칼럼에 마지막으로 글을 쓴것이 한달밖에 되지 않았는데 저에게는 왠지모르게 한 석달은 글을 쓰지 못한것 같은 느낌이 드네요. 이 한달동안 정말 무수히 많은 여러가지 녹음들과 믹싱. 마스터링을 하며 많은 생각들을 하며 지내고 있답니다. 이 생각들의 대부분은 불과 작년까지만 해도 그래도 들을만하게 괜찮게 되었다.. 라고 생각이 들었던 제가 작업했던 음반을들을 들으며.. 정말 부끄러운 생각들을 금치못하는 시간들이 많이 있었어요 소리라는 것이 정말 생각보다 시간이 많이 걸리는 것 같아요. 너무 열심히 잘 하려고 좋은 결과만을 바라 보고 하면 오히려 결과가 좋지 않게 되는때도 많은 것 같습니다. 늘 집중을 하면서 해도 마음처럼 결과물들이 나오지 않을때도 많고요. 저는 요즘에 정말 많은 생각들을 하고 있어요 바로 아래아래 있는 칼럼의 제목처럼 "처음부터 다시 시작하는 녹음" 을 변함없이 하고 있답니다. 왜 최고의 기기들을 사용해서(심지어는 케이블 하나하나에 까지.) 좋은 환경에서 녹음을 하는데. 조금 시간이 지나고 들어보면 왜이리도 부족한것이 많게 느껴질까.. 녹음하고 믹싱하고 마스터링 하는 그 순간에는 왜 이러한것들을 느낄 수 없었을까.. 하는 생각들을 말이지요. 최근에는 정말이지 클래식 음악을 녹음을 할때 최소한의 마이크들만 사용하려고 하고 있어요. 지금까지 수십장을 녹음하고 믹싱했지만 마음에 드는것은 한두장정도뿐인 합창음악 녹음에 있어서도. 거의 메인 2개의 마이크. 그리고 피아노에 스팟마이크는 1개만 사용해서. 3개정도로 녹음을 하고 있지요. 전에는 그랬어요.. 우선 메인 마이크를 설치하고. 그 소리가 마음에 들지 않거나 부족한 부분이 있으면 추가 마이크를 설치해서 그것을 보충하고. 그래도 아쉬운 부분이 생기면 그곳에 마이크를 더하고..더하고.. 더하고.. 이렇게 녹음들을 해왔지요. 하지만 결과는 늘 좋지 않았어요. 부자연스러운 소리만을 남겨두었지요. 저는 클래식 녹음을 많이 하고 있는데. 최근에는 스스로의 한계를 많이 느끼기도 해요. 아무래도 내가 소리에 대해서 바라보는 관점이 클래식 음악녹음에서 시작이 된것이 아닌. 스튜디오 녹음에서 시작이 된 탓인지. 클래식에서의 그 자연스러운느낌이 없다고나 해야할까.. 소리가 하나로 앙상블이 되는 느낌이 없이 내가 작업한 클래식 음악들을 보면 늘 악기들이 융합되지 못하고 서로 다투는 느낌이 들때가 많이 있어요. 위에 잠시 녹음의 마이크 수에 관해서 이야기를 했지요. 그렇게 메인에서 부족한 부분에. 마이크를 더 추가하는것보다. 이제는 메인 마이크의 위치를 어떻게 아쉬운 부분이 없이 좋은 곳에 설치할 수 있을까..에 많은 고민을 하고 있답니다. 왜 이렇게나 단순한 생각을 10년이 넘도록 하지 못했는지 모르겠어요. 아마도 그동안 주변의많은 친구와 스승님들이 분명히 이러한 이야기를 나에게 직접 적으로 해주었거나 혹은 힌트를 주었지만. 내가 미처 인지를 하지 못했을 수도 있었겠지요. 늘 오디오가이 칼럼에 글과 사진을 올리면서 이야기를 하지요. 이제는 무엇인가 길을 본것같다. 좋은 방법을 찾아낸것 같다. 이렇게 하는 것이 좋다. 하지만 어찌보면 전부다 과정중에 하나일런지도 모르겠어요. 최근에는 이렇게 적은 수의 마이크로 사용을 해서 녹음을 하고 있는데. 음질은 몰라도 음악은 참 자연스럽고 마음에 드네요. 메인 마이크로만 최소로 녹음을 하니. 더욱 더 좋은 최고의 마이크를 찾아서 녹음을 해야겠다..라는 생각에 이런저런 새로운 마이크들을 찾아보게 되었어요 지금도 정말 넘칠만큼 좋은 마이크들을 많이 가지고 있는데도 말이지요. 하지만 메인 마이크의 세팅들을 바꾸어보니. 단 몇 CM정도의 세팅이 바뀌는 것만으로. 마이크를 바꾼것과 같은. 아니 그보다도 더 큰 소리의 변화가 있네요. 녹음이라는 것은 아주 작지만 그것이 가장 중요한것임을 때때로 잊어버리게 되는것이 많은 것 같아요. 음향에 관한 책을 본지가 참으로 오래되었습니다. 최근에 새로나오는 책을 보며 감수를 하느라 다시 보게되었는데. 역시나 책은 참 재미있고 많은것을 알려주는 것 같습니다. 때떄로 어떤사람들은 책에 있는것을 모두 알고 있는것인것처럼. "특별한 내용이 없다"라고 말을 하는 분들도 있는데. 5년 그리고 10년이 지나서 다시한번 음향에 관한 책들을 읽어보게 되면 분명 그때는 내가 아무것도 모르고 그러한 이야기를 했구나..라고 생각하게 되지 않을까 합니다. 책이라는 것은 보면 볼 수 록 그리고 내가 경험과 결과물에 대한 완성도가 조금 더 높아가면 높아갈수록 책에서 그동안 보거나 발견하지 못했던 많은 것들을 다시 얻을 수 있는 정말 좋은 "스승"입니다. 물론 이곳 오디오가이 사이트에서 여러분들께서 의견을 주시는것도 마찬가지로 좋은 "스승"이자 친구이지요. 오늘은 중요한 녹음이 있는 날이었는데. 함께하고 있는 식구들에게 부탁을하고 저는 집에서 쉬었답니다. 매년 광주에서하는 정율성국제음악제의녹음을 담당하고 있는데. 오늘은 공연의 마지막으로 피아니스트 백혜선씨의 공연이 있는 날이었어요. 사실 그동안 클래식 피아노 솔로 녹음한것중에 마음에 드는 음악도 없고. 이번에는 좋아하는 피아노와 공연장. 게다가 좋은 아티스트. 좋은 결과물을 만들고 싶은 욕심은 들었지만. 광주에 있는 오디오가이 레코드에서 함께 하고 있는 식구들이 분명 좋은 결과물을 들고 와줄것같다는 믿음을 지니고 저는 생일이라는. 그리고 아내가 만삭이라 오늘내일 한다는 핑계로 충분히 쉬었습니다. 전 쉬는 날은 거의 한결같이 만화책을 보는데. 문득 생각이 들어서 이렇게 컴퓨터 앞에 하얀 바탕화면에 검은색 가느다란 글자들을 채워가게 되었답니다. 바로 스승과 제자. 그리고 친구. 음향을 하다보면. 그리고 우리가 살아가고 있다보면 참 많은 사람들을 만나게 되는 것 같습니다. 저의경우는 아주 이른나이에 음향에 대한 강의나 수업등을 하게 되었어요. 무엇인가 나도 공부하는것이 좋지만 함께 음향에 대해 이야기를 하는것이 참 좋고 스스로도 기뻤거든요. 하지만 최근에는 음향에 관해서 다른 사람에게 이야기를 하거나 그러한 것은 점점 줄어들게 되는 것 같습니다. 심지어 함께일을 하고 있는 송지씨에게도 녹음이나 믹싱에 관해 이런저런 이야기를 많이 하지 않고 있는 편이에요. 이것은 "내가 알고 있는 지식은 나만의 노하우이기 때문에 다른 사람에게 가르쳐주지 않겠다" 라는 것은 아니고요. 아마도 이곳 오디오가이에 있는 분들가운데 이러한 생각을 지니고 있는 사람은 거의 없을것이라 생각합니다. 처음 멋모르고 음악과 소리에 대해서 이렇쿵 저렇쿵 신나게 이야기를 할떄와는 다르게. 지금은 어찌보면 할 수 있는 이야기가 갈수록 적어지는 같아요. 아마도 이것은 아직도 나 스스로의 소리에 대한 정립과 정리를 하지 못했기 때문에 확실하게 말을 할 수 없는것이겠만요. 누군가 사람들이 물어요. "녹음하는 방법좀 가르쳐주세요" "이 악기는 어떻게 녹음해야 하나요?" 이러한 단순한 질문을 받으면 저는 곧 머리가 폭팔할만큼 복잡해지며 여러가지 생각들이 듭니다. 어떠한 상황에서. 어떤곡들은. 어떤 연주자와? 어떠한기기로? 그리고 무엇보다도 어떤소리로?? 등등등. 단순한 질문일수록 어떨때는 더 당황하게 될때도 많은 것 같습니다. 사실 지금까지 제가 그나마 정리한 저의 녹음 방법이라면. "특별히 무엇을 어떻게. 라는 것이 규정되어있지 않다" 라는 것입니다. 잠시 이야기를 해보면 먼저 녹음하는 공간에 가서 음악을 듣습니다. 이떄는 너무 잘하려고나 실수할까봐 두렵거나 하는 긴장이 있어서는 절대 되지 않아요. 몸이 긴장되고 경직되면 절대로 소리가 잘 들리지 않거든요. 아주 릴렉스된 편안한 상태에서 녹음하는 장소의 좋은 위치에서 연주자가 연주하는 소리를 들어요 소리들이 공간을 꽉 채울때도. 그리고 공간위나 아래로 흩어져 날라갈때도 있지요. 이렇게 소리가 공간으로 사방으로 움직이는 것을 귀와 더불어 눈으로 봅니다. 그리고 소리가 지나는 길 그곳에 신뢰할만한 마이크를 두는것이지요. 누군가가 녹음하는 방법에 대해 질문을 하면 저는 이 이야기외에는 크게 할수 있는 부분이 없어요. 그렇기 때문에 소리에 대해서 누군가의 스승이 된다는 것은 참으로 어려운것 같습니다. 하지만 반대로. 어떤 스승을 만나는것인가가. 그 사람의 인생에 있어서 너무너무 큰 영향을 주는 것 같습니다. 조금 마음에서 꺼내기는 어려운 이야기중에 하나입니다만. 음향엔지니어라는 일은 스승과 제자. 라는것이 참 어려운 직업중에 하나인것 같습니다. 제자들은 스승에게 1-2년만 배워도 이제 어서 세상밖으로 나가 스승정도되는 사람들과 경쟁을 하고 싶어합니다. 사실은 그저 아무것도 그러한 복잡한 생각없이 그냥 음향에 관해 무엇인가를 하는것이 좋아서 그런것일런지도 모르겠습니다. 저도 그랬으니까요. 그리고 나서 시간이 지나면 제자는 나름대로의 자신의 길이 생깁니다. 그럼 이제는 스승은 과거의 사람이 되고. 제자의 머릿속에서는 스승이라는 단어보다는. 그저 같은 일을 하는 미묘한 사이의 경쟁자. 가 되기 쉽상이지요. 참많은 것을 경험했습니다. 스승은 본래 제자에 칼에 쓰러지는 것이다..라는 말이 있기는 합니다만 세상이 이렇게 살벌해서야 우리가 즐겁고 재미있고 행복하게 음악과 음향을 하는것이 어떠한 의미가 있을까요? 친구.와의 사이에서도 때론 이러한 일들이 생길때도 있습니다. 함께 많은 시간들을 음향에 관한 이야기들을 하며 친하게 보내지만. 때로는 결국 서로 경쟁자가 되어버리면 누군가를 말로써 깍아내리고 그 자리를 올라가려하는 사람들도 많이 있지요. 오디오가이에서 만큼은. 그리고 앞으로도 이곳을 통해서 서로 만나는 사람들에게서 만큼은 이러한 것들이 없이 지낼 수 있기를 바라기에는. 이미 오디오가이 사이트는 너무도 많은 사람들이 있는곳기 때문에 이것은 어려운것일까요? ... 글을 여기까지만 써두고 오랜시간 열어두지 않았네요. 글의 요지는 같은 음향일을 한다고 해서 너무 경쟁자로만 생각하지 말고. 오히려 서로 함께 발전해나갈 수 있는 방법을 모색해나갔으면 하는것입니다. 누군가가 만든 소리에 대해서 그냥 "그거 별로야~" 라고 쉽사리 그 사람이 많은 고민과 시간을 통해서 만든 결과물을 단 몇분정도 듣지도 않은상태에서 그렇게 평하기 보다는. 음향이 얼마나 마음처럼 잘 되지 않고 어려운것임을 알고 있는 우리 오디오가이에서 만난 사람들 사이에서만이라도. 서로 더 격려를 해주고. 함께 공부하고 또 생각을 나누고. 서로가 만든 소리들도 들어보며 솔직하고 편한 분위기에서 이야기를 나눌 수 있는 그러한 관계들이 앞으로 더욱 더 많아지면 좋겠습니다. ..

지난주에는 오디오가이의 새로운 재즈앨범 신작의 레코딩이 있었습니다. 색소포니스트 이정식. 그리고 그의 따님인 피아니스트 이발차. 이렇게 색소폰과 피아노 듀오의 녹음. 본래는 대학로에 있는 정미소라는 라이브극장에서의 공연실황을 녹음을 해서 발매를 하려 생각을 했었던것인데. 부득이하게 공연이 변경이 되면서 스튜디오에서 녹음을 하게 되었습니다. 그동안 오디오가이의 레이블에서 나온 앨범들 하나하나가 모두 제게는 자식처럼 소중한 앨범들이지만. 많은 분들에게 오디오가이 레이블 음반들은 음악이 너무 어렵다. 난해하다.. 라는 이야기를 늘 듣고 있는 터라. 이번에는 재즈를 조금이라도 좋아하거나 그렇지 않더라도 누구든지 들어본적이 있는 아주 유명한 재즈명곡들을 색소폰과 피아노의 듀오로 연주를 하는 프로젝트로. 지금까지 오디오가이 레이블 음반들중 가장 대중성이 있는 앨범이라고 생각합니다. 그렇기 때문에 녹음전부터 많은 생각들을 하였습니다. 이번음반은 어떻게 . 그리고 어떠한 사운드로 만들어볼까? 무엇인가 재미있고 독특한. 나만의 소리 같은것은 없을까? 색소포니스트 이정식 선생님과는 늘 함께 녹음작업을 하고 있는 터라. 연주자의 개성을 확실하게 파악을 하고 있고. 피아니스트역시 올초에 좀더 많은 구성으로 함께 녹음을 해본경험이 있어서.. 두 부녀 듀오의 사운드를 어떻게 하면 좀더 색깔있는 소리로 만들 수 있을까..하는 생각을 녹음전 10일부터 매일밤 잠들기전 뜬눈으로 천장을 바라보거나. 혹은 눈을 감으며 생각을 한결과!! 이번에는 과감하게 "모노" 사운드로 만들어보기로 결정을 하였습니다. 사실 이렇게 단촐한 구성의 듀오. 그것도 재즈를 듣는데 있어서 모노라고 해서 전혀 문제될것이 없다고 생각이 들었고요. 몇개월전 방배동에 있는 하이파이클럽이라는 하이파이 오디오 샵에서 정말 사운드가 기가막힌 재즈앨범들을 들었는데 그것이 바로 모노 음반이었습니다. 모노 에서는 무엇이랄까.. 스테레오와는 조금 다른 "파워감"이 있다고나 해야할까요? 그리고 무엇보다도 중요한것은 이번 듀오는 두 연주자가 많은 시간 리허설을 해보지 못한 관계였기 때문에 모노로 하는 편이 스테레오 소리를 쫙~ 펼쳐놓는것에 비해서 연주와 앙상블이 좀더 좋게 들리리라는 생각때문이었습니다. 과거의 연주자 정말 좋다고 생각하는 모노 명반들이 많은데. 이것은 어찌보면 이 같은 연주를 스테레오로 해놓고 들었으면 연주의 단점이 훨씬 더 많이 부각이 되었을런지도 모릅니다. 하지만 모노에서는 음량. 음색밸런스를 엔지니어가 잘 조정한다면 연주자들의 앙상블이 상당히 좋게. 최종적으로 연주가 더 좋게 들린다는 장점이 있다고 개인적으로 생각하고 있어요. 그리고 또 이번녹음. 이것은 작년정도부터 구상을 한것인데요. 늘 재즈나 클래식등의 여러 녹음 세션들을 합니다. 좋은 마이크와 프리앰프. 컨버터를 통해서 멀티채널로 녹음을 하고. 그것을 다시 스튜디오로 가지고 와서 세세한 편집을 하고 믹싱을 하고 또 마스터링을 합니다. 이것이 지금 우리의 보편적인 음반제작 방식이지요. 하지만 이번에 모노로 녹음하자라고 생각하기 이전부터. 내가 주로 하는 재즈나 클래식에서 이러한 멀티트랙 녹음이 과연 얼만큼의 의미가 있을까? 하는 생각이 들기 시작했습니다. 엄청난양의 마이크의 프리앰프. 컨버터. 케이블들을 설치하고 나서 몸의 기운이 쭉 빠지는 상태에서 헤드폰을 쓰고 녹음되고 있는 소리를 들어봅니다. 사실 이때는 소리가 좋은지..그렇지 않은지.. 제대로 구분조차 되지 않지요. 그리고 늘 5개이상의 프로젝트들을 동시에 진행을 하고 있다 보니. 사무실로 가지고와서 편집하고 믹싱하고 모니터 cd 만들고. 모니터 cd 집에서 들어본후 다시 편집과 믹싱 수정후 다시 모니터링. 아쉬운부분이 있으면 좀더 수정. 아니면 마스터링으로 OK. 여러 프로젝트들을 동시에 진행을 하면서 한개한개 마다 너무도 많은 후반작업 시간들이 들어가게 되는것 같습니다. 저의 개인적이 성향과도 관계가 있는 것이겠지만. 사실 전 믹싱과 마스터링보다 녹음을 훨씬 더 재미있어 하는 편입니다. 그렇기 때문에 믹싱. 마스터링때보다 녹음때 자연스레 훨씬 더 집중을 하게 되는데요. 이렇게 집중을 하고 있을때.. 아예. 믹싱까지 끝내버리면 어떨까? 라는 생각들을 작년부터 종종 하게되었습니다. 굳이 녹음때는 그냥 DAW의 녹음 미터와 간단한 음색과 밸런스 체크정도만 하고(저는 밸런스를 모두 잡아서 믹싱때 밸런스로 녹음하는 편입니다.) 나중에 스튜디오 가서 세밀하게 들어보면서 다시 작업을 하는것보다는. 우선 만족할만한 모니터링 환경을 만든후. 녹음할때 바로 2트랙 믹스까지 함께 하는것이 오히려 더 좋지 않을까 하는 생각을 하게된것이지요. 사실 과거의 무수한 음반들은 대부분 이렇게 만들어진것이니까요. 이번에는 트랙도 적은 듀오. 게다가 색소폰과 피아노에 각 마이크 1개씩. (이번에는 모노사운드라 피아노에도 스테레오가 아닌 한개의 마이크만 사용하였습니다.) 이렇게 현장에서 바로 믹싱까지 하였습니다. 먼저 녹음부터 색소폰 마이크에는 텔레푼켄 USA M16MK2와 피아노 마이크에는 MG UM930을 준비해갔습니다. 우선 피아노 사운드를 먼저 조정을 하였는데요(마이크의 위치) UM 930은 보컬녹음을 해보면 대단히 초고역이 밝은 마이크라. 이러한 밝음이 피아노사운드에도 도움이 되지 않을까 해서 피아노에는 처음시도를 해보았는데. 예상보다 소리가 너무 뭉뚱하게 나와서. 피아노 마이크를 MG M930을 바꾸었습니다. 이 마이크는 노이만 USM69과 더불어 그랜드 피아노 녹음에 스탠다드로 제가 애용하고 있는 모델이지요. 역시나 제가 딱 원하는 소리를 들려주더군요 이번 피아노 사운드의 컨셉은 맑고 깨끗하고 화려한 소리와는 정 반대의. 색소폰의 뒤에서 모노로 살짝들리는. 마치 재즈클럽에 있는 업라이트 피아노 같은 약간은 싸구려 느낌이 나는 소리를 머릿속으로 생각을 하고 있는터라. 기본적으로 늘 하는 피아노 세팅으로 해보니. 소리가 너무 클래시컬 하게 우아하게 들리는것이었습니다.^^ 녹음을 진행한 리즈뮤직 스튜디오의 이동하님도 피아노 소리는 좋은데 너무 클래시컬한것 같다고 하더군요. 그래서 여러 포인트를 찾아보던중. 이동하님이 피아노 현 가운데에 포인트를 가리키며. "정훈씨. 이곳에 한번 마이크를 대어보면 어떨까요? 제가 이전부터 꼭 한번 대어보고 싶었던곳이에요" 그가 가리키는 곳에 마이크를 대고 콘트롤룸에 와서 소리를 들어보니 바로 OK. 딱 제가 원하는 소리를 들려주더군요 피아노에는 유니버셜 LA-610MK2 채널스트립을 사용 이큐로 저역을 커트하고. 중역을 조금 강조하고. 컴프도 -3dB 리덕션정도 걸었습니다. 사진의 좌측 아래가 유니버셜 LA-610MK2 그리고 색소폰에는 트루시스템 P8 프리앰프에 유니버셜 2LA2 컴프레서를 사용했는데요. 2LA2는 리덕션 5dB이상으로 적당히 넉넉하게 컴프레서를 걸고 녹음을 하였습니다. 녹음시 바로 믹싱까지 하는것이기도 하지만 저는 본래 녹음시 제가 원하는 사운드의 많은부분을 만들어놓고 녹음을 하는 편입니다. 최단거리로 마이크와 프리앰프사이의 거리가 될 수 있도록 조금 번거롭기는 하지만 프리와 컴프레서들을 부스안에다 두어서 짧은 케이블들로 연결. (케이블은 카다스와 울트라링크. 전원선은 오디오가이 하모닉스 케이블과 로보케이블) 다음으로 색소폰 색소폰에는 본래 M16MK2를 사용하였는데 저음이 조금 얇게 들려와서. 혹시나 하고 MG UM930을 설치해보았더니.. 색소포니스트가 먼저.. "아 이마이크가 아까것보다 훨씬 더 좋네요. 이마이크는 무엇인가요? 내가 AKG C12 가지고 있는데 이것보다도 더 좋은 것 같아요" 라는 이야기를 하셨습니다.(사실 이야기는 제가 직접 들은것은 아니고 다음날 다른분들을 통해^^) 고음이 너무 많다고 생각했던 UM930이 의외로. 색소폰에서는 아주아주 풍성한 저음을 보여주더군요 색소폰 사운드는 역시나 연주자가 내고 있는 소리 자체가 좋고. 그리고 내가 원하는 소리에 대한 스윗포인트를 정확하게 알고 있는터라. 역시나 마음에 드는 소리로 나왔습니다. 약간의 높이. 그리고 벨과의 거리 몇cm에 따라서 사운드는 많이 바뀌게 되는데요. 저는 벨에서 약간 바깥쪽으로 떨어진곳에 마이크를 두는것을 좋아합니다. 색소폰을 녹음하면서 이런 생각이 들더군요.. "아..색소폰 처럼 피아노나 스트링 오케스트라등도 스윗포인트를 정확하게 알고 있으면 얼마나 좋을까?" 이렇게 부스에서 들어온 소리는 컨트롤룸의 SSL X-DESK의 라인믹서로 바로 연결이 됩니다. X-DESK에서 AUX로 렉시콘 PCM96에 홀리버브를 아주 살짝 덧댄후. 타스탐 DVRA1000HD로 바로 2트랙으로 녹음을 하였습니다.(샘플링레이트는 176.2Khz) 본래 유니버셜 2192 컨버터를 사용할 계획이었으나 세팅을 해보니 칼리브레이션 문제가 있어서 그냥 타스캄의 컨버터를 사용하였는데. 타스캄의 컨버터도 상당히 좋은것 같습니다. 사실 이번 녹음에 투입된 유니버셜 LA610MK2. 2L2. 2192 는 모두 오디오가이회원이신 샤아님의 장비로. 이번에는 유니버셜 오디오의 기기들을 많이 사용해서 독특한 질감을 만들어보고 싶어서 부탁을 했는데. 기기도 빌려주시고 녹음도 함께 도와주셔서 너무너무 큰힘이 되었습니다. 이자리를 빌어 샤아님께 감사의 말씀을(꾸벅^^) 여기서 SSL X-DESK에 대한 코멘트를 그냥 지나칠수는 없겠지요^^ 저도 신품 박스를 바라만보며..저것을 뜯어 말어.. 라고 몇일을 고민을 하다. 결국 오픈함. 오디오가이에서 공동구매를 많이 진행하다보니 공동구매로 들어온 제품들을 제가 사용해보고 싶어서 새것 뜯어서 중고만든것이 정말 무수히 많습니다.^^ 하지만 이는 "녹음현장에서 2트랙으로 바로 믹싱을 하자"라는 저의 계획에 스튜더 믹서와 함께 SSL X-DESK가 유력한 후보였기 때문에. 소리도 무척 궁금해서 사용해보았습니다. 음.. 소리의 느낌전에.. 우선 디서브 커넥터가 정말 많습니다.ㅜ.ㅜ 아마도 케이블링 비용이 아주 많이 발생할것 같습니다. 모든 기능 사용하려면 최소 기기의 3분지1의 비용은 케이블 비용으로 들어가게될것입니다. 전부 디서브로 되어있고요. 번호가 무척 헷갈리게 되어있고 메뉴얼에도 약간 애매하게 나와있어서. 녹음전날 밤 12시까지 샤아님과 함께 커넥터 이리저리 꼽아보며 겨우 세팅을 해놓을 수 있었습니다. 그런데 소리성향은 생각했던것과는 아주 많은 차이가 있더군요 전 우선 4000G같은 중저역의 다이나믹이 있는 펀치감이 있는 남성적인 소리가 아닐까 했는데 전혀 반대의. 초고역이 상당히 달콤할만큼 화려하고 중역은 조금 뒤로 들어가있고. 저역은 너무 많지도 적지도 않고 적당한편입니다. 오히려 데인저러스뮤직이나 SPL에 비해서 훨씬더 여성적인 소리로 느껴지더군요. 소리의 느낌이. 팝음악보다는 제가 작업하는 클래식에 사용하면 정말 좋겠다..라는 생각이 먼저 들었습니다.^^ 다른 서밍믹서들과는 다른 여러가지 기능중 아주 놀라운 소리를 들려주는 파트가 있는데요 AUX 의 소리가 기가막힙니다. 같은 렉시콘 PCM-96이라도 DAW에서 디지털로 인서트했을때와는 완전히 다른. 훨씬 더 세련되고 우아한 리버브 사운드로 변모합니다. SSL X-DESK를 사용하시는분들은 꼭 외장리버브를 한번 사용해보시기를 적극 추천합니다. 소리는 SSL G 시리즈보다는 오히려 J시리즈에 좀더 가깝다고 느꼈고요 J시리즈의 선명한 중역과는 달리 중역이 들어가있어서 선명하게 들리지는 않지만 전반적으로 소리가 아주 화사하고 이쁜 소리입니다. 데인저러스 2BUS LT 처럼 거친맛이 없이 깨끗하면서 초고역이 많이 나옵니다. 서밍믹서라는 것이 단순히 라인앰프의 조합일뿐인데도. 각 제조자사마다 믹스의 밸런스과 개성을 완전히 바꾸어줄정도로 소리차이가 많이 나기 때문에 어떠한 우열을 가리기 보다는 자신의 취향에 맞는 제품을 이쁘게 잘 사용하는것이 중요한것 같습니다. 마지막으로 모니터링시스템 이렇게 녹음하면서 바로 2트랙으로 만드는것에 있어서 가장 중요한것은 바로 정확한 밸런스를 들려주는 모니터링 시스템과 어쿠스틱 환경일것입니다. 이번에 녹음한 리즈뮤직 스튜디오는 작년에 오디오가이 레이블의 기타&타악기 듀오앨범을 녹음하며 이미 많은 소리를 들어본곳이고. 무엇보다도 제가 아주 좋아하는 B&W 805S 스피커가 있어서 제게는 아주 알기쉽고 친숙한 소리를 들려줍니다. 이렇게 첫날 녹음을 하고 다음날 또 녹음이 있었는데. 이날은 함께 일하는 남송지씨와 저 모두 오전 10시부터 늦은 밤까지 믹싱. 마스터링이 있어서. 2틀째의 녹음은 갑작스럽게 리즈뮤직 스튜디오님. 샤아님. 아트농쿠르님께서 전날의 세팅을 완벽재현해서 새오운 듀오녹음의 밸런스까지 모두 진행해주셨습니다. 녹음전에 갑작스레 제가 가지 못한다고 하니. 급 긴장해서 전화를 했던 리즈뮤직스튜디오 이동하님의 목소리가 생각이 나네요. 그러한 긴장과 더불어 꼼꼼함이 있는 사람들이었기 때문에 저도 세션을 부탁드리고 다른 작업에 집중을 할 수 있었습니다.^^ 이 앨범은 내년초에 오디오가이 레이블을 통해서 발매가 되고 또 녹음원본 24비트 176.2khz 파일을 음반에 서비스로 DVD로 함께 첨부할 계획이랍니다.^^

