한국의 1세대 재즈보컬리스트 박성연의 음반 녹음 작년에 기본 트리오 녹음 완성후. 올해 스트링 녹음까지 끝마친 상태. 여기에 보컬녹음만 더하면 음반이 완성된다. 개인적으로도 무척이나 기대를 하고 있는 음반이고(국내에는 스트링스 반주가 멋지게 들어간 재즈 보컬음반이 아주 드물기 때문에) 사운드역시 그동안 녹음한 재즈음반중 가장 마음에 드는 소리로 녹음이 되었다. 녹음은 마장동 유니버셜 스튜디오(지금은 벨포닉스 스튜디오로 바뀜) 전통이 있는 이곳은 아주 넓고 깨끗한 소리를 들려줄뿐만 아니라. 동시 녹음시 개별 부스에서도 연주자들의 아이컨택트가 좋다는 장점이 있다. 먼저 드럼녹음. 지금은 친한 친구가 사용하고 있는 노이만 USM69를 사용 최근들어 그 빈자리가 더욱 더 크게 느껴지는 마이크이다. 날카롭지 않은 고음역에 풍부한 저역. 오버헤드 마이크가 중요한 재즈드럼 녹음에서는 내가 지금까지 사용해본 마이크 가운데 첫손으로 꼽고 싶다. XY특성상 좌우의 스테레오 이미지가 아주 넓지는 않는것이 유일한 단점. 하지만 이렇게 스트링스와 함께 하는 재즈드럼 녹음에서는 너무도 잘어울린다. 마이크프리앰프는 노이만과 마찬가지로 부드러운 소리를 지니고 있는 포실 SMP-2를 사용 스네어와 탐탐 및 킥 드럼 녹음 이번에는 스튜디오에 있는 조금 스탠다드한 세트를 사용 킥 드럼은 MG MD100 다이나믹 마이크. 거리는 킥드럼의 울림이 여유롭게 들어갈 수 있도록 약간의 거리를 두었다. 스네어 드럼은 MG MD110 킥에 비해서 스네어에서의 MG M110은 약간 섬세함이 부족한 아쉬움을 주었다. 탐탐은 전세게 탐탐 녹음에서 가장 많이 사용이 되는(비단 국내뿐만 아니라 전세계에서 탐탐 녹음에 가장 많이 사용이 되는) 제나이저 MD421 킥과 스네어 탐탐의 마이크 프리앰프는 API 3124+ API의 프리앰프는 보컬을 녹음하면 고역도 없고 소리가 이상한것 같은데 드럼같은 타악기를 녹음하면 오히려 생동감이 확~ 살아나는것처럼 들리는것이 참으로 신기하다. 변함없이 드럼이나 타악기 녹음에 너무너무 참 좋은 프리앰프 *베이스 녹음 베이스의 경우는 DPA 4071 핀마이크를 브릿지 안에 고정후. DPA 4015 콘트라 베이스 핀마이크 고정하는 방법은 아직도 많은 연구중. 핀마이크외에 추가마이크로는 DPA 4015 와이드. 스몰다이어프램이지만 저역이 아주 자연스럽고 풍부한 모델이다. 마이크프리앰프는 유니버셜 오디오 6176 튜브 채널 스트립 드럼의 전체 마이킹 사진 오버헤드의 높이는 상당히 높게 되어있다. 최근의 녹음에서는 이보다 약간 높이를 낮게 설치하고 있는중 마지막으로 피아노 녹음 정말 아주 마음에 드는 피아노 소리를 얻을 수 있었던 세팅 유니버셜 스튜디오의 피아노는 오래된 야마하 C5 인데. 아주 밝고 맑고 깨끗하다. 피아니스트인 송영주씨도 지금까지 한국에서 녹음한 피아노소리 가운데 가장 마음에 든다고 하였다^^ 마이크는 모두 DPA 4015 반무지향성 DPA 4015는 근접시 라지다이어프램 같은 소리를 얻을 수 있도록 DPA에서 만든 조금은 특별한 성향의 마이크. 일반적이 NOS 세팅에 저음현에 4015를 한대 더 추가하였는데. 사실 이것은 풍부한 저음을 얻기 위한 추가 마이킹이 아닌 "좀더 명확한 중음"을 얻기위한 세팅이다. 이 추가 마이크가 있는것과 없는것과는 중음의 꽉찬 소리에서 정말 엄청난 차이가 있다. 대부분 일반적인 예상과는 달리 피아노의 해머위에 마이크를 설치할때는 마이크가 해머와 너무 가까우면 답답한 소리가 녹음이 되고 너무 높으면 반사판에서 지저분한 울림이 들어오기 때문에 딱 사진의 높이가 좋은 소리를 얻을 수있는 포지션이다. 중음의 명확함과 뚜렷함을 얻기위한 보조마이크. 패닝의 경우는 가운데로 향해 있으며 높이를 약간 낮게 되어있다. 하지만 반무지향성의 특성상 메인 마이크와 섞을때 위상변위가 적게 아주 잘 섞인다. 3채널로 녹음한 마이크프리앰프는 유니버셜 오디오의 4110 유니버셜 특유의 착색감이 정말 마음에드는 소리가 참 마음에 든다.

저는 요즘은 정말 마음이 가볍습니다. 최근의 녹음들. 그중에 클래식 녹음은 함께 일하는 남송지씨가 거의 처음부터 끝까지 전담을 하고 있지요. 그덕분에 저는 정말 시간이 많아져서. 매일 매일 경복궁역 4번출구에서 나와서 사무실로 150M 정도 걸어오며 매일매일 변하는 은행나무의 색깔과. 그리고 줄어드는 나뭇잎을 보며 작은 행복한 아쉬움을 느끼고. 지금까지는 미처 보지 못했던 사무실 건너편 경복궁 돌담 벽에 작은 금들도 정겨워 보입니다. 레이블 작업만 위주로 하게 되면서 외부 녹음이나 마스터링등도 하지 않게되고. 마음 한편에 "오디오가이"라는 레코딩/레이블 회사를 잘 이끌어 갈 수 있을까 하는 마음의 일말의 불안감도 있지만 그래도 요즘처럼 마음이 편해보기는 10년만에 처음인것 같습니다. 게다가 올해 가을 단풍은 유난히 더 아름다워 보이는군요. 많은 시간이 생긴만큼 한달에 10권이 넘는 책들을 새로 구입해서 읽고 있습니다. 지갑을 열면서도 아내는 한달에 도서구입비가 20만원가까이 나간다며 입을 삐죽 내밀려 귀여운 부담을 제게 주기도 합니다만. 책을 읽는것은 정말 너무도 행복한 일입니다. 최근에 정말 인상깊은 책을 한권 만났습니다. "무량수전 배흘림 기둥에 기대서서" 라는 한국의 아름다움에 관한 최순우라는 분이 쓰신 책인데. 대단합니다.. 책을 보며 글쓴이의 감수성과 한국에 대한 시간이 흘러도 오랜시간 변하지 않는 사랑을 느낄 수 있지요. 게다가 대부분의 사람들은 본인의 생각이나 느낀점을 글로 표현할때 감정과잉에 빠져서 과장하기 마련인데. 이사람의 문체는 지극히 담담하고 순수합니다. 그래서 더욱 더 여운이 오랫동안 남지요. 이외에 "서울은 깊다"라는 책도 너무 재미있게 보았고. "한옥에 살으리랏다" 라는 책도 2틀만에 완독. 그리고 일본의 유명 건축가 "나 건축가 안도 다다오" 안도다다오 자서전도 정말이지 흥미진진하게 보았습니다. 이외에도 "슈퍼노멀"이라는 책도 정말 재미있게 보고 있지요. 요즘에는 음향관련 서적들보다 디자인이나 미술(특히 전 요즘 한옥에 완전히 빠져있답니다.^^)관련 책들을 많이 보고 있습니다. 음향에 관한 책들 외에도. 이러한 다른 분야의 책들을 보면서 느끼게되는 감정들. 이러한 생각이 들때마다 전화기에 짧은 몇줄의 내용들을 메모해둡니다. 그리고 이렇게 오디오가이 칼럼을 쓸때면 전화기 메모장에 있는 내용들을 다시 하나둘 꺼내어 글로 정리하는것이 지금까지의 오디오가이 칼럼을 쓰고있는 내용들이랍니다~ 최근 한옥에 관한 책들을 거의 닥치는대로 모두 다 읽으면서 한가지 발견한 사실이 있습니다. 그것은 바로 "책" 과 "온라인" 에서의 글과 내용의 차이. 지금 오디오가이도 포함이 되는 온라인에는 정말 많은 정보가 있지요. 한옥에 대한. 그리고 우리의 아름다움에 대해서 시선이 머물게 되면서 우선은 책들에서 많은 내용들을 보고 행복한 시간들을 보낼 수 있었습니다. 그리고 나서 관련 내용들을 네이버에서 한번 검색을 해서 몇몇 온라인에 있는 글들을 보게 되었습니다. 깜짝 놀랐습니다. 내가 혹시 오디오가이에 쓰고 있는 정말 많은 것들이 완전히 잘못된것은 아닐까? 하고 스스로를 되돌아보는 생각이 들만큼 한옥에 관해서 찾아본 온라인에 있는 정보들은 정말 순간 미간에 주름이 생길정도로 지나치게 개인적이고. 그러면서 때로는 완전히 빗나가거나 어긋나있는. 이러한 삐뚤어진 시선들이 여과되지 않고 온라인에 있는것을 보고 놀라움을 금치 못하였습니다. 글이라는것. 그리고 정보라는 것은. 정말 무서운 것이구나.. 하고 말이지요. 처음부터 여러 관련 서적들을 보지 않고 온라인에 있는 내용들만 보고 공부를 하거나 정보를 얻었다면 자칫하면 완전히 잘못된 생각들. 아니. 잘못된 시선점에서 출발을 하게되는것은 아닌가.. 하는 생각조차 들게 만들었습니다. 혹시 이러한 생각 들지 않으시는지요? 컴퓨터를 접하지 않은 우리 부모님 세대나 혹은 그 위의 어르신들과 가끔씩 대화를 나누거나 말씀을 듣다보면 마음속으로 놀랄때가 있습니다. 수십년전 기억인데도 정말 생생하게 기억을 하시며 자세한 말씀들을 해주시지요. 반면에 컴퓨터를 통해서 매일매일 습관처럼 때로는 불필요할수도 있는 정보들을 억지로 머릿속에 넣고 소화를 시키고 있는 저는 오히려 과거의 시간들이 기억이 잘 나지 않습니다. 무엇인가 기억의 "여백"이 존재하지 않고 늘 그 어떤가의 정보로 머릿속이 꽉 차있다 보니. 오히려 마음속 깊히 담을 수 있는것은 갈수록 적어지는 것이 아닐까 싶습니다. 녹음을 할때도 마찬가지라고 생각합니다. 온라인에 있는 몇몇의 내용들만 보고. 그것을 실제로 실천해보지도 않고 그저 있는 그대로 Ctrl V 해서 이야기만 하고 있는것이 아닐지. 이 자체로만 너무 만족을 하고 있는것은 아닐까. 스스로 나는 열심히 공부하고 있고 충실하게 보내고 있어.. 라는 생각을 하며 이 오디오가이의 게시판들을 그저 제목만 보고 쑥 훑터내려가거나. 왠지 스크롤을 서너번씩 내려야 하는 긴글들은 잘 읽고 있지 않은것은 아닌지요? 이 오디오가이에 있는 수 많은 분들의 귀중한 경험으로 인한 내용들. 저도 참 많은 것을 배우고 있습니다. 하지만 역시나 가장 중요한것은 누군가가 어떠한 이야기를 했다면 그것을 한번 실행에 옮겨보는것이 아닐까요? 그래야 비로소 그 사람의 의도를 명확하게 알게되는것이라 생각합니다. 그러면서 자신만의 것이 하나둘 스스로에게서 나오게 되지요. 그저 글만 보는것만으로 혹시 만족하고 있지는 않으신지요? 물론 책을 보다가. 