 스네어이기 때문에. 먼저 킥드럼을 원하는 소리를 얻기 위해서 작업을 진행하였습니다. 여기서 킥드럼에서 제가 원하는 소리를 얻기 위해서 하는 작업은 무엇이었을까요? 프로듀서와 함께 서로 이미지되는 킥 드럼소리와 가깝게 되는데 2시간가까이 걸리더군요. 그것은 바로 콘솔의 토크백 앞에서 연주자와 계속 대화를 나누는 것이었습니다. "킥 드럼안의 뮤트양을 바꾸어 봅시다." 류의. 계속한 드럼의 튜닝. 어떻게 보면 튜닝보다는 주로 음색조절을 위한 뮤트라고 보는 것이 더 정확할 것입니다. 정말 스튜디오에 있는 카페트. 이불. 방석. 이것 저것 양을 조절해 보면서 넣었다 빼었다를 반복하고. 아티스트와 저는 여음이 깨끗하게 떨어지면서도 소리가 락드럼처럼 너무 강하지 않고 부드러운소리를 원하고 있었기 때문에. 이러한 이미지에 걸 맞는 킥 드럼의 음색을 찾기위해 계속해서 뮤트를 바꾸어 보았습니다. 드디어 생각한 이미지에 90% 정도 가까운 음색으로 완성. 그런데 이렇게 90%정도의 이미지로 완성되는 결정적인 계기는. 킥드럼의 뮤트뿐만이 아닌. "부스 전체의 음향의 변화" 였습니다. 현재 드러머분의 "이오리스 스튜디오의 드럼 룸에 들어가면 마치 진공의 상태인것과 같이 데드한 느낌을 받습니다."라는 것에 착안. 부스를 좀더 데드하게 만들어보기로 한 것이지요. 드럼 마이크 스탠드들 위에 이불들을 빙 둘리고. 쇠로 된 보면대와 유리된 시창도 막고. 이러한 상태에서 킥 드럼사운드를 들어보니 여음이 지저분한 것 없이 이큐를 전혀 사용하지 않아도 아주 깔끔한 소리를 들려주더군요. 여기서 나머지 소리는 Beta52의 마이크 위치로 바꾸었습니다. 킥 드럼의 마이킹은 사실 얼마만큼의 깊이만큼 마이크를 집어 넣는 가 보다는. 마이크가 좌우의 수평각이 중요합니다. 중심축인 비터와 가깝게 할 수록 어택이 늘어나고. 비터를 벗어날수록 부드러운 소리가 된다는 것은 이미 많은 분들이 알고 계신 사실일 것입니다. Beta52는 마이크 자체의 특성만으로도 충분한 어택이 있는 중역을 들려주기 때문에. 굳이 마이크를 비터방향으로 향할 필요가 없었습니다. 킥 드럼에서 마이크의 좌우거리는 어택감을 조절하는 데 필요한 음색. 그리고 마이크의 깊이는 저음의 양을 나타내는데. "마이크를 집어 넣을 수록 저음의 양이 줄어들고. 마이크를 꺼낼 수록 저음의 양이 많아지는 것이 일반적입니다." 여기서 "일반적"이라는 표현을 사용한 것은 이러한 것은 환경에 따라서 얼마든지 달라질 수 있기 때문에. 반드시 모든 환경에서 절대적이지 않다는 것은 반드시 숙지하고 계셔야 합니다. 이번에는 마이크가 거의 드럼 안에 들어가지 않은 상태로 최종 고정이 되었습니다만. 이 경우 다른 드럼키트의 소리가 킥 드럼 마이크로도 전달이 잘 되기 때문에. 한번은 확인을 하고 넘어가는 것이 좋습니다. 특히 하이햇 오픈할때의 소리가 킥 드럼 마이크에 많이 들어가게 되면 나중에 무척 골치아파 지기 때문에 미리 충분히 생각을 해두어야 할 것입니다. 확인해 본결과 다행이 간섭음도 많지 않더군요. 아마도 룸이 데드한 이유도 많이 작용 했을 것 으로 생각됩니다. 이렇게 고생해서 만든 킥드럼의 소리는. 이번 드럼 녹음이 끝나고 아티스트 모든 멤버들과 함꼐 모니터링하는데 다들 무척 기쁜마음으로 만족하면서 들을 수 있었습니다. 녹음을 끝내고 집에 가는 길에서도.. 드럼녹음이 잘 될까 걱정이 되었는데. 예상보다 더 잘나와서 마음이 편하다는 아티스트의 이야기를 듣고 참 기분이 좋더군요. 이렇게 많은 시간을 들여서 킥드럼의 사운드 체크는 끝. 다음으로 스네어에 들어갔습니다. 영자는 스네어 마이킹에서는 역시 슈어의 sm57. 이 아닌 먼저 Beta57을 꼽습니다. Beta57은 노말한 sm57에 비해서 초고역이 더 많이 집음되기 때문에. 스네어 탑에서도 상당히 밝은 소리를 얻을 수 있기 때문에 무척 좋아하는 편입니다만. 아쉽게도 이번 스튜디오에서는 Beta57이 없었기 때문에. sm58의 윈드스크린을 벗겨서 sm57대용으로 사용하였습니다. sm57보다는 윈드스크린을 벗긴 sm58이 왠지 좀더 섬세한 소리를 들려줄 것 같은 "느낌" 때문이었습니다. 스네어의 사운드 메이킹은 킥과는 또 다른 면이 있습니다. 여기서도 물량공세가 사실 무척 중요하다는 것은 아쉽지만 현실입니다. 제가 말하는 물량공세는 역시 스네어의 종류. 스네어 마이킹을 하고 콘트롤룸에서 첫번째 터치로 들은 스네어소리가 자신이 생각하고 있는 부분과 전혀 다르다면. 그 스네어에서는 자신이 원하는 소리를 얻기는 사실상 거의 불가능합니다. 이때는 무엇보다도 다른 스네어로 바꾸는 것이 최상입니다. 스네어를 선택한 후. 그 다음의 음색을 만드는 방법은. 우선 노말한 스네어 마이킹(여기서 말하는 노말한 마이킹은 슈어 57의 헤드가 스네어로 5cm정도 들어가고. 스네어 와 마이크의 거리도 5cm정도.)으로 설치한 후. 음색을 들어봅니다. 여기서도 이제 다시 조율의 중요성이 나왔습니다. 스네어의 음색 역시. 이퀄라이저로 만들기 보다는. 노말한 마이킹 상태에서 스네어의 튜닝으로 만들어가는 것이 좋습니다. 특히 스네피(샤월이)의 여음정도는 확실하게 결정해 놓고 넘어가야 합니다. 어느정도 스네피가 울리게 할 것인가. 그리고 스네어는 어느정도 뮤트를 할 것인가. 뮤트로 인해서 스네어의 가장 많이 바뀌는 것은 먼저 음정입니다. 프로듀서가 이번 드럼녹음의 경우는 자신이 명확하게 원하는 스네어 소리를 가지고 있었기 때문에. 뮤트로 스네어의 높낮이를 올렸다. 내렸다. 하였습니다. 이 이야기는 다시말해서 스피커 가운데에서 들리는 상하의 스네어 위치를. 뮤트로 조절하는 것입니다. 다만 스네어를 너무 낮게 뮤트하는 경우. 스네어의 공격적인 어택음이 약해질 수 있으므로 이점도 반드시 체크해야 합니다. 이번에는 스네어 버텀 마이크를 사용하지 않았기 때문에(사용하지 않은 것이 아니라 스튜디오 패치패널이 8채널까지 밖에 되지 않아서 사용하지 못하였습니다.) 충분히 스네피를 풀고. 소리를 밝게 만들도록 노력하였습니다. 이러한 스네어의 조율과 톤 체크도 2시간.. 최종 튜닝이 끝난 후에는 약간의 아쉬운 점을 마이킹으로 조절합니다. 스네어 마이킹은, "근접효과"의 활용이 포인트입니다. 사실 스네어에 자주 사용되는 sm57의 경우 중고역의 돌출감으로 인해서 강한 어택은 얻을 수 있지만. 반대로 풍부하고 자연스러운 저음을 얻기 어려운 마이크입니다. 하지만 스네어에서 sm57을 사용할때 저음도 충분히 얻게 되는 것은 모두 "근접효과"덕으로 볼 수 있을 것입니다. 스네어와 마이크의 거리가 가까우면 가까울수록 저음이 늘어나고. 거리가 높을 수록 고음이 많이 들어갑니다만.. 다만 스네어와 마이크의 거리가 10cm이상으로 너무 높게 되면 오히려 어택이 약해지고 소리가 지나치게 얇아지며. 또 하이햇의 간섭음이 많이 들어가기 때문에. 이 점도 확인하고 넘어가야 할 부분입니다. 다음으로는 하이햇. 개인적으로 드러머가 가장 만족한 키트의 소리는 바로 하이햇이었습니다. 하이햇은 킥과 스네어에 밀려 중요도가 떨어지는 것처럼 생각되기 쉽지만. 사실 드럼 사운드에서 하이햇의 비중은 점점 높아지고 있습니다. 하이햇의 사운드는 단순히 하이햇만을 위한 것이 아니라. 하이햇 마이크에 들어가 있는 스네어마이크 소리와 스네어 마이크의 소리를 믹스해서 더욱 더 풍부하고 섬세한 소리를 만드는 것으로도 자주 사용이 됩니다. 그렇기 때문에 일반적으로 다이어프램이 작은 akg c451같은 마이크가 주로 사용이 됩니다. 제가 하이햇에 있어서 최고로 생각하는 마이크는 옥타바 012a. 단. 일반적인 단일지향성 캡슐이 아닌. 하이퍼카디오이드(초지향성)캡슐로 사용한 옥타바 012a입니다. 하이햇에는 전 반드시라고 해도 좋을 정도로 초지향성을 선호하는 편입니다. 스네어나 킥등의 간섭음이 적게 들어갈 뿐만 아니라. 초지향성 특유의 고음의 피크감이 하이햇의 소리를 더욱 더 "뚜렷하고" "깨끗하게" 집음해주기 때문입니다. 특히 옥타바 012a는 저가격으로 믿기지 않을 만큼 자연스러운 음색에 인위적이지 않은 시원한 초고음을 지니고 있기 때문에. 하이햇에 있어서 최고의 선택중에 하나로 볼 수 있을 것입니다. 하이햇에 또 제가 선호하는 마이크는 노이만의 KM-100계열. 단일지향성인 140도 좋습니다. 이 마이크 역시 옥타바처럼 깨끗하면서도 자연스러운 고역을 지니고 있습니다. 하이햇 마이킹에 있어서 포인트는. 우선 하이햇의 가장자리에서는 중음이. 그리고 하이햇의 끝부분에서는 고음이 나온다는 것입니다. 이점을 염두해두고 음악의 성향과 장르에 따라서 하이햇의 마이킹 위치가 달라집니다. 영자는 주로 맑고 깨끗한 고음을 얻기 위해서 하이햇의 가장자리부분에 마이크를 설치합니다. 하지만 거친 하이햇 소리가 필요한 락음악 같은 장르에서는 하이햇의 중간 부분에 설치하기도 합니다. 다음은 탐탐입니다. 점점갈수록 탐탐에 대한 존재감은 약해지기만 하는 듯 합니다만. 그래서 탐탐소리가 조금만 좋아도 더 돋보이기도 합니다.^^ 저는 탐탐에는 콘덴서 마이크를 사용하는 것을 무척이나 선호합니다. 다이나믹 마이크에 비해서 콘덴서 마이크를 사용하는 편이. 실제로 귀로 듣는 탐탐소리와 훨씬더 비슷하게들리기 때문입니다. 다이나믹 마이크로 탐탐을 할때는. 아무래도 소리의 폭이 작고, 얇게 들리는 경우가 특히 많습니다. 탐탐은 역시 C414나 U87 이런 좋은 마이크가 없으면 C451을 사용하기도 하고. 옥타바 012A를 하이퍼카디오이드로도 사용하는데. 역시나 소리가 좋습니다. 다만 옥타바의 경우는 C451같은 마이크에 비해서 응답특성이 조금 늦은 소리가 나는데. 어택이 강하지는 않고 조금 느리게 들립니다. 강하고 펀치감있는 탐탐소리는 아니지만. 상당히 자연스러운 탐탐소리를 들려줍니다. 하이퍼 카디오이드로 하기 때문에. 다른 탐이나 스네어의 간섭음이 적게 들어온다는 것도 아주 큰 장점입니다. 여러분들도 하이퍼카디오이드를 적극 활용해보시기 바랍니다. 이번 드럼녹음에서도 탐에 옥타바를 사용하였습니다. 그러나..소리가 마음에 들지 않더군요. 다이나믹 마이크중에서 탐탐에 가장 좋은 소리를 들려주는 MD421이 없었기 때문에. 결국엔 탐2개에는 SM57과 58 플로어탐에는 D112를 사용하였습니다. 과거의 아주 넓은 부스를 지닌 스튜디오에서 드럼을 녹음할때는 탐에 콘덴서 마이크가 아주 좋은 결과를 들려주었었는데. 이번 처럼 룸이작고 천정이 낮은 경우에는. 역시나 콘덴서 보다는 다이나믹마이크가 더 깨끗하게 집음이 되더군요. 탐탐의 마이크 위치는 저는 상당히 높게 하는 편입니다. 작은 탐 2개는 탐에서 5CM정도. 그리고 플로어 탐은 10CM정도 띄웁니다. 특히 플로어 탐의 경우. 높이를 너무 낮게 하면. 플로어탐 특유의 풍부한 소리가 지나치게 얇고 약간의 어택만 있는 소리로 됨으로. 마이크를 높게 하는 편이 거의 좋은 소리를 들려주었던 기억이 납니다. 다음은 정말 중요한 오버헤드 녹음입니다. 이렇게 말하니 드럼의 모든 키트 하나하나가 중요하지 않은 것이 없군요^^ 오버헤드는 단순히 심벌소리만이 아닌. "드럼에 공간감을 주고" "스네어 소리를 더 화려하게 만들어 주는" 역할을 합니다. 이 부분이 오버헤드의 포인트라고 볼 수 있을 것입니다. 그래서 때로는 오버헤드에 L R 외에 S(센터) 마이크를 설치하는 경우도 종종 있는데. 이 경우에는 센터마이크에는 컴프레서를 아주 과도하게 걸어서. 스네어에 공간감을 주는 용도로 사용됩니다. 오버헤드에 무조건적으로 저음을 커트하시기 전에. 한번 드럼세트들과의 밸런스를 잘 조절해 놓으면. 별도의 리버브를 사용하지 않아도 아주 자연스러운 공간감을 들려주는 경우가 많이 있습니다. 오버헤드에 영자가 가장 선호하는 마이크는 역시나 C414와 U87입니다. 특히 앰비언스 용도로 사용한다면 역시 U87. 깔끔한 심벌소리를 위주로 한다면 C414. 이 두마이크가 없다면 C451이나 옥타바012A. 또는 노이만 KM140.을 좋아하는 편입니다. 오버헤드 마이킹은 일반적인 AB방식(스페이스드 페어)로. 연주자의 머리에서 가능한 높게 하는 것을 좋아합니다.^^ 오버헤드를 지나치게 낮게 하는 경우도 있는데. 부스가 아주 많이 데드하지만 않은 경우라면 오버헤드를 높게 띄운다고 해서 심벌의 소리가 탁해지거나 하지는 않습니다. 그리고 오버헤드에는 불필요한 공진음들이 잘 들어갈수 있으므로. 필터로 60hz이하는 커트해주시는 것이 좋습니다. 또한 오버헤드에 습관적으로 이큐로 고음을 부스트 시키는 역시. 부스트 시키기 전에. 저음을 좀더 커트하는 편이. 귀에 부담이 없는 자연스러운 심벌사운드를 얻을 수 있다는 것을 명심하셔야 합니다. 다음번 드럼 녹음 테크닉 [2]는 [1]과는 다른 방법으로. 다른 스튜디오에서. 다른 연주자의 레코딩 세션에 관한 이야기를 쓰도록 하겠습니다.