음악과 소리에 관한 생각이야.. 늘 많은 생각들을 지니면서 삶을 살아가고 있지만. 요즘들어서는 특히 더욱 더 많은 생각들을 하고 있습니다. 불과 몇년전(약 6년전??)까지만 해도 저는 믹싱을 저희 집의 거실에서. 맥북과 디지003랙을 두고. 집에 하이파이 오디오시스템을 두고. 함께 하는 아티스트들이 영자네 집 거실에 와서 믹싱된 소리를 듣거나 그곳에서 함께 믹싱을 하고 그랬었지요. 시간이 조금 흐른후. 현재 저의 시스템을 정말 말도못하게 다 바뀌었습니다. 그때그때 마다 "이 기기를 사용하면 조금더 소리가 좋아질거야.." "이러한 소리를 만들 수 있을거야.." 라는 생각에 엄청나게 많은 기기들을 사서 모으게 되었지요 지금도 기기들을 바라보면 마음 한편에는 뿌듯한 마음도 있지만(저의 전 재산이니까요.) 또는 신기합니다. 아.. 저 기기들은 언제다 이렇게나 많이 가지게 되었을까.. 최근에 기존에 작업하던곳도 유지한채 새롭게 전문적인 마스터링스튜디오를 만들었습니다. 나름대로 마음에 들게 완성을 해서 열심히 작업들을 하고 있지요. 추가로 생긴 새로운 환경에서 여러 음악들을 들어봅니다. 위에 집의 거실에서 작업을 했다는 이야기를 했지만 마찬가지로 광화문에 있는 용비어천가 오피스텔로 와서는 아수스의 센트리노 노트북과 몇가지 파이어와이어 인터페이스로 몇년동안 모든 녹음. 믹싱. 마스터링을 다 진행하였습니다. 이때 제가 작업한 음악들을 들어봅니다. 그리고 제가 최근에 작업하고 있는 음악. 또는 최근에 완성한 음악들을 들어봅니다.. 기기는 말도 할 수 없을만큼 너무너무 좋아진 상태입니다. 지금 사용하고 있는 기기들은 정말이지 여러가지 기기들을 테스트해보고 사용해보면서 남은 것들. 모두다 고가의 것들에 물론 성능이 아주아주 좋은 제품들 뿐 입니다.. 하지만 제가 만든 소리는 그렇지 못합니다. 이것이 참으로 너무도 신기합니다. 마이크의 수는 10개도 되지 않던것에서 50개도 넘게 되었고 믹싱 마스터링 시스템은 글로 다 표현하지 못할만큼 업그레이드가 되었습니다. 무엇보다도 게으르게 흥청망청 지내지 않고 늘 음악과 소리만을 생각하며 지내오고 있습니다. 또한 운좋게 좋은 아티스트들과 좋은 환경에서 더욱 더 많은 음반들을 작업하고 있습니다. 그런데 정말로 신기하게도. 많은 음반들의 소리가 이전에 4년전. 혹은 6년전에 작업을 했던 것 보다 못한 것이 부지기수로 많아집니다. (그만큼 많은 음반들을 작업하고 있는점도 있습니다만..) 저는 또 다시 고민에 빠집니다. 아... 거치기만 해도 소리가 좋아지는 기기들을 이렇게나 많이 가지고 있고. 케이블 금액만 해도 어마어마 하게 투자가 되었는데.. 왜 이전보다도 좋지 않은 소리의 음반들이 내손으로 태어나게 되는 것일까??? 물론 소리라는 것이 단순히 녹음하는 사람과 그 기기들만으로 결과가 나오는 것은 아닙니다만.. 최근에 마스터링 스튜디오를 만들면서.. AD컨버터에 대한 고민을 정말 오랜시간 하였습니다. 새로운 스튜디오도 많은 무리를 하고. 음행대출에 카드대출. 장기간 카드할부등으로 기기를 구입한터라. 새로운 AD 컨버터를 구입할 여력이 없음에도 불구하고.. 바이스. DCS. 라브리. EMMLAP등의 고가 디지털 컨버터를 구입하고 싶은 욕망에 사로잡혀 한동한 어쩌지도 못하고 있었지요. 최종 마스터에 이 AD 컨버터를 사용하면 정말 좋을텐데.. 지금 가지고 있는 마이텍이나 라브리나 아포지에 비해서 무엇인가 또다른 새로운 세계를 얻을 수 있을텐데.. 하는 생각들.. 하지만 현실은 그렇지 못했었지요.. 그러다가 번뜩 눈에 띄이는것이 하나 생겼습니다. 바로 아래의 피아노 앨범의 믹싱을 할때였는데요.. 그저 내가 가지고 있는 좋은 기기의 수준만 믿고. 오히려 이 기기들의 최상의 상태로 100%활용할 생각을 하지 않고. 또 다른 좋은 기기 뭐 없나.. 거기에만 두리번 거리며 신경쓰다.. 오히려 내 기기에 대한 것은 제대로 익히지도 못하고. 이것을 어떻게 하면 최대치의 성능을 발휘해서 사용을 할 수 있을까 보다는.. 조금 아쉬운점만 생기면 그저 다른 기기들에 눈을 돌리는 저 자신을 발견하게 되었습니다. 그리고 AD 컨버터는 포기하고. 믹싱과 마스터링으로 사용하고 있는 새디 LRX-2의 AD 컨버터로 다시 2트랙 소스를 받아서 들어보았습니다. 지금까지 왜. 왜. 왜??? 외장 AD 컨버터를 그렇게 고집했나.. 하는 생각이 들만큼.. 제가 가지고 있는 컨버터들에 비해서 훨씬 더 좋고. 제가 원하는 딱. 그러한 소리를 들려주더군요.. 많이 놀랐습니다. 이미 조금만 더 생각하고 연구했으면 훨씬 더 좋은 상태로 작업을 할 수 있었음에도 불구하고 엉뚱하게 다른 기기들 뭐를 살까..하는 생각에 오히려 내 기기들을 활용할 수 있는 방법에 대해서는 그리 많은 고민을 해보지도 않은 저를 발견한것입니다. 정말 내가 지금까지.. 아니 요즘에 도대체 무엇을 하고 있는것인가? 하는 생각이 들더군요 무엇인가 완벽한 환경을 갖추어 두면 더욱 더 좋은 결과물이 나올것 같은 그 신기루같은 환상을 생각하며 오히려 저는 뒤로 퇴보하고 있었던 것입니다. 이미 완벽한 환경은 얼마든지 내 마음속에. 그리고 나의 주변을 자세히 보면 찾아낼 수 있는 것이었음을 망각한채 말이지요. 솔직히 말하면 DAW 중에 가장 좋은 소리를 들려준다는 SADIE의 최신버젼을 사용하고 있지만 제가 작업한 음반들중에 그나마 마음에 드는것들은 거의 90%이상이 누엔도와 노트북 하나로 달랑 믹싱부터 마스터링까지 한 것들 입니다. 사실 그때는 마음이 달랐습니다. 지금처럼 최고의 기기들을 갖추어 놓고 작업을 하자! 라는 것이 아니라. 현재 음향은 많은 비용을 들려서 기기들에 투자를 하는것보다는 최소한의 기기들을 사용을 해서. 나도 비용을 최대한 아끼는 상태에서 더 좋은 결과물을 만들어 낼 수 있도록 노력을 하자.. 라는 생각이 강했었지요. 이떄는 무엇보다도 집의 거실에서 믹싱을 하다가. 새로운 작업을 할 수 있는 별도의 환경이 생긴것 만으로도 너무너무 기뻤기 때문이었습니다.. 그리고 나서 어느정도 안정된 작업들을 꾸준히 진행하게 되면서. 정신없는 저의 기기들에 대한 여행이 시작되었습니다. 돌이켜 보면 이 시간이 결코 부정적인 결과물들만 가져온것은 아닐것 입니다. 하지만. 시일이 많이 지나고 있음에도 불구 하고. 내가 만들어내는 소리가 별반 좋아지지 않는것은.. 그동안 기기들에 너무 많은 에너지를 소비하느라. 정작 소리를 만드는 시간에는 오히려 많은 시간을 사용하지 못했기 때문이 아니었을까 하는 생각들.. 최근에 저의 작업에서 아주 많은 변화가 하나 있습니다. 영자의 작업은 오디오가이 레이블 작업과. 외부에서 의뢰가 들어오는 작업. 이렇게 2가지가 있는데요. 외부작업에는 아직 이렇게는 하지 못하고 있습니다만.. "마스터링"자체를 하지 않고 있습니다. 정말 내가 그동안 바보같았다는 생각이 들더군요. 내가 원하는 소리들은 어떻게 보면 내가 믹싱하고 있는 소리안에 모두 들어있을 수도 있는데. 이것을 발견하거나 끄집어 내지 못하고 엉뚱하게 마스터링에서 좀더 소리를 바꾸어 보려고 하다가 결과가 이렇게 형편없게 된것입니다. 물론 이러한 연유로 같은 사람이 믹싱을 하고 마스터링을 하는것이 정말 많은 함정이 있다는것을 절실히 깨닫게 되었습니다. 제가 좋아하고 평소에 즐겨듣던 음반에서 듣던 소리를 만들고 싶어서 많은 고민들을 하며.. 아..저러한 소리는 어떻게하면 만들 수 있는것일까... 하는 생각들. 이번 오디오가이 레이블의 피아노 솔로 앨범은 마스터링을 전혀 하지 않고. 마스터를 만들었습니다. 물론 클래식 음악이라. 토탈 컴프레서나 리미터등이 별로 필요하지 않기 때문에.. 그러할 수 도 있겠습니다만.. 그동안 마스터링에 사용할 기기들에 대한 생각과 고민의 시간들에 정말 엉뚱하게도 내가 너무 많은 쓸떼없는 시간들을 보냈구나... 하는 생각들도 강하게 들었어요 정말 믹싱에서 최대한의 결과물을 만들 생각을 하지 않고 대충 믹싱을 한다음에. 마스터링에서 조절.. 기기는 하이엔드.. 하지만 결과물은 이전에 20분의 1도 되지 않는 금액의 기기들을 사용할때보다 못한 소리.. 이러한 악순환이 꽤 오랜시간 되풀이 되고 있는것은 스스로 잘 깨닫지 못했습니다. 왜냐하면 기기들이 너무너무 좋고. 그것을 생각만 해도 가슴이 두근거리고. 내것으로 되어서 그저 바라만 보고 있어도 행복할때가 많이있었으니까요.. 하하하... 이번에 마스터링 자체를 하지 않고 믹싱에 보다 많은 주의를 기울여 믹싱을 해보고 들어보았습니다. 내가 그동안 한 마스터링에서 참 많은 소리들을 오히려 잃어버리고 있었구나.. 라는 생각들이 들더군요 머릿속에서 상상하고 있던 그 소리들은 이미 마스터링 전 단계에서 태어날 수 있는것을. 가장 빠른 길로 가려고 그저 먼산만 보고 뛰어간것이.. 전체적인 것을 보지 못해 오히려 엉뚱한 길로 가고 있음을 스스로 깨닫지 못했던 것이었습니다. 이제서야 조금 정신을 차린것 같습니다. 이제서야 녹음과 믹싱에 더욱더 집중을 하게 되었습니다.. 얼마전에 DPA사에서 나온 아주 값비싼 데카트리 스탠드를 구입하였습니다. 작은 가방하나에 몇몇개의 스탠드 조각이 들어있는 제품. 하지만 가격은 수백만원이나합니다. 이것의 구입을 결정하면서 너무도 많은 고민을 하였습니다. 아..도대체 기기의 업그레이드의 끝은 어디까지인가? 필요하고 있으면 좋지만. 도대체 언제까지 내가 가지고 있는 모든 경제적 여력들을 늘 전부사용한채로.. 얼마나 더 지내야 기기 업그레이드의 끝이 보이는것일까?? 라는 생각들. 스탠드 하나에 이렇게 200만원이 훌쩍 넘는 금액을 주고 꼭 구입을 해야하는것일까.. 결국에는 구입해서 사무실에 잘 보관이 되어있습니다만.. 이러한 글을 쓰기 바로 오늘 오전에만 해도.. 사무실에 API 1608믹서를 구입해서 재즈쪽 음악 믹싱에 사용하면 너무 좋겠다.. 아..그것은 요즘 가격이 얼마나할까?? 라는 상상을 오전내내 했었지요. 모든것에는 어찌보면 끝이 없는 것 같습니다. 마지막으로 첨언하자면 이글은 특별한 내용이 없습니다. 그저 이러이러한 생각의 조각들을 정신없이 나열한 것이랍니다. 이글의 내용을 흑백논리로 생각하시기 보다는. 그저 영자 저 개인의 경험을 이야기한것이라..생각해주시면 참 좋을 것 같아요 그럼 남은 주말들 잘 보내셔요^^

저는 요즘 하고 있는 클래식 녹음에 있어서 메인은 거의 "데카트리" 세팅으로 많은 실험을 해보고 있어요 데카트리 세팅은(60년대 데카의 엔지니어들이 만들어낸 녹음 방식으로 무지향성 마이크 3개를 트리모양의 스탠드에 세워서 녹음하는 방법) 사실 기본적인 데카에서 정립해놓은 것 이후로도 현재 클래식 오케스트라 녹음에 있어서(헐리우드 영화음악까지) 아직도 가장 많이 사용이 되는 세팅방법중에 하나가 아닐까 싶습니다. 데카트리에 세팅에 빠진 이유는. 올해부터 녹음에 대한 생각과 관점이 많이 바뀌고 있는데요. 다시 이전의 처음으로 돌아가고 있어요. 늘.. 녹음된 소리들을 들어보며.. 왠지 모르게 부족한 2%. 이것을 과연 어디에서 채울 수 있을까??? 하루도 이 생각을 하지 않고 보내는 날이 없지요. 그저 나 자신도 모르게 중얼거립니다. "어떻게 하면 더 좋은 소리로 녹음을 할 수 있을까?" 제가 녹음한 음반들에서 아쉬움이 느껴지는것은 무엇인가 "딱 떨어지는 느낌"이 부족하다는것이었어요 얼핏들으면 그냥 그냥 들을만하게 들리기도 하지만. 무엇인가 "완성된 느낌" 이것이 부족하다는 생각이 들었지요. 그래서 아래의 칼럼의 제목처럼 처음으로 다시 돌아가고 있습니다. 그중에 가장 먼저 시작한것은 녹음시 마이크의 갯수를 줄이자! 라는 것이었에요 과거 클래식 녹음을 처음 시작할때는 원포인트 녹음만을 고집하다가. 마이크를 여러대 사용하면서 현격하게 좋은 소리를 얻을 수 있었지요.. 그런데 여기서 더 이상 발전이 되지 않고 있는 내가 만든 소리들을 듣는것이 점점 스트레스가 되고 괴로워지기 시작했습니다. 그래서 다시 생각했지요. 처음부터 다시 시작하자. 여러대의 마이크를 설치할 시간에(녹음 세팅 시간은 언제나 그렇듯이 대부분 아주 빠른 시간안에 실수 없이 정확하게 세팅을 하는것이 아주 중요하지요. 게다가 실활녹음일 경우는 더할나위 없구요 ) 메인 마이크의 설치 위치를 조정하며 녹음에서 가장 최적의 장소인 "스윗포인트"를 찾는데 집중하자! 라는 생각이 강하게 들었습니다. 그래서 다시 돌아오게 된것이지요. 우선은 원포인트 마이크로 내가 원하는 소리에 80% 이상을 만들어 보자. 무엇보다도. 나는 메인 마이크의 세팅조차도 아직 확실하게 정립을 하고 파악을 하고 있지 못한것이 아닌가? 이러한 이유로 내가 녹음하는 앨범들이 늘 완성도가 부족하게 느껴지는것이 아닐까? 가장 핵심이 되는 메인 마이크 세팅에 대해서 더욱 더 확실하게 공부를 하고 파악을 한후. 거기에 정말 꼭 필요한 부분만 엑센트 마이크를 더하자! 라는 생각이 아주 강하게 들었습니다. 여기서 메인 마이크는 주저없이 데카트리를 선택했어요 당분간은 오디오가이는 데카트리와 함께 가리라... 과거 수년전 시도했던 몇번의 녹음에서 데카트리에 대해 큰 인상을 받지 못했지만 이번에 구입한 DPA에서 너무너무 비싼가격에 하지만 너무너무 좋은 데카트리 바 가 나와서 많은 고민끝에 이것을 구입을 하게 되었습니다. (수입처의 데모품을 사용해서 녹음을 하고. 제품은 아직 도착하기 전이에요..) 그사이에 데카트리 방식으로 마산 315 아트센터에서 있었던 모차르트 레퀴엠. 고양 아람누리 극장에서 경기필하모닉의 발레 "춘향" 광주 광천교회에서 광주시립합창단의 성가 앨범 대구 영남대학교 천마아트센터에서의 경북교육의 노래 등 전국을 돌아다니며 데카트리와 함께 하였는데요. 첫번째 사진은 가장 최근의 녹음인 광주 광천교회에서의 광주시립합창단의 녹음입니다. 가장 최근에 세팅이니만큼, 데카트리에 대해서 아주 조금은 감을 잡아나가고 있는것 같기도 한데요. 이번 녹음은 아직 오디오가이 스튜디오에서 들어보지는 못했지만 근래에 녹음한 합창중 가장 마음에 들게 되었어요 이렇게 메인 마이크세팅에 집중하면서 그동안 잊고 살던. 정말 중요하게 알게된것. 너무도 당연한 사실이지만 이상하게 간과했던 것. 높이과 거리 10cm 차이가 완전히 다른 소리를 들려준다는 것입니다. 사실 이 광주시립합창단 녹음 세팅을 하고 바로 모니터를 해보는순간 아차..했습니다. 아.. 마이크의 선정을 잘못한것인가? 소리가 너무 부자연스럽고 산만하고 정신없고.. 이것은 세팅을 바꾼다고 해결될 문제가 아닐것 같다.. 라는 생각. 하지만 최근 오디오가이 녹음에서 프로듀서와 엔지니어로 함께 하고 있는 장인순선생님의 제안으로 마이크의 높이를 10cm 정도 낮추어 보고 그리고 저도 왠지 느낌에 마이크를 좀더 지휘자 쪽으로 가깝게 가는것이 좋을 것 같아서 지휘자 쪽으로 트리의 위치를 20cm 정도 가깝게 다가갔습니다. 이렇게 약간의 위치조정을 하고 소리를 들어보니. 좀전에 소리와는 밤과 낮이 바뀐듯한 소리.. 그리고 밸런스. 세상에 어떤 마이크 세팅들도 마찬가지 이겠지만. 녹음을 하면 할수록 스스로에게 이러한 잘못된 최면을 거는것 같아요.. "이 마이크와 프리. 그리고 이정도 위치에 마이크를 두면 어떠한 소리가 날거야" 늘 이렇게 같은 세팅. 그래서 변함없이 늘 부족한 2%가 비어있는 나의 소리. 비단 데카트리여서 꼭 그러한 것이 아니겠지만 메인마이크는 높이나 거리를 10cm 만 바꾸어도 완전히 다른 소리를 들려줍니다. 높이가 높을수록 초고역이 많고 낮을 수록 고역이 적고 중저역이 많이 들어오는편인데요(물론 공간에 따라서 다르겠지만) 내가 머릿속에 원하고 있는 소리를 "어느정도의 높이와 거리에서 얻을 수 있을까" 이것을 재빨리 판단해서 용기를 가지고 세팅을 바꾸어보는것이 정말 중요한것 같습니다. 사실상 녹음세션들에서 메인 마이크의 위치나 높이를 바꾸어보고 들어보는것이 때론 무척이나 번거롭고 귀찮게 느껴질때도 많이 있으니까요. 마이크세팅에서 (데카트리)에서 중요한 것은 높이와 거리 그리고 설치되어있는 마이크의 각도역시 참 중요한것 같습니다. 사실 이것은 우리모두 알고 있는 사실이에요. 하지만 알고있지만 그래도 녹음때마다 이것을 조정해가며 더욱 더 완성된 소리를 찾아나가는 과정을 실천하기란 쉽지 않은 것 같습니다. 이번에 데카트리에 사용한 마이크는 MG M960 정말이지 초고역이 말도 못하고 많은 마이크. 그래서 잘못 사용하면 정신없이 어지럽고 저역은 뎅강 잘린 앙상한 소리를 들려주지만 잘 맞으면 너무도 화려하고 또 달콤한 소리를 들려주지요. 하지만 이러한 마이크의 캐릭터는. 음원과 마이크와 각도에 따라서 너무너무 많이 달라집니다.. ... 이 역시 누구나 알고 있는 사실이지요. 늘 좀더.. 더.. 더...더.. 좋은 마이크들을 찾으려만 다녔지. 정작 그동안 더..더..더.. 좋은 마이크 세팅과 방법을 찾아내려 한 노력은 너무 적었던 것 같습니다. 최고의 좋은 기기들만 녹음장소에 나열해 놓고 그냥 보기좋게만 마이크를 설치하고 케이블을 정리해놓고 "자..좋은 마이크들과 기기들. 그리고 연주자와 공간이니..당연히 소리가 괜찮을거야..." 이렇게 스스로에게 최면을 걸었던것이 아니었나 싶어요 이번 녹음을 위해 녹음기기들 최근에는 어시스트 남송지씨가 대단히 업무량이 많은 관계로 제가 모처럼 직접 기기들을 챙기다 보니.. 그동안은 잊고 지냈던 MBHO 의 OSS 디스크가 눈에 보이더군요.. 함께 챙겨갔습니다. 최근의 아래 칼럼에서처럼 피아노 녹음시에 사용해보았던 음원의 반대로 마이크를 설치해서 앰비언스를 얻는 방법으로 한번 테스트를해보고 싶었기 때문이었지요 하지만 아쉽게도 그렇게 세팅을 해보니 외부에서의 노이즈가 너무 많이 들어와서 포기. 대신 음원의 정면에.. 앰비언스의 개념으로 사용해보았는데요 마이크는 MBHO 604 와이드 카디오이드. 참.. 604 마이크는 근접시에는 너무도 또렷하고 명확한 중고역을 들려주는데 이렇게 멀리 사용할경우는 늘.. 예상보다는 조금 어두운 소리를 들려줍니다. 아마도 이것은 이 마이크에 어울리는 최상의 포지션을 제가 아직 찾지 못했기 때문이겠지요. 모처럼 만에 녹음장비들을 어시스트를 시키지 않고 제가 직접 하나하나 챙기다 보니 참 좋더군요.. 말로 표현하기에는 그렇지만.. 이전에 처음에 막 녹음을 시작할 당시에 여러가지 추억들이 생각이 났어요.. MBHO OSS 디스크의 세팅은 해상도는 떨어지지만 높이가 높은 만큼. 그리고 음원과 거리가 먼만큼 더욱 더 풍부한 앰비언스를 담긴 소리를 들려주어서 MG M960 데카트리에서 조금 아쉽게 느껴졌던 중저역의 질감을 이 마이크가 보충해줄것 같은 느낌이 들었습니다. 그런데 여기서 다시한번 생각을 해보면 다른 마이크들을 섞어가며 마음에 드는 소리를 만들기 보다는 그냥 데카트리 만으로도 마음에 드는 소리를 만들어야 하는것이 아니었을까..하는 생각도 들었지만 이때는 이미 녹음이 시작이 되어 2-3곡을 지나고 있을 때 였지요. 이번 녹음에서 큰 수확이 하나 있었다면. 합창에서의 피아노 사운드였는데요. 늘 제가 녹음한 합창의 피아노 소리는 우선 밸런스가 크고. 그로인해서 합창과 잘 어울리지 않는 편이 많았는데. 이번에는 밸런스도 좋고 음색도 또렷하고 맑고 너무도 마음에 들게 되었어요 피아노는 가와이 였는데. 기존에 가와이 피아노 하면. 조금은 흐리멍텅한 소리. 라고 생각했던 저의 선입관을 바꾸어 주는 것이었지요 피아노의 뚜껑은 우선 완전히 닫았어요 이편이 합창과 밸런스가 좋은것 같습니다. 그리고 해머부분 뚜껑만 오픈을 하고 마이크는 사진에서처럼 설치를 하였지요(마이크는 MG M300) 이렇게 그랜드 피아노의 뚜껑을 닫은 경우는 소리가 U 자형의 측면으로 나가는것이 아니라 바로 연주자쪽으로 소리가 나온다는것을 저는 작년에서야 알게 되었지요.ㅜ.ㅜ 그 이후로는 합창녹음에 사용되는 피아노에 늘 이러한 세팅으로 하고 있는데 이번에는 높이를 좀더 높여보았습니다. 악기에 마이크를 설치할때.. 왠지모르게 가깝게 설치하지 않으면 녹음이 잘 되지 않을 것 같은 느낌.. 저는 이러한 느낌을 완전히 떨쳐버려야 제가 마음속에 품고 있는 소리들을 만나게 될 수 있을 것 같아요. 이렇게 조금 떨어뜨려 설치를 하니 소리가 너무너무 깔끔하고 예쁘더군요 합창과도 무척 잘 어울리고요. 물론 여기서 그에 못지않게 중요한것은 피아노의 위치. 메인 데카트리의 마이크는 무지향성이기 떄문에 트리로 들어오는 피아노의 밸런스가 너무 크지 않도록 하는것도 무척이나 중요하지요 그동안은 피아노 반주자 분들에게 피아노를 좀더 작게 연주해달라는 주문을 많이 했었는데.. 차라리 이렇게 약간 합창단과 거리를 주는것이 훨씬 더 좋았겠다..라는 생각이 들었습니다. 여러 엑센트마이크들을 설치하지 않고 그 시간에 메인 마이크의 세팅에 대해서 더욱 더 많은 고민을 하고 좀더 메인마이크의 소리에 대해서 집중을 하고 소리를 듣게 되니. 전반적인 밸런스 또한 과거보다 훨씬 더 잘들려오는것 같습니다. 그동안은 수십개의 마이크들 설치하느라 지쳐서. 정작 중요한 메인 마이크의 소리를 제대로 들어보지도 못했던것이 아니었나 싶어요. *다음으로는 마산 315아트센터에서의 모차르트레퀴엠. 제가 개인적으로 너무너무 좋아하는 곡이라, 거의 비용을 받지 않고 그냥 가서 녹음한 곡입니다. 이번부터 무척 녹음해보고 싶었거든요. 게다가 제가 오디오체크시 사용하는 음반도 아르모니아 문디에서 나온 헤레베레지휘의 모차르트 레퀴엠 음반이랍니다. 여기서의 데카트리 세팅은 처음 사진과는 LR 마이크의 각도가 조금 다른 세팅입니다. 사용한 마이크는 모두 MBHO 604 다만 센터마이크만 604 와이드 카디오이드를 사용하였어요 데카트리에서는 LR의 지향성과 센터의 지향성에서 증폭이 되어 가운데 밸런스가 커질때도 많으니까요 게다가 이번에는 LR의 각도도 센터와 가깝게 되어있고요. 가운데 데카트리와 더불어 AB 스페이스드 페어로 MG M960을 함께 설치해보았습니다. 데카에서도 아웃트리거 마이크라고 해서 거의 늘 데카트리와 함꼐 사용을 하고 있다는 글을 보았었는데요 막상들어보니 트리의 마이크들과 아웃트리거의 마이크들이 정신없이 섞여서 오히려 혼란만 가중이 될뿐. 그것은 MBHO 604 마이크와 MG M960 마이크의 주파수특성이 너무 많이 달라서 그러한 이질감이 생겼을수도 있겠지만. 역시 메인 마이크 세팅인 데카트리에 포지션 조차도 아직 확실하게 정립을 해두지 못한 상태에서 다른 추가 마이크들이 들어오니 오히려 소리만 많이 지저분하게 들어왔습니다. 실제 녹음시에는 좌우의 아웃트리거는 치우고 데카트리 + 합창단 스팟(마이크는 MBHO 604H(고음부스트 모델) 총 5개의 마이크로 오케스트라와 합창단의 녹음을 진행하였습니다. 여기서도 느낀것은 데카트리의 높이 10CM 높히고 낮추는 것 만으로도 소리가 화려해지거나. 어두워지거나... 사실은 최종 세팅에 한 5~7cm 정도만 좀더 높이를 올리고 싶었으나. 고민하는 사이 공연은 시작이 되어버렸답니다. 나중에 스튜디오에 와서 소리를 들어보니 약간 소리가 어둡기는 하지만 오케스트라와 합창단의 밸런스도 좋고 무엇보다도 스피커상에서 삼각형 모양으로 확실하게 무대의 스테이지감이 표현이 됩니다. 좌우도 넓고. 그러면서도 정위도 좋고요. 사실 이 마산에서의 녹음에서 저는 마음속으로 확신을 하였지요.. "아..앞으로는 데카트리에 한번 올인을 해보아야 겠다!" *다음으로 분위가 다른 사진은 영남대학교 안 새롭게 생긴 천마아트센터에서의 녹음 이때는 마산에서 녹음을 하고 바로 다음날 작업이었습니다. 전날에서의 경험을 살려. 아웃트리거는 사용하지 않고 마이트는 전날과 같은 세팅 천마이트홀은 잔향도 적당하고. 특히 현악기 소리는 너무너무 화려하고 이쁘게 녹음이 잘 되더군요 *마지막으로 소개하는 데카트리 녹음은 고양 아람누리 극장에서의 경기필하모닉 지휘의 발레 "춘향" 녹음 최고의 소리를 지닌 공연장. 완벽한 편곡과 오케스트레이션. 훌륭한 지휘와 연주. 모든것이 너무 좋은 상황이었음에도 불구하고 오히려 결과는 아쉬움이 있는 세션이었는데요 이때의 데카트리는 조금 세팅이 다릅니다. 마이크는 DPA 4006 LR 이 거의 측면 벽을 바라보고 있는 구조이지요. 그리고 작곡자(미국사람)이 헐리우드 영화 사운드트랙과 같은 사운드월이 있는 소리로 만들어야 한다고 해서 정말 많은 수의 스팟을 사용하였습니다. 게다가 팀파니군을 포함한 타악기. 그리고 브라스파트들의 소리를 줄이기 위해서 엄청난양의 흡음도구들을 사용하였지요^^(하프 뒤로 보이는 자리가 타악기 파트들) 개인적으로는 위 녹음중에서는 공연장에 있던 메인 마이크 ORTF의 소리와 밸런스가 가장 좋더군요^^ 제목은 온고지신. 이었지만 최근의 데카트리 세팅을 중심으로 한. 클래식 녹음들에 대해서 이야기를 해보았습니다. 데카트리는 1960년대. 만들어졌지요. 이외에도 많은 녹음 세팅들이 있습니다. 중요한것은 ORFT만 해서 17cm 를 정확하게 지키는것과 그렇지 않은것은 엄청 큰 차이가 있습니다. 그동안 책에 있던 세팅을 그냥 비슷하게만 해서 사용해왔다면 이번기회에 다시 처음으로 돌아가서 각도계와 줄자를 가지고 정확한 세팅으로 해서 소리를 다시 한번 들어보시면 어떨까 싶습니다. 그럼 분명히 그동안의 머릿속에 있는 소리에 대한 경험과는 또 다른 소리들을 얻게 될거에요. 나만의 독창적인 방법을 개발해나가는 것도 좋지만 우선 옛것부터 하나씩. 하나씩 내것으로 만들고 그 토대위에 나만의 것을 정립해 나가야 하는것이 아닐까 싶습니다. 요즘 들어 저의 칼럼은 왜이리도 기본적인 이야기만 하게 될까요.ㅜ.ㅜ 그래도 하고 싶은 이야기 충분히 많이 하고 쓴 이글. 크게 한숨을 쉬며. 제 머릿속 고민도 조금은 해결이 되는것 같아요^^

6월이 다 지나가고 있네요. 올해 6월. 어떻게들 보내셨는지요? 저는 이렇게 정신없이.. 밀려오는 잠을 청하지 못하고 억지로 참으며 지내본적은 13년전 어시스트엔지니어로 근무할때 이후 처음이었던것 같습니다. 짧은 한달동안 정말 많은 프로젝트들(대부분이 클래식)을 녹음했는데. 게다가 그중에 2개의 앨범은 오디오가이 레코드의 신보녹음 한장은 기타. 건반을 연주한 정재일과. 드러머 김책의 듀오앨범 다른 한장은 잠시후에 이야기를 하고 싶은 지휘자. 피아니스트 강신태선생님의 피아노솔로 앨범입니다. 기존에 유명한 클래식 교향곡들을 피아노 솔로로 편곡을 해서 연주를 하는 것이었는데. 아마도 오디오가이 레코드 제작 앨범 가운데 가장 범용적으로 많은 사람들이 들을 수 있는 앨범이 되지 않을까 싶습니다. 정재일. 김책 듀오녹음에 관한것은 다음에 다시한번 이야기를 할 수 있는 기회가 있으면 좋을 것 같고요 이번에 피아노 솔로를 녹음한 곳은 광주 금호아트홀. 얼마전 실내악 페스티발을 녹음한 후 피아노에 괜찮은 인상을 받은곳으로 이곳에서 녹음을 진행하게 되었는데요. 사실 대부분 국내의 실내악 전문 공연장들 처럼. 아담한 사이즈(300석정도)에 벽은 나무와 시트지로 되어있는 고음역대의 잔향이 어느정도 억제되어있는 곳입니다. 사실 녹음전날까지 약간은 불안함이 들었습니다. 제가 개인적으로 너무너무 좋아하는 피아니스트와의 작업. 하지만 홀과 피아노의 상태가 이상적으로 제가 좋아하는 스타일은 아니었기 때문에. 과연 오디오가이 레코드 제작앨범의 퀄리티를 유지하면서. 내 마음에 드는 피아노 사운드를 얻을 수 있을까? 하는 생각에 서울 강남 터미널에서 새벽 5시30분 출발이라. 통의동 사무실에서 어시스트 엔지니어 남송지씨와 4시30분에 만나기로 했음에도 불구하고 새벽 2시가 넘어서도 잠이 오지 않더군요 가서 제가 늘 하는 피아노 세팅을 먼저 하였습니다. 우선 피아노를 무대에서 가장 객석으로 가까운정로도. 마이크스탠드가 아슬아슬하게 무대에서 객석으로 떨어질랑 말랑할 위치까지 피아노를 무대에서 객석으로 당긴후. 피아노의 해머위 20cm에 노이만 USM69 XY 피아노 반사판 뚜껑 근처에 MBHO 604(고음 부스트 모델) 반사판 근처 AB로 MBGO 604 와이드 카디오이드 세팅 마이크프리는 늘 그렇듯이 새디. 녹음기도 새디로 88.2KHZ로 작업을 하였습니다. (사실 새디에서 기본적으로 모니터링을 디더를 건 상태로 저는 늘 16비트로만 모니터링을 하기 때문에 44.1과 88.2의 소리차이가 잘 느껴지지가 않습니다.ㅜ.ㅜ 많이 느껴지는것은 급격하게 줄어드는 하드디스크의 잔량뿐.) 이렇게 하고 소리를 들어보니 전날의 걱정이 단순간에 사라지는 제가 지금까지 녹음한 피아노 사운드중 최고의 소리를 얻을 수 있었습니다. 그런데 연주자분이 이렇게 객석쪽으로 피아노가 빠지는것보다는 본인이 연주를 하면서 잔향을 좀더 느낄 수 있는 무대안쪽으로 들어가서 피아노를 설치하고 마이크를 피아노 본체에 안쪽으는 설치하지 않은 소리를 좋아하신다고 하시더군요 글로 하기에는 너무 지루한 아주 많은 피아노의 위치와 마이크의 위치를 바꾸어본 세팅끝에 최종적으로 설치한 마이크와 피아노의 위치입니다. 사진을 보면서. 무엇인가 지금까지와는 다른것이 느껴지시지 않으신지요? 마이크의 위치도 위치지만. 피아노의 위치를 한번 보세요 다름이 아니라 피아노의 반사판의 위치가 객석쪽이 아닌 무대쪽으로 향하게 되어있습니다. 공연장에 천장에 달려있는 마이크들은 전혀 사용하지 않고 송지씨와 함께 높은 마이크스탠드까지 들고 고속버스로 서울서 광주로 내려간지라..ㅜ.ㅜ 제가 가지고 간 마이크만 사용하였는데요 최종 세팅은 사진에서와 같이 메인은 우선 노이만 USM69를 MS로 그리고 앰비언스로 MBHO 604 와이드카디오이드입니다. 피아노의 위치만큼이나 재미있는것은 MBHO 마이크의 세팅입니다. 마이크가 피아노를 바라보지 않고 피아노 소리가 객석으로 바로 날아가지 않고 무대쪽에서 한번 튀어서 객석쪽으로 날아간후. 객석에서 반사되어 무대로 다시 오는 소리를 원포인트로 녹음을 하였습니다. 소리를 들어보니 앰비언스 마이크만 들어보면 귀로 듣는 앰비언스보다도 더욱 더 자연스럽습니다. 지금까지 많은 고민들을 하였지요 왜. 왜. 왜. 도대체 귀로 듣는 소리 그대로 녹음은 되지 않는것일까?? 나름대로 피아노 사운드에 관해 많은 고심을 하고 생각을 하고 또 공부를 한 시간들 속에서 몇몇의 방법들만 가지고 제 자신이 너무 단조롭게 늘 같은 피아노의 세팅만을 고집했다는 생각이 들더군요 사실 이러한 피아노의 배치는 연주자의 의견에서 시작이 되었지요 이렇게 하고 소리를 들어보니. 무대에서 듣는 소리가 정말 정말 좋더군요 그리고 앰비언스 마이크를 본래는 피아노를 향하게 설치하려고. 원래 되어있던 위치에서 조정을 하려 피아노를 등지고 있는데 피아노를 바라보는것보다 뒤에서 듣는 소리가 훨씬 더 음악적이고 아름답게 들리는 것이었습니다. 그리고 전 그냥 아무이유 없이 한개의 악기에 여러개의 마이크가 서로 바라보게 설치하는것이 싫더라고요 이렇게 세팅을 하니 연주자가 가장 신경쓰여 하던 페달노이즈도 전혀 마이크로 전달이 되지 않고요 3번째 사진을 보면 좀더 자세히 위치가 나와있답니다. 사실 녹음중에 노이만의 위치를 좀더 높혀보고 싶은 충동도 있었으나. 그 전에 1시간 30분이나 마이크세팅과 피아노위치 조절에 신경을 썼었기 때문에 연주자가 얼른 녹음에 집중하게 하고 싶어서. 이렇게 바로 녹음을 진행하였지요 별도의 컨트롤룸을 만들지 않고 같은 공간에서 헤드폰으로 소리를 들은지라. 사실 아주 정밀한 모니터링은 되지 않았지만 제가 지금까지 늘 녹음하던 사운드와 다른 지금까지의 피아노 소리가 피아노의 몸통안에 머리를 박고 듣는 소리라면 이것은 잔향이 적절한 좋은 홀에서 좋은 피아노로 2층 앞쪽이나 1층 약간 뒷쪽에서 듣는 소리. 이러한 소리로 되었으면 좋겠다..라는 기대를 가지고 녹음이 끝나고 무척이나 두근거리는 마음이 있었습니다. 작년 초 절친한 작곡가. 피아니스트인 애덤즈애플의 김용은씨가 제게 한 젊은 피아니스트의 쇼팽 앨범을 선물해주며 이야기를 하더군요 "실장님. 제가 지금까지 들어본 피아노 사운드중 압도적으로 이것이 정말 최고의 소리에요!" 오랜시간 함께 작업을 한터라 서로 피아노 사운드에 관한 많은 이야기들을 나누곤 했었답니다. 큰 기대를 하고 소리를 들어보니. 레벨도 작고. 소리는 저 멀리서 불분명하게 들리고. 사운드는 거의 모노성이고.. 어.. 이 소리를 왜 용은씨가 최고라고 했을까.. 라고 생각한채 시간이 지나 좋아하는 피아노곡 게다가 쇼팽이기 때문에 여러번 반복해서 들었습니다.' 문득 느껴지더군요. 아..이것은 내가 공연장에서 멋진 음악회를 보고 들을때의 바로 그 소리이구나.. 어쿠스틱 악기 녹음만을 하면서. 실제 연주에서의 소리와 녹음에서의 소리는 분명한 목적이 다르다고 생각했었는데. 이러한 정말 제대로된 실연에서의 소리로 녹음을 하고 만드는 사람들이 있구나.. 많은 놀라움을 금치못하였지만 이미 저의 귀는 피아노 몸체 안에 제 머릿통을 박고 듣던 피아노 사운드에 이미 익숙해져있었기 때문에 좀더 명확하고 깨끗한 소리를 얻기위해서만 생각을 했지 오히려 이렇게 어찌보면 탁하고. 흐리멍텅한 소리로 만들생각을 하지는 않았었답니다. 이번 녹음에서도 마찬가지였지요. 하지만 내가 생각하고 있는 마음속의 소리만이 모든 경우에 있어서 그것이 가장좋은것은 아닐 수 있다! 라는 생각을 지니게 되었습니다. 사실 마음속의 소리에 가깝게 만들려고만 생각했지 그 마음속의 소리보다도 내가 미처 알고 듣고 느끼지 못한 또 다른 소리의 세계가 분명히 존재하고 그러한 다른 세계의 소리도 분명히 경험해볼 가치가 있는 무척 귀중한것임을. 이번 녹음을 통해 알게 되었습니다. 녹음 다음날인 오늘 사무실에서 남송지씨와 함께 들어보았습니다. 이번 앨범의 첫곡은 비탈리 샤콘느를 피아노만으로 연주한 25분정도 되는 길이의 한곡. ㅠ.ㅠ... 지금껏 제가 만들어온 소리중에 가장 마음을 움직입니다.. 공간이 그리 크지 않은곳이었음에도 불구하고 리버브가 전혀 필요없는 자연스러운 피아노 연주에 따라 춤을 추는 울림. 공연장의 뒷쪽 가운데에서 실제의 피아노를 듣는것과 같은 느낌. 그동안 외국의 공간음향이 좋은 곳을 부러워하며 늘 공간탓만 했던 제 자신이 부끄러워지더군요. 그냥 우리 곁에 있는 보통의 음향을 지닌 공간에서도. 얼마든지 마이크의 세팅에 따라서 자연스러운 잔향을 얻을 수 있다는것을 말이지요... 왜 지금까지는 이러한 생각들을 하지 못하고 그저 마음속에 있는 늘 같은 방법으로(혹은 거의 비슷한)만 녹음을 했는지 모르겠어요. 얼른 마스터링이 끝나고 이 앨범이 나왔으면 좋겠습니다. 이렇게 오디오가이에 글을 쓸때나. 잠을 청할때. 혹은 아침에 잠에서 깨어 화장실로 가기전에 하루를 시작하며. 그리고 좋아하는 사람에게 이 앨범을 선물해주고 싶어요. 소리를 함께 들은 아내는 무엇인가 소리가 답답하고. 확 터져주는 맛이 없어서 그리 마음에 들어하지 않습니다만(아내는 늘 소리를 같이 들으러 다녀서 그런지. 이렇게 마이크 세팅을 했다고 어젯밤에 이야기했더니. "그럼 공연장 2층이나 가운데에서 들리는 소리로 녹음되었겠네?" 라고 바로 이야기할 정도랍니다.^^ 하지만 아내도 분명 이 소리를 시간이 지나거나 혹은 몇번 더 듣게 되면 분명히 좋하하게 될 것 이라 생각합니다. 내가 좋아하는 소리는 어쩌면 내 마음속에 늘 있는것과는 전혀 다를 수도 있는 것 같습니다. 이제는 다시 녹음을 처음부터 시작해야 겠어요 마음속의 소리에 대한 느낌과 생각은 잊고요 어떠한 소리들을 만나게 될지 벌써부터 마음이 무척이나 두근거립니다. 빙그레*^^*