몇몇 문장들이 마음에스며 들어오면 그로인해서 또다른 시선을 지니게 됩니다. 하지만 지나치게 온라인에는 글들이 많은 탓인지. 갈수록 마음에 스며들거나 실제로 실천할 수 있는 일들은 오히려 줄어드는 것 같습니다. 오늘 국민대학교 콘서트홀에서 공연실황 녹음이 있었습니다. 함께 일하는 남송지씨가 리허설때부터 가서 미리 세팅을 하고 저는 공연시작전에 가서 녹음된것을 들어보았지요. 송지씨가 제게 들려준것은 라흐마니노프 피아노협주곡 2번. 게다가 2악장이었습니다. 듣는순간 바로 송지씨에게 이야기를 했습니다. "피아노에 스팟마이크의 거리가 너무 가까운것 같아요" "라흐마니노프 피아노 협주곡에서 피아노 스팟의 마이크는 적어도 피아노와 3미터는 떨어져야 한다고 생각합니다." 사실 이것은 몇년째 송지씨와 함께 녹음작업을 하면서 피아노 협주곡의 경우 늘 피아노의 굴곡진 부분들 근처로 스팟마이크를 설치하였었기 때문에 송지씨는 이렇게 마이크를 멀게 설치한다는 생각은 미처 하지 못했을 것 입니다. 많은 사람들이 스팟마이크 하면 음원과 아주 가깝게 설치하는것을 먼저 생각합니다만. 이것은 녹음하는 곡에 따라서 완전히 달라져야 합니다. 라흐마니노프 피아노 협주곡이 아닌 만약 모차르트 피아노 협주곡이었다면 스팟마이크를 분명 가깝게 설치했을 것 입니다. 하지만 라흐마니노프나 혹은 차이코프스키 피아노 협주곡의 경우는 피아노 스팟 마이크가 적어도 피아노에서 3미터 이상은 떨어지는것이 좋다고 생각하고 있지요. 그랜드 피아노라는 악기는 마이크를 가깝게 하면 아주 깨끗하고 깔끔한 소리를 얻을 수는 있지만 이러한 러시아 작곡가의 피아노협주곡에서는 아기자기하고 맑고 깨끗한 피아노 소리보다는 오케스트라와 마치 피아노가 대화를 하는 듯한 스케일감. 저음의 깊이(여기서 말하는 저음의 깊이는 단순히 피아노의 저음현에 마이크를 추가해서 올리는 저음의 양이 아닌. 저음의 질적인 깊이감) 그리고 고음역의 화려한 공간감이 곡에 반드시 필요하니까요.. 같은 공연장에서 같은 오케스트라와 연주자와 피아노로 같은 엔지니어가 녹음하더라도 곡에 따라서 세팅은 완전히 바뀌어야 한다고 생각합니다. 이것은 라흐마니노프 피아노 협주곡을 각 연주자와 레이블 별로 약 10개정도의 음반들을 오랜시간 들으며 생각하게 된 저만의 관점입니다. 이것은 음향에 관련된 책에도. 오케스트라나 피아노 녹음방식에도 나와있지 않은 내용입니다. 하지만 녹음이라는것이 첫번째로 작곡자와 아티스트의 음악적인 표현을 잃어버리지 않고 그대로 담아서 사람들에게 전달해야 한다는 가장 큰 명제를 생각한다면 모든것에 부합이 되는 완벽한 이론이라는것은 과연 존재를 하는것일까요? 아니면 존재할 수 있는것일까요? 이 주제역시 모든 예술분야에 있어서 가장 진부한 이야기중에 하나일런지도 모르겠습니다만 이 단순한 사실을 미처 알지 못하고 그저 책에 나와있거나. 또는 온라인에 나와있는대로만 나의 생각과 감각의 세포에 생명력을 불어넣지 못하고 그저 내가 과거에 경험했던 단편적인 기억들에 의존해 과거에 실패한 대로 또 똑같이 녹음을 하고 있는것은 아닐까요? 때론 피아노에 10미터를 떨어트려서 마이크를 설치할 수도 있고 피아노 해머 바로 위에 마이크를 설치할 수도 있고. 가수가 마이크와 키스하듯이 가깝게 할수도 있고. 보컬마이크역시 멀리 그리고 높게 설치해서 할수도 있는것이지요. 오히려 온라인에서는 이러한 류의 글들을 가끔씩 접하게 됩니다. "나의 방법이 정답이다. 나의 생각이 진리이다." "나와 다른것은 모두 틀린것이다." 이런 분들에게도 다시한번 되묻고 싶습니다. 음악과 음향의 세계에서 과연 이론이라는것은 존재하는것인가요? 누군가에게 배운다는것을 너무너무 중요하다고 생각합니다. 하지만 요즈음 가끔씩 안타까운 점이 있다면 너무 많은 스승들이 있어서 오히려 그 사람의 존재가 느껴지지 않는것입니다. ... 여기서 말하는 스승은 온라인이 될수도 있고. 또 책이될수도 있고. 여러 친구들이 될수도 있겠지요. 결국에 녹음이라는 것이. 그리고 소리라는것이 정확하게 수학으로 풀어낼 수 있으면 얼마나 좋겠습니까마는.. 하지만 분명히 수학으로 풀어나가는 것보다 사람의 감각이 오히려 더 빠른경우도 많다고 생각합니다. 그리고 무엇보다도 감각이라는것은 머리에 수식이나 숫자가 아닌 가슴에 음악을 남겨주지요.. 진정 가슴에 들어온것은 쉽사리 사라지지 않는 것 같습니다. ..

저는 음악과 더불어서 미술과 건축을 무척이나 좋아하는 편입니다. 오래전부터 한국미술을 좋아하시던 아버지의 영향을 받은 탓인지 처음 미술을 좋아할때는 서양 미술의 그 강렬함에 뿍 빠져지내다가. 몇몇 우리의 화가들의 작품들을 접하고 나서는 선 하나에 담겨있는 그 오묘함에 감탄을 하지 않을 수가 없었지요. 나중에 기회가 되면 꼭 한국 고미술들을 조금씩 모아보는것이 앞으로의 소망입니다. 어릴적에는 때로는 고물상에서도 미술그림을 사오시던 아버지가 참으로 이상하게 느껴졌었는데요. 왜 저런것을 보시고 좋아하실까? 하고 말이지요. 지금생각해보니 역시 그 아버지에 그 아들이라는 말은 참 맞는것 같습니다.^^ 이렇게 우리나라의 문화를 좋아하다 보니. 최근에는 자연스레 관심이 한옥에까지 이르렀습니다. 어제 아이를 재우고 아내와 새벽1시넘어서까지 한옥이야기를 했는데요. (저는 최근 한옥에 매력에 푹 빠져있어서 관련 서적들을 완전히 닥치는대로 모두 다 읽고 있어요.^^) 아내가 먼저 우리 나중에 넓은 한옥을 지어서 지하실에 녹음실을 만들면 어떻겠냐고 하더군요..(영자네 부부는이렇게 늘 희망사항으로 이사에 관한 앞으로의 생각에 관해서 이야기를 하는것을 좋아한답니다.) 하하.. 역시 레코딩 엔지니어의 아내다운 이야기였어요. 게다가 한옥을 아주 조용한 부암동 산 중턱이나 윗쪽 같은곳에 지어서. 한옥 지하에서도 녹음을 하고. 조용한 밤에는 그냥 한옥 대청마루나 방에서도 녹음도 하고 남은 방은 게스트하우스로 만들어서 외국 아티스트들와서 함께 녹음작업도 하면 좋겠다고 하는 아이디어를 주어서. 밤늦게까지 무파마 라면을 끓여먹으며 어머니가 담가주신 알타리 김치와 함께 맛있는 이야기를 재미있게 나누기도 하였습니다. 기본 벽체는 물론이고 바닥과 중간중간이 모두 나무로 되어있거나 창호지. 그리고 흙으로 되어있는 한옥은 어찌보면 상당히 소리가 좋은 음향을 들려줄수도 있을 것이라 생각합니다. 물론 어떻게 만드는가가 가장 중요하겠지요. 자 그러면 본론으로 들어가서 "국악녹음". 레코딩엔지니어로써 참 많은 생각들을 남기게 해주는 분야입니다. 오히려 클래식이나 재즈음악보다도 좀더 거리감이 느껴지는 장르중에 하나인 국악. 클래식이나 재즈만큼은 아니지만 소릿꾼 김용수씨나 이광수선생님등 국악음악 작업들도 꾸준히 작업을 하고 있는데요. 과거에 국악녹음을 할때마다 정말 어찌해야할줄 모르고 너무너무 어렵게만 생각했던 때가 있었습니다. 그래서 국립국악원에 다니시는분에게 해금을 직접 배워보기도 하고. 국악연주회도 가서 음악과 악기소리도 듣고. 녹음이 잘된 일본과 독일에서 녹음된 국악음반을 들을때마다 얼마나 마음한편이 시리던지요.. 일본엔지니어가 녹음한 박병천 선생님의 "구음 다스림" 음반은 지금들어도 정말 대단하다고 생각이 듭니다. 독일 CMP 레이블에서 녹음한 우리의 국악음반도. 그리고 수십년전 미국에서 실황녹음된 김소희명창의 음반도 정말 퀄리티가 대단하지요.. 우리의 것인데 우리가 가장 모르고 있는 국악. 저도 아직까지는 손을 뻗는다해서 쉽게 잡히는것 같지는 않습니다만. 최근 국악녹음을 하나 하였습니다. 구성은 피리. 대금. 장구 김용우씨 앨범 녹음에 세션으로 연주를 했던 피리 연주자 김경아씨의 녹음이었는데요. 그때 김경아씨의 피리 소리를 듣고. 제가 지금까지 듣던 피리소리와는 또 다른. 아주 중음이 꽉차고 피리 전체에서 울리는 그 소리에 깜짝 놀라서. 다음에 이 사람의 음반을 꼭한번 작업을 해보고 싶다..라고 생각을 했었는데. 문득 연락이 와서 무척이나 반가웠답니다. 이번에 피리연주자는 조금 국악가로써는 조금 신선한 제안을 했어요. 지금까지 일반적인 데드한 음향을 지니고 있는 스튜디오가 아닌. 성당이나 홀 처럼 잔향이 있는곳에서. 풍부한 잔향을 들으며 연주를 하고 또 녹음을 해보고 싶다고 말이지요. 과거 성당에서 연주회를 해본적이 있었는데 예상외로 느낌이 상당히 신선하고 좋았다고 말씀을 하셨습니다. 그래서 여러 녹음장소에 대한 생각을 해보았습니다. 녹음장소 이전에. 제가 늘 녹음전에 빠지지 않고 챙기는 과정. 바로 "리허설 참관" 입니다. 국악원 연습실에서 있는 연습때 참관을 해서 각기의 연주자들이 지니고 있는 소리. 그리고 연주 스타일에 대해서 듣고 생각한후. 이 음악을 음반으로써 어떠한 이미지로 최종 담기게 할것인가.. 에 관해 고민을 하였습니다. 성당같이 너무 잔향이 많은 곳보다는. 오히려 적당히 잔향이 있는. 특히 이 음악에서 장구의 역할은 감초같은 부분이라. 장구의 소리가 여음이 너무 길지 않게 떨어지는것이 좋겠다는 생각을 하였지요. 그래서 선택한 곳은 율하우스녹음실. http://www.audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=mystudio&wr_id=273 최근 이곳에서는 오디오가이 레이블의 바리톤 정록기 녹음과 서울기타콰르텟의 피아졸라 앨범의 녹음도 진행을 했던 곳이고요. 전체가 나무로 되어있어서 너무 길지도 짧지도 않은 악기의 여음을 잘 살려주는 잔향을 지니고 있답니다. 리허설때 가서 들어보니 연주자의 수준이 대단히 높아서 소리가 아주 좋았기 때문에. 