"초보자를 위한 믹싱"을 연재하다가 갑자기 왠 뜬금없는 "프로듀서 기법"이 모냐..라는 분이 계실런지도 모르겠습니다만.. 머리에 맴돌고 있는 부분이 있어서 "초보자를 위한 믹싱"을 잠시 쉬어가는 의미로 다른 이야기를 한번 진행해 봅니다. 우선 음악제작현장에서 프로듀서가 하는 일은 무엇일까요? 프로듀서(감독)은 음반제작의 전체 과정을 감독하고 진행하는 사람입니다. 좋은 음반이 나오는 것은 좋은 프로듀서에게 달려있다. 라고 보아도 큰 무리가 없을 만큼. 음악제작현장에서 프로듀서의 역할은 절대적이라고 볼 수 있을 것입니다. 구체적으로 프로듀서는. 아래의 크게 3가지 분류로 나눌 수 있을 것입니다. 먼저. 1. 제작자형 프로듀서 : 말 그대로 음반에 제작을 기획하고 특히 중요한 음반제작에 소요되는 비용은 물론이고 음악 외 적인 부분 들, 뮤직비디오 제작이나 음반 홍보/ 기획에도 관여를 합니다. 2. 아티스트형 프로듀서 : 이것은 음반의 "음악성"적인 측면을 책임져 주는 것으로. 대부분 유명하고 경험이 풍부한 아티스트가 다른 아티스트의 앨범제작을 도와주는 일을 합니다. 3. 엔지니어형 프로듀서 : 엔지니어형 프로듀서 역시 음반의 예술성과 사운드 같은 완성도적인 측면에서 도움을 주는 것으로. 아티스트형 프로듀서와 마찬가지로 음반제작경험이 풍부한 엔지니어들이. 다른 아티스트의 앨범의 프로듀서로 참여하게 되는 것입니다. 일예로 너무너무 유명한 필레이몬을 들을 수 있겠고. 알슈미트나 엘리옷샤이너 같은 유명 엔지니어들은 대부분 프로듀서도 함께 하는 것을 종종 볼 수 있습니다. 이렇게 엔지니어들이 어떻게 해서 음반에 있어서 가장 중요한 프로듀서까지 하게 되는 이유는. 음악을 전공한 엔지니어들의 경우는 쉽게 프로듀서에 접근할 수있겠습니다만.. 그렇지 않은 순수한 엔지니어들이 프로듀서들을 할 수 있게 되는 이유는. 아주 오랜경험의. 뛰어난 엔지니어들의 고객은 그만큼 아주 아주 훌륭하고 유명한 프로듀서나 아티스트인 경우가 많다고 볼 수있을 것입니다. 데이빗포스터 스튜디오에 하우스 엔지니어였던 데이비드 레이자스의 예에서도 알 수있다 싶히. 엔지니어들이 훌륭한 프로듀서들과 함께 음반 작업과 진행을 하면서. 그들의 프로듀싱 기법을 배우고 거기에 자신만의 감각을 덛 붙이게 되는 것이라 볼 수있을 것입니다. 또한 엔지니어로써 음반 작업을 많이 하다보면. 자연스럽게 프로듀서적인 감각이 길러지게 되는 것 또한 사실입니다. 그리고 위의 3가지 형태의 프로듀서라고 해서. 반드시 한방향에만 머무는 것이 아니라. 대부분의 경우 1과2를 겸한다던가. 1과3을 겸하는 경우. 또는 1.2.3 모두를 겸하는 경우가 대부분입니다. 영자는 글의 서두에서도 밝힌 바와 같이 외국의 음반의 완성도가 뛰어난 것은 프로듀서의 영향이 아주 많은 부분을 차지한다고 생각합니다. 특히 뛰어난 프로듀서들은 음악을 어떻게 만들고,. 어떻게 연주하고 녹음/믹싱해야 하는지를 명확하게 그들의 뛰어난 음악성과 경험으로 인해 파악하고 있기 때문에. 음반의 완성도를 높히는 데 결정적인 계기를 한다고 볼 수 있을 것입니다. 프로듀서가 어떠한 사람인가..에 관한 이야기는 여기까지로 하고. 이제 프로듀서 기법에 관한 이야기를 해보도록 하겠습니다. 영자는 학생들에게도 비단 엔지니어 만이 아니라 프로듀서 공부도 겸해야 한다고 무척이나 강조를 하는 편입니다만. 엔지니어들에는 두가지 부류가 있다고 생각합니다. 먼저 프로듀서 감각을 지닌 엔지니어와. 자신의 주관은 반영되지 않고 프로듀서나 아티스트의 음악성을 그대로 전달해주는 엔지니어. 전자가 좋다. 후자가 좋다. 라고는 이야기 하기는 힘들 것 입니다만. 다만 전자의 개념이 후자보다 더욱 더 넓은 의미로써. 어떻게 보면 후자도 전자에 포함이 될 수 도 있을 것입니다. 프로듀서 감각을 지닌 엔지니어. 대부분의 유명하거나 아주 성공한 엔지니어들에게서 쉽게 찾아 볼 수 있습니다. 스팅이나 제네시스 앨범을 작업했던 휴퍼잼의 예를 들 수 있겠지요(그는 지금은 엔지니어는 그만두고 음반제작자와 프로듀서일만 하고 있다고 합니다.) 영자는 이 글에서는 전자의 프로듀서 감각을 지닌 엔지니어의 관점에서. 프로듀서 기법에 관한 이야기를 진행해 나가려고 합니다. 이것은 엔지니어의 관점에서 본 프로듀서 기법이기 때문에. 아티스트나 제작자분들의 관점과는 차이가 있을 수 도 있을 것입니다. 프로듀서 기법에 관하여.. 그렇다면 역시 프로듀서에 관해 명확하게 파악을 하고 있어야 합니다. 프로듀서가 하는 일을 간단히 함축하면. "아티스트의 최고의 음악적인 순간을 음반에 담아주는 사람" 이라고 저는 정의하고 있습니다. 우리가 하고 있는 녹음과 믹싱역시 음반제작의 여러과정 중에 무척이나 중요한 부분인것은 사실입니다만. 그러나 음반에 있어서 가장 중요한 것은 역시 음악 혹은 음악성. 이라고 볼 수있을 것입니다. 음악을 듣고 감동을 받거나. 기운을 얻거나. 기뻐하거나..흥분하거나..하는 등의 현상은 엔지니어의 역할보다는 아티스트와 프로듀서의 비중이 더 높을 것입니다. 그렇기 위해서 우리는 함께 일하는 아티스트들의 최고의 음악적인 순간을 녹음기에 담을 수 있도록 먼저 노력해야 합니다. 구체적으로 먼저 가장 중요한 보컬녹음에 관해서. 보컬녹음에서 가장 중요한 것은 어떠한 마이크를 사용하고 컴프레서와 이퀄라이저를 어떻게 사용하느냐. 라기 보다는. 가수가 최상의 노래를 할 수 있는 환경을 먼저 만들어 주는 것으로 볼 수 있습니다. 이것은 비단 보컬뿐만 아니라 여타 다른 악기에도 적용이 되는 것으로. 녹음실의 환경을 가수가 자신의 실력을 최대한 발휘할 수 있도록 만들어주는 것이 프로듀서의 역할입니다. 영자가 그래서 무척 중요하게 생각하는 것은 . 노래를 하거나 연주를 할때 아티스트들에게 보내주는 큐 모니터입니다. 라이브의 공연과 처럼 레코딩 스튜디오의 큐모니터를 가지고 까다롭게 이야기 하는 아티스트는 무척이나 드문편입니다만. 영자는 녹음시 다른 그 어떠한 부분들보다. 지금 이 사람들이 자신이 노래나 연주하기에 아주 아주 편한 모니터 사운드로 듣고 있는 지를 무척이나 궁금해 합니다. 그래서 가수와 녹음을 하기전에. 콘트롤 룸 혹은 마이크 세팅을 하는 부스에서 이야기를 합니다. 테스트 녹음을 하면서. 자신이 원하는 최상의 모니터 사운드를 이야기 해달라고 합니다. 노래를 하는데 보컬이 작다던가. 리버브의 양이 너무 적어 노래하기가 불편하다던가. 음색이 너무 답답해서 음량은 충분한데도 불구하고 잘 들리지 않다던가..하는 기초적이지만 무척 이나 중요한 문제들을 먼저 해결하기위해 최선을 다합니다. 녹음 경험이 많은 세션들과 작업할때는 큐박스에 반주와 멜로디 악기. 지금 녹음하는 세션악기등을 그룹으로 보내서. 아티스트 본인이 직접 자신이 원하는 밸런스로 들으며 녹음할 수 있게 합니다. 그리고 녹음에 들어가서도 모니터 이큐와 컴프를 사용해서. 아티스트가 최대한 연주를 하기 편한 음색과 음량으로 조절을 해놓습니다. 이렇게 큐모니터를 확실하게 조정을 하는 것과. 그렇지 않은 것과는 정말 말로 다 표현하지 못할 만큼의 "음악적인 차이"가 있습니다. 이렇게 확실하게 조정된 큐모니터에서는 보컬은 더욱 더 자신의 감정을 마이크로 전달 할 수 있게되고. 연주자들은 더욱 더 음악적이고 감각있는 연주로 녹음할 수 있게 만들어 줍니다. 중요한 것은 일련의 이러한 큐모니터 조정이 아주 빠른 시간안에 이루어 져야 한다는 것입니다. 큐모니터를 조정한다고 해놓고. 아티스트와 30분넘게 씨름하다보면. 아티스트는 녹음하려고 부스에 처음 들어갔을 때의 그 신선한 느낌을 잃어버리고 노래나 연주가 잘 되지 않을 수도 있습니다. 우리가 큐모니터를 위해서. 혹은 녹음의 음질을 위해서 컴프레서와 이퀄라이저의 노브를 돌리고 있는 시간만큼. 부스안에서 헤드폰을 쓰고 기다리고 있는 아티스트의 음악성과 영감은 더욱 더 떨어지게 됩니다. 구체적으로 우리는 대략 10분정도 음색을 조절했다고 봅시다. 엔지니어에게 음색을 조정하는 10분은 마치 1분처럼 빨리 지나갑니다. 그러나.. 부스안에서 홀로 고립되어 헤드폰을 쓰고 있는 아티스트에게는 그 10분이 100분처럼 느껴질 수도 있습니다. 아티스트는 부스안에서 혼자 빨라지는 심동박동수와 함께 다운되는 자신의 감정과 음악성을 느낄 수 있을 것이고. 시간이 흐르면 흐를 수록 기분이 좋지 않아져서. 결과적으로는 "아티스트의 최고의 음악적인 순간을 녹음기에 담는다" 라는 주제의 이 글의 프로듀서적인 기법에 전혀 반대하는 일을 하게 되는 것입니다. 큐모니터와 함께 신경을 쓰는 부분은 녹음실의 분위기를 아티스트의 심장박동수에 최대한 맞추어 주는 것입니다. 이것이 무슨 이야기인가..하고 생각하시겠습니다만. 예를들어 녹음실의 인테리어..에 왜 들 그렇게 많은 돈을 쏟아 붙는 가..하고 생각해보신 적이 있을 것입니다. 물론 음향적인 부분이 녹음실 인테리어에 많은 부분을 차지하겠습니다만. 다음으로 녹음실의 인테리어가 바로 사람들의 심리적인 부분에도 영향을 미치기 때문입니다. 그렇기 때문에. 녹음실은 많은 사람들이 사용하고 오는 공용의 장소이니만큼. 깨끗해야 하는 것은 물론이고. 녹음을 하는 아티스트의 취향에 맞춘 방향제나 향수를 사용한다던가. 보컬녹음을 위한 기분 좋은 소품을 준비하는 등의 것들도 의외로 음악에 영향을 줄 수 있습니다. 그것은 음악이라는 것이 만드는 사람이나 듣는 사람이나 모두 정신적인 것이기 때문일 것입니다. 보컬 녹음시의 경우도. 예민한 보컬들의 경우 부스안의 공기가 좋지 않으면 금새 목이 쉬거나. 부스안의 조명의 불필요한 반사때문에 노래하는 데 영향을 받는 경우가 흔히 있습니다. 영자만 해도 딱 원하는 조명의 밝기가 있어서. 믹싱을 할떄 프리랜서로 여러곳의 스튜디오를 갈때 가장 먼저 조정하는 것은 모니터 스피커. 그 다음은 바로 조명의 밝기와 각도입니다.^^ 의외라고 생각하실 런지도 모르겠습니다만. 이러한 세세한 부분들까지 신경을 써서. 아티스트가 음악을 녹음하고 있을 시. 방해되는 요소를 최대한 줄이는 것이 무척이나 중요합니다. 더군다나 아티스트가 한창 감정을 집중해서 노래나 연주를 하고 있는 중간에. 테이프를 멈추고 토브백으로 콘트롤룸에서. "아직 마이크프리앰프의 게인과 컴프레서가 조정되지 않아서 다시 해주시면 감사드리겠습니다" 라는 등의 이야기를 하는 것은 정말 최악입니다. 녹음실에서 아주 빈번하고 흔하게 발생하는 일이지만. 절대로 있어서는 안되는 일 들 중에 하나입니다. 물론 아티스트가 아직 감정을 집중하기 전이라면 전혀 문제될 것이 없겠지요. 프로듀서 기법의 다음은. 이제 녹음을 진행하는 중간에 있습니다. 이부분은 다음 기회에 올려보도록 하겠습니다. 먼저 예고편을 잠시 써보면. ^^ @ 멈추어야 할 때를 파악한다. @ 지금의 연주가 최상일 수 도 있다. 등등.의 이야기를 중심으로 꾸려나가보도록 하겠습니다.