왠지모르게 삼중주 보다는. 사중주. 트리오 보다는. 쿼텟이 더 입에 착 달라붙는것 같습니다. 실제로 개인적인 취향으로 음악도 그렇고요 이번에 녹음한것은 그 유명한 베현사(베토벤 현악 사중주) 가 아닌 베현삼ㅋ (베토벤 현악 삼중주) 입니다.^^ 개인적으로 몇몇 작품들을 제외하고는 하루에 서너시간 이상을 모차르트와 비발디를 듣는 제게는 왠지모르게 베토벤의 음악들을 상당히 거리가 있는 편인데요. 그래도 베토벤 현악 사중주는 참 좋아하는 편입니다. 녹음전 두달정도의 여유기간이 있었기 때문에. 몇몇 녹음할 곡들을 미리 들어보면서 어떠한 소리로 할까.. 라고 많은 생각들을 미리 해둔터라 녹음세팅은 그냥 단숨에 진행하였습니다. 물론 녹음하는 공간에 따라서 미리 생각해두었던 세팅들이 생각했던 것들과는 완전히 정반대의 결과들을 들려줄때도 있는데요 이번에 녹음한곳은 광주 고속버스 터미널에 함께 있는 유스퀘어 문화관 내 금호아트홀 입니다. 최근에 생긴곳으로 바로 이날 녹음이 공연장 첫 공연이었지요. 공연장의 구조는 실내악에 적당한 사이즈에. 직사각형 슈박스 형태를 띄고 있었습니다. 잔향도 제가 원하는 만큼은 아니지만 어느정도 적당히 있었고요 (왜 국내 클래식 공연장들은 많은 곳들이 소리가 건조한것일까요..ㅜ.ㅜ) 특이한점은 공연장 뒷벽은 거의 흡음을 해두어서. 무대에서의 소리가 연주자에게 다시 돌아들어와서 무척 잘들리더군요 연주하는 사람에 따라서 작게 불러도 자신의 소리가 무대에서는 아주 잘 들리게 설계가 되어있었습니다만. 하지만 전. 공연장 뒷벽이 너무 흡음으로 되어있어서. 자연스러운 잔향의 꼬리들이 모두 순간이동을 하듯 사리지는것이 아쉬움이 남았습니다. 사실 건축음향이 얼마나 까다롭고 어려운것임을 알고 있기에.. 작은 아쉬움들을 이야기하기는 했지만 좋은 공연장이더군요 클래식 녹음에서 거의 모든 사람들이 이야기 하듯. 가장 중요한것은 메인 마이크의 세팅. 입니다. 하지만 이렇게 여러곳의 공연장. 게다가 처음 녹음을 하는곳의 경우는 메인 마이크의 위치가 꼭 제가 원하는곳에 있지 않은 경우도 무척 많은데요. 이곳 역시 제가 생각하는 메인의 위치보다는 메인 마이크의 위치가 무대쪽과 너무 가갑게 있어서. 마이크를 뒤로 보내고 싶었습니다. 대부분의 클래식 공연장들이 전동을 사용해서 마이크 세팅의 높낮이는 조정이 되지만 앞뒤 거리 간격은 조정이 되지 않는 곳들이 대부분이지요 (제가 설계한 곳들은 꼭 메인 마이크 세트의 위치를 상하 좌우로 움직이게 합니다.^^) 그래서 이번에는 낙싯줄을 활용! 공연장 2층에 있는 컨트롤룸에서 낙싯줄을 메인 마이크 세트의 스테레오바에 고정을 해서. 마이크세트의 위치를 뒤로 수정을 하였습니다. 사진을 보시면 투명하게 두줄로 보이는것이 낙싯줄이어요 마이크는 늘 그렇듯이 MBHO 604 무지향성 AB 페어. 공연장에 DPA 4006TL 페어도 있었지만. 스팟마이크들은 오디오가이 레코딩 시스템으로 바로 연결이 되지만 메인 마이크는 2층 콘트롤룸에서 다시 무대쪽으로 배선을 연결한것이라 케이블의 길이가 거의 70M 이상. 이러한 경우 DPA 4006TL 은 아웃풋 트렌스포머가 없기 때문에. 케이블이 긴경우 그리 좋지 않은 편이라. 사용을 하지 않았습니다. 하지만 전날 함께 일하는 김현석씨가 진행하는 세팅에서는 AB로 스탠드해서 세워둔 4006TL 소리를 간만에 들으니. 역시나 참 좋더군요. 고역도 달콤하고~~ 다음으로 중요한 스팟. 사실 각 악기마다 한대씩 마이크를 설치할까..라는 생각도 했었는데요. 저는 잘 알지 못하지만 이번에 연주한 연주자들이 파가니니 콩쿨 대상도 받고. 무지무지 유명한 사람들이라고 하더군요. 그래서 기량이 뛰어난 사람들이고 곡도 "일체감"이 중요한 베현삼 이니. 스테레오 페어의 스팟을 사용하였습니다. 사실 소리는 메인 마이크의 높이를 약간 낮추면. 이것만으로도 충분하다..라는 생각이 들었지만 공연장의 케이블의 상태때문에 약간의 노이즈가 있는 터라.. 상황에 따라서 메인 마이크를 사용하게되지 못할 가능성도 있기 때문에 메인 마이크의 높이를 평소보다 조금 더 높게 약간 메인 반. 앰비언스 반. 정도로 생각을 하고 세팅을 하고 스팟에 많은 집중을 하였습니다. 스팟은 이러한 현악 앙상블 녹음에 있어서 저의 로망. 노이만 USM69 를 연주자들 가운데.. "떡~" 하니 세워두는것이지요. 먼저 세팅은 MS로 해보았습니다. 왜냐하면 이 경우 비올라 연주자가 가운데에서 약간 뒤로 자리하고 있기 때문에. 꼭 현악 트리오를 녹음하면 비올라의 밸런스가 작게 느껴져서 아쉬울때가 많았었거든요 게다가 바이올린에 비해서 대부분 비올라의 선율은 악보상으로도 음량이 그다지 크지 않을때가 많고요 MS 로 소리를 들어보니.. "음..역시 MS 참 자연스럽군.." 하는 생각에 만족스러웠습니다. 하지만 내가 모르는 또 무엇인가가 더 있지 않을까? 해서 이번에는 USM69를 블룸레인으로 설치 해보았습니다. 사진을 보시면 제가 갸웃갸웃 하며 마이크의 위치와 각도를 확인하고 있습니다.^^ 블룸레인으로 하니. MS에 비해 확연히 넓어지는 스테레오 이미지.. 음 역시 XY에 비해서 블룸레인이 공간감도 좋고 이미지도 좋구먼.. 하고 생각하고 있는데.. 가만히 들어보니 홀인더 미들 현상(가운데가 비는)이 살짝쿵 나타나더군요 이 경우 스팟 마이크의 위치를 수정해야 하겠지만. 본래 MS의 세팅이 메인 AB와의 블렌딩도 너무 좋아서. 다시 MS로 사용을 하였습니다. 제가 사용하고 있는 새디는. 스테레오 채널에 MS 플러그인을 사용해서 아주 쉽게 MS로 녹음을 하면서 바로 모니터링을 할 수 있어서 너무 편하게 되어있어요 다음으로 중요한부분 변함없이 어쿠스틱 악기 녹음의 칼럼에서 반복적으로 이야기를 하고 있는 부분인데요..(저의 밑천이 이정도 밖에 되지 않아서 그러한지도..^^) 메인 마이크의 정위와 스팟마이크(게다가 이렇게 스테레오로 하는경우)의 정위감을 통일시키는 것입니다. 여러 마이크들을 메인과 블렌딩 할때. 이것이 자연스럽게 되는가. 그렇지 않은가에 따라서. 소리의 투명도(명료도. 깨끗함)은 완전히 달라지게 된답니다. 사진에는 약간 틀어지게 나왔지만. 메인 마이크의 정 중앙이 스팟마이크의 중앙과 위치가 일치되도록 세팅하는것이 너무너무 중요합니다. 메인마이크의 소리를 들었을때의 정위감과 스팟마이크의 정위감이 너무 많은 차이가 나면 바로 위상변위로 인해서 소리가 이상하게 변하고 탁해지는것 같습니다. 마지막으로 홀의 뒷편에서 본 사진. 이번에도 변함없이 녹음레벨은 거의 피크에 -6db 까지 채워서 두 마이크 세트의 채널에서 페이더는 바이패스. (새디는 DAW 상에서 페이더를 유니티 게인상태로 두는 "바이패스"기능이 있어서 제 성격에는 딱 잘 맞습니다.^^) 믹싱할때 페이더로 두 마이크의 밸런스를 바꾸지 않고 그대로 할 수 있도록 심플하게 녹음을 하였습니다. 결과가 마음에 드는 흡족한 실황녹음 세션이었습니다. 게다가 고속터미널에 함께 있어서 여러가지 극장과. 식당 및 놀이시설들이 많아서. 녹음과 리허설 중간 놀러다닐곳이 많아서 너무너무 좋았어요*^^*

칼럼을 남긴지. 두달정도 밖에 되지 않았는데. 최근에는 오디오가이에서 많은 글들을 쓰지 못한탓인지. 늘 이곳에. 무엇인가 어떠한 이야기들을 해야하는데.. 지금의 생각들을 글로써 남겨두어야 할텐데.. 하는등의 약간의 마음의 부담이 있는 것도 사실입니다. 여러 녹음 프로젝트들이 있지만 최근에는 무엇인가..딱 아주 집중해서 하고픈 마음이 드는 작업들이 많지 않은지라.. 다음주 광주에서 있을 베토벤 현악 삼중주 녹음과 다음달에 마산에서의 모차르트 레퀴엠 녹음에 관한 구상들에만 많은 신경을 쓰고 있는 것 같습니다. 어제는 모처럼만의 스튜디오 녹음. 지난주 목요일과 더불어 오늘도 국악기. 생황과 가야금 듀오의 녹음을 하였습니다. 이렇게 가끔씩 녹음을 하게 되니. 오히려 지금까지했던것과는 좀더 다른 방법들을 시도해보기도 하는 마음이 생기는 것은 참 좋은것 같습니다. 늘 빠듯한 녹음일정들에서만 시간을 보내다 보면. 늘 하는 방법들과 세팅. 기기들의 선택등에서 벗어난다는것이 의외로 어려운 일인것 같더라구요 근래 몇년간 대부분 샘플링레이트를 44.1Khz로만 95%이상 진행한편인데. 이번에는 트랙도 많지 않고 무엇인가 새롭게 해보고 싶어서 샘플링 레이트를 88.2Khz 로 세팅 88.2Khz같은 하이샘플링 레이트는 용량이나 하드의 속도 부분도 그렇지만. 트랙이 많은 경우는 생각만큼 큰 인상을 받지 못했던 기억들이 있는 터라. 최종 cd에 담기는 것과 같은 44.1Khz를 선호해왔는데요. 이번에 녹음한 국악기에는 오히려 88.2Khz가 신선하게 다가왔습니다. 어찌보면 대부분의 국악기들은 아주 높은 대역대의 배음보다는 중음 위주로 된 소리들이 많다는 선입견이 있는 탓인지. 그리고 하이샘플링레이트로 녹음을 하는것은 왠지모르게 더 높은 고역대 주파수를 더 깨끗하게 녹음이 되지 않을까..하는 기대심리가 있어서인지 (사실 하이샘플링으로 녹음을 해보면 고역이 늘어나거나 하지는 않고 오히려 배음의 표현이 잘 되어서 중역이 더 명확하게 들리는것 같습니다. 제귀에는요..) 국악에는 지금까지 이러한 하이샘플링 레이트로 녹음을 처음해본것이었습니다. 새로운것을 시도하기 좋아하는 제가 스스로 생각해도 참 신기한 일이지요. 그런데 이번에 국악기를 녹음해보니. 앞으로 국악기는 모두 하이샘플링 레이트로..(전 아날로그를 경우하든 디지털에서 완성하든 44.1 아니면 88.2 입니다.^^) 해야겠다..라는 생각이 들더군요 다만 16트랙 이상이 되는 프로젝트에서는 88.2를 사용하지는 않을 것 같습니다. 마이크의 세팅을 해보았습니다. 그랜드 피아노가 함께 있는 부스안에서. 생황과 가야금. 전 이렇게 같은 공간에서 연주자들이 연주하고 제가 녹음하는것이 참 좋아요. 따로따로 방에서 하면 무엇인가 "죽어있는소리"가 나서 답답하게 느껴지고. 이렇게 같은 공간에서 서로 보면서 연주를 하는것이 대부분의 연주자들에게는 연주도 잘 되고. 공간에서 흩날리는 소리들이 각각 서로의 마이크들에도 "자연스런 간섭"을 하는것이 소리가 좋게 들리는 것 같습니다. 그렇기 때문에. 이러한 경우 각 소스에 이큐나 컴프레서의 사용의 의미가 거의 없어지게 되지요 어짜피 최종적인 소리는 각 악기마다 설치되어 있는 마이크에 들어오는 직접음과 다른 악기와의 간섭음이 믹스가 되어서 결정이되어지니까요. 생황은 좀처럼 쉽게 볼수 없는 정말 희한하게 생긴 악기입니다. 이미 오디오가이 레이블에서 피리와 마림바 듀오음반을 출시한적이 있는 피리연주자 강효선씨는 생황도 함께 연주를 하는데요. 생황의 소리는 무엇이랄까.. 어찌보면 작은 파이프들이 많이 있어서 오르간같은 소리가 나지 않을까 생각해보기도 하는데요. 전형적인 여러대의 피리를 동시에 부는 느낌이랄까? 오히려 아일랜드의 백파이프의 축소판처럼 느껴지기도 합니다. 국악기를 녹음할때마다 느끼는것이. 동서양의 거의 모든 악기들은 참 많은 공통점들을 지니고 있다는것이 늘 신기하게 생각이 됩니다. 가야금에 비해서 소리가 큰 생황은 역시. 생황에 설치한 마이크보다. 가야금에 설치한 마이크에서 녹음 미터의 레벨이 좀더 높게 뜨는군요^^ 가야금이야 원체 미소레벨의 음색과 여음이 중요한 악기라.. 가야금의 경우 MG M930 스테레오 페어를 XY로 가야금 위에 설치하고(마이크 프리는 그레이스 디자인 루나텍) 아래 사운드 홀 부분에 최근에 애용하고 있는 EV RE-20을 사용 MG M930 스테레오 페어는 M960과 더불어 동사 마이크 가운데 가장 사용빈도가 높은 제품으로 사진처럼 간단히 XY로 세팅할 수 있고. 그랜드피아노부터 드럼의 오버헤드. 그리고 이렇게 가야금같은 국악기에 이르기까지 아주 다용도로 사용하고 있는 제품입니다. 중고역이 아주 적당히 화려하고 이쁘게 들리지요. 대신 풍부한 저역은 나오지 않습니다만. 마치 이큐로 불필요한 저역의 공진주파수를 커트한것처럼 들려서 제게는 딱 적당하게 들려옵니다. 마이크라는 것이.. 한세트의 페어만으로 완성을 하는것이 아니라면. 마치 마이크 + 내장 이퀄라이저의 개념이라고 할까요? 마이크를 어디에다 두는가? 하는 포지션도 중요하지만 거의 이만큼. 어떤악기에 어떤 마이크를 사용할것인가?를 선택하는것도 아주아주 중요한 부분이라고 생각합니다. 게다가 여러대의 마이크를 동시에 사용을 해서 녹음을 하는 경우. 모든 마이크들이 저역부터 고역까지 플랫하고 넓게 펼쳐지는것 보다는 메인 마이크를 제외하고는 각각의 스팟 마이크들은 그 악기에 어울리는 적당한 주파수 특성과 범위를 지니고 있는 편이. 최종 믹스에서 보다 정확한 음상정위와 더불어 투명하고 깨끗한 소리를 얻을 수 있는 방법이라고 생각합니다. 가야금 위에 설치한 MG M390 스테레오 페어와 더불어 사운드 홀에 RE-20을 사용. 사운드 홀에 설치한것은 사실 나중에 믹싱때 밸런스 조절을 위한 것이 가장 큰 부분으로. 가야금 사운드의 80% 이상은 현위에 설치된 마이크의 소리로 얻습니다. 저는 보통 이곳에 PZM을 사용하는데 이날은 녹음 부스 바닥이 카페트라 PZM을 가지고 가지 않았습니다. 이렇게 부스에 세팅을 하고. 프로듀서분에게 말씀을 드렸습니다. 한 공간에서 연주를 하기때문에. 나중에 믹싱때 세밀한 볼륨조정을 하기보다는. 녹음시에 음악적인 다이나믹스를 살려서 연주를 해달라고 했지요. 이덕분에 10분짜리 그것도 상당히 연주가 어려운 현대곡이기는했습니다만. 녹음시간이 거의 2프로를 사용을 하였다는..^^ 이러한 어쿠스틱 악기 녹음과 믹싱에는. 나중에 볼륨조절을 해가며 믹싱때 음악을 만들어가는 것도 좋지만. 기본적인 음악적인 느낌의 틀은. 연주자들이 녹음시에 그대로 연주를 해서 담아주는것이 좋은것 같습니다. 게다가 이렇게 한공간에서 연주할때는 이러한 부분들이 더욱 더 중요하게 되지요 다음으로는 생황입니다. 마이크는 노이만 USM69 를 XY로 세팅. 전 솔로악기를 XY로 녹음하는것을 무척 좋아하는 편입니다. 마이크 한개로 할때와 같은 바로 앞에서 들리는 임팩트는 없지만. 음..뭐랄까.. 소리의 정위도 뚜렷하면서도 자연스럽게 좌우로 펼쳐지는것 같습니다. 마이크프리앰프는 유니버셜오디오 2-610 처음에는 이 세팅으로 하였습니다. 가야금 소리는 우선 아주 만족스럽게 세팅이 되었고. 생황. 사진에서처럼 많은 사람들이 생황에 마이킹을 하는 윗쪽 사운드홀로 설치를 해보았습니다. 스피커에서 소리를 들어보니. 실제로 귀로 듣는것보다 소리가 조금 얇고 날카로운느낌. 마이크도 초고역이 비교적 롤오프되어있는 USM69에 마이크프리도 진공관의 유니버셜 오디오인데도. 약간 아쉬움이(사실 많은 아쉬움이..^^) 느껴져서 세팅을 바꾸어 보았습니다. 악기의 정면에 마이크를 설치 이편이 나무 악기 특유의 질감이 훨씬 더 표현이 잘 되더군요. 늘 국악기를 녹음할때마다 느끼는것이 있는데. 우리가 흔히 어쿠스틱 악기 녹음에 하는 방식인 "사운드 홀을 중심으로" 라는 편견은 국악기 녹음에서는 전혀 반대의 결과가 나올때가 참 많은 것 같습니다. 피리를 녹음할때도 저는 피리의 정면보다는. 오히려 측면에 마이크를 설치하는것이 개인적으로 더 마음에 드는 소리를 얻을 수 있더군요 이날 다시한번 느꼈습니다. 어쿠스틱악기의 녹음이라는것은. 늘 다시 처음으로 돌아가는 반복이구나... 내가 기존에 이 악기의 녹음방법에 대해서 생각하고 있던것을 때로는 모두 잊고 다시 처음대하는 악기를 녹음하는것처럼 생각하는것이 너무나도 중요한것으로 느껴집니다.. 하지만 그래도 몇몇의 기본은 늘 바꾸지 못하고 있습니다만. 그러면 더 좋은 방법을 찾아봐야지요^^ 아래는 부스의 메인 사진입니다.(생황 마이크 위치를 변경하기 전입니다.) 이 메인사진의 의미는 무엇일까요? 사실 어쿠스틱악기의 녹음에 있어서 늘 이곳에서 반복해서 여러번 이야기한것. 바로 연주자의 위치입니다. 서로 마주보는 형태로 위치한것은 서로 얼굴과 손을 보며 음악적인 타이밍을 보다 쉽게 맞출 수 있는것도 있지만 이렇게 세팅을 하는편이. 각 마이크로 들어오는 다른 악기의 소리가 자연스럽게 들립니다. 예를들어 가야금의 설치된 MG M930 XY 에. 패닝을 모두 벌려놓은 상태에서 소리르 들어봅니다. 가야금의 마이크프리의 게인을 아주 높힌편이기 때문에. 생황의 소리가 아주 많이 들어오지요 실제로 녹음된 비율은 가야금 마이크에 들어있는 생황의 소리가 60%이상 40%정도가 생황에 설치한 USM69의 소리입니다. 그렇기 때문에 가야금마이크에서 들려오는 생황의 소리가 아주 중요합니다. 음색도 중요하지만 이러한 경우 우선 "정위"를 저는 가장 먼저 신경을 씁니다. 가야금 마이크로 간섭해서 들어오는 생황의 소리가 가야금 마이크만 스테레오 들었을때도 정확하게 센터에서 들리도록 두 악기 연주자의 위치를 선정하고 결정합니다. 저는 이부분이 어쿠스틱 악기 녹음에 있어서 너무너무 중요한 부분이라고 생각하며. 저의 녹음방식중에서는 녹음레벨에 밸런스를 잡아서 하는것과 더불어 거의 전부나 다름없는 부분입니다. 마지막으로 메인 사진 하나더 이 자리에서 보면 가야금의 설치된 마이크가 이글을 첫번째 사진에 배해서 가야금의 정중앙쪽으로 좀더 이동한것을 볼 수 있는데요. 우선 아래의 사운드 홀에 설치한 RE-20의 경우는 위상 반전은 하지 않았습니다. 하지만 이렇게 같은 선상에 마이크를 두는편이. 위상이 좀더 깨끗하게 들리는것 같습니다. 무엇보다도 가야금의 소리도 손으로 연주하는 부분에서 조금 마이크가 떨어진 편이. 밸런스가 훨씬 더 좋게 들리는것 같습니다.. 글이라는것이 한번 쓸때. 집중해서 계속 써야하는데.. 어젯밤 늦은 시간에 시작해서. 다음날 점심식사 끝난 오후에 완성을 하니. 중간중간 들이 많이 비어버리는군요. 또 시간들은 많이 있으니까요. 모처럼만의 어쿠스틱 악기의 녹음 칼럼이었습니다. 벌써 스물한번째가 되었네요.

전 요즘 사무실에 있을때는. "내가 지금 무엇을 해야할까?" "무엇을 하면 되지?" 라는 생각을 지니며 조금은 허둥대고 있어요 실상은 아무것도 하고 있는것이 없는걸요.. 실제적인 녹음과 믹싱. 마스터링은 함께 하는 김현석씨가. 녹음에 관한 어시스트 및 진행부분은 남송지씨가 회사 전반적인 관리는 한영민씨가. 이렇게 세분이 너무나도 잘해주시고 계셔서. 저는 조금은 덩그러니..붕.. 떠있는것 같은 느낌을 받을때도 있어요. 최근에는 녹음들도 직접 하지 않는 프로젝트들이 많으니..녹음때 마다 느끼게 되는 그 흥분과 긴장들 그리고 그러한 감정들을 글로 남기게 되는 이 칼럼도 조용하고요. 요즘같이 지나치게 한가한 경우에는..칼럼에 무슨 이야기를 써야할지도..생각들도 떠오르지 않아요. 사이트의 이름도 오디오가이 영자가 운영하고 있는 레코딩 회사의 이름도 오디오가이. 이곳 오디오가이에는 늘 재즈나 클래식등에 음반 녹음과 믹싱. 마스터링에 대한 의뢰들이 있지만. 요즘에 진행되는 작업들은. 아..이 음악과 아티스트. 음반의 작업에 푹 빠져보고 싶다.. 라는 생각이 드는 음반이 드문 편입니다. 이러한 경우. 저는 녹음을 해도 나중에 분명히 마음에 들지 않는 결과가 많은 편인것 같아요. 다행이 5월과 6월에 아주 재미있는. 그리고 작년부터 상상만 하던 작업들이 구체적으로 계획이 있어. 곧 다시 집중하게 되겠지요. 이렇게 가만히 조용한 시간들을 꿈꾸다가도. 마침 그러한 시기가 찾아오면 왠지모르는 불안감.. 하하하.. 참으로 사람의 마음이란 신기하지요? 제작년말. 이제는 벌써 아늑하게 느껴지는 너무너무 많은 추억이 있는 광화문 용비어천가 오피스텔에 사무실에 있었던 작업. 바로 김두수씨의 최근 앨범 "열흘나비" 의 작업에 관해서 이야기를 하려 합니다. 김두수씨는 요즘 오디오가이 사이트에서도 가끔 뵐 수있는 리버맨뮤직님과의 인연으로 "자유혼"앨범의 믹싱을 하게 되면서. 그 이후로 늘 함께 음반작업을 해오고 있답니다. 이 분과 작업을 할때는 정말이지.. 음악에. 사람에.. 푹..빠져서 다른것은 잘 주변에 눈도 들어오지 않고 작업을 하는 편이지요. 이 음반작업을 할때는 김두수님 내외분이 침낭을 가지고 오셔서. 용비어천가 오피스텔에서 믹싱을 하는 일주일 동안 계시면서. 함께 작업을 하였어요(본래 댁은 양평) 많은 고민과 생각. 그리고 다시 반복의 시간들이 무수히 지나. 어느날 문득 내 손에 들어오게 되는 내가 작업한 앨범한장. 지금까지 수많은 앨범들 가운데에서도 기억이 가장 많이 남는 아티스트이시지요.. 다시 만나기 힘들만큼 존재자체가 참 좋은 분이니까요. 녹음은 양평에 있는 김두수님의 댁에서 이루어졌습니다. 집에는 사람이 한명 겨우들어가서 기타를 들고 마이크스탠드를 딱 설치할 수 있는 아주 작은 사이즈의 이동식 방음부스가 있고요. 마이크프리앰프는 그레이스 101. 레코더는 알레시스 HD24. 모니터스피커는 야마하 NS10M과 알레시스 RA100 파워앰프. 모두 김두수님의 레코딩장비이지요. 이번 녹음에서는 모든 기타. 보컬. 악기더빙에 MG UM930 마이크 단한개. 마이크프리앰프도 그레이스 101 한대 레코더의 컨버터도 HD24. 생각갔다아서는 케이블도 바꾸어보고 마이크도 바꾸고. 컨버터도 추가하고 그러고 싶은 생각도. 생각만 들었습니다. 생각만.. 기기들에 신경을 쓸 시간들에 좀더 다른 더 중요한 부분들에 더욱 더 많은 집중을 하고 싶었지요. 기본적으로 보컬과 기타는 김두수님이 직접 연주와 노래를 하시면서 녹음을 하셨고. 저는 더빙악기들의 마이크 세팅. 이렇게 양평에서 녹음이 이루어졌습니다. 세팅은 말할 수 없이 단순했어요. 첼로나 반도네온. 타악기등을 녹음할때만 UM930의 지향성을 반무지향성으로 바꾼것 정도. 그외에는 너무도 단순한 세팅입니다. 늘 그렇듯이 그레이스 101의 게인을 "적정하게" 조정을 하고요 참 단순하지만 "적정하다"라는것이 어찌보면 전부이기도 한것 같습니다. 이렇게 녹음을 해와서. 이당시 광화문 오디오가이 사무실의 믹싱 세팅은 야마하 DM2000 믹서에 누엔도4. 지금 보니 이 세팅으로 했던 음반들중 마음에 쏙 드는 앨범들이 많네요. 이 앨범도 그렇고. 이정식씨의 Oldies & Memories 도 그렇고요.. 컴퓨터의 오디오카드에서 DM2000으로는 AES/EBU로 연결 DM2000에서 타스캄 DVRA1000으로 디지털로 2트랙 믹스다운. 음반을 들어보신분들은 아시겠지만. 리버브는 정말이지 거의 사용이 되지 않고. 믹싱시에 이큐나 컴프를 사용하는것도 없습니다. 다만. 수 많은 시간동안(사실 일주일동안 한개의 앨범의 믹싱을 끝내는것이 그리 많은 시간이라고 볼 수 는없지요..) 하는것은 바로 "밸런스" 작업. 어찌보면 영자의 칼럼을 자주 보시는 분들은 이제는 지겨우실런지도 모르겠어요.. 잊을말락하고 또 무엇인가 재미있는 이야기가 나올때 쯤이면 다시 슬금슬금 또 나오는 "밸런스"이야기. 김두수님의 "자유혼"앨범 외에도 중간 여러 컴필레이션 앨범들에서도 함께 여러 녹음. 믹싱작업을 했었기때문에. 서로. 우리가 만드는 음반의 결과물에는 과도한 리버브나 그외 컴프레서 이퀄라이저등은 전혀 어울리지 않는다고 생각했기 때문이지요. 대신. 참으로 섬세하게 밸런스를 잡고 오토메이션을 했어요. 음악의 느낌. 아주 미세한 음량차이. +1.dB 씩 -1dB씩 밸런스를 조정하거나 혹은 이보다 더욱 더 미세하게 조정을 하기도 했었지요. 이 앨범이야 말로 밸런스로 시작해서 밸런스로 끝난 앨범이라고 자신있게 이야기를 할 수 있지요. 그리고 모니터링의 경우는 이 앨범작업을 진행하는 도중 한창 스피커가 바뀔때라 B&W CM1. 686. 685. 등을 니어필드로. 미드필드는 ADAM S3A와 B&W 804S 등이 왔다갔다를 반복했습니다만. 최종적으로는 김두수님 댁에서 사용을 하던 3~4인치 정도의 자작 풀레인지 스피커 하나로 작업을 하였답니다. 재미있게도 이 풀레인지 스피커에 사용한 파워앰프는 스피커의 20배 가격정도 되는 코드의 SOM650 파워앰프..^^ 김두수님 댁에서 사용하던 스피커라. 그 스피커에서 나오는 음색과 밸런스를 명확하게 아티스트가 인지하고 있고. 저역시 소리를 들어보니 아주 작은 음량에서도 밸런스 잡기가 무척이나 좋았답니다. 이 앨범의 믹싱시 평균 모니터링 레벨은 아마도 60dB도 되지 않는 무척 작은 소리로 작업을 했습니다. 최종 마스터링은 일본에서 하였어요. 마스터링시의 코멘트도 "믹싱때 음악적인 밸런스가 바뀌지 않도록" 이라고 코멘트를 했지요. 최근에 하는 작업들에서는 믹싱시에 이렇게 섬세하게 부분부분 오토메이션을 많이 하지 않는 편이에요. 전 다시 기다리고 있는지 모르지요.. 이렇게 순간에 스쳐가는 한음 한음에도. 비록 누가 알아주지는 않는다 하더라도. 내 자신이 다시 푹 빠져서.. 작업을 할 수 있는 음악과 음반과. 그리고 무엇보다도 그러한 아티스트들을 말이지요... 새삼스럽게 느껴지네요. 엔지니어는 누군가를 기다리는 직업이었나봐요. *글을 쓰기 시작하면서 플레이어에 걸어놓은 "열흘나비"앨범이 이제 막 6번트랙이 나오고 있을 뿐인데... 무엇인가 더 할 수 있는 이야기가 참으로 적네요. 아.. 그사이에 마지막 트랙을 들으면서 생각이 난것인데요. 이 앨범의 수록곡중 2곡은. 믹싱 모니터cd를 만든것에서 발췌를 하였답니다. 하루에 한곡 믹싱을 하고 다음날 오전에 전날것을 수정하고 또 새로운 곡을 하는 방법으로 하였는데요. 마음에 들지 않는 부분(물론 밸런스)를 수정하였다가.. 다시 되돌렸는데도 모니터 CD때의 음악적인느낌이 다시 돌아오지않아. 4배속이이었는지 8배속이었는지.. 그냥 모니터CD로 구운것을 마스터로 사용한 곡들도 있어요~