딱. 내 귀에 들리는 소리처럼 녹음을 하면 되겠다..라는 생각을 가지고 세팅을 해보았어요. 먼저 가장 중요한 메인 마이크. 메인 마이크 세팅보다도 더욱 더 중요한것은 바로 "연주자들의 위치" 피리가 가운데 있고 장구는 피리의 좌측. 대금은 우측에 자리하였습니다. 메인마이크는 DPA 4006으로 메인 마이크가 피리연주자를 가운데에서 바라보는 시선으로 설치. 높이도 그리 높지 않게 약 150cm 정도의 높이에 두었습니다. 클래식 녹음과는 다르게 국악녹음에서는 악기의 소릿길이 꼭 위로만 나가지는 않는다고 생각합니다. 오히려 높이를 낮게 설치하는것이 더욱 더 좋은 결과를 들려줄때가 많이 있었어요. DPA 4006은 스몰다이어프램이지만 플랫한 무지향성이라 저음이 아주 풍부한편입니다. 처음에는 이보다 좀더 높게 설치를 했다가. 그리고 좀더 뒤로 설치를 했다가. 소리를 들으며 지금의 자리로 최종 결정이 되었습니다. 마이크프리앰프는 최근 영자의 녹음에서 늘 메인의 자리를 지키고 있는 포실테크놀러지의 2채널 프리앰프 정말 밸런스 좋은 소리를 들려주는 제품입니다. 피리마이크는 MG 의 UMT-70S 중고역이 피크감이 없이 날카롭지 않고 부드러우면서 그렇다고 해서 답답한 소리를 들려주지도 않는 아주 풍부한 성향의 마이크이지요. 피리소리가 중역대에 피크감이 있으므로 이러한 느낌을 순화시키고 싶어서 MG사의 70S를 사용하였습니다. 마이크의 위치 역시 연주자에게 양해를 구하고 여러번의 세팅을 바꾸어서 들어보았습니다. 연주자도 좀더 좋은 소리로 녹음을 하는것에 대한 기대가 큰 탓인지 아주 흔쾌하게 사운드 테스트를 위한 연주를 해주었었고요. 지난번 오디오가이 레이블의 피리 마림바 듀오 앨범때는 피리 스팟 마이크를 연주자의 측면에 설치를 한적이 있었는데. 이번에는 다시 정면에 사용. 마이크가 피리 정면의 약간 아래에서 위를 살짝 바라보는 각도로 설치. 피리끝에서 마이크까지의 거리는 약 50cm 정도 입니다. 대금의 경우는 메인 마이크 사진에 가장 아랫쪽에 있는 DPA 4015 반무지향성을 사용. 마이크를 설치한후 먼저 메인마이크의 소리를 듣고. 메인 마이크와 가장 자연스럽게 섞이는 포지션을 찾아서 마이크 위치를 3-4번 정도 수정을 해서 결정이 되었습니다. 그럼 마지막으로 이번에는 장구. 과거에 장구녹음에는 정말 어떻게 해도 답이 나오지 않을만큼 고생했던적이 있었는데요. 최근의 장구녹음에서는 상당히 만족스럽게 녹음이 되고 있답니다. 모든 악기가 다 그렇지만 장구의 경우도 연주하는 사람에 따라. 악기에 따라서 완전히 다른 소리를 들려줍니다만. 저의 경우는 지금 포지션이 소리가 좋다고 생각합니다. 지난번 김용우씨 음반의 장구녹음에서부터 사용한 세팅인데요. 가끔 국악녹음을 할때면 연주자나 프로듀서가 왜 다이나믹 마이크를 사용하지 않는가.에 관해서 제게 물어보기도 하는데요. 다들 국악기에는 다이나믹 마이크가 좋다고 말씀들을 많이 하십니다만, 전 아무리 생각해도 악기의 원음. 그리고 여음. 무엇보다도 공간음을 함께 녹음할 수 있는 콘덴서 마이크로 녹음을 하는편이 소리가 마음에 듭니다. 장구 마이크사진을 보면 조금 이상한점이 느껴지시지 않으신지요?^^ 사진의 좌측이 궁편 우측이 채편의 세팅입니다. 마이크는 모두 DPA 4011 마이크프리의 경우 모두 메인 4006을 제외하고는 모두 트루시스템이고요. 채편의 경우 사진에서 처럼 메인 마이크로 들어오는 반사음이 너무 길어서 테이핑을 해서 아주 약간 뮤트를 했습니다. 대부분의 악기 녹음의 경우. 마이크가 음원(악기)를 향해야 한다는 일종의 고정관념이 있는 것 같습니다. 장구의 궁편의 경우는 마이크를 오히려 궁편쪽으로 바라보게 하면 "꿍~"하는 저음의 여음이 잘 녹음이 되지 않고. "딱!" 하고 시끄러운 중음만 녹음이 되는 경우가 많습니다. 이 경우 오히려 마이크를 저음의 여음부분이 잘 들어오는 포지션으로 두는것이 좋은데요. 사진의 자리가 바로 그곳입니다. 마이크는 장구가 아니라 오히려 바닥쪽을 향하고 있게된답니다. 하지만 궁편의 소리는 우리가 귀로 듣는것과 거의 동일하게 녹음이 됩니다. 채편의 경우는 일반적인 타악기 녹음의 방법과 비슷한 포지션. 울림통의 가운데 부분일수록 기본음이 림부분에 가까이 갈수록 림에서 울리는 배음이 함께 나오기 때문에. 림부분에 가깝게 하는것이 어택이 강한 소리로 녹음이 됩니다. 채편의 소리가 메인 마이크로 들어가는 시간과. 채편 마이크로 들어가는 시간차이가 너무 크게나면 소리가 중첩되서 들릴 수 있기 때문에 마이크를 너무 가깝게 설치하지 않고 지금정도 거리에 두게 된것이지요. 다음으로는 대금이 빠지고 피리와 장구의 듀오 피리와 장구가 서로 마주보게 자리를 하고 메인 마이크를 피리쪽으로. 좀더 가깝고 낮게 설치를 하고 장구소리는 메인 마이크인 DPA 4006의 후면에서 들어오는 소리로만 녹음을 하였습니다. 채편쪽으로 울림이 너무 많이 들어와서 사진에서처럼 약간의 흡음을 해서 밸런스를 조정하였고요 장구에도 마이크는 설치하였지만 최종 믹싱에서는 사용하지 않게 되었답니다. 이렇게 녹음이 된 국악. 믹싱때는 늘 하는것처럼 컴프레서나 이퀄라이저 없이. 그리고 피리 스팟 마이크에만 아주 조금 리버브를 주고 다른 모든 마이크에는 리버브도 없이 믹싱을 진행하였습니다. 지금까지 제가 녹음한 국악음반 가운데 가장 마음에 드는 소리로 된것같습니다. 다음주에 음원 파일을 올리도록 하겠습니다.

지난 1탄의 글은 아래에 있습니다. http://www.audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=624&page=2 영자가 운영하는 오디오가이 레코드는 곧 여러장의 신보의 발매를 앞두고 있습니다. 올봄 네델란드 성당에서 녹음한 리코더연주자 권민석씨의 고음악 앙상블. 개인적으로도 팬이기도한 바리톤 정록기의 겨울나그네. 볼프가곡 의 2장 권민석 고음악 앙상블과 함께 네델란드에서 녹음한 재즈 베이시스트 전성식 트리오. 프랑스 작곡가겸 마림비스트 에릭샤무의 앨범. 마지막으로 본래는 오디오가이 레코드의 작업이 아닌 단순히 녹음. 믹싱. 마스터링만 의뢰를 받았다가 앨범을 작업하는 동안 음악이 너무 좋아서 오디오가이에서 발매하게 된 "라퍼커션" 모든 앨범의 마스터작업이 끝나서 모두 프레싱공장에 가있고 현재 디자인작업만 완료하면 곧 6장의 앨범이 거의 동시에 나오게됩니다.(지금 곁에도 어제 새롭게 발매된 우리 레이블의 음반박스가 와있네요) 참 올해는 오디오가이 레코드의 작업들을 많이 진행한것 같습니다. 벌써 10월이라는것이 잘 믿겨지지는 않지만 늘 가을만되면 단풍이 물드는것을 잠시 본후. 작업들 하느라 정신없어서 금새 찬바람이 불고 단풍이 거의 떨어져 나가는것만 보면서 안타깝게 지내왔던지라 이렇게 여유로운 10월이 참으로 반갑기도 하고 행복합니다. 마음한편에는 일말의 조금의 불안감이 있기는 하지만요. 우선 내년부터는 저는 외부 녹음 작업은 하지 않고 앞으로는 레이블 작업들에 더욱더 전념하며 집중하기로 하였습니다. 다만 마스터링 작업과 더불어, 오랜시간 제가 아무것도 모르던 시절부터 묵묵히 저를 믿고 기다리며 함께 작업을 해준 몇몇 프로듀서/아티스트들과의 작업은 그대로 진행한답니다. 갑작스레 이렇게나 큰 결정을 하게 된것은 늘 오디오가이에서 직접 제작하는 음반들의 작업들은 다른 작업들에 뒷전으로 밀려서. 시간도 많이 지연이 되고. 무엇보다도 레코딩 엔지니어가 직접 운영을 하고 있는 레코드회사이니만큼. 그래도 좀더 좋은 소리를 음반에 담고자 하는 바램이 있습니다만 오히려 그렇게 되지 못하는것에 늘 마음이 무척 무거웠기 때문입니다. 앞으로는 직접 제작하는 음반들에 훨씬 더 많은 시간과 노력들을 기울일 수 있게 되었고요. 이렇게 여러가지 음향에 관한 일들을 하면서 오디오가이 레코드의 음반을 25장이나 만든것이 어찌보면 신기하게 느껴지기도 합니다. 사실 음반을 직접 제작해야 겠다..라고 할때부터 굳게 마음먹은것. 적어도 40년동안은 레이블을 그만두지 않고 꼭 진행할것이다.. 라고 마음을 굳게 먹고 시작을 하였는데 요즘은 문득 두려움이 들기도 합니다. 지금까지는 외부 녹음작업들을 하며 나오는 수익에서 그 전부를 레이블 작업에 투자를 했었기 때문이지요. 하지만 앞으로는 레이블에서 나오는 수익을 중심으로 회사가 운영이 되어야 합니다.. 많은 사람들이 잘 알고 있는바와 같이. 음반제작이라는것은 그 투자하는 시간과 비용에 비해서 돌아오는것은 정말 그리 많지않습니다. 제가 레이블에 더욱 더 집중하는 만큼. 앞으로의 외부 녹음. 믹싱. 마스터링 작업은 함께일하는 남송지씨가 담당을 하게 됩니다. 직접 많은 녹음 프로젝트를 담당하는 것은 송지씨에게도 부담은 되겠지만 무척이나 좋은 기회가 될것이라 생각이 들어요. 늘 어시스트 엔지니어를 할때 보고 듣는것과. 본인이 직접 마이크를 두고. 소리를 듣는것과는 너무도 많은 차이가 있으니까요. 지금 오디오가이에는 오디오가이 라는 회사에 대한 전반적인것을 담당하고 있는 영자. 그리고 어시스트 엔지니어에서 앞으로 레코딩 엔지니어로 올라간 남송지씨. 레이블 홍보를 담당하고 있는 정현씨. 그리고 레이블 프로듀서와 음향기기쪽을 담당하고 있는 황현준팀장님. 이렇게 네식구가 늘 통의동의 작은 사무실에서 함께 오밀조밀 화기애애하게 지내고 있답니다. 저희같은 작은 회사는 사무실에 새로운 식구가 들어오면 그 사람으로 인해서 분위기가 확 바뀌는 편인데요. 본래는 저와 남송지씨 외에 1명만 더 충원을 할 계획이었으나. 