아래 [2]편에 이어 [3]편에서도 믹싱에서 모니터 스피커에 관한 이야기를 계속 이어나가보도록 하겠습니다. 믹싱 모니터가 중요한 이유는. 자신이 현재 조절하고 있는 음색과 밸런스가 다른 곳에서서도 큰 변화가 없이 음향적으로나 음악적으로나 일률적으로 들려야 한다는 것입니다. 영자는 우선 오디오가이 가족분들의 이해를 돕기 위해서 이것을 "기준"이 되는 모니터라 지칭하도록 하겠습니다. 그렇기때문에 무엇보다도 어떠한 믹싱툴을 새롭게 구비하는 것 보다. 이러한 "기준"이 되는 모니터를 만드는 것(구입하는 것이 아닌)이 무척 중요합니다. 아래에서 이야기 한 바와같이 스피커의 세팅. 스탠드의 중요성에 이은. 이번에는 모니터스피커의 청취레벨입니다. 아래글에서 마스터링 스튜디오의 청취레벨 관련 이야기 할 때도 잠시 나왔습니다만. 모니터 스피커의 청취레벨의 경우. 개인적으로는 소음량 모니터를 선호하는 편이나. 이것은 지극히 주관적인 감성에 의한 것으로. 여러분들은 영자와는 달리 대음량 모니터를 선호하시더라도 그것이 잘 못된것이나 그러한 것은 절대 아닙니다. 다만 영자가 소음량 모니터를 좋아하는 이유중에 하나는. 먼저 귀의 피로감이 적다. 믹싱을 한두시간만 해도 금새 귀가 쉬이 피로해 지는 영자는. 귀가 한번 피로해지면. 모든 믹싱작업을 딱. 그만둡니다. 또는 벌써 귀가 피로해지면 다시 돌아오는 데 상당한 시간이 걸리므로. 귀가 피로해질 것 같은 분위기가 오면. 미리 휴식을 취합니다. 대부분 1시간에서 1시간30분 정도 믹싱을 하고 5분이나 10분정도 휴식을 하면서 작업을 진행하면. 음향을 좀더 객관적으로 바라볼 수있게 되더군요. 물론 이러한 것은 개인차 특히 집중력의 차이는 많은 사람들 마다 전혀 판이하므로, 무조건 이러한 것이 좋다. 라고는 말할 수없을 것입니다. 다음으로 소음량 모니터의 장점은. 적은 음량에서는 악기간의 밸런스를 맟추기가 더 쉽다.! 입니다. 이점은 여러분들이 의외로 생각하실런지도 모르겠습니다만. 소음량인편이 밸런스를 잡기가 훨씬 더 수월 한 편입니다. 대 음량에서는 악기간의 세세한 밸런스 보다는, 전체적인 음악의 느낌이나. 에너지. 음색등이 더 강하게 느껴지므로. 의외로 밸런스를 잡기가 어렵습니다. 컴퓨터 스피커나 작은 컴포넌트에서 악기간의 밸런스가 정말 모니터가 잘 되는 경험은 이미 많은 프로듀서나 엔지니어들에게 무척 지지받고 있는 방법입니다. 또하나 소음량 모니터에서는. 믹싱의 상황과 결과의 모니터 가 더 잘 된다. 이편도 영자 개인적인 취향과 관련이 있겠습니다만. 아무래도 음량을 크게 들으면 우리의 귀는 저음과 고음 성분을 더 잘 듣게 되므로. 음악의 사운드가 좀더 하이파이 하게 들리는 경향(쉽게 말해서 좋게 들리는 경향)이 있습니다. 그렇기 때문에 좋지않은 믹싱도. 좋은 스피커로 음량을 크게 들으면. 상당히 좋게 들리는 경우도 무척 많습니다. 소음량 모니터에서는 이러한 음량의 함정에 빠지는 일 없이. 담담하게.. 믹싱을 할 수 있습니다. 음악을 만드는 믹싱에 있어서 너무 객관적이고. 무기질하게. 작업을 하는 것이 아닌가..하는 생각을 하실런지도 모르겠습니다만.. 영자도 아주 가끔 락음악 같은 장르를 작업할때는. 음량을 한결 올려놓고. 신나는 기분으로 하기도 합니다만. 이것은 극히 드문일으로. 믹싱때 너무 자신의 감정에 치우쳐서 실수를 하기 보다는 내 믹싱의 단점을 명확하게 파악하고. 자신의 생각을 믹싱에 좀더 명확히 투영할 수 있게 하기 위해 노력하는 편입니다. 이렇게 믹싱을 하면. 믹싱때는 분명 사운드가 좋았는데. 나중에 들어보니 엉망이더라.. 또는 믹싱할 때 그 스튜디오에서는 사운드가 좋았는데. 다른 곳에서는 엉망이더라..하는 등의 오류를 범하는 일이 많이 줄어들게 됩니다. 물론 영자도 때때로 믹싱시 음량을 크게 모니터링 하는 경우가 있는 데. 그것은 저음음색의 톤조정(저음악기의 컴프레서와 이퀄라이저조절) 과. 리버브나 딜레이의 음색을 들을 때는 중간중간 약간 음량을 올려서 들어보기도 합니다만. 이것은 전체 믹싱 비중에 10%정도 밖에 되지 않습니다. 그리고 마지막으로 소음량 모니터가 좋은 이유를 한가지 더 꼽아보면. 소음량에서는 아주 뛰어나지 않은 평범한 믹스라고 생각하는 음악도. 음량을 조금 올려보면 훨씬 더 좋게 들릴 수 있다는 것입니다. 그것은 자신이 현재 듣고 있는 사운드보다 더욱 더 좋은 사운드로 다른곳에서 들릴 수있다는 여지를 남겨두고 있는 것이지요. 아참..생각해보니 한가지가 더 있군요. 영자는 주위의 학생들에게도 소음량 모니터를 추천하는 편인데. 이유는 소음량에서도 밸런스. 음색 등을 명확하고 세밀하게 들을 수 있으면. 대음량에서도 쉽게 적응할 수있고. 소음량에서도 이러한 세밀한 부분까지 들을 수 있는 "귀"를 훈련하자. 라는 것입니다. "훌륭한 믹싱은. 그것은 정확한 "기준"이 되는 모니터 스피커에서 시작된다." 그리고 많은 분들이 말하는 이퀄라이징 작업에 관해. 이퀄라이저를 너무 많이 사용하는 것은 좋지 않다! 라는 이야기를 어디서 들어보신 분들이 많이있을 것입니다. 사실 이것은 케이스바이 케이스로 모든 상황에 통용되는 말은 아니고. 개성을 가장 중요시하게 되는 현대음악에서는 그다지 주의깊에 들어야 할 이야기는 아니라고 생각합니다만. 요점은 한가지 찾아낼 수 있습니다. 만약 "기준"이 되어있지않은 모니터 스피커에서 믹싱 작업시. 아주 과도한 이퀄라이징으로 음색을 바꾸게 되면. 자신의 기준이 되지 않는 모니터에서는 아주 훌륭한 음색으로 들리겠지만. 다른 스피커에서는 아주아주 형편없는 음색으로 들릴 수 있다는 것을 반드시 기억하고 계셔야 합니다. 때때로는 전혀 이큐를 사용하지 않고 밸런스만으로 완성한 믹스가 과도한 이큐를 전반적으로 사용한 믹스보다 다른 스피커에서 훨씬 더 좋게 들리는 경우가 무척 많이 있는 편입니다. 이퀄라이징같은 극단적인 음색조절을 하기에 앞서 자신의 모니터와 다른 음향환경에서의 차이를 파악하고 계셔야 합니다. 여기서 또 하나 아주 중요한 이야기 가 나왔습니다. "자신의 모니터 스피커의 특성을 파악하자" .. 이것은 이번 모니터 스피커 칼럼의 이야기 중에 가장 중요한 내용으로 볼 수있습니다. 자신의 모니터 스피커의 특성을 완벽하게 파악하고 있다면. 어떤 스피커를 사용하든. 세팅이나 그밖의 음향환경을 크게 바꿀 필요가 없습니다. 영자가 앞서 이야기 한 내용들은. 이것 한가지를 자신이 지키고 있다면 전혀 필요없는 내용일런지도 모릅니다. "자신의 모니터 스피커의 특성을 완벽하게 파악하자" 이것은 자신의 모니터와 다른 모니터와의 차이를 알고 있는 것입니다. 믹싱한 후에 카오디오나 클럽이나. 평소 단골로 가는 카페나. 또 다른 스튜디오등에가서 음악을 들어보면, 또는 플레이스테이션 같은것으로 연결한 tv에서 들어보면. 자신의 모니터와 다른 모니터의 "차이"를 발견할 수 있게 됩니다. 그리고 평소 자신의 모니터에서 녹음이 잘된 음반들을 많이 들으면서. 그러한 음반들이 자신의 모니터에서 어떻게 울리고 있는 것인가..를 명확하게 기억해두어야 합니다. 자신의 모니터에서 나오는 소리가 다른 곳에서는 어떻게 들리는지.(물론 거의 차이가 없다면 아주 좋은 경우이겠지요.) 이것이 훌륭한 믹싱을 하는데 있어서 정말로 중요하다는 것임을 오디오가이 가족분들은 반드시 기억하고 계십시오. 좋은 사운드를 만드는 것은 이러한 자신의 모니터스피커를 알고 있는 양에 비례할 것입니다. 마지막으로 모니터 스피커를 가리지 않는 좋은 믹스를 만드는 방법과. 좋은 믹스는 스피커를 초월한다..라는 거창한 이야기에 대해서 짧게 나누어 보도록 하겠습니다. 모니터 스피커를 가리지 않는 좋은 믹스를 만드는 가장 쉬운 방법은 . 조금 과장해서 표현을 한다면 이큐나 컴프레서. 리버브등의 프로세서들을 최소한으로 사용하고. 밸런스로 믹싱을 완성하면 됩니다. 아래의 훌륭한 믹싱을 하는 방법 시리즈의 칼럼에서도 여러번 강조된적 있는 믹싱에서의 "밸런스"는 정말로 믹싱에서 가장 중요한 열쇠이자 성공과 실패의 요소라고 볼 수 있을 것입니다. 밸런스는 단순히 각 악기간의 음량차이가 아닌. 각 악기간의 음색과 엔벨로프 특성을 바꿀 수있고. 악기간의 공간감을 줄 수 도 있습니다. 이러한 구체적인 내용에 대해서는 아래편의 밸런스에 관한 이야기를 올린 "보다 훌륭한 믹스를 하기 위한 방법 [1] 칼럼을 한번 더 읽어보시면 이해에 도움이 될 것입니다. 그리고 모니터 스피커에 관한 마지막의 이야기는. 지금까지 영자가 이야기 한것은 모두 잊고. 자신의 모니터에서 정말로 완벽하리만치 훌륭한 사운드로 믹싱을 하는 것입니다. 아주 수준 높은 믹싱의 경우는. 어떠한 모니터에서든지 좋게 들립니다.^^ 모니터 스피커에 관한 몇몇 이야기를 해보았습니다. 무엇이든지 감질날 만큼 약간 적을 때가 좋은 것인데. 이렇게 칼럼을 자주 올리다가 혹시나 여러분들이 익숙해져서 흥미를 못느끼시면 어떻하지요?^^ 다음의 칼럼주제는.. 아직 생각해본것은 없습니다만. 대부분 칼럼을 쓸때는 녹음이나 믹싱을 하고 난 직후. 무엇인가를 깨닫고.. 아..이러한 부분들을 여러분들에게 들려주고 싶다..라는 생각이 들때가 많은 것 같습니다. 당분간 바쁜 작업들이 끝나서 다음달에나 작업을 시작할 것 같은데. 더욱 더 유용한 "초보자를 위한 믹싱" 칼럼이 되도록 더 노력하도록 하겠습니다. 감사합니다.

어제는 오전 11시부터 오후12시무렵까지 장장 12시간동안이나 믹싱하였습니다. 그것도 홈 그라운드가 아닌 다른 스튜디오에서 하는 작업이었는데.(물론 오디오가이 가족분이 계신 스튜디오였지요) 믹싱을 오랫동안 하는 것은 정말 정말 힘이든다..라는 것을 새삼스럽게 다시 깨닫을 수 있었습니다. 영자는 보통 믹싱을 하루에 1곡. 그리고 1곡의 믹싱 시간도 4시간 정도밖에 되지 않는 편으로. 하루의 믹싱시간이 길어지면 길수록 소리와 음악은 나빠진다고 생각하고 있습니다. 하지만 많은 엔지니어들의 경우. 음반의 출시스케줄이나 기타 여러상황에 맞추다보면. 이렇게 여유있게 믹싱을 진행하는 것은 힘든부분도 많은 것 같습니다. 각설하고. 이번 주제는 "믹싱에서 모니터 스피커의 중요성"입니다. 최근 한달동안 영자의 작업실 외에 3곳의 스튜디오에서 믹싱을 하게되었습니다. 기본적으로 영자는 작업실에서는 야마하 NS-10MSTUDIO로 작게 모니터하면서 믹스하는 것을 좋아합니다. 이번에 믹싱을 했던 3곳의 스튜디오 모두에도 야마하와 제네릭이 함께 있어서 비교적 수월하게 믹싱을 할 수 있었습니다... .... 라고 말할 수 있었으면 좋겠습니다만. 역시 모니터가 익숙치 않아서 믹싱하는데 많은 어려움이 있었습니다. 오디오가이 레코딩 포럼의 인기질문중에 하나가 모니터 스피커선택에 관련 내용일 것입니다. 그만큼 모니터는 이미 많은 분들께서 무척 관심을 지니고 있는 부분입니다만. 그렇다고 해도 완성도 있고 훌륭한 결과물을 만들어 내는 데에 있어서 모니터만큼 중요한것은 정말 없을 것입니다. 레코딩에서 가장 중요한 기기가 무언인가..라는 질문에 영자는 주저없이. 마이크. 그리고 믹싱에서 가장 중요한것 기기가 무엇인가..라는 질문에는 바로 모니터스피커라고 이야기 하겠습니다. 음의 입구가 되는 마이크와. 최종 음의 출구가 되는 모니터스피커의 중요성은 프로듀서 엔지니어들에게는 자신의 몸처럼 익숙해져야 하는 기기라고 생각합니다. 많은 이제 막 레코딩과 믹싱을 세계에 관심을 가지시고 계신 분들 가운데. 집이나 자신의 작업실. 또는 녹음실에서 들을때는 분명히 사운드가 좋았는데. 다른 곳에서 들었을때는 전혀 다른 사운드로 들려서 고생한 경험이 무척 많을 것이라 생각합니다. 영자도 이러한 모니터의 통일감 혹인 모니터를 가리지 않고 내는 "일률적인 사운드"를 발견하기 까지는 정말로 많은 시간이 걸렸던것 같습니다. 초창기 어시스트를 졸업하고 믹싱을 시작할 98년 무렵. 이때는 오히려 주로 SSL에서 믹싱을 하였었습니다. 녹음실의 SSL과 제네릭 스피커로 들어보면. 아티스트와 저. 모두 만족할 만한 풍성하고 다이나믹한 사운드로 들려줍니다만. 차에서 듣거나. 집에서 듣거나. 또 다른 모니터로 들었을 때는 음악이 급격하게 바뀌어서 들리는 경험 때문에.(물론 좋지 않은 방향으로,,^^) 정말 정말 많은 고심을 하였습니다. 왜. 나의 믹스는 다른 오디오시스템에서는 좋게 들리지 않는 것일까. 사실 솔직하게 말해서 지금 이 글을 쓰고 있는 순간에도. 모니터를 가리지 않고 일률적인 사운드로 만드는 방법은 딱. 이것입니다.라고 속시원하게 비법(?)을 말씀드리고 싶습니다만. 영자도 이부분에 관해서는 앞으로 공부하고 배울 부분들이 훨씬 더 많이 남아있을 것 같다는 생각이 듭니다. 그래서...? 다시한번 생각해 보면. 우선 믹싱에서 중요한 것은 역시 모니터 스피커입니다. 정리해서. 좋은 믹싱을 하기 위해서는 모니터스피커가 "기준"적인 소리를 들려주어야 합니다. 사실 현대의 대부분의 모니터 스피커들은 위와 같은 "기준"적인 소리를 들려주는데 큰 문제점은 없다고 해도 과언이 아닐 것입니다. 중요한 것은 자신의 작업실에서의 모니터 스피커의 특성을 아주아주 명확하게 그리고 완벽하게 파악하고 있어야 한다는 것입니다. 자신의 모니터 스피커에서는 음악의 밸런스가 어떻게 들리는지. 음색이 어떻게 들리는지. 공간감이 어떻게 들리는지. 그리고 음색밸런스가 어떻게 들리는 지..이러한 것들을 평소에 레퍼런스 음반 청취와 많은 믹싱들을 통해서 완벽하게 파악하고 있어야. 비로소 좋은 믹싱을 할 수 있는 가장 기본적인 요건이 된다고 할 수 있을 것입니다. 이번에도 여러 곳의 스튜디오에서 믹싱을 하였고. 모두 야마하와 제네릭이라는 평균적이 모니터 스피커를 사용하고 있는 곳이었지만. 각각 스튜디오의 야마하와 제네릭소리는 완전히 다른 음색밸런스. 특히 저음부분에 있어서는 더욱 더 많은 차이가 났습니다. 많은 엔지니어들이 야마하를 선호하는 이유가. 야마하 스피커에서 믹싱한 음악들은 다른 스피커에서 들어도 크게 차이가 없고. 