그제 울산에 있는 절친한 지인분에게 연락을 받고. 얼굴한번 보자! 라는 이야기를 하시길래. "그럼 내일 내려가겠습니다." 하고 훌쩍 다음날 울산에 다녀왔습니다. 자유게시판에도 잠시 써보았습니다만. 사실 전 요즘 이러저러한 생각들에 빠져있어요. 약간의 슬럼프라고 해야할까요? 사무실도 이전을 하고 아담한 크기의 사무실이지만 벌써 이동네와 사무실에 슬슬 정이들어갑니다. 대로변이라 창문을 열면 차소리가 시끄러워서 거의 창문을 닫고 생활하는 것이 아쉽기는 하지만 때로는 이러한 아쉬움이 하나 있어야 더욱 더 소중함을 느끼기도 하는 것 같아요 울산까지는 서울역에서 기차로 4시간. 이 기차안에서의 4시간이 정말 많은 것을 제게 선물해주더군요 늘 저의 스트레스와 슬럼프의 원인은 아이러니 하게도 "일이 많다." 라는 것입니다.(어떠한 일이 든지) 참으로 아이러니한일이 아닐 수 없어요 늘 이런저런 재미있는 여러 아티스트들과 작업을 하는 것을 상상을 하며 그저 혼자 즐거워하기도 한답니다. 그런데 현실에서는 너무 작업들이 많아 지면 오히려 힘들어지기도 하는것이지요. 그나마 올해부터는 보통 새벽6시나 그 이전에는 일어나서 하루를 시작하게 되면서 개인적인 생각을 할 수 있는 시간들이 참으로 많아져서 좋은 편이기는 합니다만. 기차 안에서 조용히 많은 생각들을 정리할 수 있었습니다. 이것이야 말로 여행의 로망. 아니 가장 큰 매력중에 하나가 아닐까 싶어요 서울에서 울산까지는 한번에 KTX가 가지 않기때문에 중간에 동대구역에서 내려서 무궁화나 새마을호로 환승을 해야합니다. 처음에는 이 환승이 그리 마음에 들지 않았어요. 시간을 절약하기 위해서 값비싼 KTX를 타는것인데 환승을 하면 중간에 기다리는 시간도 생기기 때문에 상대적으로 KTX를 타는 보람이 적어지는 것이 아닌가..하는생각도 들었고요 하지만 이번에 보니 환승이라는것 참 좋더라구요 정신없이 직선으로만 빠르게 가는 KTX에서 바라보는 길도 좋지만 이에 비해 우리가 본래 타던 무궁화호나 새마을호는 KTX에 비해서 길이 구불구불 하거나 빙~ 돌아가는 열차여행도 좋은것 같습니다. 무엇이든지 가장 짧고 빠른길로만 간다고 다 좋은것만은 아닌것 같아요 특히 빠른 KTX에서는 창밖의 풍경을 당연히 그렇게 생각하고 있다가 다른 열차로 환승을 하니 풍경들이 천천히. 그리고 넓게 하나하나 세밀하게 들어오는 것이 마음에 들었습니다. 갑자기 4배속 화면에서 느린 화면을 보는것 처럼 말이지요 중간에 환승하는 동대구역에서 대구하면 생각나는 오디오가이의 서정민친구에게 안부문자도 보내고(전 정말이지 누군가에게 안부전화나 문자를 잘 못하겠더라구요) 또 대구에서 처음 만나 지금까지 횟수로 3년째 일하고 있는 오디오가이의 한영민군에게도 문자 보내고. 중간에 한 20분정도의 시간이 있어서 제가 세상에서 가장 좋아하는 음식인 떡볶이를 사다가. 새마을호로 갈아타서 열차안에서 맛있게 떡볶이도 먹으며 나홀로 참으로 행복한 시간들을 보냈습니다. 서서히 창밖으로 지나는 풍경들을 보고. 중간중간 서는 생소한 역 이름들을 보며 이름 모를역에서 내려보고싶은 충동을 느껴보지않은 사람은 없지만 실제로 행하는사람은 드문것은 왜 그런것일까? 이렇게 중간중간 전혀 영양가 없는 공상들을 하며 아직 이른 봄이라 갈색 투성이의 텅빈 산자락 끝트머리에 있는 녹색의 소나무가 눈에 들어왔습니다. 문득 "아티스트"가 한겨울에 산에 우뚝솟아있는 소나무라면 나는 무엇일까? 라는 생각이 들더군요 아직 새싹이 돋기전인 봄이라. 산위에 있는 소나무 몇그루들은 푸르르게 누가 보아도 한눈에 쏙 들어오더군요 하지만 그 아래로는 아직도 갈색을 띄고 있는 여러 나무와 숲등이 보였습니다. 어떻게 보면 프로듀서는 이 소나무와 더불어 그 다른 나무들까지 함께 품고 있는 존재가 아닐까 싶어요 더불어 엔지니어는 이 소나무를 다음어 더욱 더 사람들의 눈의 그의 아름다운 존재를 고고히 빛날 수 있도록 만들어주지요. 요즘에는 오디오가이 레이블제작의 앨범들이 상당히 많은 편이에요. 앨범을 만든다는 것. 아무리 주변에서 음반시장이 사양산업이다. 해도 전 변함없이 이 일이 참 좋은걸요. 게다가 대부분 엔지니어만 담당을 하는 녹음의뢰가 들어오는 프로젝트들에 비해서 오디오가이 레이블의 음반은 프로듀서로도 함께 진행을 하고 있어서 여러가지 많은 것을 배우고 또 느낄 수 있답니다 단순히 엔지니어만 하고 있을때 음악과 소리. 아티스트를 바라보는것과 프로듀서를 하면서 바라보는 시각은 조금 달라지는 것 같아요. 소리에 관해서 어떤것을 양보해야 되고. 어떤것은 꼭 얻어내야 한다는것에 대한 판단이라고나 해야할까요? 요즘 오디오가이 레이블에서 주로 제작을 하고 있는 음반은 피아노 반주에 성악음반입니다. 여러 성악가분들과 계약을 해서 진행을 하고 있는데요. 이렇게 오디오가이 레이블에서 제작을 하는 경우는. 녹음과 믹싱. 마스터링만 할때보다. 무엇보다도 음악과 연주 그 자체에 많은 집중을 기울이는 편입니다. 첫번째로 음악이 좋고 좋게 들려야 다른 소리부분들도 함께 할 수 있는 것이니까요. 이경우 녹음전 연습할때 장소로 찾아가 미리 연습하는 광경을 구석에 앉아. 혹은 연습실 주변을 조용히 천천히 걸으며 소리를 들어봅니다. 대부분 첫번째 연습에서는 저의 의견을 아티스트분들이 먼저 물어보지 않는 이상은. 한두곡 연습하는것만 듣고. 음악에 관해서 이런저런 여러가지 이야기를 잘 하지는 않는 편이에요. 대부분 저보다 연세도 훨씬더 많으신분들일터러 게다가 음악적인 경험도 더 많으신 분들이니까요. 이번의 경우는 한두곡의 연습이 끝나고 성악가 분께서 저의 의견을 물으셨는데요. 많은 피아노와 성악의 경우. 우리는 노래(멜로디)의 선율과 성악가의 음색. 감정처리.등 여러가지 부분들에 먼저 주의를 기울이게 되지만 저는 아무래도 노래가 나오기 전의 피아노 전주부분에 많은 생각을 하는 편이에요 이번에는 이탈리아 가곡들. 피아니스트분에게 이러한 부탁을 드렸어요 피아노 전주부분만 들어도. 마치 이탈리아의 날씨 좋은 광장에 앉아있는데. 곁에서 비둘기들이 날아오르는 느낌으로.. 또 다른곡에서는 해가 뉘엿뉘엿 지고 있는 저녁 길가를 빠른 걸음으로 지나다 순간 한쪽의 좁은 골목을 시선을 고정하며 조금은 쓸쓸함이 느껴지는 골목길과 노을이 생각하는 느낌으로... 피아노 전주만 들어도 무언가 듣는 사람에게 그 환경이 마음속의 시각적으로 연상이 되도록 말이지요. 또한 우리의 삶속에서 많은 관계는 바로 사람들과의 "대화"로 이루어 지는것처럼 우리가 이번에 만들고 있는 음악세계에 있어서도 피아노와 성악가분의 음악적인 서로 악기간의 "대화"이기 떄문에 상대방의 호흡에 세심하게 귀를 기울이고 상대방의 음악속에 나의 음악을 자연스럽게 스며들어가는 느낌으로. 가장 많이 보게되는것은 사람과 그 시간들 함께 나누는것이기 때문에 우리모두 행복하게 연습시간을 즐기면서 하자! 라고 말씀을 드렸지요.^^ 역시 두분은 세밀하게 템포. 음색. 등에 관해서 직접적으로 말씀드리지 않고 이렇게 말씀드려도 단번에 그 뜻을 이해해주시더라구요. 최근에 "클래식 그 은밀한 삶과 치욕스런 죽음'"(도서출판 마티)라는 책이 발간되자마자 무척이나 흥미롭게 읽었습니다. 근래에 본 책들 가운데 이렇게나 재미있게 그리고 많은 생각들을 남겨둔 책은 참으로 오랫만이었는데요. 비단 클래식 음악 시장뿐만이 아닌 음반 레코딩 업계 전반적인것에 관한 시작부터 지금의 하향길(글쓴이의 표현을 빌리자면)에 관한 아주 적나라한 문체로 써내려가는 내용들. 그리고 알고 있지 못한 여러가지 에피소드들. 참으로 많은 생각들을 남겨두었습니다. 과거의 프로듀서들이 어떠한 일들을 했었는지 엔지니어들은 어떠한 일들을 했었는지 지금의 우리는 정말이지 모든것이 같추어 있는 환경에서 녹음을 하고 작업을 하고 있구나.. 특히 기억에 남는 부분중에 하나는 "소심한 프로듀서와 제멋대로인 지휘자가 만났을때 좋지 못한 최악의 음반이 나온다" 라는것이었는데 참으로 의미심장한 말인것 같습니다. 때론 우리 스스로가 음악에 대해서 너무 멀게 생각을 하고 있는것이 아닌가 싶어요 음악에, 그리고 이를 연주하고 만들어 내고 있는 아티스트에 관해서 말이지요. 음반프로듀서.엔지니어라는 것은 아티스트가 만들어낸 음악을 음반으로 담아내는것을 하는 사람입니다. 때로는 음악적인것 외에 자신의 음악적 재능을 최대한 극대화 해서 음반에 담거나. 아티스트가 가지고 있는 음악적인 장점들을 돋보이게 해서 음악을 사랑하는 청자들에게 전달을 하는 작업. 어떻게 보면 마음이 담긴 편지를 배달하는 것과 비슷할런지도 모르겠어요. 하지만 다른점은 프로듀서는 연애편지를 쓰는것을 곁에서 보며. 너의 생각을 온전히 잘 전달이 되고있는지. 편지를 받은 사람이 좋아할지. 아니면 쳐다도 보게 되지 않을지를 곁에서 조언을 해줄수 있다는것이지요 편지를 쓰는 사람은 난생처음 쓰는것이라 많이 긴장되고 두렵고 하겠지만. 함께 있는 프로듀서는 그러한 개개인의 특별한 시간들을 자신만의 생각과 더불어 함께 융화하고 있는 사람이니까요. 엔지니어는 이 편지의 글씨를 써줍니다. 받아본 사람은 전반적인 글씨체가 아주 마음에 들어 내용을 보기도 전에 간혹 홀딱 넘어오는 사람도 있지요. 아주 소수에게만 해당이 되는 비유일수도 있겠지만 음악계 안에서 이 안의 시각만으로 나자신과 우리는 보는것보다는 때론 조금 다른 일과 치환해서 보는것도 참 좋은 것 같습니다. 앞으로 오디오가이 레이블의 여러 음반의 프로듀서와 엔지니어를 함께 해나가며 이에 관한 이야기과 느낌들도 종종 남기도록 하겠습니다. [이 게시물은 운영자님에 의해 2009-04-22 14:09:31 기초음향에서 이동 됨]

지금 시간이 새벽1시 삼분. 최근들어 이 시간에 잠을 청하지 않는 것은 대단히 이례적인 일입니다. 사실 12시반이 넘어서 잠시 잠을청하려다..슬슬 몸에 기운이 빠지며 잠이 들려하는데. 이 칼럼에 대한 내용이 며칠전부터 머릿속에 뱅뱅 떠오르고 있어서.. 정리해서 글로 한번 남겨야 하는데.. 미루다...침대위에서 잠시 꽤 긴시간 고민을 하다. 곁에 있는 사람이 잠결에 깰까. 살금 살금 컴퓨터가 있는 방으로 돌아와 다시 노트북을 커버를 올립니다. 몇년전부터 제가 클래식 음악 레코딩에 완전히 빠지기 시작하면서 내용은 늘 클래식 녹음에 관한 이야기 일색. 드럼과 일렉기타나 베이스의 녹음과 여러가지 플러그인들과 아웃보드들을 사용한 믹싱 테크닉. 그리고 마스터링에 관한 독특하고 희한한 여러가지 방법들. 이러한 것들에 대해서 관심있고 궁금해하시는 분들이 훨씬 더 많을것이라 생각하는데 현재의 저의 관심사는 온통 어쿠스틱 악기의 녹음. 특히 클래식음악 녹음에만 신경이 집중이 되어있으므로 이에 관련된 내용들만 글로 남기게 되는것 같습니다. 언젠가 관심사가 마스터링으로 이동하게 되면 또 마스터링에 관한 여러가지 내용들을 많이 올리게 될런지도 모르지만요^^ 이번에는 원포인트레코딩과 멀티레코딩 원포인트 레코딩이라고 하면 비단 클래식 음악 뿐만 아니라 여러 어쿠스틱 악기녹음에서 자주 사용이 되는 스테레오 레코딩 방식중 한가지만을 사용해서 녹음하는것입니다. 예를들어 AB 스페이스 페어만으로 오케스트라를 녹음한다던가 아니면 MS나 ORFT 만으로 체임버등을 녹음한다던가..하는것이지요. 현대의 대부분의 클래식음악 녹음은 기본적인 원포인트가 메인이 되고(오케스트라의 경우는 데카트리 방식이 아직도 많이 사용이 되는것 같습니다. 더불어 각 악기들의 그룹이나 포지션마다 스팟(엑센트 혹은 보조)마이크들이 많이 사용이 되는것이 일반적인 녹음이라고 볼 수 있습니다. 저도 막 클래식 녹음에 입문했을때는 왠지모르게 원포인트 레코딩! 하면 조금 멋있어 보이고 대단해보이기도 하고 왠지모르게 원포인트 레코딩이 더 높은 수준의 녹음 방식이다! 라는 선입견에 사로잡혀서 한동안 이방식을 고수해서 녹음을 한적이 있었는데요 그래서 심지어 클래식 뿐만 아니라 재즈나 포크음악의 녹음도 이렇게 진행을 해본적도 있었지요 이렇게 하다가 결국은 원포인트니..멀티 방식이니.. 이러한 방법은 전혀 중요하지 않다고 생각이 되었습니다. 때론 원포인트가 어울리는 장소와 음악. 아티스트가 있고 또 멀티가 어울리는 경우가 있고 상황에 맞추어서 사용하는것이니 굳이 원포인트 레코딩이 멀티방식보다 더욱 더 높은 수준의 방식은 아니며 오히려 내가 원하는 대부분의 클래식 사운드는 오케스트라를 단 페어의 마이크(혹은 데카트리)만으로 녹음을 한것보다는 내가 원하는 목관이나 팀파니. 더블베이스등의 파트에 스팟마이크를 사용해서 함께 녹음을 한 소리가 대부분 훨씬 더 마음에 드는 경우가 많았습니다. 그렇기 때문에 한동안은 원포인트 레코딩에 관한것을 전혀 신경을 쓰지 않고 대부분 원포인트를 메인으로 거기에 여러 스팟마이크들을 사용해서 나중에 믹스를 하는 방법. 이 경우 대부분 메인 원포인트의 비중이 최종 믹스에서도 대부분 60-70%이상이 되는 경우가 대부분이었지요. 이렇게 최근까지 녹음과 믹싱 마스터링들을 해왔습니다. 그런데 바로 올해 최근들어 상당히 저의 관점을 바뀌게 되는 몇가지 일들이 일어났는데요. 최근들어서는 대편성 클래식 음악의 녹음이 무척 많은 편이라 참 많은 녹음들을 진행하면서 늘 통의동 오디오가이 사무실의 스피커들에서는 음악들이 흘러나오고 있지요 아래의 합창녹음 칼럼에 대해서 음반은 2장짜리 앨범이고. 한장은 영자가 녹음.믹싱 마스터링을 하고 다른 한장은 다른 클래식레코딩 회사에서 작업을 한것이 한개의 음반에 실렸습니다. 굳이 경쟁을 떠나서 같은 합창녹음에 관해서 다른 회사들은 어떠한 관점에서 바라보는가..가 무척 궁금해서 그 음반의 결과가 참으로 궁금했는데요. 앨범이 나오자 마자 들어보았습니다. 저도 그리 앨범의 음량을 마스터링시 올리는 편이 아님에도 불구하고 제가 작업한것보다 우선 작은 음량이더군요.. 제가 작업한것은 소리가 분명하고 각 파트의 소리가 잘 들어나는 느낌. 그래서 언뜻 들으면 귀에 확 들어게 들리기는 합니다만. 다른 회사에서 한것은 영자가 작업한 공연시 무대 바로 앞 1층 중간보다 조금 앞쪽에서 듣는 소리라면 이 회사에서 작업한 소리는 2층 발코니 가운데에서 음원의 직접음과 반사음이 적절하게 혼합이 되고. 전체적인 앙상블이 조화롭게 들리는 소리. 사실 저도 처음 들었을때는 이렇게 까지 생각을 하지 못했었는데. 사무실의 쿼드 2805 정전형 스피커와 린 칸 소형 스피커에서도 집에서의 보체디비나 티노리 스피커와 탄노이 3LZ 오래된 스피커에서도 다시 면밀히 들어보니 가장 먼저 다른 회사에서 작업을 한 음반은 무엇보다도 "연주가 참 좋게 들리더군요" 제가 작업한것은 각각의 음질은 선명하고 뚜렷할런지는 몰라도 "연주의 단점이 그대로 많이 들어나는편"이었고요 두 합창단 모두 국내의 일류 합창단에 지휘자. 물론 녹음공간은 모두 달랐습니다만 제가 작업한 것은 마치 스튜디오에서 작업한듯한소리 그리고 다른 회사에서 작업한것은 자연스러운 울림의 홀에서 녹음한듯한소리를 들려주었습니다. 이러한 결과를 나중에 깨닫고 참으로 많은 생각이 들었습니다. 과연 좋은 소리라는 것은 무엇일까? 내가 그토록 지금까지 칼럼등에서 이야기하던 "음악적인소리" 당장 귀에 듣기 좋은 음향적인 소리에 빠져. 이것만 생각하며 내가 녹음작업을 하고 있는것이 아닌가? 다시한번 뒤돌아 볼 수 있는 중요한 계기가 되었지요. ... 에피소드 하나 더. 작년 연말부터 마산 315 아트센터에 가서 마산시향과 마산시립합창단의 레코딩을 무척 여러차례 함께 진행을 하고 있는데요. 그래서 마산시향과 시립합창단의 지휘자분들하고도 서로 녹음을 하면서 음악적인 내용에 관해서 자세하게 의견을 나누며 .참으로 편하고 좋은 분위기에서 녹음작업들을 진행하고 있습니다. 실황녹음들 보다는 대부분 별도의 시간을 마련해서 진행하는 세션레코딩이었기 때문에 보다 더 제가 머릿속으로 생각해보던 여러 세팅들을 시도해볼 수 있었고 그리고 같은 장소에서 여러번 녹음들을 진행하면서 과거의 아쉬웠던 부분들을 수정해가며 좀더 좋은 결과들을 얻을 수 있었습니다. 그래서 가장 최근의 녹음은 음질적으로는 참 마음에 들게 녹음이 되었어요(아래 오케스트라와 합창녹음 칼럼 참조) 마산은 요즘 클래식 음악에 대한 의욕이 대단히 큰곳으로 놀라운곳은 공연마다 큰 메인 공연장의 객석이 꽉찰뿐만 아니라. 관객들의 수준도 대단히 높아서 공연중 무엇보다도 곡이 피아니시모로 끝나는 여음에서도 기침소리 한번 들을 수 없이 쥐죽은듯이 조용합니다. 정말 놀라우리만치 클래식 음악에 대한 열정과 많은 관심을 지니고 있는 곳이라 생각이 드는데요 영자가 이곳에서 레코딩을 진행하기 전에 과거 녹음된 음원들의 리마스터링을 담당하게 되었습니다. 마산시향에서 마스터CD를 받아서 다른 엔지니어가 작업한것은 어떨까 하는 궁금증에 한번 들어보았습니다 물론 연주한 곡은 다르지만 음원들은 대부분 실황음원들이었지요. 딱 들었을때의 느낌은. "아... 바로 이거야.. 이 자연스러운 느낌. 그리고 독일사운드 냄새가 나는 두터운 맛. 어딘가 과거의 유명 클래식 앨범들을 듣는 것과 같은 이 오케스트라의 음색" 무엇보다도 제가 녹음한 세션들보다 오케스트라와 합창단의 연주가 훨씬 더 좋게 들리는 것이었습니다. 오디오가이 레코드의 마스터링 엔지니어인 김현석씨가 리마스터링을 하면서 작업을 하고 저는 중간중간 들어보고 있었기 때문에 현석씨에게 이야기를 했습니다. 영자 : "아..이거 우리가 한것보다 제가 듣기에는 훨씬 더 좋은 것 같은데요? 연주도 더 좋고요" 현석 : 음.. 그런가요? 전 우리가 한것이 더 마음에 드는데요? 소리도 더 화려하고 거기에다가 저역도 더 풍부하고요. 영자 : 전 왠지 모르게 이 사운드가 과거 독일 클래식 사운드의 냄새가 나는것처럼 느껴져서 참 마음에 들어요 현석 : 아..그러한 부분들도 있기는 하지만 우리가 녹음한것에 비해서 목관파트와 팀파니가 조금 빈약하게 들리고 저역이 가볍게 들리는것 같아요.. 질감을 좋은 것 같고요.. 영자 : 전 그래도 이러한 사운드를 한번 만들어보고 싶어요.. 이렇게 서로 짧게 이야기를 하고 이 음악을 레코딩한 엔지니어가 누구일까 참 궁금했습니다. 그런데 며칠전 마산에서 또 새롭게 녹음작업 연락이 와서 세션을 진행하게 되었는데요 이때는 저는 가지않고 함께 일하는 김현석씨와 남송지씨 두분이 가서 다음날 녹음된것을 사무실에서 잠시 함꼐 들어보며 이야기를 했습니다. 지난번 제가 좋게 들었던 음원을 315 아트센터 음향감독님들이 녹음을 하신것이라고요. 마이크는 315 아트센터에 메인 ORTF로 달려있는 노이만 TLM170 과 바이올린 1ST와 첼로쪽에만 DPA 4011 스팟마이크. 이 4개의 마이크만 사용해서 녹음하고 현장에서 바로 2트랙 믹싱한 음원이었습니다. 물론 영자가 16개 혹은 24개 가까운 마이크들을 사용해서 녹음한것보다 초고역의 화려함이나 콘트라베이스와 첼로의 긁어대는 소리는 없지만 무엇보다도 음악이. 오케스트라와 합창단의 연주가 더 좋게 들립니다. 각 파트별 앙상블도 훨씬 더 좋게 들리고요. 대편성 오케스트라를 단 4개의 마이크만으로 녹음한 음원. 최근에 오케스트라의 메인 마이크를 대부분 소구경 마이크만 사용을 해서 그런지 우선 메인 대구경 마이크에서오는 중저역의 두터운 느낌이 참 좋더군요 물론 초고역의 투명도는 조금 떨어집니다만.. 무언가 소리는 투박한맛이 있지만 이것이 또 "멋"으로도 들린다고나 해야할까요? 이 이야기를 듣고 역시나 저는 다시 생각에 잠겼습니다.. 내가 요즘 무엇인가 잘못생각하고 있는것이 아닌가? 수십대의 마이크를 정신없이 빠듯한 시간에 설치를 하고 또 치울때도 정말 헥헥..거려야 하지요^^ 이 시간에 좀더 좋은 포지션에 메인 마이크를 세우는데에 더욱 더 많은 시간을 들여야 하는것이 아닌가 하는 생각이 들더라구요 메인과 더불어 각 파트마다의 스팟 마이크들을 설치하느라. 오히려 설치한 메인에서 아쉬운 부분이 생기는것을 스팟으로 자연스레 보정하게 되는것을 어느순간 그것을 제가 당연시 생각하고 있다는것을 알게 되었습니다. 어떻게 보면 중요한것으 굳이 수십개의 스팟마이크를 설치하지 않더라도 메인마이크만으로도 충분히 만족할만한 소리를 얻어낼 수 있는데 말이지요. 그리고 이번 칼럼에서 가장 하고 싶은 이야기.. 이러한 여러가지 스팟마이크를 사용한것에 비해서 원포인트 레코딩이나 마이크를 최소화한것은 위상차이 그러한것은 우선 거의 제껴두고(사실상 마이크를 아주 잘못 설치하지 않는이상은 메인과 스팟에서 위상차이를 느낄때가 그렇게 많지는 않습니다.(솔리스트 마이크제외) 원포인트 레코딩. 그리고 마이크의 수가 적은 레코딩은 무엇보다도 음악이 훨씬 더 수준높게 들립니다. 각 파트마다에 여러 스팟마이크들을 함께 사용을 해서 믹스를 하면 중간중간 틀리는 파트들이 스피커 앞으로 조금씩 머리를 빼꼼 내밀고 삐죽삐죽 튀어나오는느낌. 이라고나 해야할까요? 하지만 원포인트가 중심인 녹음에서는 이러한것이 없이 "앙상블이 좋게 들립니다." 음향엔지니어를 하고 있다 보면 머릿속에는 어떻게 하면 더 좋은 소리로 녹음을 할 수 있을까?에 관한 생각들도 머리가 가득차게 되지요. 하지만 이와 더불어 어떻게 하면 지금 아티스트가 연주하는 음악을 더욱 더 음악적이고 감동적으로 만들 수 있을까? 에 대한 고민의 시간은 마이크세팅을 바꾸어 보는것에 비하면 오히려 참으로 적은 것 같습니다. ...