새로운 두분과도 꼭 일을 함께 하고 싶어서 두분이 모두 함께 하게 되었습니다. 사무실에 새로운 식구들도 오고. 앞으로 외부 녹음들 보다는 레이블 작업에 더욱 더 집중을 하게 되고. 제가 지금까지 하던 많은 부분들을 비우면서. 이렇게 칼럼을 자주 쓸 수 있을만큼의 정서적인 여유가 온것은 대단히 행복한 일입니다. 조금전에 사무실에서 이 칼럼을 몇줄 쓰다가. 노트북을 가방에 넣고 근처의 카페로 가서 쓰기 위해서 사무실 문을 나오는데. 문득 생각이 들더군요. "아..나는 정말 행복한 사람이구나.." 평일오전, 이렇게 한가롭게 글을 쓸 수 있는 시간이 있다는것에 말이지요. 하지만 한편에는 그리 마음은 편하지 못하답니다. 얼마전에 그러한 생각이 들었어요. 내가 지금까지 25장이 넘는 앨범을 만들고 발매를 했지만. 이 음반들이 얼마나 사람들에게 들려지고 있을까? 단순히 내가 좋아하는 아티스트의 음악을 내가 좋아하는 소리로 만들어서 앨범에 담겨있는 이름을 보면서 잠시 뿌듯해 하는 그 순간만을 위해서 음반을 만드는것은 아닌가? 내가 왜 음반을 만들고 있는것인가? 이렇게 근본적인 물음들이 다시 찾아왔습니다. 아내는 제가 평소에 너무 생각을 많이 한다고 가끔씩 나무래기도 하지만. 교보문고가 새단장하고 음반매장에 방문을 해보니. 오디오가이 레코드의 음반들을 참으로 찾아보기가 어렵더군요. 물론 유통이 되고는 있습니다. 다만 눈에 보이지 않는곳에 있어서 그렇지요.. 눈에 보이지 않는곳에 있다는것은 그만큼 찾는 사람이 없다는것이지요. 오히려 홍대 인디씬에서 만든 음반들은 쉽게 발견을 하고 또 들어볼 수 도 있더군요. 그때 깨달았습니다. 내가 만드는 음반들이야 말로 정말 인디음반들 가운데 가장 인디음반이구나.. 내가 만드는 음반들은 사람들에게 거의 이 마음들이 전달이 되고 있지는 않구나.. 하는 생각들이 말이지요. 믿고 본인의 음악을 맞겨준 아티스트들에게도 미안한 마음이 들더군요.. 25장이 넘게 만들었지만 대부분 판매된 수보다 홍보나 주변에 지인분들에게 선물한 수가 더 많답니다. 앞으로는 오디오가이라는 회사가 음반을 제작을 해서 운영을 해나가야 하는데 이렇게 되서는 앞날이 그리 밝지 않을 것 같구나..라는 생각이 들었습니다. 어떻게든 남은 30년을 채워서 40년동안. 아니 그 이상 "오디오가이"라는 레코드회사의 이름을 남기었으면 하는 소망이 있지만. 지금 이대로는 분명히 2년 안에 레코드 제작은 하고 싶어도 할수 없는 능력의 상태가 될지 모른다는 두려움이 엄습해왔지요. 무엇인가 내가 만드는. 우리가 만드는 음반들이 많은 사람들과 "소통"을 하지 못하고 우리 스스로 자위하고 있을뿐이라는것을 느끼는데 너무도 많은 시간이 걸린것 같습니다. 생각들을 해보았습니다. 어떻게 하면 더욱 더많은 사람들에게 우리의 "음악"을 전할 수 있을까? 생각을 한끝에 커다란 테두리 하나를 없애기로 했습니다. 바로 "장르의 구분" 지금까지 오디오가이는 재즈와 클래식 그리고 몇개의 크로스오버 음반을 만들었지만 대부분이 재즈 위주이고 외부에도 재즈레이블로 많이 알려져있지요. 하지만 여기에 더해 앞으로는 먼저 월드뮤직을 더하게 되었습니다. 이것은 "라퍼커션"과 작업하면서 월드뮤직이 정말 재미있고 멋진 음악이 많다는것을 알게 되었고요. 과거 김두수씨와 작업했던 경험을 바탕으로 앞으로는 포크성향의 보컬음반들도 적극적으로 만들어볼 계획이랍니다. 오디오가이 레코드가 장르의 구분의 벽을 허문다고 해서 갑작스레 TV에서 볼 수 있는 대중음악을 제작하고 만드는것은 아니고요. 저는 변함없이 레코딩엔지니어인 제가 더욱 더 많이 아티스트들과 호흡하며 작업을 할 수 있는 "어쿠스틱 음악"이라는 틀은 마지막까지 없애지 않고 유지할계획입니다. 이것은 처음부터 생각했던 저의 심장이니까요. 내년에는 지금까지와는 또 다른 성향의 아티스트들과의 작업이 있을테지요. 아직 결정된 작업들은 거의 없지만 마음이 설레입니다. 내년에는 그리고 앞으로는 내 마음을 울려주는 또 어떠한 아티스트들을 만나며 함께 작업을 할 수 있을까? 하는 생각들 때문이지요.

요즈음의 10월은 정말 날씨가 좋지요? 바람도 선선하고. 걷기도 좋고. 서울은 슬슬 은행나무들도 물들어가는 것 같습니다. 이번에는 최근에 작업한 재즈보컬음반입니다. 이정식 밴드의 음반작업에서 함께 작업했던 재즈베이시스트 최세열씨에게서 문득 연락이 왔습니다. 친한 보컬하는 친구가 앨범을 준비중인데 녹음의뢰에 관한 연락이었습니다. 대략적인 금액을 알려드리고 나서. 나중에 제가 다시한번 연락을 해보니 금액이 너무 비싸서 예산초과가 어려울것 같다는 이야기가 왔습니다^^ 재즈음악 작업을 아주 많이 하기는 하지만 이번에는 지금까지 함께 작업한적이 없는. 그리고 젊은 재즈아티스트들이라 꼭한번 함께 작업해보고 싶은 마음에 서로 절충을 해서 함께 작업을 하게 되었지요. 장소는 역시 상암동의 CS뮤직앤 스튜디오(올 8.9월에는 정말 이 스튜디오에서 어마어마하게 많은 프로젝트들을 진해하였습니다.) 큰 부스에 드럼. 피아노. 콘트라베이스. 색소폰. 앰프기타가 기본구성이고 첨부파일의 곡은 피아노가 빠지고 대신 비브라폰이 들어간 곡입니다. 보컬만 별도의 작은 부스에서 가이드로 녹음을 하고 나중에 따로 녹음을 하였고요. 반주는 모두 한공간에서 진행을 하였습니다. 이러한경우는 가장 중요한것이 역시나 각 방에서의 악기들의 배치가 중요하겠지요. 각 마이크들에 드럼. 피아노. 기타앰프 소리들이 사정없이 간섭음으로 들어가기 때문에. 이러한 간섭음들을 잘 활용해서 소리를 더욱 더 풍부하게 만드는것이 중요합니다. 먼저 드럼 녹음세팅은 지금까지의 영자의 재즈음악 녹음방법에서 특이한것은 없습니다. 드럼 오버헤드는 노이만 USM69 XY로. 마이크프리는 포실텍크놀러지 킥은 M300 스네어는 이번에는 DPA 4011을 사용해보았는데 아주 만족스러웠습니다. 킥과 스네어 마이크프리는 SSL 킥 마이크 위치는 지금까지보다 조금 더 높게. 그리고 조금 더 뒤로 설치을 해보았는데. 참 신기한것이 녹음이라는것이 떄로는 악기에서 떨어지면 떨어뜨릴수록 더 좋은 소리를 들려주는것 같기도 합니다. 직사각형의 큰 부스를 정면으로 보고 가장 좌측에 드럼을 위치하고 고보로 막고 가운데 기타앰프설치.(기타앰프는 바닥에서 기타앰프가 울리면서 생기는 공진음을 막기위해서 의자 위에 두었는데 한결 깔끔한 소리를 들려주었습니다.) 기타앰프 옆에 그랜드 피아노를 두었고 기타앰프와 피아노 사이에 고보를 설치하였고요 기타앰프 마이크는 초지향성의 MG MD110 다이나믹 마이크 1개. MG의 다이나믹 마이크는 슈어에 비해서 중역이 부드럽고 저음이 더 풍부해서 재즈기타 녹음에 선호하는 편입니다. 마이크프리는 CS뮤직앤에서 구비하고 있는 유니버셜 6176(녹음시 컴프레서 살짝 걸고 녹음) 마이크의 포지션은 사진과 같습니다. 콘트라 베이스와 색소폰은 고보 없이 그냥 오픈된 공간에서 연주를 하였고요. 그렇기 때문에 콘트라 베이스는 사실 드럼의 심벌소리가 아주 많이 간섭이 되어서 이렇게 같은 공간에서 녹음할경우. 드럼 오버헤드 마이크 만큼이나 콘트라 베이스에 심벌소리가 많이 들어가서 함꼐 밸런스를 조정하면 심벌이 베이스 마이크에서 많이 울리게 되면서 거의 모노 사운드처럼 들리는 경우도 종종 있는데요. 이러한 부분을 미연에 감지하고자 이번에는 숍스의 콤팩트 마이크(초지향성)을 사용하였습니다. 숍스는 DPA처럼 고역이 화려한 맛은 없지만 정말 평탄하고 자연스러운 소리를 들려주는 마이크라 이러한 콘트라 베이스같은 저음악기 녹음에서도 숍스의 스몰다이어프램 콘덴서 마이크들은 전혀 부족함없이. 아니 오히려 아주 만족스러운 소리를 들려주었습니다. 이 녹음 이후로 숍스의 초지향성 마이크를 나중에 꼭 구입해서 콘트라 베이스 녹음에 사용해야지..하는 바램도 하나 생기게 되었고요^^ 피아노는 얼스워크의 피아노 마이크. 이렇게 작고 가벼운 마이크가 어떨까? 라고 생각했다가는 큰코 다칠만큼. 의외로 아주 손쉬운 세팅으로도 일정수준 이상의 피아노 소리를 얻을 수 있는 마이크입니다. 사진에서보다 나중에는 마이크의 높이를 조금 올리는 편이 더욱더 자연스러운 피아노의 어택음을 얻을 수 있었습니다. 그리고 이곡에서 특별히 게스트로 들어간 비브라폰(비브라폰 사진의 기타앰프 옆 고보 뒤에는 드럼이 있습니다.) 비브라폰에는 DPA 4011 페어에 밀레니아. 전 요즘 4011에 완전히 매료되어있답니다. 정말 이렇게 좋은 마이크를 만들어준 DPA에 감사를..^^ 비브라폰은 은근 녹음하기가 까다로운 악기중에 하나인데요. 마이크의 포지션이 잘못되는 어택음에서 너무 귀따가운 소리가 나거나. 아니면 여음이 부웅~ 하며 크게 올라와서 마이크프리앰프에서 피크가 생기는 경우도 있고요. 마침 이 녹음 바로 직전에 마림바. 비브라폰 과 스트링 콰르텟의 녹음하고 온터라. 비브라폰 소리를 만족스럽게 얻을 수 있었습니다. 마지막으로 보컬녹음에는 MG UM930 에 맨리 프리와 튜브텍 컴프의 스탠다드 한 구성. 이렇게 녹음을 하고 믹싱시에는 보컬에 르네상스 이큐. 컴프. 베이스에 르네상스 컴프. 리버브도 르네상스 리버브 1개. 이렇게 심플하게만 살짝 음색을 수정하고 다른 악기들은 모두 이큐나 컴프 없이 믹싱을 한후 프로툴 내부믹싱으로 디지털로 TC 6000으로 보내서 마스터링을 하였습니다. 늘 작업하는 아티스트와의 녹음도 무척 즐겁지만 새로운 아티스트들과 녹음을 하는것 역시 참 많은것을 느끼게 해주는 것 같습니다. 첨부파일은 24/96입니다.