소 음량에서도 밸런스를 잡기가 수월하며. 영자처럼 여러곳에서 믹싱을 하는 프리랜서 엔지니어의 경우 어느 곳에 있는 야마하 스피커나 각각의 사운드가 크게 차이가 나지 않는 다는 큰 장점이 있습니다. 그래서 야마하의 특성을 일단 한번 파악해 놓으면 다른 스튜디오에 있는 야마하를 사용하더라도 비교적 어렵지 않게 적응을 할 수 있을 것입니다. 반면에 제네릭은 이와 정반대로. 제네릭만큼 같은 기종이라도 스튜디오마다 다른 소리를 들려주는 스피커는 정말 드물 것입니다. 이것은 제네릭이 좋지 않다는 이야기가 아니라. 그만큼 세팅이나 튜닝이 까다롭다는 뜻 도 될 것입니다. 하지만 이번의 경우 야마하의 경우도 각각의 스튜디오마다 소리가 정말 달라서 믹싱할때 무척 힘들었습니다. 어제 믹싱을 했던 영자가 국내에서 무척 좋은 스튜디오라고 생각하고 있는 플럭서스 스튜디오의 경우는. 마침 컴퓨터용 스피커도 콘트롤룸에 같이 셋업 되어있어서. 믹싱 후의 모니터가 무척 수월하더군요. 플럭서스에 있는 브리츠라는 회사의 컴퓨터용 스피커로도 악기들의 최종 밸런스를 수정하고. 음색도 조정하였습니다. 누가보면 5만원짜리 컴퓨터용 파워드 스피커로 어떻게 믹싱을 하는 가..라고 반문할 수 있겠습니다만. 훌륭한 모니터 스피커라는 것은. 가격을 떠나서, 현재 자신이 들려주는 음과 다른곳에서 들리는 음과의 차이를 최대한 좁혀 주는 스피커라고 생각합니다. 어떻게 보면 훌륭한 모니터 스피커가 아니라. 이것에 적응하고 있는 자신의 "귀"일런지도 모르겠지요. 그렇다면 이렇게 "기준"적인 소리를 들려주는 모니터시스템은 어떻게 만들어 가는 것일까요? 모니터 스피커의 경우 위에서 밝혔다 싶히 영자는 최우선 적으로 야마하를 선호하는 편입니다. 과거에는 많은 분들이 고음이 너무 많다..라는 이야기를 하였지만. 오히려 초고역은 상당히 들리지 않는 편이고. 중고음이 약간 돌출되어있다고 볼 수 있을 것인데. 이로인해서 컴프레서나 이퀄라이저 그리고 리버브나 딜레이로 인한 변화가 아주 잘 들린다는 장점이 있습니다. 물론 야마하로는 낮은 저역이 모니터링 되지 않으므로. 영자는 습관적으로 낮은 초저역을 믹싱때는 필터로 커트하는 편입니다. 영자가 자신의 믹스에서 다른 곳에 들어도 만족할만한 결과를 얻기 시작한것은 역시 "불필요한 초저역의 커트"에서 부터입니다. 구체적으로는 30hz 미만은 거의 킥과 베이스를 제외한 거의 모든 소스에서 커트하는 편입니다. 야마하는 어짜피 이 대역이 들리지 않기 때문에. 이부분은 그냥 습관적으로 상당히 커트 합니다. 모니터링에서 가장 큰 차이를 주는 것은 역시 저역으로. 이러하 낮은 저역의 경우 자신의 북쉘프모니터에서는 잘 들리지 않지만 다른 환경에서는 다른 소리들을 마스킹해서 다른 주파수들에 아주 많은 영향을 주는 편입니다. 그렇기 때문에. "어떤 스피커 시스템에서 틀어도 일률적인 사운드로 만드는 것" 이 무척 중요과제인 마스터링 스튜디오에서는 북쉘프 모니터보다는. 좀더 명확한 저음 모니터링이 가능한 풀레인지 스피커로 주로 마스터링을 하는 작업의 이유입니다. 얼마전 스털링 사운드의 탐코인과 만나서 이야기 할때도. 그와 스털링의 사장 무라타씨 역시. 스털링 사운드의 모든 마스터링 스튜디오는 저역까지 완벽하게 재생할 수 있는 풀레인지 스피커를 사용해서 마스터링을 한다고 하더군요. 게다가 탐코인의 경우 마스터링시 상당히 큰 음량으로 작업한다고 하는데. 이 부분 역시 저음의 좀더 자세한 모니터링의 이유도 무척 클 것입니다. 그렇다고 해서 여러분의 작업실에 무조건 큰 스피커로 크게 모니터링을 하면서 믹싱을 해야 한다는 이야기는 절대 아닙니다. 믹싱과 마스터링은 또 다른 영역이니까요. 여러분들의 작업실의 모니터 스피커에서 이러한 저음을 정확하게 모니터 할 수 있는 것은 역시 모니터 스피커의 세팅입니다. 저음의 경우 회절하는 특성이 있어서 뒷벽과 가깝거나. 벽의 모서리 근처에 있다보면 저음의 양이 급격하게 늘어나서 들리게 되는데. 이렇게 원래 스피커의 소리보다 룸 어쿠스틱(작업실이나 믹싱하는 곳의 음향환경)의 영향으로 강조된 소리가 있는 스피커로 믹싱을 한경우. 다른 곳에서 들으면 자신이 믹싱한 것과 그 인상이 크게 달라지는 것을 경험하실 수 있을 것입니다. 그렇기 때문에. 모니터 스피커는 세팅이 중요합니다. 먼저 뒷벽과의 거리도 적어도 1미터는 되는 것이 좋으며. 가급적이면 좌우가 대칭되는 곳에 있어야 하고. 모니터 스피커 주변은 난반사나 흡음되는 재질. 그리고 믹싱엔지니어의 등 뒤쪽편 역시 난반사나 약간 흡음되는 재질로 되어있는 것이 "기준"이 되는 좋은 모니터를 만들 수 있는 방법중에 하나입니다. 일례로 몇년전에 믹싱을 했던 어느 스튜디오에는 콘트롤 룸 뒷편에 철재문이 있어서. 모니터 스피커의 중역이 철재문에서 반사되어. 믹싱할때 무척 고생했던 경험이 있습니다. 이러한 음향환경의 불필요한 반사음은 모니터스피커에 영향을 주게되어. 만약 이곳에서는 좋은 믹스로 들리더라도. 다른 곳에서는 엉뚱한 음향으로 들리 수 있기 때문에. 반드시 주지하고 있어야 하는 사실입니다. 모니터 스피커의 "기준"이 되는 소리를 만들기 위한 세팅에서 또 하나 중요한 것은. 설치방법입니다. 먼저 스피커를 놓는 스탠드의 경우. 튼튼하고 속이 울리지 않는. 것이어야 합니다. 왜냐하면 스피커라는 기기는. 유닛이 움직이면서 공기의 진동을 발생해서 소리를 만드는 것으로 . 이러한 스피커의 진동이 스피커 스탠드를 통해서 음색과 밸런스가 바뀔 수 있기 때문일것입니다. 쉽게 설명하면 속이 텅 비어있는 철재 스피커 스탠드위에 스피커를 올려놓고 모니터링을 하면. 속이 비어있는 스피커 스탠드가 공명기기의 역할을 해서 스피커에는 없는 또 다른 소리를 들려주게 됩니다. 이는 당연히 "기준"이 되는 모니터를 만드는 데 있어 전혀 도움이 되지 않는 것이지요. 스탠드와 함께 스탠드와 바닥이 맞닫는 지점. 그리고 스탠드와 스피커가 맞닫는 지점역시 중요합니다. 그래서 대부분의 분들은 스피커 아래 고무파킹이나. 스피커 스탠드위에 스파이크등을 사용함으로 인해서. 스피커의 불필요한 진동을 억제해. 레퍼런스한 소리를 얻고 있습니다. 스피커스탠드와 바닥면 역시도. 스탠드를 바로 바닥에 놓는 것과 스탠드아래 대리석같은 재질을 사용하는 것과는 음색밸런스가 또 다르게 들리므로. 스피커 스탠드의 설치역시 상당이 꼼꼼하게 해놓는 것이 좋다고 할 수 있을 것입니다.

안녕하세요? 영자입니다. 정말 너무너무 오랫만에 새로운 오디오가이 칼럼이지요? 올해가 되서는 어찌된일인지 작업량이 무척 많아지게 되어서. 그동안 오디오가이에 거의 글들을 올리지 못한 것 같습니다. 영자가 이렇게 밥 굶지 않고 지내는 것도 어찌보면 모두 오디오가이 덕(?)인 것 같기도 합니다만..^^ 오늘 올해 벌써 9장째의 앨범을 믹싱과 마스터링을 끝내고 좀전에 집에 들어왔습니다. 보통 한해에 10장정도 작업하는 것이 평균이었는데. 올해는 벌써 10장에 근접해가는 군요. 그럼 새로운 오디오가이 칼럼을 시작해보도록 하겠습니다. 많은 분들이 오디오가이는 너무 어렵다 또는 오디오가이 칼럼의 글들은 무슨 말인지 하나도 모르겠다..좀더 초보자를 위한 녹음이나 믹싱방법에 관한 리퀘스트를 종종 받는 편입니다. 오늘 믹싱과 마스터링을 끝내고 무언가 여러분들께 들려드리고 싶은 것이 남아 이렇게 아주 오랫만에 컴퓨터 앞에 앉게 되었답니다. 먼저 믹싱. 믹싱이라는 것은 무엇인가? 우리가 듣는 음반을 만드는 과정은. 레코딩 +> 믹싱 +> 마스터링 -> cd프레스공장으로 가서 최종 음반이 나오게 되는 것입니다. 레코딩은. 말그대로 음반에 담을 음원 보컬. 또는 악기들을 마이크나 콘솔이나 프리앰프등의 라인입력으로 녹음기에 녹음하는 작업을 뜻 합니다. 많은 오디오가이 가족분들이 궁금해 하시는 믹싱은. 이렇게 레코딩된 여러개의 악기들(전문용어로 트랙 또는 채널이라고 합니다.)을 최종 스테레오(2채널)로 만드는 작업인데. 믹싱때 하는 작업은 먼저 각 악기간의 밸런스를 조절하고. 이큐나 컴프레서로 음색을 조정하며. 리버브, 딜레이등의 기기로 공간감을 조절해서 더욱더 좋은 음악과 음질의 음반을 만드는데 가장 중요한 작업이라고 볼 수 있을 것입니다. 마스터링은 차후에 자세한 칼럼이 연재될 예정(몇년후가 될런지는 모르겠습니다만..)이기 때문에 그때 자세히 말씀드리도록 하겠습니다만. 요약해서 말하면 믹싱한 음원에 추가로 음색보정이나 레벨보정. 그리고 각 곡들마다의 시간 차이 등의 세밀한 작업을 추가하는 것으로. 요즘은 이러한 마스터링역시 레코딩이나 믹싱처럼 또 하나의 중요한 과정으로 인식되고 있습니다.(물론 이부분에 관해서는 엔지니어들과 프로듀서들마다 서로 다른 의견을 지니고 있는 분들도 많이 계십니다.) 마스터링된 최종 마스터cd나 디지털 테이프등을 cd 프레스 공장에 보내면. 최종 완성품의 cd가 음반매장에 진열되게 되는 것입니다. 이번에 새롭게 진행되는 칼럼은 위의 세가지 과정중에서 믹싱에 한정하며. 여러분들이 믹싱에 관해서 생각하고 또는 두려움을 느끼고 계시는 부분들에 관해서 속시원히 답변드릴 수 있었으면 좋겠습니다만.. 이것은 영자의 큰 소망일 뿐.^^ 믹싱이라는 것이 무척 개인적인 관점의 작업이기 때문에. 영자는 단순히. 믹싱을 하기전의 마음가짐(?) 혹은 믹싱의 관점등의 부분들에 관해서 이야기를 풀어볼 까 합니다. 오늘 제가 무척 좋아하는 음악가인 김두수씨와 함께 하고 있는 새로운 음반 작업의 최종 믹싱과 마스터링을 막 끝내고 들어오는 길 입니다. 믹싱에 관해서. 과연 믹싱이란 무엇인가..에 관해. 또 새로운 자극을 받을 수 있는 시간이었습니다. 오늘 완성된 음반의 타이틀곡이라 부를 수 있는 음반 1번째 트랙의 곡의 경우. 믹싱하는 데 걸린 시간이 겨우 4분27초입니다. 40분도 아니오. 4시간 27분도 아니고 4일하고 27시간도 아닙니다. 단 4분27초. 이유는 이 곡의 길이가 4분27초이기 때문입니다. 며칠전에 영자가 작업하는 컴퓨터가 고장이 나서. 다른 스튜디오를 빌리게 되었습니다. 여기서 김두수씨가 홈스튜디오에서 알레시스HD-24로 녹음된 8트랙의 소스를. 프로툴HD 192IO의 88.2KHZ 세션으로 녹음하고. 뒷 프로분들이 기다리고 계서서 아티스트와 프로듀서인 김두수씨가 모니터링할 모니터 CD를 만드느라고. 곡을 녹음하고 한번 쭈욱 들으면서 간단히 밸런스만 잡아 놓았습니다. 패닝도 대강 해 놓았고. 리버브. 딜레이는 물론이고 컴프레서. 이퀄라이저 조차 사용하지 않았지요. 그리고 이렇게 모니터CD를 아티스트와 프로듀서에게 전달하고 어제와 그제 새롭게 2가지의 버젼으로 믹싱을 했습니다. 저는 그제 믹싱한 소스를 집에서 모니터링을 하며. 무난하군..보컬과 반주의 밸런스만 좀더 조정하면 되겠다..라고 생각하고 있었는데. 어제 프로듀서에게 전화가 왔습니다. "최실장님. 이곡의 처음 제게 모니터 CD로 만들어 주신 밸런스가 너무너무 마음에 드는군요. 새롭게 믹싱하지 말고. 이것으로 사용했으면 좋겠습니다." 라는 이야기를 하시더군요. 요즘 영자와 같이 일하고 있는 승남군도. 얼마전에 최종믹싱한 트랙들과. 새롭게 모니터CD만 만들어 놓은 트랙을 차의 카오디오로 들어보았는데. 모니터CD의 밸런스와 분위기도 상당히 좋다는 이야기를 했었습니다만.. 오늘 녹음실에서 저와 프로듀서가 최종 확인해본결과. 모니터 믹스(연주자에게 들려주기 위한 가이드 믹스)쪽의 분위기와 음악성이 월등하다고 판단되어. 모니터 믹스의 버젼을 음반에 그래도 변경없이 수정하게 되었습니다. 이번에는 영자가 믹싱과 마스터링도 겸하는 작업이라 다른 트랙들은 음량도 리미터로 충분히 채워놓았고. 모니터 믹스 트랙은 모든 트랙에 아무것도 손을 대지 않았으니. 토탈에서도 당연히 손을 보지 않았지요. 하지만 영자와 프로듀서가 믹싱에서 가장 중요하다고 생각하는 악기간의 밸런스와 앙상블의 느낌이 헤드폰으로 들어보니 정말 기가막히게 잘 되어있더군요. 이렇게 최종 작업을 끝내고 집에와서 친숙한 오디오로 들어보았습니다. 물론 다른 믹싱한 트랙에 비해서 음향적인 것은 터없이 부족합니다. 보컬도 조금 작고. 패닝도 벌어지다 말았고. 다른 곡들에 비해서 전체적인 음량도 작고.. 게다가 부분적으로 레벨이 너무 커서 찌그러지기 까지 한 부분도 있습니다. 하지만 이러한 프로 엔지니어가 보면 엉망의 믹스를 앨범에 그대로 수록하게 되었습니다. 그것도 음반의 첫번째 트랙으로말이지요. 여기서. 우리가 그토록 고심하고 어려워하는 "믹싱"의 정의에 관해서 다시 한번 생각해 볼 필요가 있습니다. (너무 "그것이 알고 싶다" 풍의 말투이지요?*^^*) 많은 분들이 믹싱에 관해서 음질에 집착한 나머지 지나치게 무언가를 바꾸고. 또 변화시키려는 경향이 있습니다. 물론 훌륭한 엔지니어나 프로듀서들의 믹싱에 의해서 음악은 놀랄만큼 변화를 가져다 주기도 합니다만. 이러한 변화가 모든 경우에 항상 바람직한 결과만을 낳는 것은 아닙니다. 레코딩시 만든 모니터 밸런스가 공 들인 최종 믹싱에 비해서 음악적인 분위기가 더 좋았던 적을 느꼈던 오디오가이 가족분들도 아주 많이 계실것이라고 생각합니다. 아래에서 많이 나온 이야기 입니다만. 보다 훌륭한 믹스를 하기 위해서는. 먼저 믹싱에 대한 강박관념을 버립니다. 믹싱에 관한 두려움. 어려움을 모두 다 던져버립니다. 그리고 꼭 잘해야 한다. 외국음반처럼 만들어야한다. 컴프레서를 죽이게 먹여서 펀치감이 마이크타이슨의 주먹만큼은 되어야 한다.. 라는 생각을 모두 다 던져버립시오. 훌륭한 믹싱을 하기위 해서 믹싱을 하기 앞서 가장 중요한 것은 믹싱에 관한 두려움과 거부감등을 모두 다 버리고. 차분한 자세로 음악을 들으며. 이곡에서 "더 아름답고 매력적인 부분을 찾아내는 것입니다." 이것은 악기일 수도 있고. 보컬의 한 부분일 수도. 있습니다. 믹싱은 음향을 좋게 만드는 것이 아니라. 음악적인 분위기를 더 좋게. 그래서 음악을 더욱 더 감동적으로 만드는 작업입니다. 많은 분들이 이런것 말고. 이큐의 주파수를 어떻게 돌리거나 어떤 플러그인이 좋은지. 컴프의 파라미터등은 어떻게 사용하고 리버브는 어떤 프리셋등을 사용하는 것이 좋은 지등의 질문을 무척 많이하십니다. 물론 기회가 되면 이러한 부분들에 관해서도 차후에 이야기를 해보고 싶습니다만. 믹싱에서 위와 같은 부분이 차지하는 것은 1% 밖에 되지 않습니다.(조금 과장인가요?^^) 더 중요한것은. 위에서 영자가 열심히 2틀동안 한 믹스보다. 5분동안 대강 한 모니터 믹스가 최종 음반에 수록된 것 처럼. 여러분들은 음질이나 음향을 논 하기에 앞서. 믹스에서 "예술성"을 생각해야 합니다. 이러한 예술성은. 때론 멋지게 걸린 리버브와. 컴프레서 이퀄라이저에서 나오기도 합니다만. ""대부분은 여러분이 받은(또는 만든) 믹싱 소스안에 모두 다 들어있습니다."" ^=== 오늘 이야기 중에 가장 중요한 부분으로 볼 수 있을 것입니다. 물론 믹싱에 펀치감을같은 음향적이 부분을 살리는 것이 음악적인 부분을 배가 해줄수 있을 것입니다. 힙합같은 장르에서라면 특히나 더 중요하겠지요. 하지만 자가 다시한번 강조하는 것은. 이러한 음향적인 부분을 조절하는데 있어. 기준은. 소리로 만드는 것이 아니라. 음악 혹은 예술성으로 만들어 가는 것이라는 것 입니다. 더욱 더 음악적인 음악을 위한 음향..... 이것을 위해서 오디오가이 가족분들은 존재하는 것이고. 우리가 훌륭한 믹싱엔지니어들을 존경하는 이유입니다. ... 간만에 글을 쓰니 하고 싶은 말이 많아서 길어지는 군요. 요즘의 세대는 글이 길면. 글을 그냥 넘겨버리거나 대강 보거나 한다고 합니다.^^ 그럼 여기서 초보자를 위한 믹싱 [1] 편을 마무리 하고 후속편에서는 여러분들의 가려운 곳을 좀더 시원하게 긁어볼 수 있도록 노력해 보도록 하겠습니다.