일본에서 돌아오자 마자 급히 새로운 녹음준비를 하였습니다. 이번에는 늘 함께 작업을 하고 있는 색소포니스트 이정식씨의 새로운 앨범. "달의착시"라는 프리재즈앨범 이후로 늘 함께 작업을 하며. 늘 참 편안한 분위기에서 녹음을 진행합니다. 아마도 일요일날 녹음작업을 한것은 근래 4년만에 처음있었던 일인것 같은데요. 전 일요일만큼은 꼭 철저하게 쉬면서 나 자신을 보충하고 가족과 함께 시간을 지내자! 라고 생각을 하고 있어 일요일만큼은 결코 녹음을 하지 않는 편인데. 이번에는 특별하게 그렉오스비라는 미국에서 활동하는 색소포니스트가 2곡을 함께 참여를 하게되어서 그의 스케줄때문에 일요일에 녹음을 하게 되었습니다. 일요일 녹음이라 토요일날 녹음장소에 미리 장비들을 가져다 두고. 이번에는 큐관련 기기들까지 정말 몽창짐을 많이 가지고 갔어요 그래서 짐 옮기느라 함께 일하는 갸날픈 남송지씨가 정말 고생을 많이 했었지요. 다행히 녹음끝나고 이정식선생님과 연주자분들이 함께 기기들을 옮겨주셔셔 겨우 살았습니다.^^ 이번 녹음에 대한 의뢰를 받고. 녹음을 어디에서 진행을 할까.. 많은 고심을 했었는데요. 프로듀서와 상의를 한끝에 최근 이정식씨가 사당동에 자리를 만든 그의 연습실.에서 한번 해보자 라는 이야기가 나와서 연습실에서 하게 되었어요 여러가지 어쿠스틱 녹음을 하다보면 늘 공간에 대한 부분을 가장 먼저. 그리고 가장 많은 신경을 쓰고 있는 편인데요. 이번에는 작업실. 공간은 약 10평 미만으로 이곳에 야마하 C3 그랜드피아노가 있고 연습을 위한 간단한 PA시스템과 드럼등이 있어요 연습실이기 때문에 바닥은 카페트부터 사방의 벽면은 패브릭흡음재. 게다가 바닥도 걸어다닐때 마다 조금은 붕붕 하고 울리는 편이라 녹음에는 그리 맞지 않을 듯 했습니다만. 흔쾌히 이곳에서 녹음을 한번 진행해보자.. 라는 생각이 든것에는 사실 한가지 이유가 있어요. 많은 사람들이 경기 불황을 이야기하지만. 불황을 이야기할때 사실 "음반"만한 것이 또 있을까요? 얼마전 "클래식, 은밀한 삶과 치욕스런 죽음"이라는 책을 구입해서 너무너무 흥미진진하게 보고 있는데. 비단 이 책은 클래식 음악산업 뿐만이 아니라. 레코딩 산업 전반적인 현재의 상황에 대한 아주 적나라한 이야기가 많아서. 필터를 거치고 받아들어야할 내용도 있지만 무척 공감이 되는 내용도 많은 편입니다. 이러한 음악시장에서 게다가 "재즈" 멋진 공연장과 커다랗고 모든것이 구비되어있는 녹음실에서의 재즈녹음도 좋지만 사실 앞으로 재즈녹음들 역시 기존의 팝앨범들과 마찬가지로 이러한 작업실에서의 녹음들이 분명 많아지지 않을까 하고 조심스레 추측을 해봅니다. 이러한 여러가지 생각들이 들었고 무엇보다도 이번 작업은 색소포니스트 이정식씨가 직접 만든 그의 레이블에서 나온것이기 때문에 앞으로 이 앨범 외에도 다른 여러 재즈아티스트들의 앨범을 기획 제작하고 있는 그분의 입장을 생각해서도 가급적이면 부담이 최소화되는 장소에서 진행을 한번 해보고 싶었습니다. 사실은 조금 자신은 없었어요. 공간의 반향음도 없고. 소리도 답답하게 나고.. 하지만 그래도 해보았습니다. 녹음전 일본 출장전에 미리 기기와 간단한 마이크들을 들고 방문을 해서 피아노와 색소폰을 테스트녹음해보았는데. 생각했던 것 보다는 괜찮은 결과를 들려주어. 바짝 집중해서 한번 해보면 어떻게든 괜찮은 결과를 이끌어 낼 수도 있겠구나..라는 생각이 들었습니다. 참 요즘에는 글을 쓰고 싶은것은 많은데 왠지모르게 마음속에 있는것을 타 톡톡 털어서 끄집어 내기 보다는 그냥 무난하게. 무난한 내용들만 그리고 가급적이면 짧게 쓰여지게 되는것 같아요 저는 글을 쓸때 마음을 하나둘 정리를 하고 급박한 현실들 속에서 조금이나마 안정을 얻는 방법이기도 한데. 글을 쓸때는 그 이후의 약속이나 내용들이 있으면 저는 아무래도 잘 되지 않더라구요^^ 하하.. 그럼 시작해봅니다. 먼저 콘트롤룸 정말 남송지씨와 낑낑대고 무거운 탄노이 AMS-8 스피커를 가지고 갔는데. 양쪽의 음색이 달라서 결국은 사용하지 못하고 연습실에 있던 야마하 하이파이 스피커를 모니터로 사용을 하였습니다. (탄노이는 바로 스피커 받침이 되는 신세) 한통에 20kg이나 하는 스피커 옮기느라 무척 힘들었는데. 가서 단순히 스탠드 역할만 하게 되어서 아쉬웠습니다. 기왕이면 녹음하고 좀더 정확하고 좋은 소리로 아티스트들을 기쁘게 해주고 싶은것이 우리네 엔지니어들 마음이니까요. 하이파이 스피커는 야마하의 소아보라는 시리즈인데 아주 인클로저가 묵직하더군요 하지만 소리는 저역은 가볍고 찰랑 거리는 고역이 너무 많게 들리는것이 조금 아쉬웠습니다. 그래서 소리들이 헤드폰으로 들엇을때보다 묵직함이 없이 조금은 가볍게 들리기는 했습니다만 그래도 스피커로 녹음후 모두 함께 소리를 들을 수 있다는것만해도 감사하지요~ 녹음기는 오디오가이의 붙박이 레코더 새디 LRX-2 그동안 원체 많은 기기들을 바꾸었지만 이것은 바꾸기에는 누가 살 사람도 없고 게다가 가격도 너무 고가이고요^^ 하지만 너무너무 만족하는 음질과 안정성의 제품입니다. 모니터 헤드폰은 전 늘 2가지를 가지고 다니는데 하나는 소니 V900 다른 하나는 울트라손 PRO2500 입니다. 거의 울트라손으로 각 녹음된 음색들에 대한 판단을 많이 하는 편이에요 마이크프리앰프는 이번녹음을 위해서 트루시스템 프리시전8 채널 프리앰프를 그냥 확. 구입해버렸습니다.^^ 정말이지 저는 유독 녹음장비를 구입하는것에 관해서는 경제적인 관념을 완전 상실하고 지내는것 같아요 평소에는 가급적이면 작은 금액이라도 한푼 아끼려고 무지 조심하는데. 음향에 관련된 기기만큼은 그저 과감이 우선 지르고 봅니다..ㅜ.ㅜ (지난달에는 MBHO 604 마이크 4개나 새로 구입을 해서..) 하지만 색소폰같이 조금은 두꺼운 질감이 필요한 음색에는 저는 꼭 트루시스템의 소리가 필요하다고 생각을 했어요 위에 있는 밀레니아는 뭐.. 정말 좋은 프리앰프. 이번에 밀레니아로는 피아노 4채널. 킥. 스네어. 탐탐 마이크를 사용하였고 트루시스템 프리로는 색소폰 마이트 2채널. 콘트라베이스마이크. 심벌마이크 해서 5채널을 사용하였어요 그런데 녹음을 하고 보내 생각했던 것 만큼 새디내장 프리를 사용한것과 많은 차이를 들려주지는 않았습니다만. 그래도 기본적으로 이 8채널짜리 마이크 프리 2대면 재즈이든 클래식이든 국악이든 마음 놓고 안심하고 녹음할 수 있는 프리들이라 생각합니다. 아니..안심이 아니라 너무너무 좋은 환경이지요. 그 옆에 살짝 보이는 것은 브리카스티 디자인 M7이후 완전히 찬밥 신세가 되어버린 렉시콘 PCM96 사실 이것도 정말 참 좋은제품인데.. 요즘은 스튜디오의 컨트롤룸에서는 사용하지 않고 이렇게 로케이션 레코딩때 아티스트들 모니터 리버브로만 사용하는 편입니다. 그럼 이제 마이킹으로 넘어가서 먼저 피아노 마이크. 전 언제나 피아노. 피아노. 피아노. 나중에 경제적으로 여유가 생기는 일이 저의 인생에도 과연 찾아온다면 커다란 단독주택에 넓은 거실에 아주 소리 좋은 그랜드 피아노를 두는것이 저의 꿈 중에 하나랍니다. 이번에는 야마하의 C3 보통 많이 녹음하는 C5.6.7 보다 한결 작은 사이즈. 하지만 이렇게 작은 사이즈의 피아노들 나름대로의 더욱 더 깔끔하고 깨끗한 맛은 있는것 같아요 어떻게 보면 상태 좋지 않은 C5.6 보다 새것 상태의 C3가 훨씬 더 좋다고 느꼈습니다. 사실 이번 녹음은 이곳에서 강행한데 가장 큰 결정을 내리게 된 결정적인 이유는.. 테스트녹음을 하고 피아노와 색소폰을 들어보는데 소리에 대한 의견을 함께 일하는 남송지씨에게 물으니.. 피아노 소리가 우리가 얼마전에 녹음한 "모" 스튜디오보다 더 좋은 것 같아요 라는 말에 귀가 얇은 저는 번쩍! 좋아요. 그럼 이번녹음 이곳에서 진행합시다! 라고 프로듀서와 아티스트들에 이야기를 했었답니다. 역시 녹음을 하고 들어보니 이정식씨도 피아노소리에 무척 만족을 하시더라구요 사진의 깜짝 출연한분은 색소포니스트 이정식씨의 따님이자 이번 앨범의 피아니스트 영자와 같은 학교에서 이미 몇번 만나고 함께 작업도 한적이 있었답니다. 학교다닐때 부터 무척 인상적인 연주를 들려주었었어요 피아노 마이크의 세팅은 지금까지 저의 칼럼들을 유심히 보신분들이라면 무척 실망하실듯 합니다. 어쩌면 그렇게 저는 피아노 녹음할때마다 세팅이 다 똑같을까요.ㅜ.ㅜ 새로운 피아노 마이킹 방식도 한번 시도해보고 또 배우고 싶습니다.ㅜ.ㅜ 여러번 녹음을 해본끝에 피아노가 스타인웨이인경우는 해머자리에 노이만 usm69를 사용을 하고 야마하인 경우는 MG M930 스테레오 페어를 XY로 사용을 합니다. 제가 원하는 피아노 사운드의 70%는 바로 이 해머위의 XY 세팅 그리고 나머지 공간감과 초고역을 보충하는 세팅은 반사판 굴곡근처 대부분의 클래식 피아노 녹음 세팅에 있어서 일반적으로 아주 많이들 사용하는 위치로 알려져있고요 이번에는 처음으로 MG M300페어(일본 녹음여행 이후로 저의 사랑을 듬뿍받고 있습니다. 곧 아래 드럼녹음에서도 아시게 될것이에요)를 사용해보았는데.. "아차..왜 진작에 이렇게 사용할 생각은 하지 았았을까??" 동사의 M295 보다도 오히려 M300이 더욱 더 마음에 드는 소리를 들려주었습니다. 중역이 조금 밝은 캐릭터가 있는 M300이 그랜드 피아노 녹음에 좋을것 같다라는 생각을 그동안 MBHO 604 등에 밀려서 해보지 못하고 합창 반주에 사용이 되는피아노들에나 사용했었는데. 이번에 들어보니 클래식 피아노 녹음에서는 메인 마이크로 사용해도 아주아주 좋겠구나.. 다음번 홀에서 하는 클래식 피아노녹음에서는 꼭 사용을 해봐야겠다.." 라는 생각이 들정도로 만족스러운 제가 지금까지 위의 세팅에서 얻었던 것과는 조금 캐릭터가 다른 소리를 들려주어서 무척 재미있었습니다. 다음은 역시 피아노와 함께 이번녹음의 주인공이라 할 수 있는 색소폰 마이킹 처음 두곡은 이정식 테너색소폰과 그렉오스비의 알토색소폰이 함께 쿼텟과 연주를 하였습니다. 이정식 테너색소폰에는 텔레푼켄 USA M16MK2 아주 거칠거칠한 중역의 캐릭터가 테너색소폰에는 정말 딱이지요. 그렉오스비의 알토색소폰에 MH UMT70S 단일지향성 사용 알토색소폰 세팅을 하는데 그렉오스비가 색소폰에 마이크를 한개만 사용하는가? 하고 물어보더군요 그래서 그렇다고 하고 설치를 하려는데 벨위에 마이크 포지션을 자신이 연주하면서 집어주길래 속으로 살짝쿵 "울컥'하는 마음이 들었습니다. "쨔사 색소폰은 거기에 두면 벨에서 진동이 되는 기본음과 서브톤이 위주로 나오기 때문에 키에서 나오는 배음들도 함께 녹음하면 마이크를 좀더 높여야해!" 라고 말하고 싶었지만 아주아주 단순한 영어밖에 하지 못하는 저는 순순히 그곳에 마이크를 두었지요 사실 나쁜자리도 아니었고요^^ 그리고 나서 나도 색소폰을 연주했었다..그래서 색소폰 소리를 좋아한다..라는 이야기와 그렉오스비의 악기에 대해서도 잠시 이야기를 듣기도 했는데 대만제의 색소폰으로 프로연주자들은 대부분 셀마나 야마하 혹은 쥴리어스등을 사용하는데 대만제 색소폰을 사용하는 프로연주자는 처음 보았습니다.^^ 첫곡을 녹음하고 나서 바로 사운드체크겸 들어보았는데 (자기가 생각했던것보다는 괜찮네..라는 느낌으로) 색소폰 소리가 마음에 든다고 하더군요.. 하하하..^^ 저도 그냥 무난하게 녹음이 되었다고 생각이 들었습니다. 다음은 그렉오스비가 연주하는 2곡이 끝나고 색소폰한대의 녹음 사진 역시 이 경우는 저도 늘 색소폰에는 2대의 마이크를 사용합니다. 본래 벨쪽에 텔레푼켄USA를 키 쪽에 MG를 두었었는데 소리를 들어보고 이번에는 벨쪽에 부드러운 성향의 MG를 키쪽에 텔레푼켄을 설치해서 두었습니다. 아직 사무실에서 녹음된것을 들어보지는 못했지만 녹음당시의 소리는 무난하게 마음에 들었습니다. 하지만 역시 조금더 녹음공간에서 반향이 있었더라면 좀더 좌우의음폭이 넓은 소리로 할 수 있었을텐데..하는 생각이 들더군요 다음으로 콘트라 베이스 이번에 가장 많이 세팅을 바꾼 베이스입니다. 한 공간에서 피아노. 베이스. 색소폰을 모두 함께 하였고. 드럼은 거실에서 녹음을 하였는데요. 베이스의 소리가 실제로 귀에 들리는것보다는 너무 얆거나 혹은 자연스럽지 못하게 들려서 이런저런 세팅들을 조금 많이 바꾸어 보았습니다. 이렇게 같은공간에서 녹음을 하는 경우는 저는 베이스에 라인도 함께 받아서 믹스를 하는 편인데요 이번에는 얼마전에 구입한 API 512B 의 DI를 사용 마이크는 MG UM930을 사용하였습니다. 사진 뒤에 보이는 파란색 랙이 API 마이크의 위치는 본래는 지금의 브릿지 보다 좀더 위로세팅(전 보통 이곳에 마이크를 두는것을 좋아합니다.) 그러다가 좀더 저역의 파워감을 줘볼까..하고 F홀 아래로 세팅.. 과다하게 붕붕거리는 저역을 줄여볼까..하고 결국은 절충해서 브릿지근처로 세팅을 하였는데요. 사실 여기에 마이크를 두고 녹음한것은 이번이 처읍니다. 마이크는 UM930을 사용하였는데 조금은 만족스럽지 않았습니다. 이렇게 개성적인 고가 마이크들은 잘 맞으면 정말 멋진 소리를 들려주지만 그렇지 않으면 보통보다도 못한 소리를 들려줄때도 많이 있는 것 같습니다. 녹음하는 내내 마이크를 다른것으로 바꾸어볼까..라는 생각을 했었지만 녹음 중간중간 원체 베이스 마이크를 자주 바꾸고 세팅을 한터라.. 또다시 마이크를 바꾸어서 들어보는동안 아티스트들의 연주에 대한 집중력이 떨어질것같은 생각도 들고. 또 조금은 눈치도 보이고 그렇더군요^^ 과거 재즈 콘트라베이스 녹음에서는 브릿지에 DPA 4006같은 무지향성 펜슬 마이크를 넣기도 하고 여러 시도돌을 많이 했었는데 갈수록 너무 쉬운 세팅방법으로만 하려고 하는것은 아닌지 모르겠습니다. 다음번 재즈 녹음에서는 꼭 콘트라베이스를 마음에 쏙 드는 사운드로 녹음을 해야겠다..라고 마음을 먹었답니다. 사실 재즈녹음에서 저는 대부분 이번에는 피아노를 어떤 세팅과 마이크로 해볼까. 색소폰과 드럼을 어떻게 해볼까..미리 생각은 많이 하는데 베이스 녹음과 사운드에 관한것은 늘 머릿속 조금은 뒷편으로 가있는것 같습니다. 마지막으로 드럼 이번에는 드럼을 응접실에서 녹음을 했는데. 사방이 흡음으로 되어있는 연습실과는 달리 일반적인 주택이나 사무실의 응접실들 보다도 좀더 소리가 울리는 공간이라 드럼의 심벌의 여음들이 초기반사들과 섞여 너무 정신없이 많이 들려서 상당히 고생을 했습니다. 그래서 다른 책장에 있던 파티션으로 감싸고 옷걸이들을 가지고 와서 드럼 옆에 두고. 오버헤드 마이크의 위치를 조정하고 그리고 흡음이 될만한 것은 주변에 많이 가져다 두었는데요. 이렇게 공간 반사음을 살리면서 라이브한 것을 개인적으로는 아주아주 사랑하는 편인데. 아무래도 라이브한 소리는 어느정도 크기가 큰 공간에서가 좋은것 같습니다. 그렇지 않고 크기가 작은 공간에서 라이브한 소리를 얻는다는 것은 무척 까다롭고 어려운일인것 같아요 여러가지 파티션들과 다행이 겨울이라 두꺼운 옷들을 드럼 주변이 치렁치렁 걸어두었습니다. 오디오가이의 한영민군도 무척 애용하는 깔깔이도 함께 동원. 가장 중요한 메인 오버헤드 마이크는 노이만 USM69 초역이 침착한 소리를 지니고 있는 이 마이크는 심벌소리가 너무 날카롭지 않고 부드럽게 들어와서 무척 좋아하는 편입니다. 어서 한대더 구입하고 싶어요.(기왕이면 구형 진공관식 노이만 SM69로..*^^*) 다음으로는 킥 드럼 마이크 킥드럼에 사용한 마이크는 예상을 깨고 MG M300 저는 본래 무엇에 한번 필이 꽃히면 거기에 무척 열중을 하는 편인데요(이글을 보시는 아마 많은 분들도 그러시리라 생각합니다.) 최근에 필이 제대로 박힌 MG M300 소구경 콘덴서 마이크를 킥에 한번 사용해보았습니다. 소리를 들어보니.. 아.. 킥드럼에는 대구경 마이크가 좋을것 같다..라는 우리의 선입견은 도대체 어디서 생기게 된것이었을까요? 제가 지금까지 녹음한 재즈드럼의 킥사운드가운데 가장 저의 이상에 가까운 만족스러운 소리를 들려주었습니다. 이마이크를 설치하기전에 혹시 콘덴서라 피크가 뜨지 않을까..얼스워크 킥 패드를 연결했어야 했나..라는 의구심을 잠시 하기도 했었지만 제가 원하는 중음이 조여지고 저역이 살짝 풀어지는 통통거리는 재즈음악에서의 킥 드럼의 느낌을 너무 잘 살려 주더군요 마이크프리앰프에서 패드도 없이 아주 깨끗하게 소리를 받을 수 있었고요. 이번에 일본에 갔을때 오사카의 한 음향샵에서 오디오테크니카의 ATM25를 보고.. 아..이것을 살어 말어.. 무척 고민을 했었는데 사지 않기를 잘했다는 생각이 듭니다.(물론 있으면 더욱 더 좋겠지만요) 여러분들도 재즈같은 소프트한 음악에서 킥 드럼에 비단 M300이 아니더라도 소구경 마이크를 꼭 한번 사용해보시라고 추천해드리고 싶습니다. 이번 녹음의 큰 수확중에 하나였습니다. 그리고 이번에는 킥 드럼 마이크의 위치를 심벌의 간섭을 생각해서 조금 아랫쪽으로 해보았는데 콘덴서 마이크임에도 불구하고 심벌소리가 많이 들어가지 않고 킥 소리만 적절하게 분리되어 녹음이 되었습니다. 킥드럼 마이크를 설치할때 조금 낮게 해보는것도 참 좋더군요 다음으로 스네어 드럼 이번에도 놀랍게도 역시 MG M300 하하하.. 스네어 소리도 생각했던것 보다 정말 마음에 들더군요 킥과 스네어 마이크의 프리는 밀레니아를 사용했는데 프리앰프의 가장 작은 볼륨에서도 거의 피크에 가까운 소리를 들려주는터라. 다행히 새디의 AD컨버터에는 무척 성능좋은 리미터도 자동으로 달려있어서 아주 안심하고 녹음을 하였습니다. 이번에는 브러쉬는 전혀없고 모두 스틱으로 게다가 스네어를 강하게 치는 곡들도 많았는데 아주 문제없이 그리고 상당히 놀랄만큼 좋은 스네어 소리로 녹음이 되었습니다. 이 역시 슈어 베타57을 함께 가지고 갈까..라고 잠시 고민을 하다 가지고 가지 않았었는데 M300만으로도 충분한 생각이 들었습니다. 마지막으로는 탐탐 보통 저는 재즈음악 녹음할때 드럼에 오버헤드와 킥과 스네어 4개의 마이크로 많이 하는 편인데요 이번에는 탐탐에도 마이크를 사용 역시 드럼에 콘덴서 마이크를 사용하는것을 좋아하는 저는 MG UMT70S 단일지향성으로 탐탐. 소리를 들어보니 나쁘지는 않았지만 이 역시 M300을 한번 사용해보았으면 어떨까 하는 생각이 들더군요 UMT70S의 소리자체가 중역이 조금은 부드러운 편이라서 탐탐의 어택음이 좀더 강하게 들어왔으면..하는 느낌. 이번에는 탐탐 마이크로 남는 콘덴서마이크가 70S밖에 없어서 이것을 사용해보았지만 다음에는 탐탐에도 꼭 소구경 마이크를 한번 사용해보려고 합니다. 글을 쓰면서 보니 문득 MBHO 604 초지향성을 한번 사용해보면 어떨까 하는 생각이 강하게 드는군요^^ 이번 녹음은 이렇게 마무리가 되었습니다. 앨범의 절반정도만 이날 녹음을 한터라 다음번 녹음때도 좀더 다른 세팅과 마이크의 선택으로 한번 해보려고 합니다. 녹음 끝나고 차에서 오는길. 함께 일하는 남송지씨가. 재즈녹음을 오랫만에 해서 너무너무 좋다라구 하더라구요 녹음전 설레여서 잠을 잘 이루지 못했다고 하면서 오디오가이에서 재즈녹음들이 좀더 많았으면 좋겠다라고 하는 이야기를 듣고 최근에는 내가 너무 클래식 녹음에만 열중을 한것이 아니었나..하는 생각이 들었답니다. 사무실로 음향영상설비메뉴얼 책이 지금막 도착하고 있네요. 그래서 오늘의 글은 여기까지..^^

지난 2월20일부터 27일까지 일본 오사카로 짧지만 긴 여운을 남겨주었던 녹음여행을 다녀왔습니다. 저는 보통 아주 길거나 혹은 아주 짧은 호흡으로 글을 쓰는편을 좋아하는데. 이러저러한 컴퓨터의 오류로 쓰던 글을 바짝 날리고 나면 허무해져서 그냥 쓰지 않거나 표현들도 훨씬 더 단촐해져서 짧게 그냥 끝내는 경우도 많은 것같습니다. 이번녹음은 독특하게도 일본어로 불리어지는 찬송가. 저는 개인적으로 참 오랫만에 찬송가를 녹음하게 되어서 이제는 이쪽관련 작업은 하지 않겠다..라고 마음속으로 먹어두었던터라 참으로 오랫만이었습니다. 참.. 이렇게 쓰던글을 잃어버리고 다시 글을 쓰기시작하니.. 다시 처음부터 하는것은 왠지모르게 마음이 내키지 않고.. 어디서부터 이야기를 해야할런지 모르겠네요. 그래도 짧지만 서두는 다시 시작이 됩니다. 2월20일 오전에 오사카로 도착을 하여 우리가 머물 제작자분의 댁에서 연습과 함께 레코딩 테스트를 하였습니다. 이음반의 제작자분은 일본에 거주하고 계신 한국분으로 음반의 기획.제작과 더불어 작사와 몇몇곡의 작곡도 함께 담당을 하였습니다. 일본 오사카에서 한적이 떨어져있는 아주아주 조용한 주택가.. 골목골목이 참으로 정비가 잘되어있더군요 게다가 집안의 분위기도 아주 깨끗하고. 제가 너무너무 좋아하는 레트로(빈티지)스타일로 집이 꾸며져 있었습니다. 보니까 일본은 여러모로 빈티지의 천국(사실 일본은 거의 모든 문화의 천국인것 같습니다.)이더라구요 이러한 집안의 하나하나 가구와 물건들을 보면서.. 아..나는 왜 오래전 물건들을 지금은 거의 다 버리고. 이제는 오히려 오래된 느낌이 나는 새물건을 찾고 있게 된것일까.. 하는 생각이 들더군요 과거에 아버지가 만드시고 직접 오랜시간 문양을 넣으셨던 장농이나..어릴적 신당동 도깨비시장에서 구입한 깁슨 전자기타. 등등 시간의 흐름과 함께 물건의 가치와 그것을 바라보는 나의 주관적인 시각도 많이 바뀌게 될런지는 이전에는 알지 못했었어요 제작자분 집의 거실에서 간단한 마이크테스트겸 연습이 시작 되었습니다. 그런데 생각외로 거실에서의 소리가 괜찮게 녹음이 되는것이 아니겠습니까? 사진에서 기타를 잡고 노래를 부르고 있는 프로듀서분도 "기타소리가 실제 듣는것보다 더 좋게 녹음이 되는것 같아요." 라고 이야기를 해주어서 참 기분이 좋았습니다. 이렇게 일본에 도착한 날 간단한 연습겸. 저도 준비를 끝내고 다음날부터 바로 녹음이 시작이 되었습니다. 그 첫녹음으로 사실 이번 녹음의 거의 모든 장소들이 그렇지만 조금은 독특한 곳 일본철도회장님 댁. 안에 있는 자그마한 홀입니다. 이곳은 오자와세이지나 이작펄만등이 공연전에 들러 리허설을 하기도 하고. 지인분들과 함께 공연 혹은 때때로 녹음도 이루어지는곳이라고 합니다. 이역시 산 바로 아래에 있는(우리나라로 치면 평창동 같은) 집의 2층에 이러한 공간을 만들어 두셨는데요 내부는 이렇게 생겼답니다. 원래는 무대 턱 바로 앞에는 모두 의자가 있었는데요 마이크세팅을 하고 나서 프로듀서가 모니터링을 하더니.. 좀더 공간의 느낌이 마이크에 담겨있으면 좋겠다!라고 코멘트를 해서 잠시 고민을 하던중 프로듀서에게 이야기를 했습니다. 영자 : 우리가 조금 노가다를 한번 하면 좋을 것 같습니다. 프로듀서 : 어떤것인가요? 영자 : 여기에 있는 의자들을 모두 치우면 훨씬더 공간의 느낌이 잘 살아날것 같아요 프로듀서 : (단일초의 주저함도 없이) 지금 바로 치웁시다^^ 그래서 위와 같은 모습이 되었습니다. 사이즈는 그리 크지 않은 아담한 크기로 나무의 느낌이 매우 따듯한곳입니다. 나중에 실제로 녹음된것을 들어보아도 무척 따듯하고 편안한 소리로 되었더라구요 이번에 사용한 기기는 변함없이 새디의 LRX-2 사실 녹음바로 전날까지는 오디오가이의 한 가족분이 빌려주신 오디오인터페이스를 가지고 가려고 준비를 하고 있었는데. 오디오인터페이스에 마이크프리앰프까지 함께 챙기려 하니 짐을 들고가기가 어려워져서. 저렇게 콤팩트한 사이즈에 의외로 성능이 좋은 마이크프리앰프까지 내장하고 있는 새디 LRX-2를 가지고 갔습니다. 이번녹음에서 보컬마이크 MG UM930 첼로 MG UMT70S 클래식 기타 MG M300 엠비언스 마이크로는 MBHO 648PZM입니다. 본래 메인으로 MBHO 604 무지향성 페어를 함께 사용을 하려고 했으나 가지고 가기가 어렵게 되어 메인이 없이 사용을 하였는데요 이번녹음 내내.. 만약 이번에 MBHO 648PZM이 없었다면 과연 어떻게 되었을까..라고 생각할만큼 PZM 마이크의 역할이 너무너무 컸습니다. 게다가 이번에는 한곡들마다 녹음장소가 다른. 제작자와 프로듀서가 각 곡의 느낌과 어울리는곳을 어렵게 찾아서 녹음장소로 선택한 만큼. 녹음장소의 느낌을 최대한 자연스럽게 그대로 담는것이 이번 녹음의 목표였으니까요 MG UM930 이번 녹음의 보컬의 대부분이 프로가 아니기 때문에 이 마이크를 선택하였습니다. 이마이크는 개성이 원체 강해서. 특히 초고역이 무척 화려하게 들리는 편이라. 노래의 단점들이 잘 표현되지 않는것이 오히려 가장 큰 장점이랍니다. 너무 자연스러운 마이크를 보컬에 사용할경우 오히려 보컬의 단점들이 너무 적나라하게 표현이 되는경우도 많이 있으니까요. 클래식 기타에 사용한 MG M300 사실 이마이크는 그동안 다른 제가 사랑하는 친구들에게 밀려 사용빈도가 무척 적었던 모델인데요. 이번녹음에서는 거의 메인의 자리를 차지했던 친구입니다. 다른 소구경 마이크들과는 다르게 저역이 자연스럽고 상당히 풍부하게 들어오는 편입니다. 중음. 그리고 낮은 고역에 약간에 요철이 개성적으로 있고요 고역은 자연스럽게 롤오프되는 일반적인 MG의 성향을 그대로 보여주고 있지요. 이날 녹음된것을 다음날 연주자에게 들려주었는데 연주할때 들리는 악기에서의 잡음등이 마이크로 전달되지 않게 아주 감싸주는 소리로 녹음이 되었다고 무척 마음에 들어하더군요 저역시 마음에 드는 소리로 녹음이 되었습니다. 전날 도착하자마자 조금은 피로하기는 했지만 레코딩리허설을 해보며 마이크위치들을 함께 간 김창훈 엔지니어와 함께 이래저래 포지션을 잡아본것이 정말이지 큰 도움이 되었어요 첼로를 연주한 마키오군 약관 20살의 청년으로 사실 이곡과 다음곡의 노래한분의 큰 아들로. 이집은 큰아들 첼로. 둘째 아들 바이올린. 막내 여동생 피아노를 하고 있는 음악가족입니다. 노래하신분은 아사히방송국 아나운서. 이 마키오 군에 대해서는 지금 이야기를 해야할지.. 글을 마무리하는 마지막에 이야기를 해야할지 모르겠어요. 마지막에 이야기를 하기로 하고 우선은 녹음에 관한 것부터. 마이크는 MG UMT70S 아주 부드럽고 풍부한 소리를 들려주고 있는 마이크입니다. 녹음된 소리를 다음날 들어본 첼리스트 역시. 자신 악기에서 나오는 지저분한 소리들은 녹음이 되지 않고 아주 깔끔하고 깨끗한 소리로 녹음이 되어 무척 좋다고 하더군요 이 첼리스트의 연주성향와 악기의 음색 자체가 조금은 음량이 크고. 소리역시 강한 현대적인 느낌의 첼로 사운드 였습니다. 이번녹음에서 특별히 더 크게 느낀 한가지가 있는데요. 각 공간에서 실제 악기들의 소리를 듣고. 녹음을 하고 녹음된것을 그날 바로 듣는것과. 다음날 혹은 조금시간이 지나서 듣는것과는 상당히 많은 차이를 들려주는것에 저 뿐만이 아니라 모두들 놀라워했는데요 시간이 조금 지나고 듣는편이 그때의 공간에 따른 울림이 훨씬 더 잘 느껴지는것이었습니다. 아무래도 그 공간의 울리는 악기들의 실제소리를 들으면서 그 소리에 금새 우리귀가 적응이 되어버리나봐요 녹음공간에서 들었던 느낌보다 다음날 새롭게 녹음할 공간에서 들어본 이전일 녹음의 소리가 더욱 더 잘 느껴졌고 그 다음날 들으면 공간의 느낌이 더욱 더 잘 느껴지는것이 참으로 신기했습니다. 이날의 녹음은 나무의 따듯하고 풍부한 울림이 그대로 전달이 된것 같습니다. 어떻게 보면 요즈음의 화려한 소리와는 조금 거리가 있을런지는 몰라도 이번 음악을 표현하는데 있어서는 제가 생각하는 소리에 가깝게 된것 같아 기쁩니다. 아.. 그리고 이집에는 여러대의 뵈르젠도르퍼 피아노가 있었는데요 아쉽게도 다른 피아노의 소리는 들어보지 못했지만 홀에 있던 뵈르젠도르퍼는. 제가 그동안 이 피아노 제작사에 지니고 있던 조금은 둔하고 무거운 울림의 소리. 라는 것을 완전히 탈피한. 아주 맑고 깨끗하면서도 화려하고 이쁜 뵈르젠도르퍼 소리에 참 놀랐습니다. 이집의 1층거실에는 포르쉐에서 디자인과 제작을 해준 뵈르젠도르퍼가 한대 있었는데 이것은 바디가 메탈로 되어있고 스위치로 피아노 반사판이 열린다고 하더군요^^ 이날 첫녹음을 만족스럽게 잘 끝내고 다음날 바로 새로운곳에서 녹음을 하였습니다. 오사카에서 차로 두시간 넘게 고베로 가서. "구겐하임하우스"라는 곳에서 녹음을 하였는데요 혹시 우리가 알고 있는 그 유명한 페기구겐하임? 인가 했더니 그 구겐하임은 아닌. 일본에 100년전에 살던 무역상 구겐하임이 살던 집인데. 지금은 이렇게 보존을 해서 전시나 공연등으로 사용을 하고 있었습니다. 바로 옆이 신칸센을 포함한 여러종류의 기차들이 몇분 간격으로 지나는것때문에 기차소리가 녹음중간중간에 여럿 함께 녹음이 되었습니다만 이번녹음에서는 그러한것을 크게 연연하지 않고. 오히려 녹음을 하는 공간의 주변의 소리도 함께 마이크에 담아보자! 라는 의견도 서로 함께 나누기도 하였었답니다. 이 동네는 이러한 오래된 서양식 주택들이 참 많이 보존이 되어있더군요 녹음하다가 동네 구석구석을 조용히 산책을 하기도 하였고요 내부는 이렇게 생겼습니다. 사진에서 보여지는 느낌처럼 마치 수세기전에 집안에서 하는 살롱음악회가 자연스레 연상이 되더군요 사실 최초의 클래식 레코딩도 한 음반제작사가 이탈리아의 전설적인 성악가 엔리코카루소를 설득해서 호텔방에서 녹음을 한것이 시작이니까요. 늘 하는 큰 규모의 클래식 공연장들에서의 녹음과는 또 다른 아주 신선한 느낌이었습니다. 잔향의 경우도 아무래도 벽이 석재로 되어있기 때문에 전날 녹음을 했던곳보다 좀더 긴편이었고요 잔향의 성향자체로 나무의 울림과는 전혀 다른. 조금은 차갑게 느껴지기는 하지만 생동감있는 소리를 들려주는 공간이었습니다. 일층과 2층이 있었는데 우리는 우선 2층에 세팅을 하였습니다. 녹음 세팅은 전달과 같았습니다. 보컬에는 MG UM930 (뒤에 헤드폰을 쓰고 모니터를 하고 있는 분은 이번 녹음을 함께 진행한 김창훈 엔지니어입니다.^^) 잔향이 조금더 있는 만큼 전날 녹음보다 보컬마이크의 거리를 좀더 멀게 하였습니다. 기타는 역시 MG M300 이번에 새롭게 그 가치를 깨닫게 된 녀석이지요. 첼로도 변함없이 MG UMT70S 오디오가이의 어쿠스틱 악기 녹음에 있어서 절대적인 존재 MBHO의 PZM 마이크로폰. 이번 녹음을 함께 진행한 김창훈 엔지니어도. 제가 그동안 칼럼에서 이 마이크에 관해 왜 그토록 극찬을 했는지 직접 소리를 들어보니 알겠다고 하더군요 이 마이크가 없이는 이번녹음이 완성될 수 없다는것에 우리 모두 완벽하게 동의를 하였습니다. 위 사진은 구겐하임 하우스의 2층에서 세팅한 사진인데요 첼리스트가 본인의 첼로소리가 너무 크게 들려서 연주가 조금 어렵다고 해서 잔향이 조금 적은 아래층에서 최종적으로 녹음을 진행하게 되었습니다. 이곳은 좀더 연주에 집중이 잘 될것 같은 분위기. 게다가 피아노도 놓여져 있어요 1층에서 다시 연주를 해보고 있는 두 연주자. 사실 저는 개인적으로는 2층에서 녹음한 사운드가 훨씬 더 마음에 들었지만 연주자들이 편하게 연주를 할 수 있는 장소로 하는것으로 택하였습니다. 위는 최종 녹음사진인데요 사실 전날의 녹음도 최종적으로는 보컬이 두 연주자를 바라보는 형태로 세팅을 하였답니다. 아무래도 서로 눈빛을 보면서 연주를 하면 훨씬 더 느낌이 좋으니까요. 녹음에는 사진이 없지만 녹음시 비가 내려서 비가 오는 소리를 BGM으로 담기 위해 창문과 입구의 문을 열고 연주도 해보았습니다만 이것은 우선 추워서 연주를 하기가 힘들고 녹음된것을 들어보니 빗소리에 찻소리. 기차소리가 마치 쏴아~~ 하는 노이즈처럼 들려서 그만두었습니다.^^ 개인적으로 첫날 녹음한 나무의 느낌보다는 좀더 생동감있는 소리의 이곳의 녹음이 더 마음에 들었습니다. 세팅에 관해서는 위의 첫날과 거의 동일하기 때문에 특별히 내용이 없네요 다음으로는 어찌보면 이번 일본녹음여행에 클라이막스라고도 할 수 있는 산장에서의 녹음 오사카로 차로 두세시간. 전화기도 되지 않는 산속의 산장(펜션)에서의 녹음과. 그리고 이곳에서 하루를 묵었습니다. 이번에는 악기 구성이 같지만 보컬이 이번 일본 녹음에서는 유일하게 프로페셔널한 가수. 게다가 이번 프로젝트의 프로듀서를 함께 담당하고 있는 분입니다. 이번에는 조금 다르게 녹음을 해보고 싶었습니다. 앞선 이틀의 녹음이 우선 제가 예상했던 것보다도 더욱 더 잘되어서 조금 더 욕심이 났어요 이틀동안 같은 세팅으로 했는데 이번에도 또 같은 세팅으로 녹음을 하는것은 무엇인가 그리 재미가 없다고 생각했습니다. 보컬뿐만 아니라 이미 기타와 첼로 연주자역시 3일동안 함께 매일같이 동고동록하면서 함께 온천도 다녀온 사이^^ 호흡도 훨씬 더 잘맞아가고 있었고요 그래서 이번에는 함께 하는 아티스트들이 나를 믿어주는것처럼 나 역시 이들을 믿고 좀더 과감하게 해보자. 별도의 마이크를 사용하지 않고 MG M300 XY로 전체 보컬, 어쿠스틱기타. 첼로를 녹음을 하였습니다. XY방식의 특성상 좌우의 스테레오 이미지가 그리 넓은 편이 아니므로. 산장의 2층 작은 복도에 MBHO PZM을 사용하였고요 정말이지 흔히 말하는 원포인트 녹음 하지만 정통 클래식이 아닌 이러한 공간과 구성에서는 드문편이지요 (사실 몇년전 한대수씨의 "상처"앨범때도 이러한 방식으로 2곡 녹음을 한적이 있기도 했었어요) 녹음시 연주자들이 집중할 수 있도록 조명을어둡게 해서 사진도 어둡게 나왔답니다. 단 2개의 마이크로 전체 사운드 특히 각 악기의 밸런스까지 조절하는것이기 때문에 보컬을 메인으로 음량이 큰 첼로는 조금 뒤에. 음량이 작은 어쿠스틱 기타는 조금 가까이에 위치를 하였어요 소리를 들어보면서 어쿠스틱 기타의 위치는 조금씩 조정을 해서 위 위치로 최종 선정을 하였고요 위에서 보이는것처럼 패닝도 자연스럽게 연주자들의 위치 그대로 모니터가 된답니다. 게다가 이때는 보컬뿐만 아니라 모두들 연주가 너무너무 좋아서 단 몇테이크로 바로 녹음이 끝나고 조금은 여유있게 이야기를 하며 쉬었답니다. 메인마이크와 보컬과의 거리. 처음에는 높게 멀리 했다가 점점 가깝게 설치를 해서 위와 같이 되었답니다. 메인 마이크의 높이와 보컬과의 거리를 여러번 수정을 하였어요 2층 복도에 설치된 PZM 녹음되고 들어보니 PZM만으로도 충분히 개성적이고 독특한 소리를 들려주더군요 혹시 나중에 오디오가이 사무실에 들리시는 분이 계시면 이날 녹음된 음원을 한번 들려드리고 싶네요^^ 다음으로 4일째 이날도 역시 산속으로 들어갔습니다. 이역시 전화도 되지 않고 다다미방에 이곳은 난방도 되지 않아 직접 불을 피워 난방을 하고 커다란 가마솥에 물을 넣고 불을 지펴 목욕을 하는 정말 일본 전통적인 곳. 딱 건물만 보아도 분위기가..^^ 불을 지피느라 연기가 아주 많이 나서 다음날 까지 녹음장비들에 연기냄새가 한동한 배여 있었답니다. 그래서 중간에 마이크들은 이불로 덮어두기도 했었어요 사진에서처럼 대청마루같은곳에서 연주를 해보기도 하고. 공간의 모든 공간에서 다 연주를 해보고. 또 마이크를 설치를 해서 소리를 들어보았는데 정말 저도 이러한 경험은 처음이었습니다. 어떤 장소에 어떻게 마이크를 설치해도 소리가 크게 바뀌지 않더군요 많이 아쉬움이 남는 소리였습니다. 최종 선택이 된것은 아래의 세팅 전날 MG M300 XY 원포인트에 감동이 아직 가시지 않은 탓인지 다음날도 비슷하게 세팅을 해보았습니다. 이번에는 첼로가 빠진 보컬과 기타의 듀오 마이크의 높이를 낮추는 편이 보컬의 목소리가 좀더 풍부하게 들려서 이렇게 낮게 설치를 하였습니다만 결국 이곳에서의 테이크는 사용하지 않고 나중에 한국에서 다시 녹음을 하게 되었답니다. 역시나 제가 마음에 들지 않는 소리이니 프로듀서도 듣더니 소리에 대해서 아쉽다고 이야기를 하더라구요~ 정말이지 이 공간은 방은 나뉘어 있어도 천정은 모두 트여져 있는 탓인지 마이크의 개성이 크게 나타나지도 않고 세팅에 따라서도 크게 바뀌지 않는것을 보고 많이 놀랐던곳입니다. 이렇게까지나 공간이 개성을 지닐수 있다는것이 참 신기하더라구요 다음은 이번 일본녹음의 마지막 여행지 다시 고베로 가서 고베 쇼인여자대학교안 교회입니다. 크기는 웅장한 성당들에 비하면 그리 크지 않은 편입니다. 약 700석 정도 되어보이더군요 안으로 들어가보았습니다. 사진만 보아도 왠지모르게 공간이 좋아보이지 않나요?*^^* 입구에 보니 떡 하니 공연 포스터에 바로 2월24일 제가 일본 클래식 단체중 개인적으로 가장 좋아하는 세계적인 앙상블 바흐콜레기움재팬(스즈키마사키)의 공연이 이곳에서 있었더군요 포스터를 보니 콜레기움재팬의 녹음도 이곳에서 진행을 하였더라구요 가만히 생각해보니 일본 고베의 모 여자대학안에 음향이 기가막히게 좋은 곳이 있다는 소문을 오래전부터 들은적이 있었는데 바로 이곳이었던것 입니다.ㅜ.ㅜ 제가 상상만 하던 그곳에서 직접 녹음을 하게될줄이야.. 이 공간안에 들어선 순간 저를 제외한 모든 사람들이 너무너무 멋지고 아름다운 잔향에 약간은 기분이 업 되는것을 보고 저는 마음속 내내 표현하지 않고 오히려 침착하게 가만히 있었습니다. 괜시리 저까지 흥분하면 혹시나 실수가 생길것 같아서요^^ 공간이 그리 크지는 않았습니다만.. 소리는 뭐.. 정말 끝내주었습니다. 이런 공간에서는 음향기기의 수준이나 그러한것이 조금은 초라하게 느껴집니다 하지만 세팅에 따라 굉장히 민감하게 다른소리들을 들려주어 여러번 세팅을 바꾸었는데요 이번에도 역시 MG M300 XY를 마지막 끝까지 밀고 갔습니다. 본래는 사진보다 훨씬 더 높이 설치했었는데. 결국에는 좀더 낮은 높이로 하였습니다. 이번에는 어린 남자아이가 노래를 하고 반주는 기타. 사진의 옆에서 지휘를 하시고 계신분은 노래하는 아이의 선생님입니다. 녹음때 멀리까지 오셔서 이런저런 좋은 말씀과 함께 지도를 해주시고 게다가 아이가 노래를 잘 할 수 있도록 반주없이 노래를 한곡 선물해주셨는데 듣고 너무 감동했습니다. "첫사랑"이라는 일본의 아주 유명한 노래인데. 이곡은 다음주에 꼭 사무실가서 음원 파일을 첨부하도록 하겠습니다 반면에 연주자 뒷편에 예배를 드리는 공간 바닥에 MBHO PZM을 설치해서 공간음을 받았고요 회벽돌로 되어있는 벽면 음을 깔끔하고 멋지게 확산시켜줍니다. 이렇게 일본녹음여행을 마쳤답니다. 사실 이번에는 녹음여행과 더불어 미각여행도 함께 떠나서 사진을 많이 찍어오기도 했지만 이렇게 칼럼에 많은 사진을 올리는것은 이번이 처음으로 사진들만 올리는대도 너무 시간이 많이 걸리네요. 늘.. 새로운 곳에서 새로운 사람들과 녹음을 한다는것은 참으로 재미있고 좋은 일입니다. 이번녹음에서는 음향적인것들 외에도 정말이지 많은 저의 감정의 변화또한있었는데요 평소에 사람들과 녹음을 할때는 그리 말수도 적고 조용하게 제 할일만 하는 편인데. 이때는 사람들과 일주일간 함께 지내면서 아주 밝고 또 즐겁게 시간들을 보냈습니다. 매일매일이 이른 오전부터 이동이 시작되었기 때문에 체력적으로는 무척 피곤하고 힘들기도 하였지만. 사람들과의 "인연"이 얼마나 우리네 삶에 있어서 소중한 것인가.. 이렇게나 마음속 깊히 깨달았던 적은 처음이었던것 같습니다. 내가 지금까지 함께 했던 사람들. 그리고 오디오가이를 통해서 만나고 또 연락을 했던 많은 사람들과의 만남들에 관해서 너무 일상적으로만 했던것이 아니었나..하는 생각들도 들더라구요 이번 녹음이 아니었으면 아마도 서로를 이렇게나 자세히 알수 있는 기회는 그리 많지 않았을지도 모릅니다. 녹음의 종반이 되면서 저는 왠지모르게 마음이 차분해 지더군요 그리고 소중하게 생각이 들었습니다. 내가 지금 이분들과 함께 한 시간들이. 또 앞으로 만나게 될 여러분들과의 시간들이 일상적인것이면서도 너무너무 소중한것이라는것을 말이지요 내가 좋아하는 음악과 음향일을 한다고 해서 나 자신의 감정만 생각하는것이 아닌 더욱 더 진실로 함께 시간을 나누는 사람들에게 다가가는 것을 말이지요.. 마지막으로 이번녹음을 함께 했던 모두둘. 그중에서도 특히 김창훈님에게 감사의 말씀을 드립니다. 이렇게나 좋은 경험의 기회를 선물해준것. 그리고 이보다도 서로 이렇게 진실을 담아 함께 할 수 있던 시간들이 있었다는것에 말이지요.. *덧쓰기 : 창훈님은 영화 동시녹음을 하시는 분으로 저를 이번녹음에 참여할 수 있도록 프로듀서분에게 적극 추천해주었답니다. 물론 오디오가이 가족분이시고요. 아래는 이틀째 녹음장소였던 구겐하임 하우스에서 외부음을 채집하고 있는 모습을 한컷 이번녹음에서는 음악외에도 우리가 음악을 만들어가는 과정들도 함께 소리로 담았답니다. ****************************** 사진들은 우선 제 블로그에서 보실 수 있습니다^^ http://blog.naver.com/audioguy1.do