올해 여름동안 수 많은 앨범작업들을 하면서 참 칼럼을 쓰고 싶었는데. 쓰지못했던 충동들이 가을이 되면서 식욕과 함께 다시 슬슬 마음이 동하나봅니다. 영자는 요즘 식욕이 당겨. 슬슬 걱정이 되기도 합니다. 밥을 먹어도 먹어도 배가 잘 부르지도 않고. 상상초월할만큼 나온 배는 들어갈 생각은 커녕. 허리에 무리를 줄만큼이고..ㅜ.ㅜ 정말 책을 보기 좋은 계절이지요. 엊그제가 생일이라 아내가 몇권의 제가 고른 책을 선물해주었습니다. 모두 "카페"에 관한 책인데. 누구나 그러한 생각들을 하지요. 아.. 마음편하게 카페나 차릴까? 하고요. 저도 물론 그러한 생각이 없는것은 아니라 책들을 보니. 카페를 만들고 특히 운영한다는것은 보통일이 아니더라구요 그래서 우선은 카페생각은 잠시 좀 접고 책보기 좋은 계절. 글쓰는것도 좋은 계절이라 생각이 들어 글을 남깁니다. 먼저 오디오가이 레이블에서 만든 "피아노 리트" 앨범 녹음할때는 정말 만족한 소리로 담겨있다 생각했는데. 조금 시간이 지나니 역시나 아쉬운 부분들이 하나둘 생기더군요. 최근 모 공연장에서 사용하던 스타인웨이 풀사이즈 피아노를 처분한다는 소식을 듣고. 저는 최근 무척이나 마음이 콩닥콩닥 뛰고 있습니다. 꿈에 그리던 스타인웨이 피아노를 내가 살 수 있으면 얼마나 좋을까 하고요. (물론 당장 둘곳도 없지만요) 저는 정말 피아노를 좋아하고. 사랑합니다. 집에서도 80%는 늘 피아노가 중심이 된 음악을 주로 듣지요. 이렇게 평생을 들어도 다시 또 듣고 싶어지는 소리가 또 있을까요? 사람의 목소리가 단번에 마음과 귀를 사로잡는 음악들이 많은 반면. 오랜시간 여러번 듣다보면 많은 노래 앨범들은 조금씩 멀어져가는반면. 피아노 음악은 들어도 들어도 가슴떨림이 멈추지 않는 것 같습니다. 이렇게 피아노 음악과 소리를 사랑하는 터라 녹음에도 얼마나 많은 생각들을 하는지 모릅니다. 게다가 운이 좋게도 좋아하는 피아노 녹음을 아주아주 자주 하고 있어요. 거의 늘 피아노 녹음을 하고 있다고 해도 과언이 아니지요. 이삼년 전까지만 해도 피아노 녹음에 대한 약간의 두려움이 있었는데 이제 피아노 녹음때 바라보는 시각이 조금은 편하게 생각이 된것 같아요. 그것은 어떠한 경우라도 우선은 최소한의 일정수준 이상의 결과를 낼 수 있는 몇가지의 나만의 녹음방법을 지니고 있다는 마음의 든든함이 생겨서 그러한것일런지도 모르겠습니다.^^ 과거 칼럼에서도 이야기한바와 같이 하루에도 여러번씩 혼자 이상한 사람처럼 중얼거립니다. "어떻게 하면 더 좋은 소리를 가질 수 있을까" "어떻게 하면 내가 원하는 피아노 소리를 만날 수 있을까" 하고 말이지요. 아주 작은 목소리로 집에있을때나. 밖에 있을떄나 혼자 이렇게 중얼거린답니다 이번에 소개하는 피아노 리트 이 앨범은 어찌보면 지금 관점에서는 마이크의 선택이나 세팅을 조금 바꾸어보았으면 더 좋았겠다..하는 아쉬움은 있습니다 이번녹음은 압구정동에있는 장천아트홀에서 이루어졌습니다. 같은 피아니스트와 과거에 국내 스튜디오를 빌려서 하기도 하고. 광주 금호아트홀에서도 비슷한 음악의 녹음을 한적이 있었는데. 그때는 아쉬움이 무척이나 많이 남았었지요. 언젠가 갑자기 피아니스트에게 연락이 온거에요. "제가 지금 장천아트홀에 있는데 이곳 스타인웨이 터치도 너무 무겁지 않고 정말 좋네요" 이 이야기를 듣고 다음번 녹음은 이곳에서 하기로 하고. 단 하루만에 모든 녹음을 끝냈습니다. 장천아트홀은 홀 사이즈에 비해서 잔향은 그리 많지 않은편인데. 무대쪽은 상당히 반사가 있는 편이라. 이번에는 조금 색다르게 시도를 해보았어요. 무대에서 객석쪽으로 되돌아오는 소리를 녹음하면 고음이 흡음이 되어 그리 좋지 않겠다..라는 생각이 들어 반대로 피아노를 무대 끝에서 객석쪽이 아닌 무대쪽을 향하게 설치를 하였습니다. 그리고 무대 안쪽에 메인 마이크 DPA 4006 페어를 설치(양 마이크 간격은 약1.5미터) 피아노 스팟 마이크는 이 녹음이후 영자의 클래식 피아노 녹음에서 스탠다드가 된 위치인 AB페어로(양 마이크의 거리는 약 30cm정도) 위치는 피아노의 굴곡진 부분에서 연주자를 마이크라 바라보는 시각으로 높이는 120정도로 낮게. 이때 마이크 역시 4006을 사용하였습니다.(하지만 지금 생각해보니 무지향성이 아닌 단일지향성을 사용했다면 저음이 좀더 깨끗하게 나오지 않았을까 하는 생각도 듭니다.) 이렇게 무지향성 4개의 마이크만 사용. 최종 작업에도 리버브. 이큐. 컴프레서는 전혀 사용하지 않고 두마이크의 밸런스만으로 최종 마스터를 만들어서 음반을 발매하였습니다. 특이하게도 이 음반은 HQCD라는 것으로 일본에서 프레싱을 하였고요(비용이 정말 비쌌습니다.) 그런데 HQCD의 경우 마스터CD를 보내면 1장의 타이틀에 2장의 각기 사운드가 다른 모니터CD를 보내줍니다. 이 두장중에 선택을 해서 프레싱을 하는것어더군요. 무척이나 신선한 경험이었습니다. 녹음을 한후. 리버브나 이큐나 컴프레서에 대한 고민은 전혀 없이. 그저 녹음된 소리로만 하는것이 제게는 너무나 즐거운 일이기도 하였지요. 이때는 마이크프리도 그냥 새디 LRX-2의 프리를 사용. 아주 단촐한 세팅으로 참 마음에 드는 결과를 얻을 수 있었던 녹음이었습니다. 작업한지 수개월이 지난터라 아쉽게도 현재는 사진을 가지고 있지를 않으네요. 첨부파일을 컴퓨터 스피커아닌 꼭 모니터 스피커에서 한번 들어보셔요.^^ 24/96입니다. *그리고 다음파일은 재즈 트리오 입니다. 무척이나 반가운 오디오가이 회원분의 소개로 함께 한 음반이고요. 피아노. 드럼. 베이스의 구성. 간략한 녹음세팅에 대해서 이야기를 한다면 장소는 상암동의 CS뮤직앤 스튜디오. 드럼 오버헤드 노이만 USM69 XY 세팅 - 포실 마이크프리 스네어 DPA 4011 - 맨리 슬램 마이크프리 킥 DPA 4011(혹은 MG M300) - 맨리 슬램 마이크프리 베이스는 - 유니버셜 6176 라인입력 피아노는 DPA 4011 페어 - 밀레니아 프리 이러한 구성입니다. 이번녹음은 제가 늘 제창하고 있는 녹음시 밸런스까지 맞추어서 녹음하자! 라는것에 가장 가깝게 되어있는데요. 각 악기들의 킥. 스네어. 오버헤드는 볼륨이 동일하고 베이스오 피아노는 볼륨차이가 모두 2dB 미만만 페이더로 조정하였습니다. 페이더의 조정폭이 최소한으로 되어 녹음시 곡마다 밸런스를 조정을 하였지요. 이렇게 하면 나중에 믹싱시에도 편할뿐만 아니라. 저는 녹음을 크게 받고 페이더를 줄여한다면 오히려 애초부터 작게 녹음하는것이 더 좋다! 라고 생각을 하고 있는 편이랍니다. 각 악기들 가운데에는 피아노와 오버헤드에만 아주 약간의 리버브(르네상스 버브 2.8초. 프리딜레이 5msec)가 있고 다른 스네어 킥 베이스에는 리버브가 전혀 없고 모든 악기에 컴프. 이큐가 걸려있지 않은 날것의 그대로 믹싱을 하였습니다. (사실 위 피아노 리트에 관한 내용만 적고나니 내용이 너무 적은것같아 이 내용을 추가하고자 지금 얼른 믹싱하고 파일을 올렸습니다.^^) 좀전에 믹싱하면서 피아노에는 살짝쿵 이큐를 걸어보기도 하고 제가 좋아하는 메센버그이큐 플러그인을 인서트시켜놓기만 해도 피아노의 지저분한 저음이 커트되는터라 그렇게도 해보았지만 결국은 피아노도 다른 악기들 처럼 노이큐. 그만큼 녹음시 나중에 이큐를 만져도 되지 않을만한 소리로 마이크 세팅을 여러번 바꾸어보았습니다. 마이킹을 대충하고 이큐부터 손에 가는것은 정말이지 좋지 않다고 생각합니다. 물론 마이크의 선택을 바꾸거나 위치를 조정하는것보다는 이큐로 만지는것이 더욱 더 빠르고 자신이 원하는소리에 가깝게 될수는 있겠지만. 저는 연주자가 지니고 있는 터치와 개성을 이큐로 손상시키지 않고 있는 그대로의 연주를 녹음으로 담아서 들려주고 싶어요. 사진은 없지만 이 마이크 세팅은 재즈 피아노 녹음에서 최근에 발견한 세팅으로. 어찌보면 기존에 많이 알려져 있는 평범한 세팅. 마이크는 DPA 4011을 사용하고 있고. 이것을 스테레오바(30cm정도)에 설치해서 해머에서 현쪽으로 20cm 정도 떨어진곳에 마이크를 설치하고 (최근의 영자의 피아노 녹음은 완전히 DPA 4011에 푹 빠져있는데요. 무엇보다도 이큐를 걸어도 되지 않는 소리로 피아노가 녹음되는것이 참 마음에 듭니다. 최근 주문한 트루손의 CM402가 오면 그 자리를 밀려날런지도 모르겠지만. 당분간의 저의 피아노 녹음에 있어서 메인 마이크 자리를 차지할 것 같습니다.) 마이크의 각도는 해머를 바라보게 설치. 높이는 약 40CM 정도입니다. 중요한것은 긴 마이크 스탠드를 사용해서 두 마이크의 정면에서 해머를 정면으로 바라보게 되는것이 중요하고요 그렇지 않으면 고음과 저역의 위상감이 좋지 않게 되는경우가 많습니다. 이로인해서 음색도 좋지 않게 되고요 이렇게 녹음당시 밸런스를 거의 바꾸지 않고 음색도 바꾸지 않고. 토탈 사운드에 TC 디지털 리미터를 1.5dB만 살짝 걸어서 아래의 파일을 만들었습니다. 많은 악기들이 다 그렇지만 피아노에 음량을 올리려고 디지털 리미터를 거는경우. 얼핏들으면 중역이 밝아져서 선명하게 들리는것처럼 들리지만. 자세히 들어보면 피아노의 미묘한 배음등이 많이 살아지는 것을 느낄 수 있는데요. 그렇기 때문에 최종단의 거는 브릭월 리미터는 최근에는 2dB이상은 거의 걸지 않는 편입니다. 나머지는 리미터 전에 어떠한 음량과 음색의 소리가 입력이 되는지에 대해서 오히려 더욱 더 집중을 하는 편이랍니다. 특히나 심벌의 경우 리미터를 걸면 배음과 여운이 완전히 손상이 되어 자연스럽게 사라지는 심벌의 여음이잘 들리지 않고 중역의 피크감이 강조가 되어 심벌 사운드가 차분하지 않고 위로 붕~ 뜨게 들리는 경우가 아주 많은것 같습니다. 이 두음반의 피아노 사운드는 제가 현재까지 나름대로 정리한 클래식 피아노 녹음방법과 재즈 피아노의 녹음방법을 사용한것이랍니다. 물론 앞으로도 더욱 더 좋은 피아노 녹음방법을 찾기 위해 노력할테지만요. 피아노 녹음이라. 정말 많은 것을 이야기할 수 있을 줄 알았는데. 모두 녹음한후 시간이 흘러서인지 그리 내용이 많지는 않게 된것 같습니다.^^