올초에 시작한 보다 훌륭한 믹스를 만들기 위한 방법의 칼럼은 이번으로써 마무리하고 다음번에는 좀더 다른 주제들로 이야기를 나누어 볼까 합니다. 물론 작업 중간중간 마다 새롭게 배우고 느끼게 되는 점들이 있으면 계속해서 글을 올리도록 하겠습니다. 얼마전 이 "완결"을 무척이나 마음에 들게 정리 해놓고. 모두 다 날려버리고 나서는.. 이런 생각이 들더군요. "글"이라는것도 단순히 기계적으로 자판을 두들이는것만이 아닌. 정말 내가 만든 음악처럼 자식같다는 생각이 들었습니다. 글을 통해서 자신의 생각을 투영하는것이라 아마도 그런가 봅니다. 이러다가는 음악쟁이가 아닌 글쟁이로 나가버리지는 않을 까 조금은 걱정이 됩니다만..^^ 자..다시 시작해보겠습니다. 아마도 내용은 날려버린것과는 방향성은 조금 다를것 같군요. 하지만 궁극적으로 하고자 하는 이야기는 변함이 없습니다. 보다 훌륭한 믹스를 만들기 위한 방법이라는 정말 거창한 제목입니다만. 마지막 주제는 "다시 돌아본 밸런스"입니다. 믹싱이라는 것. 그리고 좋은 사운드라는 것은 바로 밸런스에서 시작해서 밸런스로 마무리가 된다고 생각합니다. 무엇보다도 소리에는 음악이 담겨있지 않을 수 있지만. 밸런스에는 "음악"이 담겨있습니다. 믹싱엔지니어에 가장 큰 무기는 컴프레서. 이퀄라이저. 리버브. 딜레이가 아닌 바로 "밸런스"라는것을 반드시 염두해주셨으면 합니다. 요즘은 daw의 발달로 플러그인을 쉽게 접하게 되면서. 영자의 시각으로는 아주 독특한(이해하기힘든)현상을 접하게 됩니다. 믹싱의 과정중에 밸런스를 잡는 시간보다. 플러그인으로 음색을 조정하는 시간이 더 많다는 것입니다. 정말 멋진 밸런스의 음악에서는 음색이 중요시하게 들리지 않습니다. 비틀즈의 음악을 한번 들어보시기 바랍니다. 물론 비틀즈의 것은 엔지니어링적으로도 대단히 뛰어난 작품입니다만.. 정말 절묘할만큼이나 멋진 밸런스로 음악을 울려주고 있습니다. 밸런스(음량)는 믹싱의 모든 도구(프로세서)들을 포함합니다. *컴프레서 : 시간의 흐름에 따른 엔벨로프의 "음량"변화 *이퀄라이저 : 각 소스에서 특정한 주파수의 "음량"을 더하거나 줄이는 것. *리버브 : 직접음과 반사음의 "음량"차이에 따른 공간감. 여기서 계속 반복되는 음량..바로 밸런스는. 이들 컴프레서나 이퀄라이저나 리버브의 모든 역할들을 할 수 있습니다. 여러소스들의 마스킹을 이용한 밸런스조절로 인해서 음색을 바꿀수 있고. 소스들마다의 음량차이로 인해서 공간감을 줄 수 있습니다. 무조건 프로세서들로만으로 공간감을 만들어주고. 음색을 바꾸어주는등에만 집중할것이 아니라. 자신이 현재 믹스하고 있는 음악에서 가장 음악적이고 멋진 밸런스를 찾아보시기 바랍니다. 덧쓰기 : 원래는 이 보다 10배는 더욱 더 많은 내용을 썼었는데. 더이상 기억이 나지도 않고 쓸이야기가 없이 막혀버리는군요. 아쉽지만 이것으로써 "보다 훌륭한 믹스를 만들기 위한 방법"은 완결하도록 하겠습니다. 1년동안 몇편밖에 쓰지는 못하였지만. 그동안 영자가 음향을 공부하면서 깨닫고 느낀점들의 전부는 이들 칼럼에 모두 담겨있다고 생각합니다. 앞으로도 더욱 노력해서 오디오가이 가족분들께도 더욱 더 재미있는 이야기 많이 들려드릴 수 있도록 저도 많이 노력하겠습니다. 감사합니다.

프로툴스를 중심으로한 DAW의 눈부신 발달으로. 이제는 믹스를 집에서도 가능하게 되었습니다.(영자도 지금 집에서 파워북과 MBOX로 얼마전에 녹음한 재즈앨범들을 아이스크림먹으면서 믹스하고 있습니다.) 녹음실에 들어오면 가장 먼저 시선이 고정되는 멋진 라지포맷의 콘솔이 아닌. 이젠 컴퓨터 모니터를 보면서 믹스를 하게 될줄은 90년대 중반만 해도 상상하기 힘들일이었지요 . 잡지들의 인터뷰들과 과거의 글에서도 여러번 피력한 바와 같이 영자는 개인적으로 DAW내부 믹스를 대단히 지지하고 있는 편입니다. 먼저 사운드 퀄리티에 관해서.. SSL과 니브보다 떨어지는 것은 사실입니다. 저음역의 펀치감. 수평. 수직적인 이미지. 그리고 깊이감..등. 믹스에서의 중점적인 요소가 아날로그 콘솔에 비해서 뒤쳐저 있음에도 불구하고 DAW내부 믹스를 선호하는 이유는. 우리가 만드는 것은 사운드가 아니라 "음악'이기 때문입니다. DAW내부 믹스는 완벽한 토탈리콜을 기반으로.(어시스트 시절에 SSL 토탈리콜 셋업에 30~40분동안이나 초록색 모니터를 보아가며 눈을 비비던 시절이생각납니다.) 무엇보다도 보다 "음악적인" 믹스를 할 수 있기 때문입니다. 집에서 믹스하는 경우는 더욱 더 편하지요. 믹스하다가 졸리면 한숨 자고. 밥먹고 일어나서 믹스하고. 자려고 불꾸고 침대에 누웠다가 잠이 안와 뒤척뒤척이면서 일어나 믹스하고. 콘솔앞에서 믹스하면서의 긴장감이 없어진대신. 좀더 릴렉스한 믹스. 그러면서 사운드 보다는 음악에 더욱 집중할 수 있는 믹스가 가능해진것 같습니다. 시간이 충분하기 때문에 여러가지를 시험해볼 수 있다는 것도 참 좋은 것이고요. 영자도 DAW에서 내부 믹스를 하게 된것은 불과 2000년정도가 되면서 부터인것 같습니다. 아직 오랫동안 해보지 않아서 많은 노하우를 가지고 있는 것은 아니지만. 이제 어느정도는 DAW에서 더욱 더 좋은 사운드와 음악을 만들 수 있는 방법을 오디오가이 가족분들과 함께 생각해보자는 의미해서 조금 정리해보려고 합니다. 사설이 길었군요.(내용은 무지 짧은데..^^) 프로툴스밖에 거의 사용해보지 못했기 때문에. 우선 프로툴스를 기본으로 이야기해보도록 하겠습니다. 초창기에는 컴퓨터 안에서도 아날로그 회로처럼 여러가지 경로를 통하면 음질이 떨어진다고는 전혀 예상치 못했습니다. 우선 첫번째 이야기는 . 아날로그나 디지털이나 변하지 않는 진리. "단순한 것이 가장 좋다" 입니다. 프로툴에서 내부 믹스를 하거나 심지어 모니터CD를 구워줄때도 영자는 마스터트랙을 만들지 않습니다.(물론 처음에는 헤드룸을 보기위해 만들어 놓았다가 나중에 파일을 익스포팅하기 전에 삭제를 합니다.) 프로툴의 믹서는 기본적으로 아날로그 믹서와 시그날플로우가 동일합니다. 마스터섹션의 시그널 플로우역시. 각 채널의 소리가 마스터채널을 거쳐서 최종 출력이 되는것이지요. 다만 프로툴에서는 마스터 채널을 사용하지 않고도 모든 오디오트랙의 아웃풋을 동일하게 지정해주면서 마스터트랙을 바이패스할 수 가 있습니다. 마스터트랙을 만들지 않으면 우선 가장 눈에 띄이는 음질변화는 좌우의 스테레오 폭이 넓어진다는 것입니다. 그래서 요즘에는 DKAUDIO같은 회사에서 나온 디지털 레벨미터를 구입해서 프로툴 인터페이스의 패러럴 출력으로 레벨을 모니터링 하려고 합니다. 그러면 믹스의 처음부터 마스터트랙을 만들 지 않아도 되니까요. 다음으로. 마스터 트랙과 마찬가지로. "버스"의 개념입니다. 믹스 스테레오 아웃을. 마스터트랙. 버스트랙. 그리고 모두 바이패스한 트랙들에서 출력을 해보면. 상당한 헤드룸의 차이가 있는것을 발견할 수 있습니다. 특히 버스를 통한 아웃의 경우는 마스터채널보다도 더욱 더 헤드룸이 낮은것을 발견할 수 있습니다. 이로인해서 음압감과 펀치감이 바로 상쇄되어버리더군요. 그래서 가급적이면 프로툴내부 믹스에서 악기들을 그룹으로 출력해서 컴프레싱이나 이퀄라이징등을 하는것은 피하는 편이 좋습니다. 그럼에도 불구하고 영자는 믹스에서 드럼그룹에는 "반드시"라고 해도 좋을 정도로 드럼 그룹 컴프레서를 사용해야 하기때문에. 어쩔수 없이 사용하고 있긴 있습니다만..(드럼의 비중이 곡 안에서 큰 음악일 경우) 가급적이면 그룹 컴프레싱&이퀄라이징은 하지 않는편이. 정확하게 말하면 소스들을 그룹으로 보내지 않는 편이 더욱 더 아날로그 콘솔에 가까운 소리를 얻을 수 있다는 것입니다. 그리고 마지막으로 플러그인에 관해서. 이상하게 들리실런지도 모르겠습니다만..프로툴스안에서 가장 퀄리티가 우수한것은 단연 디지랙 플러그인들이라고 생각합니다. 디지디자인에서 프로그램의 개발과 함께 한 탓인지. 개인적으로는 이들 디지랙 플러그인들의 사운드 퀄리티가 가장 뛰어나게 들립니다. 다른 플러그인들의 경우. 대부분 특별한 파라미터 조작없이도 그 플러그인을 사용하는것만으로도 음질이 크게 변하는 것에. 영자도 한때는 열광하며 사용했었습니다만.. 문제는 다른소스들과 함께 그림을 그려나가야하는 믹싱에서는. 전체적인 소리를 혼탁하게 만들어 주는 주범이라고 생각합니다. 여러 휘황찬란한 플러그인들을 사용한 믹스보다. 프로툴스의 기본 디지랙 이큐&컴프만으로 한 믹스가 공간감. 펀치감. 스테레오 이미지. 그리고 클리어함등에서 상대가 되지 않습니다. 가장 크게 느낄 수 있는것은. 24트랙 이상의 많은 트랙을 사용할경우. 기본 디지랙과 다른 서드파티 플러그인들과 차이는 더욱 더 확연하게 나타납니다. 디지랙으로 하는 편이. 악기들과의 마스킹이 없이 각각의 소스가 더욱 더 선명하고 분명하게 들립니다. 그래서 디지랙에서는 조금만 이큐로 조정해도 될부분들이. 다른 플러그인 이큐에서는 아주 과도하게 사용해야 하는 경우를 아주 쉽게 볼수 있습니다. 그리고 많은 프로툴스에서 믹스를 하는 엔지니어들에게 드리고 싶은 이야기중에 하나는. 여러플러그인들을 번갈아 가며 인서트해볼 시간에. 기본 디지랙플러그인 가지고 좀더 파라미터를 세밀하게 조절하는 능력을 키우는것이 더 중요하지 않을 까 합니다. 잠시 다른 이야기가 나왔습니다만.. 디지랙이 이렇게 음질이 좋은 이유는 디지랙 플러그인은 프로툴스 내부에서 레이턴시가 다른 플러그인들에 비해서 비교적 적기 때문이 아닐까 합니다.(추측입니다.) 그렇기 때문에 병렬로 많이 사용해도.(가끔 보컬같은 소스에 다른 종류의 플러그인을 4개정도 인서트 시키면 소리가 정말 이상하게 변하는것을 경험하셨을것입니다.) 음질열화가 적을 뿐만 아니라. 각각의 트랙들사이의 레이턴시가 적어서 더욱 더 깨끗하고 순수한 소리를 들려주는 것 같습니다. 물론 다른 플러그인들을 사용하고 그만큼 소스를 앞당겨주면 된다고 이야기 할수도 있습니다만. 영자의 개인적인 관점으로는 다른 플러그인을 사용하고 그만큼의 레이턴시를 앞당겨 줄 시간에. 디지랙 플러그인으로 더욱더 음악적인 사운드를 만들기위해 파라미터조절에 더욱집중에 보는것이 합리적이라고 생각합니다. 아날로그 신호가 흐르는 콘솔보드와는 달리. 디지털의 세상에서는. 이러한 작은 레이턴시가 음질적으로는 아주 많은 열화를 가져옵니다.(영자도 최근에 깨달은것입니다.) 그렇기 떄문에 프로툴에서 믹싱하시는 오디오가이 가족분들께서는 . 가급적이면 디지랙으로 자신이 원하는 사운드에 가까운 소리를 만들 수 있는 훈련을 하시기를 추천합니다. 또 하나로 TDM과 RTAS의 음질차이에 대해서도. 영자는 이점에 대해서 8트랙이 넘는 믹스소스에서는 아주 많은 차이가 난다고 생각합니다. 예산상 TDM환경이라면 가급적이면 RTAS는 사용하지 않는것이 좋다고 생각합니다. 영자도 집에서는 RTAS로 믹스하고. 나중에 마스터를 만들때는 TDM환경으로 가서 RTAS를 모조리 TDM으로 바꾸어 줍니다. 이것만으로 사운드가 한결 깨끗해지고 소리가 더 앞으로 튀어나오게 됩니다. 마지막으로 기술적인 내용에 대해서는 정리하도록 하고 음악적인 내용에서 DAW내부 믹스의 장점을 들어보면. 믹스를 프로듀서나 편곡자의 관점에서 할 수 있다는 것입니다. 드럼소스들을 마음대로 바꾸어 볼수도 있고. 각 악기들의 스테레오 이미지 배치도 트랙의 쉽게 카패해서 여러가지로 시도해볼수 있습니다. 콘솔믹스에서는 귀찮거나 시간이 많이 걸려서 시도하기를 꺼렸던 작업들도. DAW믹스에서는 아주 쉽고 간편하게 해볼 수 있습니다. 그렇기 떄문에 더욱 더 창의적인 믹스로 발전할 수 있다는 장점이 있습니다. 아날로그콘솔에서의 믹스와 디지털에서의 믹스는 분명히 다르다고 생각합니다. 디지털의 기본 플랫폼이 아날로그의 것을 차용했다고 해서. 사용하는 방법역시 아날로그와 같다고 생각하면 DAW믹스의 많은 장점들을 사라지게 만들 고 단점만 부각시키게 됩니다. 영자는 DAW내부에서 콘솔에서와 같은 음압을 내려고 생각치않습니다. 너무 사운드에만 신경세포를 집중하고 있는 믹스에서 벗어나. DAW와 함께 좀더 음악적인 믹스를 시도해보시기 바랍니다.