전 어찌보면 일종의 쇼핑중독이라고까지 할 수 있는것에 빠져있는데요. 기분이 조금 우울하거나(사실 일년중에 우울한날은 그리 많지는 않은 편이지만요) 그럴때는 여지없이 하이파이 오디오 중고장터란을 습관처럼 보며.. 뭐 새로운 기기 없나.. 하고 본답니다. 제가 요즘에 관심을 두고 있는 부분은 바로 오래전 빈티지 하이파이 오디오입니다. 몇년전부터 국내에 레트로 바람이 불면서 인테리어 소품으로도 무척 인기를 끌고 있는 부분중에 하나인데요. 음향쪽에서도 보면 주변에 빈티지 기기의 사운드에 열광적인 지지를 주시는 분들이 많았지만. 저는 그것에 대한 유지관리 보수나 기기의 상태등을 이유로 빈티지기기를 거의 사용하지 않고 있답니다. 지금도 물론 마찬가지이고요. 하이파이세계의 풍문으로. 오디오를 좋아하는 사람들은 나중에는 결국 빈티지로 간다..라고 이야기를 하는 사람들이 과거에는 참 많았었답니다. 그런데 가끔씩 빈티지 오디오하시는분들의 소리를 들어보면. 저역과 고역은 뎅강 잘리고. 중역만 나오고. 볼륨을 조금만이라도 올리라 치면. 중역이 돌출되어 귀따가운 소리때문에 전혀 오랫동안 듣지 못한 소리. 저에게는 빈티지 하이파이 오디오는 "정말 이상한 소리" 라고 마음속에 점찍혀있었지요. 그러다가 정말 오랫만에 비교적 오래된(20년정도) 된 영국 린 사의 "칸"이라는 작은 북쉘프 스피커를 구입해서 요즘 제가 가장 많이 듣고 있는 사무실 제 방의 오디오입니다.(사진) 사실 20년이라고 하면 빈티지 축에는 끼지도 않고. 텔레푼켄. 피셔. AR등 처럼 적어도 40여년 정도는 지나야 빈티지라고 인정를 하고 있습니다만. 이 20년된 스피커의 소리가 정말 놀랍습니다. 녹음의 좋고 나쁨. 특히 밸런스와 음색의 차이는 오히려 사무실의 메인 모니터 스피커인 쿼드 ESL2805 보다도 더욱 더 극명하게 들어나기까지 하고요. 음악을 잔잔하게 듣기에도 귀에 그렇게나 착 감기고 좋지 않을 수 없습니다. 이로인해서 요즘은 오래된 정말 과거같으면 저런 고물오디오를 왜 좋아할까? 라고까지 생각했던 오래된 기기들 가운데 비교적 상태가 좋은 녀석들을 찾아다니고 있는데요. 이러한 재미가 정말이지 쏠쏠합니다. 고가의 하이파이 오디오에 비해서 주머니가 한번에 너무 텅텅 비는 일도 없고요. 이렇게 오래된 음향기기들에 대해서 관심을 가지게 되면서 여러가지 빈티지 기기들의 소리를 들어보았습니다. 소리가 참.. 각 제조회사들 뿐만 아니라 같은 브랜드내에서도 각 모델마다의 소리차이가 말도 할 수 없을만큼 많이 난답니다. 오디오에 따라서 소리차이가 많이 난다는 것은 익히알고 있었지만. 때론 침실에서 듣는 작은 미니콤포넌트의 소리와 집 거실에서 많은 신경을 쓰고 사용을 하고 있는 메인 시스템과 어찌보면 작은 볼륨의 피아노 솔로곡들에서는 그 큰차이를 분간하기가 어렵기도 하지요. 하지만 이러한 오래된 빈티지 오디오기기들의 각자만의 소리의 개성은 정말이니 너무도 강렬해서. 때론 음악자체를 완전히 바꾸어서 들려주기도 하는 녀석들도 있습니다. 이렇게나 오래된 기기들이 물론 많은 유지 보수들이 있었겠지만 지금까지 현역에서 많은 사람들에게 사랑을 받으며 사용이 되고 있다는 것이 참으로 신기한 일입니다. 그리고 역시나 물리적인 주파수 특성과 스펙. 그리고 측정치와. 실제로 사람이 듣는 청감의 차이는 엄청나게 많이 난다는것이지요. 이러한 오래된 기기들은 분명 좌우 위상차이도 있고. 주파수특성이나 SN 등도 요즘 최신의 기기들에 비해서 현저하게 떨어지는것이 사실입니다. 저가 음향기기들에서도 주장하는 20khz가 훌쩍 넘게 나온다는 표시는 아마도 이러한 기기들에서는 터무니 없는... 대략적으로 소리를 들어보니 12khz 이상은 전혀 들리지 않는 기기들도 무척 많더군요. 하지만 이렇게 이상한(?) 정상적이지 않은(?) 음향밸런스에서 들려주는 음악들. 특히 잘 어울리는 몇몇의 음악들은 제가 지금까지 들었던 그 어떤 음악보다도 더욱 더 좋게들리는것이 아니겠습니까? 이러한 빈티지 오디오의 소리에 대한 매력을 알고나서야. 다시 저의 삶의 가장 큰 비중을 차지하는 녹음에 관해서도. 빈티지 기기들을 좋아하는 사람들이 왜 그토록 그 기기들에 많은 시선을 두었을까..하는 생각이 조금씩 납득이 되기 시작했습니다. 빈티지 기기들의 매력은 요즘 기기들은 물론이고 다른 기기들에서는 찾아볼 수 없는 강렬한 개성적인 소리의 매력. 이로인해서 자신만의 독창적인 사운드 메이킹이 가능하다는데 있어서 하이파이 오디오는 물론이고 프로음향에서도 빈티지 기기들이 아직까지도 애용이 되고 있는 모습을 보면 알 수 있을 것 같아요. 때론. 내가 만드는 소리가 늘 같은것 같다..라고 생각이 들때쯤 한번 오래된 빈티지기기들에 눈을 돌려보는것도 좋을 것 같습니다. [이 게시물은 운영자님에 의해 2009-04-22 14:09:17 기초음향에서 이동 됨]

혹시나 이글을 클릭하시면서. 합창녹음에 관한 무엇인가 새로운 길 혹은 번뜩이는 아이디어를 기대하신다면 분명 내용이 없어나 영양가 없는 글이라 생각하실런지도 모릅니다. 글을 시작하고 있는 저역시. 아직까지 마음에 드는 합창녹음을 해본적이 없으니까요. 모든 어쿠스틱악기 녹음가운데에서 어떻게 보면 보컬(솔로)의 녹음은 그리 어렵지 않은 무척 쉬운편에 속할런지도 모르겠습니다. 하지만 이렇게 비교적 쉬운(?)녹음의 보컬이 앙상블을 이루는 합창의 경우는 왜 이리도 녹음이 어려운지 모르겠습니다 우리나라의 합창은 교회음악을 발달과 더불어 비약적으로 양과 질적으로 성장을 해서. 국내에는 정말 많은 합창단(성가대포함)들이 있습니다 합창을 전문적으로 녹음을 하시는 분들도 계시고. 다른 장르의 녹음을 주로 하지만 종종 지인분들에게 부탁을 받거나. 아니면 녹음을 아마추어로 하시는분들가운데에서도 합창녹음을 하시는 분들을 무척 많이 뵙고 있습니다. 그만큼 연주하는. 녹음하는 단체가 가장 많은 곳중에 한곳이 바로 "합창" 이니까요. 어쿠스틱악기의 녹음 칼럼에서 늘 일관되게 이야기 하고 있는. "원하는 소리를 이퀄라이저로 바꾸는것이 아니라 밸런스나 녹음당시 마이크의 선택과 세팅등으로 만든다" 라는 것은 변함이 없습니다. 간혹 그리 마음에 들지 않게 녹음된 합창음원이나. 혹은 꽤 개인적으로 마음에 드는 합창음원들을 나중에 믹싱이나 마스터링을 할때보면 이큐를 어느정도 이상 사용을 하면 꼭 어떤 합창의 파트에서는 부자연스러운 소리를 들려주기도 하는것같습니다. 위 음색의 순수함과 더불어 이곳 오디오가이 칼럼에서 어쿠스틱악기녹음에 있어서 가장 중요시하는 "밸런스"에 관해서도 마찬가지입니다. 아마도 합창녹음만큼 밸런스가 중요하고 또 까다로운 녹음이 또 있을까요? 언뜻 떠오르는 오케스트라의 녹음이 저는 오히려 훨씬 더 밸런스를 잡기가 수월한듯합니다.(그렇다고 해서 오케스트라의 레코딩이 쉽다는 이야기는 아니랍니다.) 그동안 오디오가이 칼럼에 합창녹음에 관한 글을 지금 이정도만큼 쓰다가 지우고.. 또 쓰다가 지우고.. 늘 녹음때마다 이전의 방식이 그리 마음에 들지 않았기 때문에 또 새로운 방법을 찾아 생각하고 시도하고. 그리고 또 좌절해봅니다.^^ 피아노 반주가 없는 합창. 즉 무반주의 경우는 오히려 녹음하기가 비교적 수월한편입니다만 한국의 합창은 거의 늘 피아노와 함께 하고(게다가 피아노 뚜껑은 늘 조금만 열어놓은채로 하는 경우가 많습니다. 피아노와 합창의 밸런스를 맞추기 위해) 이번녹음은 그동안의 합창녹음보다도 더욱 더 많은 신경을 썼습니다. 음반이 더블cd로 한장은 오디오가이에서 레코딩한 그리고 다른 한장은 다른 클래식 레코딩 회사가 레코딩한 음반이 함께 실리는 것이라 조금더 부담이 있었을런지도 모르지만*^^* 그래도 미리 열심히 많은 준비들을 하였습니다. 저 혼자만의 좁은 생각들로는 부족해서 합창지휘를 하시면서 성악과 합창음악 녹음도 계신 오디오가이의 장인순선생님과 함께 광주까지 내려가서 녹음을 진행하기도 하였고요. 함께 하는 신동훈선생님이 작업이 끝난후 제게 물으시더군요 *신동훈님 : 실장님. 이전에는 녹음이 끝나고 소리가 어떻냐고 제가 물어보면.. 늘 지금까지 한것중에 가장 좋습니다~ 라고 말씀하셨는데 이번에는 그러한 말씀이 없으시네요. 이번 녹음의 소리가 마음에 드시지 않으신가요? *영자 : 아니오. 마음에는 쏙 드는것은 아니지만 괜찮습니다. 지금까지 한것이 75점이라면 이번것은 80점정도는 되는것 같고요. 다만 이번 녹음에 관해 제 기대치가 커서. 오히려 그러한 모양입니다.. 라고 말씀을 드렸지요. 역시 모든 어쿠스틱 악기녹음에 해당이 되는. 합창은 더욱 더 공간의 문제로 귀결이 되는것일까요? 비교적 손쉽게 너무나 길고 아름다운 울림을 지니고 있는 성당에서 레코딩을 할 수 있는 유럽과는 달리. 아주 특별한 경우가 아니고서는 국내 성당에서 레코딩을 하는것은 참으로 어려운점이 많은 편입니다. 잘 빌리기도 어려울뿐더러. 주변의 소음문제가 있는 곳들도 상당히 많은 편이고요. 그렇기 때문에 합창녹음에 가장 이상적이라 생각하는 성당에서의 녹음이 아니러다도. 주어진 환경에서. 주변환경탓을 하지 않고 제 스스로의 손과 머리로 마음에 드는 소리를 만들 고 싶은 마음이 큽니다. 그럼 이번 녹음에 관해서 광주문화예술회관 내 광주시립교향악단의 연습실에서 녹음을 진행하였습니다. 공간의 크기도 넓고. 무엇보다도 천장도 무척 높은편이라 용적면에서는 녹음에 있어 무척 좋은 편이지만. 오케스트라 리허설시 면밀한 소리들을 듣기 위함인지 공간의 울림을 억제하기 위해 사방이 아주 두꺼운 커텐으로 되어있었습니다. 그래서 한곡 리허설을 한후. 지휘자분과 상의끝에 커텐을 부분부분 사진에서처럼 끝을 테이프로 감아두니. 잔향이 조금 살아나 음색도 좀더 밝게들렸습니다만. 무지향성 마이크를 많이 사용을 해서 녹음을 하는 망큼 아쉬운 공간음향이라는것에는 변함이 없었습니다. *공간에 커텐이 있던 모습(사진1) *부분부분 커텐을 걷은 모습(사진2) 너무 일괄적으로 커텐을 모두 걷어버리면 오히려 초기반사음이 너무 심해서 또 소리가 탁해질수도 있으니까요 이번에는 마이크를 조금 많이 사용해보았습니다. 보통 합창녹음의 경우 일반적으로 8채널로 하는경우가 많은데. 피아노에 2채널을 사용하고 6채널로 녹음한 합창은 늘 아쉬움을 남겨두었던 편입니다. 이번에는 우선 메인은 요즘 최고의 활약모델 MBHO 604 무지향성 AB 페어 이 사진에서 가장 높게 설치되어있는 마이크입니다.(사진3) 개인적으로 요즘 다시 사랑에 빠진. DPA와 숍스 생각이 전혀 나지 않을만큼 좋은 소리를 들려주는 제품입니다만. 이번에는 많이 아쉬웠습니다. 본래 충분히 답답하지 않은 그러면서도 너무 고역이 튀지 않는 절묘한 밸런스의 마이크인데. 이번에는 고역이 많이 롤 오프된 답답한소리. 실망스러웠습니다. 아마도 공간의 문제가 가장 크지 않았을까 싶습니다. 녹음시에는 이렇게 좋지 못한 인상이었는데 사무실와서 들어보니 오히려 고음이 아주 부드럽게 들려서 녹음시의 인상보다는 훨씬 더 좋아지기는 했습니다만 그럼에도 아쉬운 점은 남아있었습니다. 하지만 최종 믹스에 있어서 빠져서는 안되는 포지션 좌우 공간감을 만들어주며 전체적인 소리의 풍부함을 들려주는 위치의 마이크입니다. 다음으로는 이번에는 실험적으로 조금 뒤에 설치해본 MG M930 스테레오 페어(사진4/5) 클래식 녹음할때 메인으로 단일지향성도 많이 애용하시는분들이 많으십니다만. 전 역시 무지향성이나 반무지향성이 좋은 것 같습니다. 어떻게 보면 단일지향성보다는 전 좀더 넓은 지향패턴 마이크의 소리가 더 마음에 듭니다. 이 세트의 높이는 조금 낮추어보았습니다. 결과를 들어보니 많이 높이는편이 좋지 않았을까 하는 생각이 들더군요 바로 뒤가 커텐들이 있어서 지향성을 단일지향성으로 사용해본것인데 역시나 소리는 밝고 선명하지 않고 조금 어두운 느낌. 이번 마이크 세팅중에서 믹싱시 사용빈도가 가장 적어진 세팅입니다. 다음으로는 합창 가까이에 스팟으로 사용한 MG M960 무지향성 마이크 4대.(사진6.7.8) 합창단 양쪽에 960 AB 설치하고 가운데에는 스테레오바에 올렸습니다. 이역시 두세트의 높이가 다른데 처음에는 모두 비슷한 높이로 합창단의 조금 뒷쪽을 바라보게 하니. 원하는 만큼의 투명도와 음악적 앙상블이 나오지 않아 가운데 세팅은 조금 높이를 내리고 마이크를 소프라노와 알토파트쪽으로 방향을 내리고 테너와 베이스 부분을 위한 AB도 조금 마이크의 각도를 아랫쪽으로 내리니 정말로 많은 소리차이를 들려주었습니다. 이번 합창에서 MG M960의 소리는. 역시 나에게 있어서는 960이 절대 없으면 안되는구나..할만큼 만족스러운 소리를 들려주었습니다. 생각같아서 960이 두대 더 있었다면 메인으로 사용한 MBHO 604도 960으로 메인을 바꾸고 싶은 생각이 들더군요(함께 녹음한 장인순선생님도 나중에 같은 말씀을 하시더군요) 960은 역시나 이렇게 녹음하기에 음향환경이 어려운 곳에서도 잃어버리지 않는 섬세하고 투명한 소리를 그대로 들려주었습니다. 사실 몇년전에는 스팟마이크는 단일지향성만 사용해야 하는것이 당연하다고 생각을 했습니다. 제가 녹음을 클래식녹음부터가 아닌 일반 스튜디오에서의 녹음에서 출발해서 인지 당연하게 그렇게 생각을 했었는데. 몇년이 지나고 보니. 이제는 스팟마이크는 당연하게 무지향이나 반무지향성이 좋다고 생각합니다. 얼마전 마산시향과 시립합창단 녹음에서도 같은 이야기를 했습니다만. 스팟을 이러한 지향폭이 넓은 쪽으로 하는것이 메인과 섞었을때 위상변위로 인한 소리의 얇아짐도 없고. 스팟을 많이 사용해서 마치 악기가 적어진듯한 느낌도 적고 풍부한 느낌이 그대로 나타답니다. 음악적으로도 지향성의 경우는 마이크바로 앞의 사람의 목소리가 조금 튀게 들어오는 반면. 지향폭이 넓은 마이크들은 이러한 증상이 훨씬 더 적고요. 다음으로는 중간 중간에 스팟으로 사용한 MG UMT70S입니다.(사진9) 이 역시 처음에는 단일지향성으로 설치를 했었는데 녹음하고 지휘자분과 합창단 멤버들과 모니터를 하다보니. 대번에. 마이크 앞에 분들 목소리가 크게 들려온다! 라는 말씀을 듣고 얼른 마이크의 지향성을 무지향성으로 하고 높이를 아주 약간 더 높였습니다. 70S의 특성이 고역이 많이 순해서. 저의 경우 원거리 마이크 보다는 이렇게 비교적 음원과 가까운 곳에 사용을 하는것을 좋아합니다. 참 녹음 마이크라는 것이.. 멀리써서 좋은 친구. 가까이 사용하는것이 좋은 친구. 다 각자만의 개성이 참으로 뚜렷한것 같습니다. 기본적으로 이렇게 세팅을 끝내고 녹음 모니터를 하니. 베이스 부분의 중량감이 약간 부족하다가 생각이 되어 MG M950을 지휘자분이 첫번째 곡을 모니터하시는동안 얼른가서 베이스 파트에만 사용해보았습니다. 사진의 빨간색 옷을 입으신분 바로 앞에 있는 마이크입니다.(사진10) 순식간에 5분만에 후다닥 설치한 마이크이지만 이 마이크가 없었을때는 사운드가 살짝 가볍다! 라고 생각했던것이 묵직한 베이스들이 딱 맞게 받쳐주어서 훨씬 더 풍성하게 들려서 아주 만족을 하였습니다. MG M950은 지난 화음체임버 오케스트라 녹음때 콘트라 베이스에 사용한 이후. 저음파트 녹음에 저의 사랑을 독차지 하고 있습니다. 대부분의 저음악기의 녹음에서는 저음이 풍부한 마이크를 사용하는경우가 많은데요. 많은 녹음에서 저음악기들이 메인으로는 조금 불분명하게 들어오는 경우가 많기 때문에 저는 오히려 저음파트의 스팟 마이크가 윤곽을 아주 뚜렷하고 저음의 강한 다이나믹을 만들어주는 용도로 사용을 합니다. 물론 설치위치에 따라 다르겠습니다만 메인 마이크에서 들어오는 저음은 밸런스가 부족하지는 않더라도 무엇인가 소리가 여성스럽다~ 라고 해야할까요. 드르륵 하는 긁는듯한 저음의 소리는 역시나 메인보다는 스팟에서 나옵니다. 다음으로 피아노.(사진 11.12) 차라리 피아노 반주 없거나 아니면 오케스트라(체임버 정도)와 했으면 좋겠다! 라고 생각할큼. 전 합창과 함께 하는 피아노가 참으로 녹음하기가 어렵습니다. 대부분의 합창녹음에서는 사진과 같이 피아노의 음향판을 조금만 열어놓을때가 많은데요. 이 경우 피아노의 소리가 그리 밝지않고 조금은 어두워질뿐만이 아니라. 피아노 소리 자체가 저처럼 무지향을 많이 사용하는 녹음의 경우는 메인과 각각의 스팟으로도 밸런스상으로는 거의 충분하게 들어간답니다. 하지만 피아노 특유의 어택감을 조금더 필요로 했으므로(이번 레파토리는 정통 클래식이 아닌 일반성가들이었음으로) 스팟 마이크를 사용했습니다. 합창에 피아노 마이크는 늘 꾿꾿하게 MG M300. 악보대 바로 뒷편에 저음현과 고음현에 하나씩 사용을 하였지요. 사실 이것은 피아노 녹음시 가장 먼저 배우게 되는 세팅방법인데요. 고백하자면 전 최근에서야 이렇게 이 위치에 합창녹음시 피아노에 마이크를 두었고 이전까지는 그랜드피아노 마이킹의 기준이라 불리우는 오목하게 들어간곳에 설치를 하였었답니다. 하지만 얼마전에 가지고 있는 외국의 어떤 책을 보니. 피아노가 뚜껑을 닫았을때는 열었을때처럼 소리가 옆으로 나오는것이 아니라. 바로 앞으로. 악보뒤로 연주자 방향으로 나온다고 하는것이 있는것이 아니겠습니까ㅜ.ㅜ 그동안 열심히 실전에서 녹음만 한다고 이론공부를 게을리 한 턱에 한 몇년동안 톡톡히 먼길을 돌아왔습니다... 이곳에 설치해보니 역시 소리가 마음에 듭니다. 지금까지 합창과 함께 녹음한 피아노중에서는 이 세팅이 가장 마음에 드는 소리를 들려주었습니다. 다음은 이번녹음을 위해 사용된 2대의 밀레니아 8채널 프리앰프(사진13) 역시 고역이 부족하지도 많지도. 저역이 부족하지도 많지도 않은 자연스러운 소리를 들려주는 좋은 프리앰프입니다. 마지막으로 모니터룸에서 밸런스를 조절하고 있는 영자.(사진14) 왠지모르게 파란색의 새디 장난감을 가지고 노는것 같습니다만. 저 작은 파란 기기하나가 2500만원이 넘는다는것은 아마도 상상치 어려울 것 입니다. 시향의 중요한 악보실을 모니터룸으로 사용하느라. 안에 책상을 모두다 새롭게 배치하고. 광경을 보고 있던 시향의 악보담당하시는분의 입이 삐죽나와서 무척 죄송했습니다. 모니터 스피커는 바로 새것을 구입해서 가지고 간 탄노이 AMS-8 액티브 스피커. 전 탄노이가 참 좋아요. 사실 이번 합창 녹음외에도 작년에 MG M960 데카트리를 사용해서 한 녹음도 있었고 여러차례의 합창녹음들이 있었지만. 글의 서두에서 이야기한바와 같이. 참 마음에 드는 합창녹음을 하는것은 참으로 어려운 것 같습니다. 요즘에는 사무실의 제방에서 작년에 녹음한 화음체임버의 모니터CD들을 늘 듣고 있습니다만 연주도 좋고 소리도 너무 마음에 들게 잘 되어서 참 자주 듣게 됩니다. 합창녹음의 경우도 언젠가는 마음에 드는 소리를 만나서 집이나 사무실의 제방에서 즐거운 마음으로 플레이백할 수있겠지요? ************* 우선사진은 http://blog.naver.com/audioguy1.do 잠시 한숨 쉬고 오디오가이에도 다시 정리해서 올리겠습니다. 책상에 앉아 화장실도 다녀오지 않고 열심히 썼네요^^