근 몇년동안 재즈음악 녹음과 더불어 가장 많이 녹음한 부분은 오케스트라와 그리고 합창녹음인것 같습니다. 그리고 가장 마음에 들지 않는. 때로는 이것을 넘어서 도저히 어찌해야할지를 모를정도로 좌절을 가장 많이 했던 분야가 합창녹음이었기도 하고요. 문득 그러한 생각들도 해보았습니다. 영자가 녹음이라는것을 처음 시작하고 배운곳이 일반 팝음악을 하는 레코딩 스튜디오라 그런지 아직도 클래식적인 소리보다는 클래식을 대중음악같은 소리로 만드려고 하는 습관을 아직도 버리지 못한것인지.. 처음부터 제대로 클래식적인 소리에 관해 좀더 많은 연구와 생각들을 하지 못한탓인지.. 정말 무척이나 많은 생각들을 하였었는데요. 잠시나마 아예 유럽에 한 몇년동안 가서 합창녹음하는것만이라도 가서 좀 배우고 오면 어떨까..라는 생각까지 하였을만큼 그동안 많은 좌절을 가져다 둔 녹음분야가 제게는 합창녹음이었습니다. 여러사람의 목소리를 듣기 좋게 앙상블을 만든다는것은 악기와는 또 다르게. 정말 어려웠었는데요. 처음에 장비가 그리 많지 않았을때는. 어쩔 수 없이 원포인트 스테레오만으로 녹음을 하다가. 여러가지 좋은 환경이 생기고 난후. 여러가지 레코딩 시스템에 관해서도 합창녹음에 있어서 더 좋은 결과를 얻기 위해서 많은 노력을 하였습니다. 마이크세팅은 물론이거니와 마이크와 프리앰프의 종류등 정말 많은 실험들을 해보았는데요. 기본적으로 메인 마이크를 세운후. 각 소프라노 알토 테너 베이스에 스팟마이크. 피아노에 스팟마이크. 그리고 한앨범에 한두곡 정도는 늘 있는 솔리스트용 스팟마이크. 이렇게 정말 많은 시도를 해보았습니다. 메인마이크의 거리와 높이. 종류. 스팟마이크의 거리와 높이. 종류 등등. 그런데 이상하게도 이렇게나 좋은 장비들을 사용하는데도. 제가 만든 합창음악들은 늘. 무엇이랄까.. 클래식적인 자연스러운 느낌이 나지 않고. 교회나 공연장에서 녹음을 한 음반들도 스튜디오에서 녹음한것처럼 인위적인 느낌이 난다고나 해야할까요? 그나마 마음에 들었던 합창녹음은 단 2개. 5-6년전에 폴리포니 앙상블의 녹음. 이때는 모두 MBHO 440CL 마이크.(카운터테너 파트만 얼스워크 SR69)를 사용 마이크프리는 니브 오닉스 1620에 파이어와이어를 달아서 노트북으로 녹음후 누엔도에서 믹싱. 그리고 네로에서 CD 버닝. 이따보다 아마도 거의 스무배는 더 비싼 장비들을 사용하고 있음에도 불구하고 이보다 마음에 드는 소리를 몇년이 지나도 얻지 못하고. 늘 헤매기만 하고 있었습니다. 그밖에 그래도 소리가 괜찮게 생각이 되었던 광주시립합창단의 캐롤녹음은 MG M960 데카트리에 M960 아웃트리거. 피아노 스팟에는 DPA 3521 콤팩트 마이크. 여기에 파트별 스팟마이크 추가. 이렇게 진행했던 녹음이었고요. 이후로는 정말 다시 들으면 얼굴이 화끈거릴만큼 그러한 결과들을 많이 듣게 되었습니다. 생각을 하고 또 생각을 해보았습니다. 다른 기악이나 여타 재즈같은 다른 음악들에 비해서 왜 유독 내가 녹음하는 합창의 사운드는 이렇게 좋지 못한 것일까.. 아래 성악과 피아노 칼럼에서도 나와있습니다만. 이삼년 전부터는 전 거의 클래식 녹음에 있어서 메인마이크의 중요성에 대해서 무척이나 강조를 하고 있는데요. 사실 메인마이크가 누구나 중요한것을 알고있습니다만 실제로 그렇게 메인마이크의 비중을 높게 해서 녹음을 하는경우가 예상외로 드뭅니다. 메인 마이크를 설치후 소리를 들어보고 한두번 수정한후. 나머지 소리는 스팟마이크와 섞어서 믹스하는 경우가 많은 편인데요. 메인마이크의 중요성은 머릿속으로는 알고있으면서도 실제로 녹음할때는 지금까지의 습관때문에 그렇게 되지 않는다는 것이지요. 최근에 선덕원 소녀합창단의 녹음을 하였습니다. 평창동에 있는 예능교회라는곳에서 녹음을 진행하였는데 PA시스템을 구동하기 위한 음향은 아주 잘 설계되어있고 PA시스템의 구성과 셋업도 무척이나 깔끔하게 되어있어서. 이곳 교회음향 담당자분이 아주 꼼꼼하시고 실력있으신분이겠구나..하는 생각들을 하였었는데요. 합창음악을 녹음하기에는 대부분의 교회들이 그렇다싶히 잔향이 너무 적고. 전반적으로 벽면이 흡음재로 많이 되어있어서 녹음시 고음역대의 음색이 그리 좋지 않을수도 있겠다..라는 생각을 해보았습니다. 저는 녹음전에 가급적이면 그 장소에 미리 가서 음향상태를 체크하고. 모니터링룸을 만들곳등을 미리 생각을 하는 편인데요. 이날도 역시 합창에 피아노의 구성. 이번에는 너무 잘해야겠다..라는 생각을 조금 비우고 아주 편안하게 녹음에 임하였던것 같습니다. 아니. 어쩌면 다른 녹음들에 비해서 신경을 조금 덜쓴것이었을런지도 모르겠습니다. 주변에 친한 지인들은 어떠한 상황에 대비할 수 있도록 미리 대비를 해야한다고 하는데. 저는 이말도 듣지 않고 이번에는 단 5개의 마이크만 가지고 갔습니다. 메인으로 사용할 DPA 4011 페어. 피아노에는 얼스워크 피아노 마이크세트. 솔리스트가 있다고 해서 스팟마이로 MG M300 메인마이크를 대충 세우고 스팟마이크로 밸런스와 음색을 만드는것은 이제 그만하고. 어떻게든 메인마이크만으로도 만족스러운 소릴를 얻고 싶었습니다. 늘 혹시나 하는 마음으로 여러가지 스팟마이크들을 가지고 가면. 꼭 메인마이크는 메인이 아닌 그저 "앰비언스" 마이크의 역할로만 하는것에서 이제 좀 탈피를 해보고 싶었기 때문이지요. 지휘자주변에서 부지런히 지휘자가 만들어내는 소리를 들었고. 공간안에 울려펴지는 소녀들의 목소리와 그리 많지는 않았지만 공간음을 들었고. 무엇보다도 소리를 들으면서. 이 합창단에서 가장 중요한 부분이 무엇일까.. 이 중요한 부분을 잃어버리지 않고 녹음에 담아야 하는 부분은 무엇일까..하고 생각을 해보았습니다. 너무 잘하려고. 그리고 메인마이크 대충 세우고 스팟 마이크 설치하려 기운을 빼지 않은 탓인지. 귀와 마음의 컨디션이 아주 좋더군요(사실 로케이션 녹음은 예상외로 상당한 체력이 소모가 됩니다.) 이것만은 이 합창단에서 놓치지 않고 반드시 녹음에 담아야할 부분들이 들려왔습니다. 모두 훈련된 프로합창단과는 거리가 있는 남들과는 다른 아주 어려운 환경에 있는 소녀들의 목소리. 여기서는 그녀들의 음악이 너무 프로같이 들릴필요는 없습니다. 그냥 있는 그대로. 잘하는것은 잘하는데로. 그렇지 못한 부분은 그렇지 못한 부분대로.. 마이크세팅을 하고 들어보니 알토파트의 음량이 아주 작게 들려왔습니다. 지휘자분과 상의를 했지요. 알토파트의 음량이 너무 작은 것 같습니다. 지휘자분은 알토파트에만 스팟마이크를 설치해보는것은 어떨까 하고 제안을 하셨지만. 저는 알토파트에 스팟마이크를 설치하지 않았습니다. 조용히 연습을 하고 있는 과정을 보고 소리를 들으니. 알토파트의 사람들은 조금은 자신이 없게. 자신의 소리를 내지 못하고 있다는것을 알 수 있었지요. 여기까지에 관해서 무엇이라고 할 수 있는 것은 저의 권한을 넘어서는 일입니다. 음향적으로 보면 알토파트가 지나치게 작게 들립니다. 아마 이전과 같았으면 분명히 알토파트에 스팟마이크를 설치하였을거여요. 하지만 그렇게 하지 않았습니다. 알토파트가 작기는 하지만 소프라노 중심의 귀로 들리는 소리는 충분히 감동을 줄만큼 아름다웠고. 무엇보다도 자신없게 부르고 있는 학생들 앞에 마이크를 설치해서 더욱 더 주눅들거나 부담을 주고 싶지 않았고요. 가장 중요한것은 알토파트에 스팟마이크를 설치했다 하더라도. 그 스팟마이크로 알토의 음량을 충분히 크게 들어올수 있을런지 모르겠습니다만. 자신없이 부르는 그 목소리를. 음향적으로 올린다 한들. 그것이 과연 음악적으로 들렸을까요? 지휘자에게 알토파트사람들에게 좀더 자신감을 심어주었으면 좋겠다는 이야기.. 제가 할 수있는 부분은 여기까지였습니다. 이러한 생각으로 녹음을 했지요. 마이크는 단 두대 DPA 4011 페어 피아노에도 얼스워크의 스팟마이크를 설치하였습니다만. DPA 4011은 다른 그 어떤마이크보다도 간섭음으로 들어오는 피아노의 소리가 아름답게 들어오는 친구라. 피아노 스팟마이크는 약 30%정도밖에 사용이 되지 않았습니다. 즉 2개의 단일지향성 마이크로만으로 합창단과 피아노를 함께 녹음을 한것이지요. 중간에 소프라노 솔로곡이 있어서 이때는 스팟마이크를 사용하였지만 이경우에도 스팟마이크의 비중은 50%정도. 솔리스트의 목소리 역시 메인 마이크로 자연스럽게 들어갈 수 있도록 소프라노의 위치를 여러번 조정하였습니다. 이렇게 녹음을 하고 사무실로 가지고 와서 금새 믹싱을 하고 들어보았습니다. 제가 지금까지 녹음한 합창음반 가운데 저는 가장 마음에 들게 된것 같습니다.ㅜ.ㅜ (첨부파일올렸습니다. 24/96 파일입니다.) 지금까지는 때론 교회의 음향. 피아노. 합창단의 음색에 대한 탓을 하며 혼자 자위를 했던것은 아니었을지 모르겠어요. 좋은 앙상블의 좋은 소리는 분명히 늘 존재하고 있었던 것인데. 다만 내가 그것을 찾지 못하고 또 잡지 못했던 것이 아니었나 하고 말이지요. 늘 발전을 더디게 하는것은 스스로가 생각하고 있는 습관. 내가 나만의 노하우라고 생각하고 있는 자신만의 생각들이 오히려 나의 그리고 우리의 발전을 더디게 하고 있는것은 아닌지 모르겠습니다.