아주 오랫만에 글을 올려봅니다. 오늘은 믹싱시 "이퀄라이저"에 대해서 알아보겠습니다. 이퀄라이저는 콘솔의 페이더와 함께 믹스시 가장 많이 사용하게 되는것일런지도 모르겠습니다. 믹스에서 이퀄라이저의 역할은 무엇일까요? 영자는 이점에 관해서 하나로 정의하면 "전체적인 사운드를 깨끗하게 만드는 역할"로 보고 싶습니다. 물론 이것에 관한 것은 아래 컴프레서에 대한 내용에서도 강조한 부분입니다만.. 미디음원이든 어쿠스틱 음원이든 외국 음악과 국내 음악의 가장 큰 차이점이라고 할 수 있는것은 바로 깨끗하고 선명한 믹스와..그렇지 않은 믹스의 차이점이 아닐까 합니다. 이런저런 서론들은 바로 생략하고 바로 이퀄라이저의 사용에 대해서 이야기 해보면. 제 경우에는 믹싱에서 기본적인 톤 컨트롤은 컴프레서로 먼저 만든 후 그 다음에 이퀄라이저를 사용하게 됩니다. 소스에 특별히 커트해야할만한 공진음이 있는 경우를 제외하고는 대부분이 컴프레서 - 이퀄라이저 의 세팅입니다. 최근음악들은 소스들이 상당히 좋아서 이퀄라이저를 과도하게 사용해야 하는 부분이 점점 줄어들고 있는 것 같습니다. 이퀄라이저 사용에 있어서 가장 중요한 점은. "너무 많이 사용하지 말자" 입니다. 너무 많은 양의 증감을 한 소스들을 들어보면 잠시만 들어도 소리가 대단히 부자연스럽고..(그리고 대게들 아주 얇습니다.) 음량을 키우면 소리가 많이 흐트러지는것을 경험할 수 있습니다. 이퀄라이저는 믹싱을 처음 하시는 분들을 보면 아주 많이 사용하는 경향을 보이고 있는데. 대부분 후배 엔지니어들의 믹싱을 들어보다가. 이퀄라이저를 바이패스 하고 들어보면. 오히려 몇시간 동안 믹스한것보다 이퀄라이저를 바이패스 한 경우가 소리 좋을때가 더 많은것 같습니다. 그 만큼 이퀄라이저는 계속 사용하다보면. 사람의 귀가 점점 익숙해지는것에 딜레마가 빠져서 계속해서 이퀄라이저를 과용하게 되는것을 아주 쉽게 보게 됩니다. 이퀄라이저의 조정의 경우 하나의 소스를 가지고 5분을 넘기는 것은 별로 좋지 않다고 생각합니다. 그래도 소리가 잡히지 않는 경우는 조금 쉬었다가 하거나 다른 소스들을 조정하거나. 아니면 레퍼런스 음반을 들으면서. 귀를 좀더 새롭게 한 다음에 조정을 하는것이 좋을 것 입니다. 몇년전까지만 해도 믹스를 하다 보면 트랙킹이 너무 좋지 않아 이상한 공진음들이 많은 소스들 때문에 이퀄라이저를 상당히 많이 사용하게 되었었는데. 요즘 음악들에서는 그러한 것이 많이 없어진것 같습니다. 이퀄라이저를 사용할때는 개인적으로 부스트보다는 컷을 선호하는 편입니다. 부스트를 많이 할경우 아무래도 소스가 부자연스러워 지고. 자연스러운 소리를 좋아하는 제 취향에는 부합되지 않더군요.(물론 장르가 락계통이라면 이야기는 달라지겠지요.) 이제 오늘의 글에서 가장 중요한 부분. 이퀄라이저의 중심적인 역할에 대해서 다시한번 강조를 하면. "이퀄라이저는 한개의 소스들의 음색을 조정해 주는 기기가 아닌. 전체적인 소스들이 더욱 더 조화롭게 어울리도록 조정하는 기기입니다." 이퀄라이저로 한개의 소스들의 음색만 듣고 조정하지 말고. 우선 밸런스를 어느 정도 모두 올려 놓은 후. 서로 주파수가 중첩이 되어서 멜로디 라인이 잘 안들리거나 사운드가 흐릿해지는 경우. 이러한 경우에서 이퀄라이저 사용이 가장 바람직하다고 볼 수 있습니다. 여러분들에게 쉽고 강하게 전달하기 위해서 내용이 조금 강조된 부분도 있습니다만.. 이퀄라이저의 사용에 대해서 각각의 소스의 음색 조정을 하는 기기라는 선입견에서 탈피해서. 전체적은 소스들의 조화로움을 조정하도록 하는 방향에서의 이퀄라이저에 대해서 많은 연구를 해보시기 바랍니다. 실례로 대부분의 한국음악에서 거의 항상이라고 해도 좋을 만큼 자주 사용되는 패드계통의 음색에 관해서. 영자는 패드계통의 음색의 초저역 30hz 이하는 거의 커트하는 편입니다. 그러는 편이 킥이나 베이스 기타와의 음색이 중첩되지 않아서 킥과 베이스가 더욱 더 힘있고 깨끗하게 들립니다. 킥과 베이스의 음색이나 음량을 전혀 조정하지 않고서도. 음악 내내 흐르는 패드의 저음을 커트하는것 만으로 음악에서 사운드에 가장 근간이 되는 킥과 베이스의 변화가 이렇게나 많이 있다는 점은 반드시 유념하고 있어야 할것입니다. 또 패드의 음색이 다른 EP나 리드보컬의 음색을 방해해는 경우가 많습니다. 외국음악을 들어보면 무엇보다도 보컬의 트리트먼트가 아주 뛰어난 것을 확인할 수 있는 데. 외국 음악에서 보컬은 아주 생동감있고 살아있는 듯한 느낌을 줍니다. 사운드 적으로도 보컬을 방해하는 악기는 전혀 없을 정도입니다.(트랙의 양과 관계없이) 그렇기 때문에 패드나 EP같은 악기들이 보컬을 방해하는 것을 방지하기 위해 이퀄라이저나. 또는 컴프레서를 사용해서 어택을 눌러서 소리를 뒤로 보내기도 합니다. 영자가 이 칼럼에서 항상 강조하는 믹스에서 "공간감"의 경우 아래에서 이야기한 바와 같이 컴프레서에서도 공간감의 컨트롤을 할 수 있는 것과 마찬가지로. 이퀄라이저 역시 공간감 콘트롤에 탁월한 역할을 합니다. 이퀄라이저를 조정할때 음원의 음색만 가지고 논할것이 아니라.. 적절한 주파수 조정으로 음원을 더욱 더 앞에서 들리게. 반대로 소리를 뒤에서 들리게 할 수 있습니다. 여기서 중요한것은 바로 "중역"의 이해입니다. 개인적으로 훌륭한 믹스와 이퀄라이저의 사용은 "중역의 이해"에서 시작된다고 생각하고 있습니다. 대부분의 사람들의 경우 이퀄라이저로 하는 일이 고음을 부스트 하고 저음을 커트하는 상투적인 행위에서 탈피해서. 중역을 좀더 이해 할 수 있게 되면. 예를들어 보컬에 있어서 16KHZ의 초고역을 9dB정도 부스트 하면, 얼핏 듣기에는 화려하고 좋게 들리지만. 초고역의 과도한 부스트로 인한 중역의 마스킹이 생겨서. 중역이 뒤로 물러나면서 소리가 뒤에서 들리게 됩니다. 음악에서 가장 전면에 위치하고 있어야할 보컬이 뒤에서 놀고 있다면 그리 바람직한것이 아니겠지요. 이러한 경우 중역에서 1khz 나 3k, 5k를 1db정도만 부스트 시켜보아도 음원이 앞으로 확 튀어나오는것을 느낄 수 있습니다. 물론 영자가 중역의 이해가 필요하다고 해서 중역을 이퀄라이저로 많이 조정하자는것은 절대 아닙니다. 중역의 이퀄라이저조정의 경우 많은 책에서 나와있듯히 자신이 없으면 아예 조정하지 않는 편이 더 좋은 결과를 나타낼때가 많습니다. 하지만 음악에서. 그리고 믹싱에서 중역을 좀더 이해하게 되고 그것을 콘트롤 할 수 있게 되면. 분명 믹스의 완성도는 한단계 이상 상승할 것입니다. 그리고 저음으로 옮겨가서. 후배 엔지니어들을 보니. 국내 엔지니어들은 습관적으로 저음을 너무 커트하는 경햠이 있는것 같습니다. 대부분의 믹스에 경험이 있는 엔지니어들의 경우 자기가 자주 사용하는 주파수가 있게 마련인데.. 습관적으로 저음을 커트하고 고음을 부스트 하고... 그래서 항상 같은 소리가 나고.. 약간의 저음 공진이 있더라도 이것이 전체 믹스에 영향을 주지 않는다면. 그리고 사실은 공진음이 있는것도 아닌데 내가 습관적으로 저음을 커트하고 있는것이 아닌가..하고 생각해 보시기 바랍니다. 고음의 경우도 많은 엔지니어들이 주로 사용하기 좋아하는 12khz를 3db부스트 시키는것과 300hz를 1.5db 커트하는것은 거의 같은 효과를 내어 줍니다. 어떠한 한 주파수를 많이 부스트하게 되면 음색은 부자연스럽게 변하게 됩니다. 같은 "3db"의 양이더라도. 12khz 를 1.5db 부스트 하고. 300hz를 1db커트하는 편이 12k만 3db 부스트 하는것보다 훨씬 자연스럽고 세련된 소리를 얻을 수 있습니다. 이러한것은 아주 작은 예를 든것으로. 이글을 보시는 오디오가이 가족분들은 항상 내가 사용하고 있는 주파수를 너무 과신하고 있는것은 아닌지. 그리고 부스트 일색의 이퀄라이저 사용에서 벗어나 새로운 주파수들을 커트하면서 "새로운 발견"이 있기를 바랍니다.