지난주는 마산과 광주를 녹음차 다녀왔습니다. 오디오가이의 한분과 함께 2박3일동안 1000km가 넘는 정말 거리가 먼 여정이었지요^^ 최근에 저는 녹음뿐만 아니라 믹싱과 마스터링을 함께 일하는 김현석씨에게 많이 부탁을 하고 있어서. 덕분에 저는 많은 프로젝트들을 진행하지 않는대신. 매우 집중을 해서 녹음들을 하고 있어요. 이번에는 마산시립교향악단. 마산시립합창단과 성악 솔리스트의 녹음으로 일반적인 공연실황녹음이 아닌. 오전 10시부터 시작한 세션레코딩이었습니다. 클래식 대편성 녹음은 비교적 자주 진행을 하고 있습니다만 대부분이 공연실황인 경우가 많아서 영상과 카메라. 관객석들에서 바라보는 시각적인 여러가지 들을 함께 고려하기 때문에 원하는 자리에 마이크를 세우기가 조금 어려울때도 무척 많은 편인데요 이번에는 녹음이라 마이크를 두고 싶은곳에 마음껏 둘 수있었답니다. 늘 그렇듯이 녹음전에 비슷한 편성의 레코딩세션이 담긴 DVD 들도 보고. 미리 집에서 집중력을 높이기 위해서 마인드트레이닝도 하고요^^ 작년연말에 거의 비슷한 구성의 녹음을 같은 장소에서 진행한적이 있어서 미리 대략적인 마이크를 어떻게 사용할지도 모두 마음속으로 정해두고 갔었지요. 녹음 세팅에 관한 이야기 전에 녹음한 장소 마산의 315아트센터는 최근에 완공된 곳으로 정말 깔끔하고 시설이 좋고. 무엇보다도 그곳에 계신 음향감독님들이 너무너무 좋으십니다. 무대의 경우 바닥부터 반사판가지 모두 다 전동식으로 되어있고요. 잔향은 그리 길지는 않고 소리는 조금 무거운 편입니다. 지난 녹음에서는 제가 사용하는 새디 LRX-2를 가지고 가서 녹음을 했었는데. 이번에는 315아트센터에 디지디자인 베뉴콘솔이 있어서. 마이크프리와 마이크들과 그외 악세사리들만 가지고 가서 그곳의 프로툴로 녹음을 하였답니다. 게다가 이곳은 마이크스탠드와 케이블등의 악세사리도 정말 정리가 잘 되어있어서 녹음시 이렇게나 편하게 하는곳이 드물정도로 환경이 참 좋은곳이에요. 서울에서 새벽 4시에 모여. 짐을 챙기고 마산으로 출발. 마산에 9시가 조금 넘은 시간에 도착을 해서 세팅을 시작하였습니다. 기획팀 측에는 9시부터 11시까지 2시간의 세팅시간이 필요하다고 미리 이야기를 해두었었고요. 오전 10시부터 녹음을 하기로 했었는데. 많은 연주자분들이 오전9시 30분정도 되니 많이들 오셔서 깜짝놀랐습니다. 보통 오전 10시 녹음이면 사람들은 10시 반이나 11시나 되어야 다 모이지 않을까 하고 생각했었거든요 우리들도 기기들 세팅을 준비하고 이래저래 사람들도 부산히 자리를 잡고 앉으며 준비하고 있는 과정. 다행이도 전날에 미리 의자들의 세팅도 미리 되어있어서 마이킹을 하기가 상당히 수월했었어요. 그리고 나서 소리들을 들으며 여기저기 천천히 돌아다니면서 마이크를 어디에다 설치할까 고민을 하였습니다. 팝도 마찬가지이지만 대부분의 클래식 녹음들은 아주 짧은 시간안에 문제가 없이 세팅을 끝마치는것이 무척 중요한것 같습니다. 오디오가이 레코드에서 직접 제작을 하는 앨범이 아닌 다른 아티스트들의 레코딩을 하는 경우 100여명이 넘는 사람들이 모두 녹음 준비를 하기 전 바로 바짝 긴장하며 집중력을 올려가고 있는 사이. 녹음 세팅 바꾼다고 사람들을 한두시간 혹은 그 이상 기다리게 할 수 는 없는 것이니까요. 이렇게 사람들이 튜닝을 하면서 몸을 풀고 있는데. 이날은 왠일인지 딱 여기다! 하는 마이킹 포인트가 머릿속에 들어오지 않는것이었습니다. 사실상 여러곳 책이나 녹음 DVD 등에서 많은 참고를 하기는 하지만. 연주하는 악기의 소리. 환경. 아티스트와 엔지니어가 원하고 있는 소리등등이 모두 다르기 때문에 같은 방법으로 녹음을 한다고 해서 항상 좋은 결과만을 기대할 수 있는것은 아니니까요. 보통같으면 금새.. "아. 여기에 마이크를 두자!" 라고 생각이 드는데 이날은 이러한 생각이 조금 늦게 들어서 대략적인 지난번 녹음의 위치를 참조해서 두고. 나머지는 지휘자분에게 오늘 녹음할 곡을 먼저 몇곡 연주를 해달라고 부탁을 하였습니다. 지휘자 뒷자리. 그리고 객석 앞과 중간. 뒷쪽을 돌며 소리를 들어본후에서야. 대략적인 마이크 위치가 머리에 들어왔습니다. 늘 책을 보며 공부는 열심히 하는데. 꼭 녹음을 할때는 공부했던것을 활용하는것보다는 그때의 느낌에 더욱 더 의존을 하게 되는것 같습니다.(그래서 제 녹음은 발전이 더딘것일런지도...ㅜ.ㅜ) 먼저 메인 마이크는 최근 완전한 지지를 다시 보내고 있는 MBHO 604 무지향성 스페이스드 페어 (늘 칼럼에 같은 마이크들만 나와서 이제 재미없으시죠?^^) 이때는 평소보다 좌우의 거리를 좀더 바깥쪽으로 설치를 하였는데요 가운데 홀 자체에 메인으로 있는 노이만 TLM170R(ORTF)도 함께 사용을 하였기 때문입니다. 오늘 오전 사무실에서 들어보니 역시 메인 MBHO 604의 소리가 정말 마음에 듭니다. 최종 믹스의 거의 70%정도를 MBHO사용 반면에 TLM170R은 각 악기들의 스팟으로 사용하기에는 좋은데 메인 마이크로는 무언가.. 투명감이 조금 떨어진다고나 해야할까요. 약간은 아쉬운 소리를 들려주었습니다. 현재 메인 마이크의 높이는 5미터입니다만. 과거 리빙프레젠스 레코딩 관련 기사에서 클래식 오케스트라의 메인 마이크의 높이는 7미터가 좋다! 라는 글을 본적이 있었는데. (데카트리에 관련된 글에서도 트리의 높이가 7미터 정도가 좋다라는 의견도 보았고요) 그 이후로 꼭 시도를 해보고 싶어하지만 홀에 설치가 되어있는 마이크들의 경우는 높이는 높지만 제가 딱. 원하는 포인트에 자리하는경우도 있지만 그렇지 않은 경우도 많기 때문에. 높이가 7미터정도 되는 마이크 스탠드를 최근에는 생각하고 있습니다. 다음으로는 조금 많게도 생각되는 1ST. 2ND바이올린. 비올라. 첼로의 스팟마이크입니다. 사실상 이 스팟마이크는 최종 믹스에서 많이 사용이 되지는 않지만. 그렇다고 해서 없어서는 안되는 무언가 딱 떨어지는 느낌의 사운드를 만들기 위한 마지막 양념 같다고나 해야할까요? 사용 비중은모두 합쳐 15%정도이지만 요즘 많은 사람들이 좋아하는 보다 명확한 음상정위가 밝은 음색을 위해서는 정말이지 꼭 필요한 친구들이지요. 이번에는 성향이 아주 다른 두 마이크를 사용하였는데요 먼저 1ST 바이올린과 첼로쪽에는 DPA 4011을 2ND바이올린과 비올라에는 MG M960을 사용하였습니다. 보통 클래식 오케스트라를 녹음을하면 1ST 바이올린의 밸런스가 대부분 상당히 크게 들리는것을 알 수 있어요. 특히나 메인마이크와 블렌딩을 시킬때도 이 1ST바이올린 스팟 마이크는 때때로 잘 섞이지 않아서 프레이즈에 따라서 바이올린의 뾰족한 소리가 종종 튀어나오기도 하고요. 그래서 DPA 마이크들 가운데에서 조금은 순한 특성을 지니고 있는 DPA4011 마이크를 사용을 하고 보통 녹음을 하면 늘 잘 묻혀서 들리지 않는 2ND 바이올린과 비올라 스팟 마이크에는 MG M960을 사용하였습니다. 이미 칼럼을 통해서 여러차례 소개를 해드린 MG M960은 이러한 홀에서의 클래식 녹음용도로 태어난 무지향성 마이크로 근접한 곳에서는 물론이고 원거리에서도 변함없이 화려하고 쏟아지는 초고역의 소리를 들을 수 있는 매우 개성이 강한 귀중한 마이크입니다. 이렇게 고역특성이 밝은 마이크를 사용하면서 음악안의 선율안에서 2ND와 비올라 파트들의 선율들이 보다 잘 들어날수 있도록 선택을 해보았는데 녹음된것을 사무실에서 들어보니 어느정도 예상이 들어맞은 것 같아 참 기뻤습니다. ... 글을 열심히 한참을 쓰다가 중간에 믹싱을 하다가 서너시간 후에 다시 와서 쓰려니 내용들을 모두 까먹어 버렸네요^^ 다음으로 사진 중간에 보이는 마이크는 합창에 사용한 MG M930 스테레오 페어(XY)입니다. 합창마이킹은 곧 아래에서 다시 하기로 하고. 오케스트라 녹음시 중간 중간 브릿지에 나오는 목관악기들의 프레이즈들을(특히 솔로) 좀더 명확하고 깨끗하게 살려보고자 이번에는 목관파트들에 스팟마이크를 좀더 많이 설치하였어요. 위 사진들에서는 제대로 나오지는 않았지만 목관 파트 가운데에는 노이만 USM69(XY)와 더불어 AB방식으로 DPA 4011도 함께 사용하였습니다. 최종 믹스에서 두 마이크세트의 비중은 거의 동일하고요. 금관이나 현악기들에 비해서 음압이 조금 작은 목관악기들에 여러대의 스팟마이크를 사용하니 역시나 훨씬 더 선명한 목관 솔로들과 더불어 현악기와 타악기들 사이에서도 명확하게 제 자리를 찾고 있는 모습이 참 마음에 들었습니다. 이렇게 편성이 많은 클래식 녹음에서 메인마이크와 스팟마이크. 메인 마이크가 전체적인 윤곽과 색깔등을 그리는 것이라면 스팟마이크는 세세한 터치와 표현력이라고나 할까요? 다음으로는 이번 마이킹에서 가장 고민을 많이 한 포인트. 바로 현악기 파트 중간에 넣는 스팟입니다. 바이올린 1ST군과 2ND군들 뒷편 사이에 MG M960 한대 비올라와 첼로 군들 뒷편 사이에 MG M960을 한대 설치하였습니다. 사진은 우측 파트만 나와있습니다만. 이 마이크는 다른 스팟 마이크들보다 높이를 훨씬 더 높게 하였습니다. 그 이유는 이 마이크의 존재는 앞부분처럼 음상을 보다 정밀하게 하는 용도라기 보다는 현악기 소리들을 사람수가 많은 만큼 더욱 더 풍성하게 들리도록 하기 위함입니다. 간혹 심포니를 녹음할때 최종 사운드가 체임버처럼 들리기도 할때가 있는데. 좀더 풍성한 심포니 특유의 사운드를 얻고 싶을때에는 이 포지션에 마이크가 꼭 있어야 하는 것 같습니다. 다만 이때 마이크의 높이가 너무 낮은경우. 게다가 마이크를 단일지향성으로 하게 되면 그부분들에 있는 악기들 소리만 집음이 되어 소리가 잘 섞이지가 않고. 오히려 위상변위때문에 소리가 얇게들리거나 중음역에서 컴필터링이 걸린 소리가 들리기도 하기 때문입니다. 대부분의 스팟마이크들의 경우 저는 일반적인 단일지향성보다는 반무지향성이나 무지향성이 메인 마이크와의 블렌딩도 좋고 소리도 자연스러우며. 오히려 섞었을때 위상차이도 훨씬 더 적은 것 같습니다. 다음으로는 콘트라베이스에 설치한 스팟마이크 역시 어쿠스틱악기 녹음 칼럼을 유심히 보신분들이라면 쉽게 눈에들어오실거에요. MBHO 648PZM 마이크입니다. 늘 녹음때마다 사람들의 발에 치이고 밟히고 그래서 부러져서 병원도 다녀온 친구이지만. 제가 늘 절대적인 신뢰를 지니고 있는 PZM 마이크. 세상에 이보다 더 소리가 자연스럽고 좋은 PZM 마이크가 또 있을까요? 많은 PZM 마이크들이 지니고 있는 주파수특성의 요철이 없이 정말 평탄하면서도 꼭 필요한 소리만을 집음해서 마이크프리앰프로 보내줍니다. 다음으로 합창. 이날 마산에서의 녹음이 끝나고 바로 광주로가서 하룻밤을 청한 후 다음날 오전부터 광주시립합창단의 녹음을 했답니다. 합창녹음. 성악녹음과 더불어 개인적으로 가장 어려워 하는것중에 하나에요. 제작년 부터는 합창녹음을 상당히 자주 하는 편으로. 늘 할때마다 마음에 드는 결과물을 얻기가 참으로 힘듭니다. 녹음을 하면 실제 지휘자 위치에서 듣는것처럼 소리가 나를 감싸안는느낌. 그러한 느낌으로 녹음이 되지를 않아요. 무엇인가 조금 답답하고. 그러한 소리로 녹음이 되는것 같습니다. 그렇다고 믹싱이나 마스터링때 이퀄라이저로 소리를 +1이나 2dB만 올려서 들어보아도. 잠시 쉬었다 다시 들어보면 소리가 자연스럽지 않아서 늘 이큐는 저역의 불필요한 공진음 커트하는것 외에는 잘 사용하지 않는 편이랍니다. 늘 결국에는 이큐가 없는 소리로 최종 믹싱 마스터링을 하기 때문에 무엇보다도 녹음시에 신경을 많이 쓰는편입니다. 이번에는 지금까지와는 조금 다른 마이크 선택을 해보았습니다. 지난 작년에 같은 구성의 녹음에서는 합창의 메인 마이크를 MG M960을 사용했었는데. 합창단이 브라스파트와 너무 가까이 있는 관계로 브라스파트 소리가 합창단에 너무 많이 들어가서(특히 관이 뒷쪽을 향하고 있는 호른.) 믹싱때 원하는 합창 밸런스와 음색으로 하면 브라스파트 소리가 너무 튀게 들렸던 경험이 있어서. 이번에는 우선 합창단과 브라스파트의 거리를 조금 떨어뜨려달라고 지휘자분에게 부탁을 하였답니다. 아주 흔쾌히 그자리에서 직접 의자까지 옮기시며 해주시더군요^^ 그리고 무지향성 마이크 대신 MG M950 반 무지향성 마이크를 양쪽 AB로 사용을 하고 가운데에는 MG M930 스테레오 페어를 XY로 세팅. 합창의 앰비언스로 천정에 달려있는 DPA 4011을 함께 사용하였습니다.(이 역시 최종 믹싱에서는 비중이 10%정도만 섞었습니다.) 마이크의 수를 조금 더 늘리고 지향성의 폭을 줄여보니. 오케스트라와 합창단의 페이더를 함께 올렸을때 소리가 훨씬더 분리도가 높으면서 가사가 명확하게 들려서 그래도 어느정도는 만족스럽게 되었습니다. 그런데 사진을 보면 양쪽 사이드의 M950의 높이는 같지만 가운데 있는 M930 XY의 높이는 조금 낮게 한것이 있는데요. 여러번 합창을 녹음해보니. 이론에서처럼 같은 수평선산에 마이크를 두는 것보다 각각의 마이크 높이를 약간씩 다르게 하는것이 약간의 위상변위가 생기면서 오히려 소리가 더 풍성하게 들리는 것 같습니다. 합창녹음의 경우도 마찬가지로 단일지향성을 많이 사용하게 되면. 마이크가 있는 그 주변의 사람들 목소리만 크게 들리고. 메인마이크와 섞었을때 이사람들의 소리가 조금씩 튀게 들리는 점이 있지요. 그런데 이렇게 마이크의 높이를 조금 다르게 하면 메인과 섞었을때 이러한 "튀는"소리가 조금은 줄어들고 오히려 사람이 많아진것처럼 풍성하게 들리기도 합니다. 물론 상대적으로 음원의 정위나 명확함등에 대한 손해는 감수를 해야하지요. 합창녹음에 관한것은 차후에 합창녹음칼럼에서 좀더 많은 이야기를 해보도록 하겠습니다. 합창녹음에 대한 칼럼은 이전부터. 썼다 지웠다를 여러차레 반복을 하고 있는 만큼. 저 자신 스스로도 아직까지는 이렇게 정리를 하면서라도 글을 써내려가기조차 참으로 어려운것 같습니다. 여러분들은 합창녹음이 왜 어렵다고 생각하시는지 궁금합니다.~ 마지막으로 솔리스트 마이크. 솔리스트 마이크에는 유명한 숍스의 그 마이크를 사용하였습니다. 누구나 인정하는 참으로 좋아하는 마이크입니다만,. 역시나 성악 녹음에 있어서 소구경 다이어프램이 지니고 있는 한계는 있는것 같습니다. 녹음이 막 시작되자마자.. 마음속으로는 "아..그냥 성악용으로 준비해간 MG UMT70S를 사용할걸..."이라는 생각에 조금 후회가 되더군요 이날은 녹음 뿐만 아니라 DVD 촬영도 함께 겸하고 있어서 보기 좋은 숍스를 사용하였습니다만. 사람 목소리의 풍부한 소리는 숍스 소구경마이크보다는 역시 MG UMT70S 대구경 마이크가 제 취향에서는 더욱 더 좋은 소리를 들려주는것 같습니다. MG UMT70S는 소리를 부드럽게 감싸안아주어서. 성악가가 크게 부르는 부분에서도 소리가 너무 귀따갑지 않고 듣기 편하게 들리는것이 가장 큰 장점이지요. 이글을 쓰기 시작한것이 오늘 오전 11시정도였던것으로 기억하는데. 중간중간 여러가지 일들을 하다가 글을 마무리 하는 시간이 밤9시가 넘어버렸네요. 그래서 한호흡으로 잘 연결이 되지 않은것이 아닌가는 모르겠습니다만. 중간중간 제가 꼭 하고 싶은 이야기(나만의 비밀?*^^*)는 담아 있답니다. 저는 다시 떠납니다. 제가 너무너무 즐거워하는 어쿠스틱 악기 녹음의 세상으로. 꾸벅.^^

새로운 통의동의 사무실. 눈과 입. 그리고 귀에 익은 광화문과는 사실 거의 떨어져 있지 않은 무척 가까운 곳이지요. 아직도 페인트 냄새가 가시지 않아서 기침을 콜록콜록 거리고는 있습니다만. 장비들 세팅도 거의 완벽에 가깝게 너무너무 마음에 들고(전원부터 케이블. 기기들에 관한 모든것들이) 소리도 참 좋게 쑥쑥 잘 나오고 (어제 B&W 805S를 모니터 스피커로 사용하시는 리즈뮤직스튜디오님이 녹음하신 음악을 통의동 오디오가이에서 함께 들었는데. B&W 로 들을때보다 소리가 더 좋게 들린다고 내심 마음에 들어하시다가 가셨답니다~) 무엇보다도 함께 일하고 있는 한영민. 남송지. 그리고 김현석씨가 있어 참 좋아요. 아무리 내가 좋아하는 음악과 음향이라지만. 저는 저 혼자 하는 것 보다는 이렇게 좋은 사람. 믿고 신뢰하고 의지할 수 있는 사람들과 함께 하는 것도 참으로 좋은 것 같아요. 음악의 태생 자체가. 혼자만의 것이 아니라 어쩌면 우리 모두의 것일런지도 모르니까요. 요즘은 중요한 작업들도 거의 끝나고 일년중 어쩌면 가장 한가한 시간들을 보내고 있어요. (물론 이번주에 바로 마산과 광주에 가서 새로운 녹음들이 있기는 합니다만^^) 이렇게 정서적인 시간적 여유가 있으니. 아무래도 하루를 더욱 더 일찍 시작하게 되는데요. 오늘도 아침 6시에 일어나서. 천천히 샤워하고. 최근 저의 가장 큰 스승중에 하나인 클래식 DVD 들을 보고(특히 CD에 부록되어 있는 레코딩세션 DVD를 즐겨봅니다) 이번주에 있을 대편성 오케스트라. 합창단. 솔리스트의 마산녹음과. 피아노 반주의 합창녹음이 있는 광주 녹음의 세팅에 관해서 새로운 아이디어를 구상하기도 하고요. 작년부터 마음에만 있던 오디오가이에서 레코딩한 클래식 음악들의 샘플 CD 작업도 거의 끝났어요. 작업이라는것이 특별한것은 없고 어떤곡들을 넣고 어떤 배치로 할것인가 등등이지요. 이렇게 샘플CD를 만들어서 사무실의 시스템에서 천천히 들어보고 있는데. 아..내가 참 이런저런 참 다양한 녹음들을 하고 지내왔구나..하는 생각도 들고 평소에는 자신이 녹음한것을 잘 듣지않게 되는 대부분의 엔지니어들처럼. 저도 자주 듣는 앨범은 드문편인데. 좋아하는 저의 녹음들만 이렇게 모아두니. 개인적으로 제게는 듣기에도 참 좋네요^^ 하하.. 이번 샘플CD에는 각 음원들에 사용한 마이크나 기기들도 표기하고. 제대로 디자인과 프레싱도 해서. 주변의 지인분들에게 드리려고 생각을 하고 있어요 이번 음반중에서 가장 소리가 마음에 드는 것은 오디오가이 칼럼에서도 글을 남겼던 "화음체임버 오케스트라"인데요. 화음체임버와는 오디오가이의 친한 그리고 오래된 가족분 소개로 녹음을 진행하게 되어 두달에 한번씩 예술의 전당 콘서트홀에서 있는 공연실황을 녹음을 하고 있어요. 그동안 많은 좋은 아티스트들과 작업들을 많이 했지만. 이번에 화음 과 함께 작업을 하면서 저는 물론이고 오디오가이의 식구들에게도 무척 좋은 경험이 되고있어요. 좋은 공연장에서 아주 연주가 좋은 아티스트들과 녹음을 하니. 할때마다 제가 듣기에는 확실히 소리도 확실하게 좋아지고 있고요. 새로운 녹음방법에 대한 시도를 통해서 지금까지 작업했던 소리와는 또 다른 소리를 만날 수도 있었고요 참 기쁩니다.. 최근 화음체임버의 녹음은 그동안 제가 작업한 클래식 음악중에 가장 마음에 드는 퀄리티로 되었어요. 클래식의 경우는 실황녹음이 무척 보편화되어있는 만큼. 실황공연이 아닌 녹음과 실황과 큰 차이가 있지 않은 음반들이 많은편인데요. 전 오히려 실황쪽이 무언가 좀더 긴장감안에서 빠릿하게 집중이 된다고나 해야할까요? 이때는 조금 예민해질때도 있지만 이러한 실황녹음의 긴장감이 저는 참 좋아요. 이번 화음녹음은 음질적으로는 무척 마음에 들게 되었지만 한가지 문제가 있어요. 정작 함께 프로듀서로 작업을 하고 있는 화음체임버의 음악감독님께서는 이번 공연의 연주를 지난 공연들에 비해서 그리 마음에 들지 않는다는 것이었습니다. 저에게는 원체 다들 소리도 좋고. 대부분의 연주도 좋게 들리는데. 중간중간들의 섬세한 부분들에 있어서는 아무래도 실황이니 만큼. 음악감독님 입장에서는 앨범에 실린다면 마음에 걸리어 하시는 부분이 몇곳씩 있다고 합니다. 그래서 지금까지와의 작업들과는 달리 이번에는 편집때문에 오디오가이 사무실을 몇번씩 감독님께서 오셔서 함께 작업을 하게 되었는데요. 이러한 것을 보면서 문득 이러한 생각이 들었습니다. 음악감독님이 믹싱된 음원을 듣기 전에. 음악적으로 어울리지 않는 부분이 있으면 레코딩 하는 입장에서 다른 녹음된 테이크들이나 혹은 편집을 통해서 수정을 해두어야 하는 것이 아닐까? 그러면 굳이 프로듀서가 바쁜 스케줄 가운데에서도 몇번씩 우리 스튜디오에 오지않아도 될텐데...라는 생각을 말이지요. 참.. 아차! 하는 생각이 들었답니다. 아무리 녹음이 좋고 소리가 좋아도. 음악과 연주가 더 좋아야 하는것임을 말이지요. 소리라는 것이 그 자체로 생명력을 지니는 음악장르도 때때로 있을 수 는 있지만 음악에 대한 표현의 방법이니까요. 내가 이번에는 믹싱을 하면서 전혀 음악과 연주는 잘 듣지 않고. 믹싱때 필요한 각 파트들의 앙상블. 그리고 작곡자와 연주자가 표현하는 느낌을 극대화시키는 음향적인 부분들외에 연주 하나하나의 섬세한 부분들까지 왜 신경을 쓰지 못했을까..하는 생각들이었습니다. 입장을 바꾸어서 내가 연주를 한다면. 레코딩 엔지니어가 내가 여러테이크를 녹음해놓고. 음악적으로 크게 어긋나있는 부분들이 있으면 알아서 다 수정을 해서 믹싱. 마스터링을 해서 보내주면 훨씬 더 수월하고 편하고 좋겠다..라는 생각이 들더라구요 이부분이 바로 프로듀서와 엔지니어의 경계가 아닐까 싶습니다. 이제는 아티스트.(연주자. 작곡자) 프로듀서. 엔지니어의 경계가 갈수록 희미해져가고 있지요. 연주자들이 직접 녹음 믹싱을 하는것은 이제 아주 보편화된것이니까요. 내가 앞으로도 변함없이 이렇게 재미있는 클래식 음악 녹음을 계속해간다면. 지금의 음향에 대한 부분만 책임을 지는 엔지니어에서. 음악적인 부분까지 함께 하는 프로듀서로써의 부분들도 더욱 더 많이 필요하게 되는것이 아닌가.. 혹시나 앞으로 엔지니어는 거의 누구나 하게되는것 처럼 없어지고. 오히려 프로듀서를 함께 할 수 있는 엔지니어들만 남는것이 아닐까..하는 조금은 사람에 따라서 이상하게 들릴런지도 모르는 생각도 잠깐 들었습니다. 프로듀서가 악보에 꼼꼼히 편집할 부분들을 기입해 두고 자리를 떠난 후. 함께 일하는 어시스트 남송지씨와 잠시 이야기를 하였습니다. 우리가 앞으로 가야 할 길은. 우리 모두가 프로듀서. 엔지니어를 함께 해야하는 것이 아닐까 하고요. 그렇기 위해서는 무엇보다도 악보리딩이 더욱더 중요해니. 녹음하는 곡들을 녹음 전이나 후에. 악보와 함께 미리 여러차례 보고나서 녹음 및 편집. 믹싱. 마스터링을 하자.. 라고 이야기를 하였습니다. 녹음시 음악적인 세세한 부분은 제가 챙기고 녹음이 끝난후 편집에서 세밀한 부분은 함께 하는 남송지씨가 담당을 하는것으로 서로 이렇게 앞으로는 음악적인 부분들에 좀더 신경을 많이 쓰자..하고 결론을 내리게 되었는데요. 운이 좋게도 갈수록 함께 하는 아티스트들의 수준을 높아지는데. 이것을 녹음하는 나의 음악적인 수준은 늘 제자리를 넘지 못하는것이 아닌가 하는 생각이 들었습니다. 사실 이번에 녹음된 화음 체임버의 연주의 믹싱 모니터 cd를 집에서 여러차례 들으면서 그때마다 전체적인 연주가 너무너무 좋구나..하고 감탄만을 하였지. 실제 연주자들이 신경을 쓰는 세밀한 부분들까지는 들으려고 하는 귀를 닫고 음악의 전체적인 그림만을 바라보았던것 같습니다. 물론 대부분의 대중들은 전반적인 이미지나 느낌. 그러한것들을 인상에 남기지요. 음악회나 음반을 들으면서 악보를 펼추어 두고. 이 사람이 지금 어느 부분을 틀렸나..하고 생각하면서 듣는 관객은 없으니까요. 하지만 누군가가 최종 음반이 시중에 나와서 보다 많은 사람들에게 들려지기전에 이러한 작업을 해야한다면. 이것은 바로 우리가 해야 하는것이 아닐까 하는 생각이 들었습니다. 어느때부터인가 습관처럼 혼자중얼거리는 이야기가 하나있어요. 때론 하루에 몇번씩. 혹은 일주일에 한두번이 되기도 하고요. "어떻게 하면 좀더 좋은 소리로 녹음을 할 수 있을까" 라고 아주 작은 소리고 혼자 중얼중얼 하는 저 자신을 발견하기도 하는데요. 이것은 녹음과 전혀 관계가 없는 상황들에서도 그저 머릿속에서 자연스럽게 이러한 생각들이 드는 것 같아요. 저는 늦는다는 것을 그리 믿지 않는편입니다. 그래서 지금도 늦다는 생각은 하지 않아요. 머릿속에서 자연스럽게. 소리를 듣고 단번에 내가 원하는 소리이고 아님을 듣듯이 이제는 음악을 듣고 단번에 내가 생각하는 연주인지 아니인지도 느낄 수 있는것이 무척 중요해지지 않을까 합니다. 오디오가이의 많은 분들이 작업하시는 일반 음악쪽에는 물론 프로듀서와 엔지니어의 개념이 조금 다르다고 볼수 있겠지만 적어도 앞으로 제가 생각하고 그리고 하고 싶어하는 클래식 아티스트들과 작업들을 하려면. 이쪽에서는 이 두경계 사이를 늘 함께 생각을 해야하는 것이 아닐까 합니다. 무척 좋아하는 피아니스트인 호로비츠의 모차르트 피아노 소나타(게다가 제가 무척 좋아하는 음악중에 하나인 모차르트 피아노 소나타)의 음반에 보너스 DVD에 보면 녹음을 하는 장면이 나오는데요. 1980년도 후반 호로비츠가 무척 나이가 많고 바로 은퇴하기 직전즈음의 녹음이라. 약간은 거동이 불편한 그를 팔장을 끼고 부축을 하며 녹음을 하는 장소에 들어가고. 녹음하기전. 그리고 녹음된것을 모니터하면서 지휘자(이때는 쥴리니)와 호로비츠 사이의 의견을 조율을 하고. 녹음중 명확하게 미스가 있는 부분에서는 연주자와 지휘자에게 확실하게 의사를 전달하는 프로듀서의 모습이 무척 인상적이었습니다. 물론 콘솔데스크 앞에서 악보에 담긴 음악과 더불어 스피커에서 다가오는 소리도 함께 듣고 있었고요. 이 장면을 보니 이 프로듀서가 호로비츠와 얼마나 오랜세월을 함께 한 사람이구나.. 둘은 단순히 음악적인 것을 넘어. 나이차를 넘어 참으로 인간적인 친구와 같은 존재이구나.. 하는 것이 느껴졌답니다. 얼마전 한국의 유명한 첼리스트 장한나의 새로운 앨범 소개에서. 그녀가 처음 데뷔했을 10대 초중반부터 지금에 이르기까지 늘 같은 레코딩 프로듀서와 작업을 하고 있다고 하더군요(물론 변함없이 같은 레이블이라 그럴 수도 있겠습니다만) 이렇게 훌륭한 아티스트와 오랜시간. 10년 20년 함께 작업을 하는 것도 참 부럽고 좋은 일이라 생각이 들었습니다. 지금 함께 하고 있는 아티스트와 오랜시간 함께 그들의 연주 뿐만 아니라. 그 사람 자체에서 나오는 인간적인 분위기와 느낌을 시간이 흘러 자연스레 알수 있다면 음반에서 그들이 원하는 음악적인 그리고 음향적인 내용들이 무엇인지 훨씬 더 쉽게 알 수 있을 것 같아요. 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사무실을 이전을 하였습니다. 어느새.. 4년만에. 광화문 오디오가이 라는것이 그 시간동안은 저의 삶의 일부였지요. 바로 근처이지만 분위기는 광화문하고는 사뭇다른. 하지만 그러면서도 공통점이 있는 통의동이라는 곳입니다. 바로 경복궁 돌담길에서 청와대 가기 전에 있는 제게 있어서는 아주 고즈넉하게 느껴지는 곳 이지요. 이사를 하면서 많은 것을 버리고. 또 새로운 많은 것을 얻은 것 같습니다. 근 한달내내 사무실 정리를 한탓에 이제서야 조금 마음에 들게 사무실이 정리가 되었어요. 그동안 정리가 되지 않아서 마음 한편에 참으로 불편한 마음이 많았어거든요. 이곳에서는 무엇보다도 아주 작지만 제 방도 하나 생겼어요. 요즘은 이곳 제방에 들여놓을 아주 작은 앰프와 스피커를 찾느라 아주 행복한 고민을 하며 지내고 있답니다. 오디오가이에는 늘 클래식과 재즈음악들의 작업이 많이 있음에도 불구하고. 저는 참 오랫동안 작업을 하지 않은 것 같은 느낌이에요. 늘 광화문에서 집중을 하던 공간에서 다른 곳으로 오니. 정말이지 믹싱이 잘 집중이 되지 않더라구요. 이번에도 역시 사무실의 스피커를 바꾸었답니다. 하하하.. 정말이지 제게 있어서 음향과 기기(특히 하이파이오디오)는 평생의 최대의 취미가 아닐까 싶어요. 하지만 어떻해요. 너무너무 즐겁고 신나고 재미있고. 생각만 해도 첫사랑 처럼 막 두근두근 가슴이 뛰는걸요~ 이번에 구입한 스피커는 영국 쿼드사에서 나온 정전현(콘덴서형)스피커 2805입니다. 과거 ESL 이라는 쿼드에서 정전형으로 만든 스피커들은 가정용은 물론이고 데카나 필립스같은 클래식 레코딩 회사의 모니터링룸에서도 사용이 되기도 했었는데요. 이 역시 과거. 클래식 레코딩을 공부하면서 이 스피커에 대한 관심이 있어서.. 나중에는 꼭 한번 제대로 사용해보리라.. 하고 생각을 하였는데. 이번에 정말 좋은 기회가 되어 구입을 하게 되었답니다. 정전형 스피커는 그동안 사용을 하던 B&W. PMC 그리고 제네릭과는 전반적인 성향이 아주 많이 다른편이에요. 사람들은 늘 제게 뭍습니다. "그렇게 스피커를 자주 바꾸어서야 모니터에 적응이 되지 않아서 제대로 작업을 할 수 있겠어요?" 하지만 전 좋은 소리는 그 어떤 스피커로도 모두 좋은 소리가 난다고 생각을 해요^^ 그래서 믹싱때 소리의 퀄리티 자체를 바꾸려는 시도는 전혀 하고 있지 않고. 오직 밸런스와 공간감. 그리고 전체레벨 정도만 조정을 하기 때문에(오토메이션도 그리 많이 하지 않는경우도 많고요) 녹음시 녹음이 잘 된 음악을 믹스할때는 적응이 되지 않은 스피커라 해도 크게 불편함은 없는 것 같아요. 하지만 늘 변함없이 모니터CD를 만들어서 집의 오디오로 최종 점검은 꼼꼼히 하는 편이지요. 이 쿼드 스피커는 뭐랄까.. 소리가 평편파가 아닌 구면파로 제게 파형으로 다가오는 것이 느껴진다고나 해야할까요? 자연스러운 소리를 이루말할 수 없고. 작은 음량에서 이렇게나 밸런스가 좋은 스피커는 처음이어요. 다만 B&W 나 PMC. ATC. 제네릭처럼. 쫙 뻗는 초고역과 낮은 저음은 전혀 들을 수 없어요. 마치 오래된 상태좋은 LP를 듣는 느낌? 초고역은 쉘빙으로 커트한것 마냥 상당히 롤 오프되어있어요. 하지만 전 초고역은 거의 부스트를 하더라도 2db가 넘는경우가 거의 없기 때문에 크게 문제가 되지 않는것 같습니다. 오랜시간 들어도. 귀가 피로하지 않고. 편안한 소리. 스피커나 기기들을 바꿀때마다 바뀌는 소리에 대한 경험이 제게는 음악을 녹음을 하고 믹싱을 하는데 있어서 너무너무나 크게 다가 옵니다. 음악의 재생의 경험. 우리가 늘 소리에 시달리고 있다보니 어쩌면 갈수록 줄어든것이 아닐런지도 모르겠어요. 하이파이 오디오를 통해서 전 다시 음악에 대한 사랑을 느끼며. 소리에 대한 열정을 되새깁니다. 사무실에 내 방에 사용할 아주 자그마한 진공관 앰프가 내일이면 도착할 것 같아요. 음악과 소리가 있어 이 두근거리고 행복한 느낌. 아마 여러분들도 늘 지니시고 계신것이 아닌지요? 요즘들어서는 아주 오래된 오디오기기들의 소리가 좋아집니다. 어떻게 보면 중학교때 들은 미니콤포넌트와 별반 다르지 않게 들리는 소리들일런지도 모르겠어요. 하이파이 오디오를 좋아하시는 분들은 나중에는 빈티지오디오로 간다..라는 말씀들을 종종 듣는데요. 지금 생각해면 충분히 이해가 되는것 같아요. 우선 별로 깨끗하지도 않고. 지저분한것도 많고. 사용하다가 어디가 고장이 날지도 모르고(저같은 기계치에게는 이것은 참 큰일중에 하나입니다.) 가격도 오히려 너무 저렴(?)해서 믿음이 가지 않을런지도 모르겠지만. 가끔씩 오래된 텔레푼켄 풀레인지 스피커나 AR스피커에 피셔 인티에서 나오는 소리들을 들으면.. 아.... 하고 입이 다물어 지지 않아요. 사오십년 된 오디오기기들에서 나오는 소리는 요즘의 어떻게 보면 무개성의 음악과 하이파이 오디오의 소리들 가운데에서. 자신만의 아주 강렬한 개성을 지니고 있거든요. 요즘 제가 고민을 하고 있는 것중에 하나가 있습니다. 바로 내가 만드는 소리에 좀더 "질감"을 더하는 것이어요. 비교적 맑고 투명하고 깨끗한 소리를 만들어 가는데에는 이제는 알것 같아요.(이것은 기본이 가장 중요하더군요. 레벨!) 하지만 여기에 덧붙여 무엇인가 참으로 상투적이기는 합니다만 따스한 느낌이 있는 "질감"있는 소리를 더해보고 싶어요. 그래서 사무실의 서밍믹서를 맑고 소리가 깨끗한 데인저러스 뮤직 2BUS LT에서 2BUS로 바꾸어 보기도 하였고. 앞으로는 진공관 마이크나 마이크프리들을 더욱 더 적극적으로 사용을 해서 녹음을 해볼까.. 하는 생각들도 많이 들고요. 전 스튜디오보다는 홀등에서 녹음 기자재들을 모두 들고 가서 녹음을 하는 경우가 많기 때문에. 전원부도 별도로 있고 무게가 무거운 진공관식 기기들은 잘 가지고 다니지 않는 편이었지요^^ 오래전부터 늘 머릿속을 떠나지 않는 것이 있어요. 소구경 마이크의 깔끔함보다는. 대구경 마이크의 풍부함이 나는 더 좋다.. 이러한 마이크나 마이크프리앰프. 심지어는 케이블이나 DAW의 종류에게 까지(지금 사용하고 있는 새디는 소리가 참으로 아날로그 스러워서 좋습니다. 프로툴에 비해서는 소리가 더 자연스러운 파형의 느낌으로 들려요) 이러한 녹음을 하면서 느끼는 소리에 대한 경험과 하이파이 오디오를 하면서 느끼는 경험이 결합이 되어 개인적으로 더욱 더 많은 음악과 소리에 대한 느낌과 생각들을 더해주게 된답니다. 특히 오래된 빈티지 오디오들에서 나오는 소리들은 요새 우리가 듣는 소리와는 참 많이 다른점들이 많아요. 여러분들도 기회가 되시면 꼭 한번 들어보시라고 말씀을 드려보고 싶네요. 이렇게 오랜시간 음악을 듣는 사람에게 딱 어울리는 소리라고나 해야할까요? 여담입니다만. 전 아직 아이가 태어나지도. 생기기도 전인데. 벌써부터 아이가 조금 커서 걸어다닐무렵. 집 거실에 있는 나의 스피커의 유닛을 망가뜨리지나 않을까..하는 생각들을 벌써부터한답니다.ㅜ.ㅜ 게다가 꽤 자주 하는편이어요^^ 그만큼 지금 집에 사용하는 스피커의 소리를 너무너무 마음에 들어하거든요. 하이파이 오디오를 좋아하는 지인분들이 가끔 집에 놀러와서 제 오디오의 소리를 들어보면 한결같이 이야기를 합니다. "정훈씨 오디오는 기기들은 좋고 비싼 기기인데 하이엔드 소리가 안나" 지금 스피커보다 훨씬 더 고가의 기기들을 사용해본적도 있지만 제게 있어서는 지금의 소리가 가장 좋게 들립니다. 현대의 기기이지만 어떻게 보면 오래전의 오디오들처럼 소리가 참 편안하게 들리거든요(스피커는 보체디비나 티노리) 집과 작업실은 모두 같은 회사의 파워앰프를 사용하고 있어요. 미국의 제프롤랜드라는 회사의 제품으로. 그레이스 디자인의 사장님이 제프롤랜드에서 앰프설계 담당자중에 한명이었다는 이야기가 있지요. 제조회사도 그레이스 디자인과 같은동네에 있고요.(콜로라도 볼더) 이 앰프의 소리. 저는 가장 마음에 들어요. 진공관 앰프의 음색을 좋아하기는 하지만 아무래도 녹음과 믹싱. 마스터링을 하기에는 평탄하지 않은 주파수특성들 때문에 어려울 것같고 최근의 파워앰프들은 너무너무 고역이 밝고 화려한것들이 많아서 귀가 쉽게 피로해지지만 제프롤랜드의 앰프들은 마치 진공관 앰프처럼 중음이 부드러운 소리가 납니다. 저음도 풍성한편이고요. 다만 저음이 중고음보다 조금 늦게 나오기는 합니다.ㅜ.ㅜ 음악들을때는 전혀 문제가 없지만 믹싱이나 마스터링을 할때는 컴프레서의 조절할때는 좀더 적응이 필요할런지도 모르겠어요. 맑고 깨끗하고 화려한 소리도 좋지만. 제가 좋아하는 질감있고 부드럽고 풍부한 소리. 사실 작업하는 모든 음악을 다 그렇게 만들수는 없겠지요. 꼭 그것이 다 좋지 않을수도 있겠고요. 피아노솔로만 해도 모차르트 피아노 소나타에 어울리는 소리와. 베토벤. 혹은 드뷔시나 라벨에 어울리는 소리는 분명 다를 수 있으니까요. 이러한 하이파이 오디오기기들을 늘 바꾸면서 들어보면서(이제는 가벼워지는 주머니사정때문에 어려워질듯하기도 합니다만..) 저는 늘 새로운 소리를 만나고. 거기에 또 사랑에 빠지며. 그렇게 살고 있습니다. 내가 좋아하는 소리. 꿈꾸는 상상속의 소리. 거기에 음악. 꼭 만들고 싶어요. [이 게시물은 운영자님에 의해 2009-04-22 14:08:52 기초음향에서 이동 됨]