본래 아래칼럼에 함께 일하는 남송지씨가 질문을 하여서 거기에 대한 답변글을 올렸답니다. 글을 쓰고 보니 새롭게 새글로 해도 될것 같아서. 올려봅니다.^^ ************************************************************************** 이번 경동교회에서의 녹음 관련한 내용 중에 "성악의 피아노 마이킹에서 늘 마이크를 피아노의 안으로 넣지 않는 편인데(로케이션 레코딩시) 제가 지금까지 녹음한 성악앨범중에 그래도 가장 마음에 드는 피아노 소리는 피아노 안으로 마이크를 넣은것이라 이번에는 넣어보았습니다." 최근엔 성악녹음에 피아노 마이킹시에 안으로 넣어서 녹음을 주로 하고 계시는데요. 물론 가장 마음에 드는 소리라서 그렇게 하신다고는 했지만.. 로케이션 레코딩시에 늘 피아노 안으로 마이크를 넣지 않는 편이란 말이 소리가 마음에 들고 안들고가 아닌 다른 특별한 이유가 있으신건지요. 로케이션 녹음때에는 근접 마이킹 보단 홀 사운드가 어우러진 피아노 마이킹 성악과의 배합이 더 자연스럽기 때문인가 하는 짧은 생각을 했습니다. ****************************** 운영자 (218.39.100.218) 10-10-15 02:54 네 우선 단지 로케이션 녹음이 아닌 클래식 음악. 그중에서 피아노 반주의 성악 음악에서의 피아노의 역할에 관해서 한번 생각을 해볼 필요가 있을 것 같습니다. 저역시도 지금까지 스스로. 클래식은 피아노 외부에 마이크를 설치. 재즈는 피아노 해머안에 마이크를 설치. 이러한 자신만의 룰에 너무 젖어 있었던것이 아니었을까 싶어요. "피아노 반주의 성악녹음" 참 생각을 많이하고 또 많이 하고 있는 녹음중에 하나입니다. 제게 있어서 오케스트라나 여타 재즈앨범들에 비해서 만족스러운 결과를 얻기가 극히 적은 녹음중에 하나였는데요 그동안 제가 마음에 드는 결과를 얻지 못했던 가장 큰 이유중에 하나는. 스스로 더 공부를 하고 연구를 한다는 나르시즘에 빠져서. 다른 도이치그라모폰이나 유명한 클래식 레코딩 엔지니어들이 작업한 음반들을 탐닉할뿐 정작 나만의 소리를 만들어가려는데 게을리 하였던것 같습니다 단순히 다른 외국의 클래식 음반. 그리고 성악의 음반들을 무척이나 많이 듣고 있는데요. 좋은 소리에 대한 기준을 만들겠다..라는 것으로. 나만의 사운드를 정립하고 발전시켜 나가기 보다는 오히려 외국 사운드들을 듣고 동경하며 오히려 거기에 가깝게 녹음하려고만 한것이 그동안 피아노와 성악녹음에 있어서 만족스러운 결과를 얻지 못했던 가장 큰 이유가 아니었을까..하는 생각들을 최근 많이 가지게 되었습니다. 피아노 반주자도 다르고. 무엇보다도 목소리가 한국사람입니다. 서양사람들은 서양사람들만의 분위기. 느낌이 있고. 또한 한국사람이 부르는 성악은 또 한국사람들만의 느낌과 분위기가 있는것인데. 한국사람들이 부르는 성악의 느낌을 그동안 너무 서양사람들이 부르는 성악에 느낌에 억지로 끼워맞추어넣으려고만 하다보니. 정작 더욱 더 어렵고 미궁에만 빠져가는것처럼 생각들이 들었던 것 같습니다. 피아노 마이킹에 관해서 피아노 안에 설치하는가. 밖에 설치하는가에 관한 질문의 대답치고는 너무 장황하지 않은가..하고 생각이 들수도 있겠습니다만. 우선 최근에는 성악녹음. 그리고 합창녹음에 있어서도 피아노 마이킹을 피아노 안쪽에 넣고 있는데요. 우선은 한국사람들이 좋아하는. 그리고 내가 좋아하는 성악의 소리는. 피아노의 밸런스가 너무 크지는 않으면서. 너무 많이 울리거나 멀리 들지도 않으면서. 선명하고 또렷하게 들리고. 이러한 피아노 소리가 주인공인 사람의 목소리를 방해하지 않고 자연스러운 밸런스로 울리게 한다.. 라는 것으로 나름대로 정리를 해보게 되었습니다. 송지씨가 이야기한 것 처럼 메인 마이크와 스팟마이크를 섞을때. 대체적으로 피아노 외부에 마이크를 설치하는것이 메인마이크와의 블렌딩이 훨씬 더 좋은 경우가 많지만. 이번 녹음에서는 메인 마이크로 우선 목소리의 사운드를 중심으로. 메인 마이크에 들어오는 피아노의 음상을 아주 약간. 정말 조금만 더해주기 위한 세팅으로 피아노 안쪽에 마이크를 설치해보았습니다. 제가 좋아하는 소리. 그리고 저외에도 많은 사람들이 좋아하는 성악에서의 피아노 소리는. 외국앨범에서 들려지는것 같지 성악을 중심으로 피아노에 잔향이 많게 목소리를 감싸는 소리로 피아노소리가 들리는것이 아닌. 우리가 좋아하는 소리는. 피아노도 바로 선명하게 들려야 한다는 것이지요. 물론 무조건적으로 피아노에 스팟마이크를 가깝게 설치하고. 볼륨을 올린다고 해서 오늘 우리 스튜디오에서 함께 들어본것과 같이 잘못되면 소리가 목소리름 많이 마스킹하게 되고 전반적인 밸런스가 완전히 흐트러지는경우도 많이 있기 때문에 무척이나 유의를 해야할 것 입니다. 피아노 녹음. 개인적으로 피아노라는 악기를 너무너무 사랑하는 터라. 피아노 녹음만큼은 어떻게든 잘하고 싶어하는 악기입니다. 또한 운이 좋게도 정말 자주 많은 실험과 연구를 하며 녹음들을 해보고 있지요. 하지만 제가 녹음했던 피아노 녹음중 마음에 드는것의 대부분은 피아노의 해머위에 마이크를 설치했을때 얻을 수 있었습니다. 이 소리는 비단. 클래식. 재즈. 팝음악등 장르를 떠나서. 지금 2010년 10월에 제가 생각하는 피아노 사운드는 피아노 안쪽으로 마이크를 설치한 소리가 더욱 더 마음에 듭니다. 지금까지 스스로 장르를 구분을 지으며 오히려 소리까지 구분을 스스로 한계를 두려고 했던 것 같아요 이것은 클래식한 소리 이것은 재지한 소리 이것은 팝적인 소리. 물론 각 장르에 따른 소리의 기준과 보편성은 어느정도 존재한다고 생각합니다만. 다시 거꾸로 생각해보면 이러한 원칙은 애초에 존재하지도 않는것일 수도 있습니다. 내가 생각하는 성악에서의. 그리고 합창에서의 피아노 소리는 마이크를 피아노 안쪽으로 넣은것이 마음에 들면. 그렇게 설치를 해서 녹음을 하는것이지요. 어찌보면 너무나 단순한 이야기. 당연한 이야기이지만 녹음작업이라는것이 너무 많은 생각을 하다가. 오히려 잃어버리는것도 분명히 생기는 것 같습니다. 어찌보면 가장 단순하고 순수한 접근방법으로 녹음이라는것을 바라보는것도 필요할때가 있는 것 같습니다. 우리모두가 가지고 있는 "감각'말이지요. 책이나 여러가지 경험을 통해서 공부를 하는것도 아주 중요하지만. 사람이면 누구나 가지고 있는 "감각'을 살려서 녹음을 해보는것도 좋다고 생각합니다 우리가 지금 사용하고 있는 스탠다드한 레코딩 방식들도 모두 이러한 감각 들을 이론적인 토대위에 정리를 한것일테니까요. 이것은 재능과는 또 다른 표현입니다. 녹음을 할때. "그냥 난 여기에 마이크를 두면 좋을 것 같아" 하고 생각한 곳에 마이크를 두는것입니다. 바로 녹음의 재미라는것은 또 이러한 것일 수 도 있어요. 수많은 책들과 경험들을 하면서 자신만의 것을 쌓아가는것과 동시에. 때로는 그저 텅빈 상태로. 마음이 가는대로. "툭~" 하고 그냥 마이크를 두는것이지요. 너무 복잡하게 생각을 하지도 않고. 고민을 하지도 않고 말입니다. 어찌보면 우리가 기준으로 삶고 있는 길잡이들이 우리의 발전의 발목을 조금은 붙잡고 있는것일런지도 모르겠어요. 아까 사무실에서 잠시 이야기를 했지만 어제 잠을 청하기 전에 아내에게 이러한 이야기를 했습니다. "난 내가 15년동안 아주 열심히 공부하고 노력한 것에 비해서는 그리 실력이 많이 는것 같지는 않아.." 라고요. 저와 함께 일하고 있는 송지씨나. 혹은 이글을 보시고 계신 오디오가이 가족분들은 저와같은 이러한 고민의 시간들을 가급적이면 가지시지 않았으면 좋겠습니다.^^ 15년이라는 시간이 너무도 빨리 흘러갔지만. 때로는 내가 너무 실력도 재능도 없는 것 같지만. 변함없이 나는 이 일이 최고로 재미있고 신기하고 즐겁고.. 그렇기 때문에 하루에 눈을 뜨면 오늘은 또 어떠한 소리들을, 그리고 음악들을 들을 수 있을까? 오늘 작업은 어떻게 해볼까. 어제 아티스트가 사운드를 수정해달라고 요청한 부분은 또 어떠한 시각으로 다시한번 믹싱을 해볼까.. 등등. 수많은 생각들이 다시금 떠오릅니다. 음악은. 그리고 음향은 이것은 우리에게는 이미 모두 삶 그 자체이니까요.