컴프레서에서 갑자기 건너뛰어 이번에는 "딜레이"입니다. 조금 직설적으로 표현해서 한국 믹싱엔지니어와 외국 믹싱엔지니어의 결정적인 차이는 컴프레서와 딜레이의 테크닉이라고 영자는 생각합니다. 여기서 딜레이가 무엇이고 리버브와의 차이점 같은 기초적인 부분보다는 실제 딜레이를 사용하는 데 있어서의 목적의식와 응용방법에 대해서 같이 생각해 보겠습니다. 믹싱에서의 딜레이의 개념부터.. 철저히 주관적인 생각이 되겠지만 믹싱에서 딜레이를 사용하는 이유는 첫번째가 바로 "공간감"의 확장때문입니다. 여기서 말하는 공간감은 단순히 보컬같은 멜로디 악기에 모노딜레이 하나 살짝 걸어주는것이 이 아니라. 좀더 여러가지 음원에 대해서 적극적인 딜레이의 응용에 따른 "공간감"의 엄청난 변화에 대해서 강조하고 싶습니다. 딜레이로 만들 수 있는 공간감은 가장 일반적인 모노딜레이를 사용하는 깊이감에서 부터. 스테레오 소스에 주로 좌우의 스테레오 이미지의 드라마틱한 확장을 느끼게 해주는 스테레오 딜레이. 게다가 원음과 딜레이음의 음색조정으로인한 음상의 상하의 정위감을 들 수 있습니다. 여기서 가장 강조하고 싶은부분은. "스테레오 딜레이를 적극적으로 활용하자" 입니다. 브루스스웨이던의 퀸시존스나 마이클잭슨의 앨범에서 들을 수 있는 놀라운 딜레이의 사용은 대부분 스테레오 딜레이입니다. 외국의 유행하는 R&B음악에서도 마찬가지로 단편적인 모노딜레이 보다는 효과가 훨씬 뛰어난 스테레오 딜레이를 훨씬 더 적극적으로 사용하고 있습니다. 특히 보컬의 사비부분에서 발음의 첫 단어가 좌우의 타임이 다른 스테레오 딜레이에 의해서 강조되는 것은 외국의 믹스에서는 대단히 흔하게 볼 수 있는 부분입니다. 외국의 음악들을 들어보면 리버브가 거의 들리지 않는 상태에서도 엄청난 공간감의 표현을 들려주는경우가 많습니다. 사실 이러한 경우에도 리버브가 전혀 사용되지 않은것은 아니고 우리귀에 리버브 소리가 들리지만 않을 뿐. 수 많은 리버브와 딜레이가 사용되고 있는것이 대부분입니다. 딜레이에 관한 주제에서 좀 벗어날 런지로 모르겠습니다만.. 개인적으로 영자가 믹스에서 공간감을 만드는 첫번째 방법으로는 아래의 [1]편에서 강조한 "밸런스" 다음은 "컴프레서" 다음으로 딜레이를 사용해서 공간감을 만듭니다. 딜레이 다음은 이퀄라아저. 그리고 가장 마지막 단계에서 리버브를 사용합니다. 딜레이를 어떻게 사용하느냐에 따라서 리버브는 전혀 필요없게 되는 일도 많습니다. 최근의 DAW내부에서 믹스를 하면서 CPU나 DSP카드에 부하를 느끼시고 계신분들은 무거운 리버브의 사용을 줄이고 딜레이로 공간감을 만드는 방법을 과감하게 시도해보시기 바랍니다. 믹스에서 컴프레서 만드는 공간감은 아래에서 설명했고. 딜레이로 만드는 공간감은 컴프레서에 비해서 공간감에 변화에 훨씬 더 큰 역할을 합니다. 다만 딜레이의 사용에 따라 원음의 음색의 느낌까지도 많이 변하기 때문에 이러한 것들은 주의해야 할것입니다. 딜레이를 잘 못 사용하는경우(대부분의 피드백과 뎁스의 파라미터조절의 실패인 경우가 많습니다.) 원음에 불필요한 서스틴은 딜레이로 만들어 줌으로 해서 음악성(연주자가 연주한 음악의 느낌이 불필요하게 변질되는 경우)과 함께 음상 정위가 흐릿해지는 부작용이 있습니다. 음상정위가 혼탁해지는것은 딜레이 사용에 있어서 가장 피해야 할 부분이라고 볼 수 있을것입니다. 그래서 영자는 피드백양은 딜레이를 사용할 곡의 음원의 역할에 따라 바뀝니다만.. 뎁스(혹은 레이트)의 경우 특별한경우가 아니면 딜레이음을 너무 흔들지 않는 편입니다. 물론 리드미컬한 관악기 솔로나 코러스섹션같은 경우는 스테레오 딜레이에 피드백과 뎁스를 여유롭게 주면 아주 화려한 소리를 얻을 수 있기도 합니다. 다시 스테레오 딜레이에 관한 이야기로 돌아가서. 믹스때 항상 스테레오 딜레이를 사용하는 소스들을 보면. 우선 브라스 섹션. 브라스 섹션만큼 스테레오 딜레이의 효과가 좋은 경우는 드물것입니다. 브라스 섹션에 스테레오 딜레이를 사용하면 좌우의 스테레오 이미지가 한결 넓어질뿐만 아니라. 리버브를 사용하지 않고도 드라이한 상태에서도 소리를 앞으로 튀어나오게 만들 수 있습니다. 코러스 섹션의 경우도 마찬가지로 아주 약간의 리버브만 사용하고 공간감은 모두 딜레이로 컨트롤 하는 편입니다. 스테레오 딜레이를 사용하는 일반적인 방법은. 좌측 딜레이는16분음. 우측은 8분음. 피드백과 뎁스는 약간씩 차이나게 함으로 인해서 스테레오 이미지는 더욱 더 넓어지게 됩니다. 이러한 소스외에도 스트링스나 패드계열의 경우. 밸런스를 낮추면 그만큼 청감적으로는 공간감이 줄어드는 것을 쉽게 느낄 수 있습니다. 이 경우에도 마찬가지로 스테레오 딜레이를 사용하여(여기서는 피드백과 뎁스를 상당히 많이 주는 편입니다.) 스트링스나 패드같은 배킹악기들의 좌우의 스테레오 이미지는 유지하면서. 소리는 멜로디 악기들의 뒤에서 들리게 합니다. 사람들은 대부분 배킹악기들을 뒤로 보내는데 무조건 리버브 양만을 늘리려고 하는 경향이 있습니다. 이러한 경우에는 리버브를 사용해서 전체적인 음상을 뿌옇게 만들기 보다는. 스테레오 딜레이를 사용해서 음상을 뒤로 보내는 방법을 연구해보시기 바랍니다. 딜레이의 장점은. 사용에 따라서 음상을 앞으로 튀어나오는듯 하게 만들수도. 반대로 음상을 뒤로 밀어낼 수도 있다는 것입니다. 그리고 반드시 스테레오 소스에만 스테레오 딜레이를 사용하는 것이 아니라. 모노 소스들에 있어서도 스테레오 딜레이를 적극적으로 사용해보시기 바랍니다. 다만 스테레오 딜레이를 사용하는 데 있어서 유념하고 있어야 할점은. 너무 지나치게 사용해서 음악을 유치하게 만드는것입니다. 과도한 딜레이의 사용은 음악의 수준을 떨어트리며. 딜레이를 사용함에 있어 믹스가운데 딜레이음이 너무 많이 들린다면 그것은 딜레이를 잘 못 사용하고 있는것입니다. 딜레이로 좌우의 스테레오 이미지나 공간감들은 표현하고 있지만. 그렇다고 해서 믹스중에 여러소스들에서 딜레이 음이 너무 많이(계속)들리는 것 만큼은 반드시 피해야 할 사항이라고 볼 수 있을것입니다. 딜레이에 관한 마지막 이야기로 딜레이로 상하의 음상을 컨트롤하는 것입니다. 이것은 단순합니다. 소스가 모노든 스테레오든 저는 모노딜레이를 사용합니다만.. 솔로의 음색이 마음에 들고 다른 소스들과 겹치지 않게 하기 위해서 톤밸런스를 맞추어 놓은 상태에서 약간 음상을 위로 보내거나. 아래로 내리고 싶을 때까 분명히 있습니다. 이럴때는 딜레이를 사용해서(이 경우 뎁스는 최소로 해둡니다.) 원음에서 음상을 조금 올리고 싶다면 딜레이의 음을 밝게. 음상을 내리고 싶다면 딜레이의 음을 어둡게 만드는 것입니다. 딜레이의 음색을 조정하는것은 모든 딜레이의 파라미터에 포함되어 있을 만큼 중요한 부분으로. 위에서 이야기한 스트링스나 패드계열에 스테레오 딜레이를 사용하는 경우. 영자는 딜레이 음에서 2K 이상은 모두 커트해버립니다. 이러는 편이 공간감이 더 생기기 때문입니다. 이렇게 딜레이의 미묘한 변화들은 글로써 표현하는 것보다는 여러분들께서 직접 시도를 해보시면서 몸으로 기억해주기를 바랍니다.

사실 아래의 밸런스와 패닝에 관한 이야기에서도 더욱 더 하고 싶은 이야기는 많았는데. 그냥 글을 쓰다보니 오디오가이 가족분들이시라면. 그냥 느끼실것이다라고 생각되어. 정작 하고 싶은 이야기를 많이 줄이게 되었네요. 이번에는 믹스에서의 이퀄라이저와 컴프레서의 역할에 대해서 이야기 해보고자 합니다. 영자는 믹스를 시작할때. 우선은 먼저 소스를 들어봅니다. 그리고 주파수적으로 특별히 문제가 있는 경우 "예를들어 불필요한 공진음이나 피크음이 있거나 최종적인 소리와는 전혀 다른 방향의 음색으로 되어 있는경우" 가 아닌 이상. 이퀄라이저보다는 컴프레서를 먼저 사용하는 편입니다. 거의 모든 소스에 컴프레서를 사용하는편이며. 거기에 드럼그룹. 코러스 그룹, 브라스섹션 그룹등에도 스테레오 컴프레서를. 그리고 반드시 토탈믹스에도 컴프레서를 사용합니다. 이만큼 컴프레션 사운드라고 불리울 수 있을것인데. 우선 유의할점은 개개의 소스들의 컴프레서를 사용할때 목적하는 바가 확실해야 한다는것입니다. 이 소스를 듣고 좀더 배경이 깨끗한 소리로 만들거나. 더 다이나믹하게. 아니면 최종믹스에서 소리는 잘 들리면서도 음량은 작게만들기 위해서. 혹은 이퀄라이저처럼 적극적으로 소리를 변화시키는 도구입니다만. 여기서 이야기 하는것은 믹싱에서의 컴프레서 테크닉이기 때문에. 단지 컴프레서를 사용해서 음색을 변화시키는것 외에. 컴프레서로 인한 공간감의 컨트롤에 대해서 강조하고 싶습니다. 최근의 미디음원을 녹음할때. 저는 반드시 음원의 내장 이펙터를 모두 사용하는편인데. 이편이 훨씬더 자연스럽기 때문입니다. 이렇게 녹음되어있는 음에 이펙터가 들어있는 경우는. 컴프레서로 원음의 레벨은 줄이고 이펙터음이 많이 올라오게도 만들 수 있습니다. 이러한 과격한 효과는 아무래도 컴프레서보다는 리미터가 더 더울리기는 하겠지요. 이러한 각각의 소스들의 변화로 인해서 공간감을 변화 시킬 수 있는데. 중요한것은 컴프레서가 "음원의 엔벨로프 특성을 바꾸어 주는 기기"라는 것을 잊어서는 않된다는 것입니다. 스테레오에서의 음상정위에 대해서 공부를 해보신 분들은 이미 알고 계시겠지만. 인간은 어택이 강하고 퍼커시브한 소스들일 수록. 소리를 가깝게 듣고. 어택이 느린 소스들의 경우는 음량이 크더라도 소리를 멀게 듣기 때문입니다. 물론 소리를 가깝게. 그리고 멀게 듣는것은 그 어떤것보다도 원음과 반사음의 레벨이 가장 밀접한 관계를 가지고 있습니다만. 여기서는 컴프레서로 인한 공간감의 변화가 우선적인 테마이기 때문에. 레벨(밸런스)에 의한 공간감의 컨트롤은 아래의 글에서 여러분들이 충분히 숙지하고 있다고 생각을 하고 다음 이야기로 넘어가겠습니다. 이러한 음원의 엔벨로프 특성에 따른 사람이 인지하는 공간감의 변화는. 바로 컴프레서로 조정할 수 가 있는것입니다. 보컬은 음량을 유지하면서도 보다 앞으로 끌어내고 싶을 때 가장 흔하게 사용하는것이 바로 컴프레서이지요. 그리고 베이스기타 역시 음량을 올리지 않으면서도 믹스안에서 옹골차게 들리게 하는것. 드럼의 앰비언스 사운드에 어택이 짧은 컴프레서를 하드하게 걸어서 두 스피커 안에서 자연스러운 공간감을 만드는 기술등은. 외국에서는 아주 흔하게 사용하고 있는 방법입니다. 몇년전에 미국에서 녹음해온 소스들은 프로툴에서 열어보고 놀란적이 있었는데. 드럼에서 모노앰비언스를 녹음해서. 이것에 아주 하드컴프레서를 걸어. 드럼에 아주 독특한 앰비언스를 주고 있더군요. 인위적인 리버브 없이도. 충분히 넓은 깊이감을 만들어 내고 있었습니다. 외국의 힙합이나 R&B 음악을 들어보면. 음원의 펀치감이 아주 강하고 소스들이 모두 살아있는 듯 깨끗한것을 들어볼 수 있습니다. 이러한 것에 있어서도 가장 중요한것은 역시 컴프레서의 사용일것입니다. 영자는 여기서 컴프레서의 드레숄드를 어떻게 하고 어택과 릴리즈타임을 어떻게 해서 컴프레서를 사용하는것이라..라는 상투적인 예제를 들기보다는. (이러한 것들은 여러분들께서 충분히 혼자서도 시험해볼 수 있는것입니다.) 컴프레서로 만들 수 있는 최종적인 효과에 대해서. 너무 우리들이 단순한 레벨콘트롤정도로 안일하게 생각하고 있는것이 아닌가 합니다. 이렇게 컴프레서 사용에 관해 외국 엔지니어들과의 차이점을 직접적으로 느낀것은. 수년전 TC 파이널라이저의 등장때문이었습니다. 이기기의 초창기버젼부터 우연히 사용해보고. 그 안에 있는 프리셋들로 인한 음색변화에 정말 많은 충격을 받았습니다. 컴프레서로 이렇게 까지 소리가 많이 변할줄은 미처 상상하지 못했었기 때문이지요. 물론 믹스에서 토탈컴프레서의 사용에 따라서. 흔히 말하는 앨범사운드. 밸런스가 정돈되고. 훨씬 더 안정적이면서도 더욱 펀치감 있는 소리를 만들어 내는것은 정도원 기사님의 믹스를 보면서 알고 있었던 것이지만. 이러한 과격한 컴프레서 사용으로 인한 예상치 못한 음색과 공간감의 변화는 그때당시는 정말 도전이 되는 일이었습니다.(최근 교회를 열심히 다니다 보니 이러한 단어들도 사용하게 되는군요^^) 최근 믹스를 할때도 가장 많은 신경을 쓰는 부분이 우선 컴프레서로 볼 수 있을것입니다. 컴프레서의 파라미터는 한번에 완성해서 조정하지 않고. 밸런스와 이펙터 처리까지 모두 해 놓은 다음에도 최종 믹스를 들으면서 각각의 컴프레서 파라미터들은 조정하며. 이것은 페이더로 조정할것인가. 아니면 음량을 내리고 싶은것을 컴프레서의 어택을 빠르게 하고 드례솔드를 내리는것으로 할것인지. 혹은 이퀄라이저로 중고역을 커트해서 멀고 작게 들리게 만들것인지 결정을 합니다. 이렇게 하는 편이 리버브를 많이 사용해서 사운드를 지저분하게 만들 지 않으면서도 믹스안에서 공간감을 만들어 낼 수 있는 가장 빠른 방법이라는것을 깨달았기 때문입니다. 최근에 영자가 관심을 가지고 있는 분야는 역시 멀티밴드 컴프레서입니다. 과거에 BSS DPR901이라는 다이나믹 이퀄라이저라는 이름의 기기에서 처음으로 경험했던 멀티밴드 컴프레서는 파이널라이저의 성공에 자극을 받은 탓인지. 최근에는 튜브텍같은 하드웨어 기기에서도 만들어 내고 있고. 플러그 인에서도 아주 적극적으로 나오고 있습니다. 각각의 주파수를 설정해서 컴프레서를 사용할 수 있는 멀티밴드 컴프레서는 앞으로 믹싱은 물론 레코딩 엔지니어에게도 있어서 정말 중요한 툴이 될것이라고 생각합니다. 그 효과는 사용하는 것에 따라 전혀 상상할 수 없는 소리를 들려주기도 합니다. 하지만 영자도 아직은 멀티밴드 컴프레서의 경우는 프리셋에 많이 의존하는 편인데. 보통 컴프레서처럼 손에 익지 않은 상태인지 아직은 정확하게 멀티밴드 컴프레서를 파악하고 있다고 여러분들에게 말씀드리기는 힘들듯 합니다.(멀티밴드 컴프레서에 관한 내용을 앞으로 레코딩 포럼이나 마스터링 포럼에서 여러분들과 많이 나누어 보고 싶습니다.) 멀티밴드 컴프레서가 특히 효과를 보는것은 드럼의 그룹이나 토탈컴프레서일것입니다. 음악의 펀치감면에서는 이만한 툴이 없으며. 청감상 음량을 크고 풍성하게 들려주는데에도 아주 커다란 역할을 합니다. 멀티밴드 컴프레서에 대한 이야기는 나중에 기회가 되면 더욱 자세히 이야기 해보기로 하고 다시 컴프레서 이야기로 돌아가서. 이번에는 실제적인 사용법에 대해서 조금 이야기 해보겠습니다. 우선 컴프레서가 가장 적극적으로 사용되는곳은 역시 드럼. 특히 드럼 그룹에 컴프레서를 사용해보는것을 것은 여러분들에게 꼭 추천하고 싶습니다. 각각의 소스들에 사용하는 느낌과는 또 다른. 전체적인 드럼 사운드를 한결 강하게 만들 수가 있습니다. 모든 컴프레서들마다 같은 파라미터에서도 동작 특성이 다르기 때문에 무엇이라고 명확한 컴프레서의 해답을 제시하기는 참으로 어렵습니다만. 오디오가이 가족분들께서 이글을 읽고. 컴프레서에 대한 생각을 단순한 큰소리는 작게..작은 소리는 크게..라는 선입관에서 벗어나. 적극적인 음색변화의 용도. 그리고 믹스에서의 공간감의 콘트롤의 용도(소리를 앞으로 끄집어 내고. 뒤로 보내는것.)로 사용하는것을 시도해보신다면 영자는 만족합니다. 마지막으로 그룹이나 토탈에 컴프레서를 사용할때 가장 주의해야할점은. 그룹이나 토탈에 컴프레서를 사용할 경우 펀치감을 올라가지만 컴프레서의 특징으로 인해서 좌우의 스테레오 이미지가 좁아지고. 깊이감 역시 사라지는 것을 종종 경험할 수 있습니다. 스테레오 컴프레서를 사용하실때는 이점에 가장 유의하며 사용하기 바랍니다. 원래는 이퀄라이저에 대한 이야기도 같이 하려고 했었는데, 다음으로 미뤄야 겠군요.