얼마전에 암스테르담 콘서트헤보의 악장과 각 파트의 수석 연주자들의 쿼텟. 암스테르담 콘서트헤보 쿼텟. 정말 세계에서 가장 유명한 오케스트라의 수석 멤버들의 연주. 그리고 녹음이라 무척이나 설레였습니다. 하지만 늘 연말에는 여러가지 너무 많은 녹음작업들이 집중이 되기 때문에. (게다가 연말에 하는 작업들은 모두들 시간이 급한 프로젝트들이 많은 편입니다.ㅜ.ㅜ) 이렇게 좋은 녹음을 여유롭게 미리 준비하고 하지 못했습니다. 다만 미리 녹음할 그리그. 모차르트의 스트링 쿼텟곡과 드보르작 피아노 5중주 음반을 사서 여러번 들어보면서 곡을 익히고. 파트를 생각하는것도 잠시. 바로 녹음을 하게 되었는데요. 이번에는 처음 녹음해보는 노원문화예술회관이었습니다. 대부분 각 구의 문화회관의 경우 전문적인 공연장 외에도 여러가지 다양한 행사를 함께 하는 경우가 많기 때문에 대부분 공간음향보다는 전기음향에 많은 신경을 쓰는 것을 볼 수 있었는데요. 그래서 공간음향이 자연스러운 잔향보다는 벽체나 바닥등에 패브릭으로 흡음 처리가 되어있는곳들이 많은 편입니다. 이번 노원문화예술회관도 기존의 여타 구립 문화예술회관들 처럼 상당히 데드한 공간울림을 지니고 있었는데요. 반면에 스피커를 사용을 해서 확성을 하는 공연의 경우는 상당히 사운드가 좋겠구나..라는 생각이 들었답니다. 하지만 녹음을 해보니 상상이상으로 메인 마이크로 적당량의 독특한 음색의 잔향이 들어오는것을 느낄 수 있었는데요. 고역과 저역은 적당히 커트된 중역 위주의 공간 반사음이었습니다. 먼저 메인 AB 스테레오 페어는 요즘 다시 불을 뿜기 시작한 MBHO 604 무지향성 페어 그리고 공연장 천정에 달려있는 AKC C414 단일지향성으로 AB 스페이스드 페어를 녹음기로 받고 바닥에는 늘 그렇듯이 MBHO 648PZM 중간에 현악의 스팟마이크로 MG M960 피아노에는 MG M295를 사용하였습니다. 녹음기는 새디 LRX-2 이고요. 다음으로 스트링은 건너뛰고 피아노마이킹부터. 피아노에는 이번에는 MG의 M295 단일지향성 마이크를 사용하였는데요. 얼핏보면 스몰다이어프램 마이크처럼 생겼지만 MG 본사에서는 이 마이크를 라지다이어프램의 카테고리안에 넣고 있어요. 일반적인 스몰다이어프램 마이크들보다 좀더 사이즈가 큰 편입니다. 소리성향은 중고역이 아주 뚜렷한. 어떻게 보면 에지가 조금 서있는 소리로 볼 수 있는데요. 클래식보다는 재즈쪽 녹음에 잘 맞는 것 같아서 최근에는 잘 사용을 하지 않았던 마이크입니다. 아무래도 클래식 피아노는 너무 뚜렷한 소리보다는 약간 여린. 여성스러운 소리를 개인적으로 선호하는 편이랍니다. 이번에도 그 뚜렸한 중고역 덕택에 현악 쿼텟의 밸런스 안에서 피아노의 존재감을 명확하게 들어내는 용도로 무척 좋았습니다. 얼핏생각하면 그랜드피아노의 사운드가 무척 크기 때문에 피아노의 마이크가 없어도 될것 같은데. 이번연주자들은 원체 소리가 커서. 메인으로는 피아노 보다는 현악의 소리가 훨씬 더 크게 들어오더군요. 클래식 피아노 녹음에서 중요한것은 스테레오바를 꼭 사용해야 한다고 생각합니다. 아무리 정밀하게 두 마이크스탠드를 조절해도 스테레오바를 사용하는 편이 확실한 스테레오 이미지와 정위를 얻을 수 있습니다. 피아노 녹음은.. 늘 하는 것이지만. 그래도 늘 어렵다는 생각이 들고 그래서 가장 좋아하는 녹음중에 하나입니다. 이번에 암스테르담 쿼텟과 함께 연주한 피아니스트는 한영란님이었는데요. 아...정말 멋진 피아니스트였습니다. 기회가 된다면 다음번에 꼭한번 다시 작업을 해보고 싶은 생각이 많이 들었는데. 유려한 프레이징에 명징하고 깔끔한 터치. 제가 딱 개인적으로 무척 좋아하는 스타일의 연주를 하시는분이었어요. 다음으로는 스트링에 스팟으로 사용한 MG M960 960은 뭐랄까..참.. 그 엄청나게 많은 중고역과 초고역에 참으로 개성이 있고 훌륭한 마이크이기는 하지만 잔향이 풍부하고 좋은 곳에서는 정말 멋진 최상의 소리를 들려주고. 때론 공간음향이 좋지 않은 곳에서는 산만하고 시끄러운 최악을 결과를 들려주는 일도 있는 어떻게 보면 참으로 까다로운 마이크입니다. 이번에는 조금 아쉬워서 메인 믹스시에는 전혀 사용을 하지 않았습니다. 다음에는 노원 문화예술회관 천정에 달려있는 AKC C414 였는데요. 믹싱때 들어보니 생각외로 소리가 마음에 들어서 최종 메인믹스에 가장 많은 음량으로 사용이 되었습니다. 사실 이번녹음의 결과는 그리 마음에 들지 않아요. 다시한번 느꼈지만 전 이상하게도 트리오나 쿼텟. 콰르텟 녹음이 참 어려운것 같습니다. 차라리 이보다는 심포니나 체임버 녹음이 원하는 결과를 좀더 손쉽게 얻을 수 있었던것 같습니다. 이번에 녹음된 것을 들어보니. 피아노 소리는 괜찮은데. 각 스트링 파트마다의 존재감이 약하다고나 해야할까요? 앞으로 또 이러한 구성을 녹음하면. 반드시!! 각 악기 하나하나에 마이크를 설치해야 겠다..라는 생각이 들더라구요 마지막 사진은 함께 일하고 있는 오디오가이 레코드의 프로듀서. 엔지니어 김현석씨입니다^^ 요즘 현석씨 덕분에 저는 이렇게 글을 남길 시간도 있고 너무 좋아요~

그제 고양시에 있는 아람누리 극장에서 녹음을 하였습니다. 아람누리는 처음 이곳에 방문을 했을때 그 너무나도 멋진 잔향을 듣고 이곳에서 꼭 한번 녹음해보고 싶다!! 라고 생각했던 곳인데요. 이번에 녹음을 하고나서는. 앞으로 오디오가이 레코드 모든 제작앨범은 "이곳에서만 녹음을 하고 싶다!!!" 라고 생각이 들었습니다. 정말이지 이렇게나 감동적일만큼 훌륭한 잔향을 지닌 공연장이 우리나라에 있다는 것이 너무나도 자랑스럽고 좋습니다. 이번에 조영창과 12첼리스트는 멤버의 대부분이 외국사람들인데. 이곳 공연장에 들어와서 박수를 쳐보거나 첼로를 연주해보더니 연주자들도 다들 소리가 너무 좋다고 깜짝 놀라더군요. 얼마전 아람누리에서 있었던 암스테르담 콘서트헤보 쿼텟의 연주도 녹음이 있었지만 그때는 저는 가지 않고 함께 일하는 김현석씨만 가서 녹음을 진행을 해서. 저로써는 아람누리에서는 처음이었습니다. 지금까지 클래식 녹음을 하면서(국내에서) 별도의 리버브를 사용하지 않고 이렇게 많은 잔향소리가 분명하고 깨끗하게 녹음이 되는 경우는 처음입니다. (물론 예술의 전당 대극장도 무척 잔향이 좋다고 생각합니다) 간략한 녹음 개요는. 이곳에는 최근에 생긴 공연장들 답게. 기본적으로 모든 레코딩 시스템이 다 구비가 되어있습니다. 메인 콘솔은 디지코의 D1에 MADI로 누엔도로 연결이 되어있고. 그레이스 디자인의 신형 프리 M801이 있어서. 오디오가이에서는 별도의 기자재들은 거의 가지고 가지 않고 마이크들과 녹음하드만 가지고 갔었답니다.^^ 늘 로케이션 레코딩때는 아주 많은 짐들을 챙겨가느라 체력적으로도 상당히 힘든편인데요. 이렇게 공연장에 레코딩 시스템이 잘 꾸며져 있고. 무엇보다도 그것을 이용할 수 있다는것은 너무도 좋은 것 같습니다. 자. 그럼 녹음에 관한 내용을 시작해 보지요. 메인 마이크는 MBHO 의 604 무지향성. 작년까지만 해도 늘 사용하다가 올해부터는 MG M960을 메인 스테레오 페어로 사용하면서 그 빈도가 조금 떨어졌습니다만. 최근에 다시 오디오가이 레코드의 메인 마이크로 사용이 되고 있습니다 제게는 그 어떤 마이크보다도 더 좋게 느껴집니다. 스몰다이어프램임에도 불구하고. 저역은 숍스MK2 보다 풍부하며. 고역은 DPA 4006 보다 더 깨끗합니다.(정확하게 표현하자면 초고역은 DPA쪽이 좀더 많고 MBHO는 중고역이 살짝 많은 편입니다.) 메인 마이크 세팅은 클래식 실황녹음에서는 전 거의 대부분 AB 스테레오페어입니다. 실황공연 녹음이라는 것이 녹음도 중요하지만 무엇보다도 공연이 우선인 경우가 대부분이기 때문에 가운데 데카트리나 그외 다른 원포인트 마이크 세팅이 되어있으면 관객석쪽에서 보기가 좋지 않거나 또는 방송이나 DVD 촬영을 할때 마이크 스탠드가 아티스트들을 가리는 경우가 많기 때문입니다. 하지만 적절한 높이와 거리. 마이크 선택을 잘 하면 AB 스테레오도 아주 좋다고 생각합니다. 홀자체에 설치되어있는 숍스 MK2도 함께 사용을 했기 때문에. 평소보다 메인 AB페어의 넓기는 좀더 넓게 하였어요. 이러한 경우 홀의 반사음이 더욱 더 많이 들어오는 편입니다. 이전에는 AB 스테레오 세팅을 할때. 마이크가 꼭 아티스트들을 바라보고 있어야 한다고 생각했는데(물론 이번에도 그렇게 설치를 하였습니다만) 때에따라서는 좌우측으로 마이크가 아티스트들에서 완전히 벗어나 있는것도 좋은 소리를 들려줄때닥 많은 것 같습니다. 메인 AB 스테레오 페어로 설치된 MBHO 604 무지향성 마이크 MBHO는 숍스와 같은 마이크와 캡슐식 다이어프램을 사용할 수 있는 모듈러 방식입니다. 무지향성 캡슐의 이름은 지금 생각이 나지는 않네요.ㅜ.ㅜ 홀더는 MG 사의 엘라스틱 서스펜션. 거의 모든 스몰다이어프램 마이크에 사용할 수 있고. 확실히 다른 홀더들에 비해서 진동을 잡아주어서 소리가 더 명료하게 녹음이 됩니다. 다른 모든 마이크방식에서도 마찬가지이겠지만 AB 스테레오에서 중요한것은 3가지. 마이크의 높이 마이크와 음원과의 거리. 그리고 사진에서처럼 마이크와 음원과의 각도입니다. 현존하는 거의 모든 마이크들도 무지향성이라고 하더라도 고역에서는 단일지향성을 지니고 있기 때문에 저는 무지향성 마이크라도 늘 음원쪽을 바라보도록 각도를 많이 내리는 편입니다. 다만 높이는 가급적 높게 합니다(이번에는 5M) 그럼 높이를 높이지 않고 각도를 내리지 않는것과는 무스차이가 있을까.. 하고 생각하시는분들도 계실런지 모르겠는데요. 대부분의 현악기들은 역시나 높은 곳에서 마이크가 소리를 집음하는 편이. 초고역이 많이 들어옵니다. 마이크의 높이가 낮게 되면 초고역 보다는 현악기의 브릿지에서 현과 마찰하는 중역의 묘한 피크감이 많이 마이크로 집음이 되어. 메인 마이크는 반드시 전 가급적이면 높은 쪽을 선호하는 편입니다. 게다가 이렇게 잔향이 풍부한 홀에서는 더욱 더 그렇지요. 12명의 첼리스트들은 각각의 파트를 곡에따라서 여러파트로 나뉘었지만 대부분 4명씩 3파트로 되어있어서 각 파트별 스팟 마이크로는 1ST와 3RD는 숍스의 단일지향성 마이크인 MK4를 ORTF로 사용을 하였습니다. 2ND는 제가 사랑하는 노이만 USM69를 사용하였고요. 숍스의 MK4는 정말이지 가장 자연스러운 소리를 내어주는 마이크임에는 틀림 없을 것 입니다. 무엇보다도 이렇게 스팟을 가깝게 사용을 하여도. 혹은 멀리사용하거나. 메인 마이크와 블렌딩이 무척잘된다는것이 아마도 가장 큰 장점이 아닐까 싶어요. 하지만 이 자연스러움이 제게는 때론 조금 밋밋하게 들리는 경우도 있어서. 저는 고역이 더 선명한 버티칼 형식의 MK4V를 훨씬 더 좋아하는 편입니다. 이번에 가장 마이크의 위치를 조정 많이 한것은 바로 이 ORTF 스팟이었는데요. 최근 클래식 녹음을 하면서 이렇게나 마이크 위치를 많이 조절해보기는 처음입니다. 일반적으로 현악기는 마이크를 높게 사용하는 편이 많은데. 첼로나 콘트라는 정말 때에 따라서 많이 다른것 같습니다. 처음에는 늘 그렇듯이 적당히 높게 하였다가. 몇번의 높낮이와 거리조절을 거쳐서 상당히 낲은 부분까지 설치를 하였는데요. 좀더 시간이 있었으면 아예 마이크를 거꾸고 달아서 홀쪽으로 설치해보고 싶은 생각이 들더라고요. 저는 늘 현악기 녹음을 할때마다 유난히 싫어하는 소리가 있는데. 위에서도 잠시 밝힌 바와 같이. 브릿지 정중앙에서 현과 마찰할때 생기는 그 "낑낑"한 소리라고나 해야할까요?^^ 이번에도 그 소리가 마이크로 많이 들어와서 최대한 선명도를 유지하면서 부드럽고 풍부하게 집음이 되는 포인트를 찾아 많은 변경을 하였습니다. 최종적으로는 스팟마이크를 숍스 MK4가 아닌 부드러운 숍스보다도 더 중역이 부드러운 MG MT71S를 사용했으면 더 좋았겠다..라는 아쉬움이 들었습니다. 이번에는 짐을 간소화 하려고 미리 계획한 마이크만 가지고 왔어 미처 MG를 사용해보지는 못하였습니다. 다음으로 세컨드 파트에 설치한 노이만 USM69 아마도 이 마이크를 구입한 이후로 제가 쓰는 거의 모든 레코딩 칼럼에서 이 마이크에 대한 내용이 나오는 것 같습니다. 이번 숍스와의 비교에서도.. "아..역시나 좋구나.. 내가 좋아하지 않는 브릿지의 불필요한 중역의 공진음은 부드럽게 감싸주면서 나올만한 저역과 고역은 다 나오는구나.."라는 생각이 들었습니다. 이 마이크는 참 신기합니다. 사실 초고역이 그리 화려한 마이크는 아니어요. 하지만 나올소리는 다 나오고 중역이 부드러우면서도 중고역의 명확함은 확실하게 집어내줍니다. 그래서 그랜트 피아노의 근접 마이킹에 있어서는 세상의 그 어떤 마이크보다(제가 사용해본 마이크들 가운데에서는^^) 가장 선호하는 마이크중에 하나이지요. 이번에는 12첼리스트가 모두 연주하는 곡도 있었고. 4명 6명의 구성도 있어서. 구성이 바뀔때에는 USM69를 정면에 스팟으로 설치를 하였습니다. 하지만 아쉽게도 공연 진행상의 원활한 부분이 있어서 리허설 레코딩때만 위의 사진으로 하고. 최종적으로는 공연 실황때는 MBHO 648PZM 마이크를 사용하였습니다. MBHO 648PZM 은 제가 사용하고 있어서가 아니라. 자신있게 현존하는 그 어떤 PZM 마이크들 보다도 자연스럽고 제게는 좋은 소리를 들려주는 마이크입니다. 대부분 바닥에 설치하는 PZM의 경우 초고역이 약간 아쉬운 점이 종종 있는데(물론 공간의 잔향특성에 따라서 많이 달라집니다) 이 MBHO의 648PZM 은 우선 다른 PZM들에 비해서 비교적 날카로운 지향특성을 지니고 있으며. 저음부터 고음까지 스팟마이크로서 최고의 만족도르 들려줍니다. 다만 메인으로 사용하기에는 PZM 마이크의 특성상 아무래도 주파수레인지가 그리 넓지 않아서 아쉬운 부분이 있어요. 처음에는 이 PZM을 사용할때 악기들에 가깝게 설치들을 했었는데. 올해 일년동안 여러 클래식 레코딩 세션에서 느낀바와 같이 좀더 음원과의 거리를 떨어뜨려주니 더욱 더 생생한 고역과 자연스러운 저역을 들려주었습니다. 녹음때마다 늘 연주자들이나 다른분들이 밝지 않을까 노심초사하는 마이크입니다만. 이러한 걱정을 두고도 늘 사용하게 되는. 오디오가이 레코드의 클래식 사운드로써는 빠질 수 없는 정말 중요한 마이크입니다. 게다가 아티스트들을 가리지 않아 대부분의 카메라나 무대감독님들이 좋아하십니다.^^ 잠깐동안 이렇게 가까이 설치도 해보았습니다만. 역시 최종적으로는 멀리 설치하였습니다.^^ 다음으로 약간의 악기와 악기사이의 빈공간을 채워주기 위한 스팟 마이크로 MG의 M960 무지향성 마이크. 이 마이크는 본래 이 용도로 나온 마이크로. 원거리에서도 초고역을 확실하게! 잡아주는 기특한 녀석입니다. 이번에는 아람누리의 음향감독님에게 부탁을 드려서. 리허설때 미리 천정에서 내려오도록 설치를 하였습니다. (이자리를 빌어 많은 도움을 주신 아람누리의 지상엽 음향감독님께 정말 감사의 인사를 드립니다.) 높이는 상당히 높게 하였는데. 이러한 고역특성이 아주 밝은 마이크들을 스팟으로 사용할때. 높이가 너무 낮게 되면 메인마이크와 블렌딩할때 고역에서 위상변위가 생기기 때문입니다. (물론 때로는 아주 낮게 사용할때도 있습니다.) 최종적으로 사용이 되는 비중은 그리 높지는 않지만. 그래도 없어서는 안되는 부족한 2%를 채워주는 마이크와 세팅입니다. *첼리스트 등 뒤쪽으로 해서 양쪽으로 내려온 마이크입니다. 다음으로 최근 녹음에서 빠지지 않는 또하나의 PZM 세팅. 얼마전 광주 정율성 국제음악제 광주문화예술회관 대극장 녹음에서 여러번 밝히는 바람에 목이 부러져서 병원까지 다녀온 MBHO 620PZM 마이크입니다. 648에 비해서 좀더 레인지가 좁은. 전반적으로 중역과 중저역에 몰려있는 소리를 들려주는데. 글씨 이 마이크라는 녀석은 앰비언스로 적당히 지저분한 고역과 저역은 커트해주고. 아람누리같이 좋은 공연장에서는 마치 최상급의 리버브를 사용한것과 같은 소리를 들려준답니다. 언제나 그렇듯이 이번에도 무대에서 관객석쪽을 바라보며. 뒷벽에서 되돌아 돌아오는 소리를 집음하기 위한 용도로 사용하였습니다. (이번 사진들은 모두 저의 새색시 분께서 수고해주셨습니다.^^) 마지막으로 아람누리의 컨트롤룸. 공연 실황녹음에서 늘 고민하는 것은 녹음하고 모니터링할 장소인데요. 공연장의 조정실을. 내어주셔서 정말 좋은 환경에서 녹음을 할 수 있었습니다. 이동형 랙안에 들어있는 안정적인 누엔도 시스템. 많은 트랙들의 경우 각각 여러개의 하드로 나뉘어서 담기는 세팅으로 되어있어서 무척 안정적이었습니다 본래는 사진 몇장이나 블로그에 올리자.. 라고 글을 쓰기 시작했었는데. 글쓰면서 제가 더 재미있어서 져서. 이렇게 많이 쓰게 되었네요. 글을 보고 혹시 소리가 궁금하신분이 계실런지 모르겠네요. 궁금하신 분은 따듯한 커피한잔 들고 광화문 오디오가이 사무실에 오시면 각 마이크별로 집음되는 소리를 들어보실 수 있습니다.^^

한국에서 클래식 음악을 녹음하는데 있어서. 아마도 가장 녹음이 많은 분야가 합창(성가대포함)과 더불어 바로 가곡 레파토어를 위주로 하는 피아노에 성악 일것 입니다. 신기하게도 오디오가이와는 가장 녹음 인연이 적은 분야기도 하고요(전 주로 오케스트라나 피아노 등의 기악 녹음을 더 많이 하는 편입니다.) 그래서 그런지 지금도 클래식 녹음중에 이 두분야가 가장 어렵다고 생각을 하고 있어요. 가끔씩 녹음을 해도 만족스러운 경우가 참 드물었던것 같습니다. 그런데 열흘전 평소 절친하게 지내는 오디오가이의 한 가족분에게 연락이 왔습니다. 광화문 오디오가이 사무실과 무척 가까운 세종문화회관 세종 체임버홀에서 아주 뛰어난 성악가의 레코딩이 있는데 함께 진행하자는 반가운 연락이었지요. 사실 전 처음에는 성악녹음에 관해서 그리 좋은 추억이 많지 못하기 때문에. 약간은 걱정이 되기도 했었어요. 이번 녹음을 하면서 공연장에서 소리를 들었는데 몇몇 아쉬운 부분들도 있었지만. 결과적으로는 공연장에서 듣는 소리보다는 녹음을 해서 듣는것이 더 마음에 든. 모처럼만에 개인적으로 좋아하는 결과가 나온 성악 녹음이었습니다. (전 기왕이면 딸랑 피아노 반주에 목소리보다는. 기왕이면 체임버 오케스트라 정도 함께 하는 목소리 녹음이 정말 좋은데..ㅜ.ㅜ) 녹음을 해보고 나서 다시한번 깨달은 것은. 역시나 녹음환경은 내장 마감재들 보다도 전체적인 구조가 더 영향을 많이 미치는 구나.. 그리고 슈박스형태(신발형태의 직사각형 모양)의 공연장이 녹음을 할때의 소리가 참 좋구나.. 하는 것이었지요. 세종 체임버 홀은 아주 순식간에 지어진 공연장으로 그리 크지 않은 아담한 사이즈의 곳입니다. 그리고 오디오가이 가족분께서 음향감독으로 계셔서 너무나 편하고 좋은 분위기에서 함께 실황녹음을 할 수 있어 참 재미있었어요. 구성은 피아노와 목소리. 피아노와 다른 악기의 듀오 녹음은 유독 녹음당시의 밸런스 잡기가 까다로운 구성인것 같습니다. (하지만 저는 개인적으로 무척이나 좋아하는 악기 구성이기도 해요. 특히 재즈에서는^^) 이번에는 실황공연에서 실제로 공연장 안에서 울리는 홀사운드의 밸런스가 중요하기 때문에. 피아노 뚜껑은 모두 닫은 상태가 목소리와 공연장에서의 울림이 좋아서 최종적으로 선택이 되어. 녹음된 피아노 사운드는 많은 아쉬움을 금치 못하였습니다. 세종체임버홀은 아주 신기한 마이크가 메인으로 달려있어요. 숍스의 원구형 마이크로. 이 모델은 한대로 5.1채널. 즉 스테레오 L/R . 센터. 리어 L/R. BASS 가 각각 마이크로 집음이 되어 출력이 된답니다. 스테레오 모델은 유럽등지에서는 고음악(요즘은 시대악기라고 바뀐것 같더군요) 녹음에 종종 사용이 되는것을 본적이 있었지요. 신기한 마이크를 좋아하는 영자로써는 꼭 한번 구입해서 사용해보고 싶은 마이크중에 하나였는데요. 드디어 이번에 세종체임버홀에서 녹음에 사용을 해서 소리를 들어보게 되었지요. 공연 시작전 리허설부터 미리 레코딩을 시작하기로 예정되어있었던 상황이라. 조금 일찍 공연장을 가서. 녹음장비들을 세팅할 장소를 찾고. 그리고 홀의 협조를 얻어서 홀에서 숍스 메인마이크만으로 녹음된 소리를 방송실에서 들어볼 수 있었지요. 친절하게도 DAW 안에서의 각각의 채널의 소리를 들어보면서. 저는 센터. BASS. 리어 LR만 이번 녹음에 사용하기로 하고(이번에 준비된 녹음의 채널수가 8채널이었기 때문에) 나머지는 성악가에 MG의 UMT70S를 목소리에 메인마이크로. 피아노에 스팟마이크로는 같은 MG의 M300을 ORTF로 사용을 하였지요 (과거 어쿠스틱 악기의 녹음 [4] 도 다시한번 참조해보시면 재미있습니다.^^) 그래서 숍스의 4채널. MG 3채널로 밀레니아 미디어 HV-3D 마이크프리를 거쳐 아포지 로제타800으로 파이어와이어로 누엔도로 녹음을 하였어요. 모니터는 D-BOX와 울트라손과 소니의 헤드폰. 사실 이번에 사용한 장비는 마이크부터 모든 컨버터나 케이블 하나까지 함께 하신 오디오가이 가족분의 장비로 사용을 한것이었답니다. 녹음이 끝나고 사무실와서 들어보니 특히 보컬의 질감이 참 마음에 들어서 모두들 상당히 만족스러웠습니다. 최종적으로는 UMT70S의 비중이 60%. 숍스 센터마이크 비중이 10%. 베이스 마이크의 비중이 5%. 리어 마이크비중이 15%. 피아노에 스팟으로 추가한 M300의 마이크의 비중이 10%정도로 해서 누엔도 안에서 살짝 리버브만 더해 믹스를 하였습니다. 그리고 TC 마스터링 6000에서 리미터를 약간. 최종적으로는 녹음때 만들어둔 밸런스를 거의 손대지 않고 마스터CD를 만들게 되었는데요. 개인적으로 그리 녹음하기를 선호하지 않는 피아노와 성악도. 가끔씩 결과가 좋으면 역시나 재미가 있는 것 같습니다.^^ 물론 제가 듣기에 좋은 것이지만요~