믹스에 있어서 가장 기본이 되는것은 무엇보다도 "밸런스"로 볼 수 있을것입니다. 처음 믹스를 할때는 단순히 밸런스를 내가 듣기 좋게 만드는것으로만 단순히 생각하여 중요한것을 간과해 넘어가는 일이 있습니다. 우선 밸런스로 인한 감성적인 측면에서는. 각 악기들이 살아움직이는 것 처럼 만들 수 있는것을 들 수 있을것입니다. 보다 음악적인 느낌을 배가하는것이지요. 예를들어 이글스의 GET OVER IT 같은 경우는 기타 솔로가 끝나고 나오는 반주부분의 전체볼륨을 아주 조금 올려놓았습니다. 이로인해서 기타솔로 이후에 음악에 대한 집중력과 카타르시스를 더욱 크게 만들어 놓았지요. 특히 락계열의 음악에서는 이러한 움직이는. 살아숨쉬는 밸런스가 대단히 중요합니다. 무조건 믹싱은 음색부터가 아닌. 밸런스 부터라는 것. 또다른 밸런스로 인한 음향적인 측면으로는 우선 밸런스로 인해서 공간감을 컨트롤 할 수 있습니다. 좀전에 밥클리어마운틴과 탐로드엘지가 믹스한 식스펜스논더리치의 앨범을 들으면서 생각한것인데. 얼핏들으면 보컬의 밸런스가 크고 스네어가 너무 작게 들립니다만.. 이것은 이 두사람의 뛰어난 믹스엔지니어가 의도한것으로 볼 수 있을것입니다. 음량를 올림으로 인해서 소리를 더 가깝게 들리게 하고. 보컬과 같이 가운데 정위하는 스네어의 경우는 음량을 조금 내려서 보컬의 한걸음 뒤에서 들리게 하였습니다. 어떤 엔지니어들은 이러한 이야기들을 합니다. "외국유명엔지니어들 중에는 밸런스도 제대로 못잡는 사람들도 많다." 하지만 이 엔지니어는 외국유명엔지니어들은 밸런스로 인해서 공간감을 컨트롤 하고 있다는것을 전혀 이해하지 못하고 이러한 이야기를 한것일것입니다. 흔히 너무 점잖게 음악의 매력이 전혀 살아있지 않게 믹스되어있는 음악들을 들어보면. 오히려 밸런스가 너무 잘 잡혀 있는 경우가 많습니다. 조금전에 이야기 한 밸런스로 인한 감성적인 측면들이 전혀 고려되지 않고. 단지 음향적으로만 밸런스를 만들어 놓은 믹스에서는 아무런 음악적 감흥도 느낄 수 없을것입니다. 그 수많은 엔지니어들이 보컬녹음에 있어서 컴프레서의 사용보다. 게인라이딩을 그렇게나 지지하고 있는것 역시. 컴프레서를 사용한 효과나 게인라이딩을 사용한 것이나 음향적인 결과는 같지만 . 하지만 음악적인 결과에서는 정말 많은 차이를 들려주게 되는것이기 때문입니다 . 믹스를 하면서 밸런스를 잡아놓고. 그대로 악기들을 내버려 두지 말고. 음악을 이해한 후. 가수 혹은 연주자의 느낌속에 함께 투영되어 페이더를 만져보시기 바랍니다. 보컬의 밸런스를 잡고 게인라이딩을 할때는 마치 내가 노래를 부르고 있는것 처럼.. 피아노의 밸런스에서는 내가 연주하고 있는것처럼. 음악안에 다이나믹스가 얼마나 사람에게 감동을 줄 수 있는지. 그 중요성을 실감하며 깨달 을 수 있을것입니다. 다음으로 밸런스와 함께 패닝을 들 수 있을것입니다. 패닝에 관한 정답은 지금까지와는 다르게. 하지만 더욱더 음악적이고 음향적으로..라는것입니다. 현대 대부분의 음악들의 패닝은 너무도 상투적으로 되어있고. 믹스를 시작하는 사람들역시 당연스레 그렇게 같은 패닝으로 하는 경우가 많습니다. 하지만 영자는 여러분들에게. 지금까지 여러분들이 들은 패닝과는 조금 다른 시각에서의 패닝을 권합니다. 특히 패닝역시 모든 악기가 음악안에서 그 자리에만 머물러 있다면 아주 연주가 좋지 않은이상 별로 재미가 없습니다. 밸런스와 함께 패닝은 음악적인 느낌에 가장 큰 영향을 주는것이기 때문에. 자신만의 패닝방법을 개발해 낼 수 있기를 바랍니다. 식스펜스논더리치에서의 밥클리어마운틴은. 어떠한 곡에서 드럼을 모노로 믹스하여 왼쪽으로 배치한후. 여기에 논리니어 리버브가 wet하게 걸린 딜레이 드럼을 오른쪽에 배치해서 좀더 묘한 느낌을 주고 있습니다. 드럼은 무조건 가운데에서만..이라는 선입견은 버리고 자신이 믹스하고 있는 음악에 가장 잘 어울리는 음악적인 패닝을 시도해보시기 바랍니다.

CD를 대체할 차세대 미디어로써 가장 현실적인 대안을 내놓고 있느 SACD에 대해서 이야기 해볼까 합니다. 우선 SACD의 기준 포맷이 된 DSD방식에은. DSD는(Direct Stream Digital) 기술의 약자로 소니가 그 이름을 지었습니다. 광대역의 소리를 다이렉트 [0]이나 [1]의 1비트 디지털 데이터로 변환하는 양자화 방법입니다. 약간 이미지적으로 말하면 DSD는 음의 파형을 펄스의 밀로로 표현하는 매우 시각적이고 아날로그적인 디지털 변환 시스템으로 볼 수 있을것입니다. 아래에서 이야기 한바와 같이 일반적인 리니어 PCM방식은 시간축의 음량 레벨을 샘플링하고 있습니다. 이를테면 192khz라면 1초를 19만2천회로 샘플링하고 24비트라면 1샘플의 음량 레벨을 24자리의 2진법으로 나타내는것입니다. 즉 데이터의 스트림은 24자리의 [0]이나 [1]을 1샘플로 하여 연속하는것이지요. 그런데 DSD는 이와 다릅니다. DSD는 기본적으로 1비트 양자화임으로 파형은 [0]이나 [1]의 고속 스트림으로서 샘플되지 않고 연속하는것입니다. 개념으로서 리니어 PCM의 제로 레벨은 [00000...]으로 표시되지만 DSD의 제로레벨은 [0010101...]이라는 [0]과 [1]이 번갈아 늘어서는 결과가 되는 것입니다. *델타시그마 변조 음의 파형을 단순히 1비트 양자화 한다고 가정해보면 1비트는 [0]이나 [1]이라는 1자리의 2진법입니다. 입력 신호를 어떤 기준 레벨로 샘플하여 [0]이나 [1]의 값으로 바꾸어 놓은 셈인데, 이를테면 정현파를 1비트 양자화한 경우에는 [0]이나 [1]이라는 2중의 모난 사각파로밖에 파형을 표현할 수 없기 때문에 실제의 파형이미지와는 전혀 달라지게 됩니다. 즉 양자화 노이즈에 대한 왜곡이 출력에 더해지는 것입니다. 그러나 1비트 양자화라도 델타시그마 변조를 걸면 음질이 비약적으로 개선됩니다. 위에서와 같은 정현파의 양자화로 델타시그마 변조한 경우를 생각해 봅시다. 음의 파형은 딜레이 회로에서 1샘플만큼 뒤쳐진 1비트 샘플 뺄셈(미분/델타) 하고 다음에 결과가 누적(적분/시그마)되어 1비트 양자화 되는것입니다. 딜레이 회로는 연속하는 피드백 회로로 볼 수 있습니다. 이 델타시그마 변환으로 무엇이 얻어지는가 하면, 그것은 양자화 노이즈의 고역 쉬프트에 의한 가청대역 해상도의 개선입니다. 양자화 노이즈의 총량 자체는 단순한 1비트 양자화와 같은 것이지만 시그마=적분기가 로우패스 필터의 역함을 하여 양자화 노이즈에 고역레벨이 집중하는 주파수 특성을 주는 것입니다. 이처럼 "노이즈 쉐이핑"을 함으로써 가청대역을 대폭 초월한 대역으로 양자화 노이즈를 밀어낼 수 가 있습니다. 여기서 쉐이핑의 커브는 적분기의 차수에 따라 변화합니다. 그 차수를 올림으로써 양자화 노이즈의 상승 커브는 가청대역위로 가는것입니다. *Decimation Digital Filter 이것은 직역해보면 "솎아내는 필터"가 됩니다. 최근의 고성을 AD컨버터는 DCS 사 처럼 하이 샘플링의 1비트 타입을 쉽게 볼 수 있습니다. 거기서 얻은 정보량을 CD에 담을 경우 데시메이션 필터로 데이터를 솎아내어 16비트/44.1khz의 CD포맷으로 하는것입니다. 한편 CD플에이어는 이번에는 반대로 디지털 필터로 8배 오버샘플링등의 처리를 한 정보를 DA컨버터로 보냅니다. 솎아낸 정보를 보간하여도 정보량은 늘지 않지만 양자화노이즈를 가청대역 밖으로 밀어낼 수 가 있는것입니다. 그러나 SACD는 약2.8mhz라는 CD의 64배나 되는 하이샘플링으로 1비트 데이터를 수록할 수 있습니다. 즉. 데시메이션 필터는 필요가 없게 되는것입니다. 물론 재생시에도 바로 DSD방식의 DA변환할 수 있습니다. *Single Layer/Dual Layer/Hybrid SACD에서는 3종류의 디스크를 만들 수 있습니다. 싱글레이어는 SACD를 위한 고밀도 기록층(HD레이어)만을 가지는 단면1층의 디스크(데이터 용량은 4.7기가 바이트)이고 듀얼레이어는 고밀도 기록층을 포갠 단면 2층의 디스크(8.5기가 바이트)입니다. 위의 두가지 디스크는 기본적으로 DVD디스크와 같은 제조 공정으로 만들 수가 있으므로 제조비용면에서 장점이 있습니다. 하이브리드 디스크는 SACD의 고밀도 기록층(4.7기가 바이트)과 종래의 콤팩트 디스크 기록층(780메가 바이트=0.78기가 바이트)를 같이 사용하는 구조로 일반 CD플레이어에서도 재생할 수 있는 호환성을 가지고 있습니다. SACD는 DVD와 같은 파장 650나노미터의 레이저를 이용하는데. 하이브리드 디스크는 고밀도 기록층의 반사막이 CD의 파장 780나노미터의 레이저를 통과시키는, 반투과라는 성질을 갖추고 있습니다. *Watermark 직역하면 [내비치는 무늬'라는 의리로 고음질 디지털 미디어에는 불법 카피에 대한 저적권 보호 시스템이 도입이 요구되고 있습니다. SACD에서 보이는 워터마크와 보이지 않은 워터마크를 디스크에 기록함으로써 불법복사판에 대한 대책을 마련했습니다. 그것들의 신호는 복제가 불가능하며. 현재 시판되고 있는 SACD플레이어는 워터마크가 없는 디스크는 재생하지 않도록 프로그램되어 있습니다. *PSP(Pit Signal Processing) 피트 시그널 프로세싱은 비트신호 처리라는 의미로 디스크의 피트형성에 있어서 피트폭을 변화시킴으로(길이를 변화시키면 정보가 망가진다.) 보아는 워터마크를 형성한다는 고도의 기술입니다. PSP 처리를 응용하면 디스크의 신호면에 희미하게 로고나 일러스트가 홀로그램처럼 떠오르는것입니다. * SACD의 현실적인 주파수 특성 한계 SACD가 채용한 DSD는 샘플링 주파수를 2.8224mhz라는 높은 수치로 설정하였습니다. 그 수치를 토대로 하면 주파수 한계는 이론치로서 약 1.4mhz가 되겠지요. 단 실제로는 양자화 노이즈의 분포가 영향을 미치기 때문에 SACD에서는 자주적으로 100khz정도까지 대역을 제한하고 있습니다. *SACD의 최대 기록 시간 실글 레이어의 2채널(스테레오) 비압축 SACD 디스크가 기록할 수 있는 최장시간은 109분입니다. CD는 여러분도 잘 아시고 있다싶히 카라얀이 정한대로 74분정도이고 최근에는 80분정도로 늘어난 CD도 있습니다. *SACD의 최대 수록곡수 SACD는 최대 255곡까지 수록할 수 있습니다. CD의 경우는 최대 99곡 까지로 한정되어 있습니다. SACD와 CD는 모두 곡수의 관리에 1바이트(8비트)를 충당하고 있습니다. 8비트는 10진법으로 최대256. 거기에서 제로를 빼면 최대 255라는 수치를 얻게 됩니다. 한편 CD는 같은 1바이트를 2진화 10진 부호(BCD= 바이날리 코디드 데시멀)로 관리하고 있으므로, 제로를 뺀 최대 99가 곡수관리의 최대치가 되는것입니다.