그동안 정말 녹음을 해보고 싶었던 장소중에 하나인 장충동의 경동교회. 영자네 집 근처에 있는 불광동 성당과 같은 건축가 김수근씨의 작품으로 알려져있는 정말 멋진 곳이지요. 두곳의 각기 카톨릭 성당과 개신교 교회가 크기는 다르지만 같은 디자인으로. 위에서 건물을 보면 손을 모아 기도를 하고 있는 모습의 정말 아름다운 건축물인데요. 이 두곳 모두 내부의 음향이 좋기로 소문난 곳이랍니다. 이번 경동교회에서는 피아노에 성악(테너)의 녹음이 오늘부터 시작이 되었습니다. 정말 올해는 오디오가이 레코드의 제작앨범이 너무너무 많은데요. 그중에 올해의 마지막 제작앨범! 피아노와 성악녹음은 합창녹음과 더불어 개인적으로 가장 어렵고 까다롭게 생각하는 구성으로. 참으로 마음에 드는 소리를 얻기가 어려운적이 많았습니다. 이번에는 지금까지와는 조금 다른 세팅으로 해보았습니다. 마찬가지로 최근 오디오가이 레이블의 녹음으로 진행했던 바리톤 정록기선생님의 슈베르트 겨울나그네 때는. 메인 DPA 4006 페어 성악가 DPA 4015 피아노 PDA 4011 페어의 세팅으로 진행했는데요 DPA 4015는 스몰다이어프램이지만 근접 마이킹시 라지다이어프램처럼 중저역이 아주 풍부한 소리를 얻을 수 있어서 DPA 본사에서도 보컬녹음으로 강력하게 추천하는 마이크이니만큼 예상외로 아랫까지 쭉~ 떨어지는 저음과 DPA 특유의 광채가 있는 고역이 아름다운 마이크입니다. 그런데 얼마전 아르모니아 문디에서 발매된 바리톤 마티아스 괴르네의 녹음 DVD를 보니(녹음 장소는 베를린의 텔덱스튜디오) 성악과 피아노의 메인 마이크를 따로 설치하지 않고 성악가 마이크에 노이만 TLM170R을 AB 페어로 하고 피아노에는 DPA(모델명은 모름. 아마도 4011인듯)를 페어로 해서 녹음을 하는것을 보았습니다. 그러니까 메인마이크겸 성악가 마이크로 두개의 단일지향성(추측)으로 TLM170R을 사용한것이지요. 피아노에는 물론 스팟마이크가 있었지만 녹음세팅이 아주 신선했습니다. 전 레코딩세션 DVD들을 보면 늘 기억해 두었다가 시도해보는편인데요. 이번녹음에 이러한 세팅으로 적용해보았습니다. 메인 마이크겸 성악가 마이크로 DPA 4011 페어를 사용. 경동교회가 아무래도 대로변에 있고 약간의 외부소음이 들어오는 터라 무지향성이나 반무지향성을 사용하지 않고 지향성의 4011을 사용하였습니다. 그리고 피아노에는 DPA 3521 콤팩트 마이크를 피아노 안쪽에. 성악의 피아노 마이킹에서 늘 마이크를 피아노의 안으로 넣지 않는 편인데(로케이션 레코딩시) 제가 지금까지 녹음한 성악앨범중에 그래도 가장 마음에 드는 피아노 소리는 피아노 안으로 마이크를 넣은것이라 이번에는 넣어보았습니다.^^ 이렇게 해서 들어보니. 지금까지 내가 너무 나만의 공식의 틀을 벗어나지 못하고 있었구나..하는 생각이 바로 들었습니다. 혼자서 생각하기에는 늘 새로운 세팅을 과감하게 모험하고 시도해보는것을 좋아한다고 생각했는데. 그 시도를 하는 범위역시 나만의 테두리안에 같혀있었던 것이었습니다. 아마 그 녹음세션이 담긴 보너스 DVD를 보지 않았더라면 전 절대로 이 세팅을 알지 못했을 것입니다.(저는 그래서 녹음세션이 담긴 메이킹 필름이나 DVD를 보는것은 너무너무 좋아합니다. 시중에 클래식 음반매장에 가서 녹음세션이 담긴 DVD가 있다고 하면 무조건 구입하는 편이니까요^^) 정말 자연스러운 홀의 앰비언스가 담긴 보컬. DPA 4011마이크는 합창녹음에서도 메인으로 늘 사용하는 편인데. 합창의 소리도 밝고 아름다울뿐만 아니라. 메인 마이크로 들어오는 피아노 소리가 아주아주 선명하고 좋기 때문입니다. 성악녹음에서도 마찬가지로 DPA 4011페어의 측면에 피아노가 있었는데. 역시나 자연스러운 울림과 더불어 소리가 어둡지 않고 깨끗하게 들어옵니다. 경동교회 특유의 노출콘크리트의 초기반사가 강한 잔향음이 그대로 자연스럽게 표현이 되어 녹음이 되었습니다. 제가 생각했던것보다 성악가분의 음량이 아주 커서 마이크를 상당히 높게하기는 하였습니다만 결과적으로는 지금까지 녹음했던 수 많은 피아노와 성악앨범들 가운데 가장 마음에드는 소리로 녹음을 되었습니다. 함께 세팅한 송지씨와 이야기를 나누면서 성악가 소리에 잔향이 좀더 들어가도록 위치를 조정하였는데 우리생각에는 이보다 약간의 잔향이 좀더 있으면 좋을것 같다..라고 서로 대화를 하였습니다만. 사실 이것은 그렇지 않습니다. 가끔씩 잔향이 많은 성당들. 특히 유럽의 성당들에서 녹음할때마다 느낀것인데요. 이렇게 잔향이 많은 공간에서는 성악가와 피아노의 공간에 따른 긴 잔향의 소리를 직접 귀로 들었던 잔상이 남아있어서 실제로 녹음된 소리에서는 잔향이 조금 적게들리기 때문입니다. 우리의 귀는 금새 연주(혹은 녹음)했던 공간의 실제적인 잔향음에 익숙해져서. 마이크를 통해서 스피커로 나오는 소리는 생각보다 몸을 감싸는 잔향이 들리지 않기 때문에 조금 드라이하게 들리기도 하는데요. 생각보다 약간 건조하게 하는편이. 한두시간 녹음장소에서 벗어나 산책하고 와서 들어보거나. 혹은 녹음한 다음날 전날 녹음한 테이크들을 들어보면. 대부분 전날에 들었던것보다 잔향이 더 많고 풍부하게 녹음이 되어있구나..하고 느낀적이 무척이나 많았지요^^ 그래서 이번에도 송지씨는 조금더 잔향이 있으면 좋겠다..라고 이야기를 하였지만. 한두시간후 저는 근처에서 바람을 쐬고 쉬는 시간에 사람들이 연주를 하지 않을때 들어와서 녹음된것을 들어보니. 처음들었던 인상보다 역시나 잔향이 훨씬 더 풍부하고. 디테일도 잘들리는것이었습니다. 참 모니터링 그리고 사람의 귀라는것은 신기하다는 생각입니다. 사진에서처럼 본래는 메인마이크의 높이를 2.5미터 정도로 하였으나 중간중간 사운드 체크를 하며 최종적으로는 4M에 가깝게 높게 설치를 하였습니다. 피아노 마이크역시 처음보다 약간 좌우를 넓게 하였더니 훨씬더 자연스러운 소리가 들려왔고요. 이러한 성악과 피아노 녹음에서 제가 가장 중요하게 생각하는것은 무엇일까요? 물론 가수의 목소리가 중요합니다. 그 다음은 메인 마이크에 들어오는 피아노의 음색입니다. 최근 평창동 예능교회에서 있었던 선덕원 소녀 합창단의 녹음에서도 DPA 4011 페어를 메인으로 피아노에도 마이크를 설치하기는 했지만 최종적으로는 약 10%정도만 아주 적게 사용이 되었답니다. 메인 마이크 세팅시. 합창의 앙상블이 자연스럽게 들리고 음색이 좋은것과 동시에 피아노의 소리가 좋은 위치를 함께 찾아서 설치를 한것이지요. 이번 성악과 피아노 녹음에서도 마찬가지입니다. 메인 마이크로 들어오는 피아노의 소리가 음색이 맑고 깨끗하면서도 자연스럽게 들어오도록 하는것이지요. 이렇게 자연스럽게 간섭음이 들어오게 만드는것에 있어서 가장 기본은 바로 "패닝" 그리고 "녹음레벨'인데요. 메인 마이크의 경우 성악가가 바라보는 시점에서 좌측이 L 우측이 R 피아노의 경우 저음이 L 고음이 R입니다. 메인 마이크의 R쪽에서 피아노의 레벨이 더욱 더 높게 뜨며. 지향성이 있는 피아노의 중고음역이 메인마이크의 R쪽으로많이 들어오게 됩니다. 그렇기 때문에 메인마이크의 R과 피아노 마이크의 R(고음)이 패닝이 동일하게 되는것이지요. 이렇게 되지 않고 좌우가 뒤바뀌게 되면 믹싱을 하지 않은채 투명하면서도 자연스러운 소리를 얻기가 어렵다는 점이 있습니다. 많은 사람들이 최근에 저에게 종종 묻습니다.(특히 녹음을 함께 하는 아티스트분들^^) 마이크를 아주 적게 사용하는데. 괜찮은지 하고 물어보시지요. 하지만 저는 그렇게 생각합니다. 과거에는 아주 많은 수의 마이크를 사용해보기도 했었지만. 여러대의 마이크를 사용하면 할수록 각각의 녹음되는 트랙에 대해서 완벽하게 파악을 하면서 녹음하기가 상당히 어렵다고 생각합니다. 하지만 저의경우는 오히려 메인 마이크 위주로 세팅을 해서 메인 마이크로만으로도 밸런스와 음색이 마음에 들도록 어떻게든 세팅을 바꾸어가며 조정을 합니다. 이럴때는 역시 연주자의 위치 선정이 대단히 중요하기 때문에. 최근 영자의 녹음에서는 아티스트의 의자위치를 조정하는것이 아주 많습니다. (이것은 믹싱때 페이더를 조정하거나 리버브를 조정하는것과 거의 같은 효과를 주니까요) 너무 많은 수의 마이크들을 사용해서 각각의 포지션을 제대로 파악하지 못하고 나중에 믹싱에서 어떻게 만들어가는것보다는 적은 수의 마이크. 특히 메인마이크 위주의 세팅을 하면서. 메인마이크의 포지션에 따른 소리에 차이라도 정확하게 파악을 하고 싶습니다. 이렇게 메인마이크의 위치에 대해서 정확하게 파악을 한뒤에. 그 다음에 스팟마이크를 설치하고 싶어요. 이번에도 메인 마이크의 위치. 좀더 많은 잔향을 얻기 위해서 높이를 높히고. 마이크의 각도와 거리를 조정해서 성악가의 음색과 피아노와의 밸런스. 공간감을 맞추어나갔습니다. 이번 피아노는 가와이. 삼익보다도 녹음에 제가 더 싫어하는 피아노입니다만. 역시나 공간 음향이 좋으니 성악반주에 전혀 부족함이 없을만한 음색으로 녹음이 되었습니다. 녹음이라는것은 역시 하면할수록 정말 재미있는 것 같습니다. 내일도 같은 녹음이 있는데 내일은 성악가와 피아노의 위치를 조금 가깝게 해서 조금 세팅을 바꾸어볼 계획인데. 내일은 또 어떠한 소리를 경험할 수 있을지 무척이나 기대가 됩니다.

칼럼을 쓰지 못한지 벌써 2달이나 지났네요. 최근 2달의 무더웠던 여름은. 두달 내내 비몽사몽하며 술 취한 사람마냥 지낸것 같습니다. 여름에 이렇게나 많은 작업들을 해보기는 처음이었어요. 참 재미있는 프로젝트들을 요 몇달간 많이 진행했고 또 진행하고 있습니다. 작업한 다음에 사진과 함께 음원을 함께 올리면서 칼럼을 써야겠다..라고 생각을 하다보니 시간만 자꾸 흘러가서. 새글의 표시가 없는 이 오디오가이 칼럼란을 볼때마다 마음한편이 조금은 무거워지기도 했답니다. 그리고 아무래도 집에 아이가 있으니 컴퓨터앞에 한두시간 앉아 있을 수 있는것이 보통 어려운일이 아니더군요. 아무래도 앞으로는 새벽같이 일어나서 글을 쓰는 시간을 따로 가져야 할듯 싶습니다.^^ 최근에 진행한 작업들 가운데 우선은 아리랑 프로젝트. 여러가지 아리랑을 해외 아티스트들이 연주를 해서 음반을 만드는 프로젝트였는데요. 영자가 담당한 아티스트는 유끼구라모토의 녹음. 지오반니 미라바시 트리오의 녹음. 믹싱. 그리고 리릿나워 와 잭리. 강은일이 연주한 아리랑의 믹싱. 마지막으로 이타라마 쿠락스의 녹음과 믹싱 이렇게 되었었는데요. 유끼구라모토는 개인적으로 가장 많이 듣고 있는(특히나 자장가로..^^) 아티스트라 작업이 너무 기뻤습니다. 녹음은 상암동 CS뮤직앤 스튜디오에서 진행을 하였는데. 아티스트가 피아노를 무척이나 마음에 들어해서 좋았고요. 소리가 어떻냐는 질문에. 자신은 연주를. 소리는 당신에게 맞기겠습니다. 라고 딱 부러지게 이야기를 하더군요. 개인적으로도 마음에 드는 소리로 녹음이 되었습니다. 저는 늘 새로운 시도들을 해서 녹음을 해보는것을 좋아하는터라. 최근에는 DPA 4011을 건반의 해머근처에 AB페어로 두어 녹음하는 세팅에 한동안 빠져있는데요. 이전에는 얼스워크의 피아노 마이크를 사용해서 또 꾸준히 녹음을 하기도 하였었답니다. 다음에 지오반니 미라바시의 녹음은 제가 제안을 해서 서초동 DS홀에서 이루어졌고요 피아노와 드럼. 베이스의 트리오. http://blog.naver.com/audioguy1 에 있는 세팅으로 아주 심플하게 하였습니다. 원체 연주가 좋아서 역시나 결과물이 참 마음에 들게 되었답니다 이외에 리릿나워가 멋지게 연주한 아리랑과. 브라질의 보사노바 싱어인 이타라마 쿠락스와도 무척이나 재미있게 녹음을 진행하였어요. 이때는 보컬부터 어쿠스틱 기타. 타악기까지 올 DPA 마이크를 사용해서 CS뮤직앤의 큰 부스에서 한방에 녹음을 하였는데. 기타연주자가 소리가 너무 마음에 든다고 마이크가 무엇인지 물어보더군요^^ 그리고 오디오가이 회원이신 "라퍼커션" 과 "이재경트리오"의 음반을 현재 작업중이랍니다. 라퍼커션은 30명이 연주하는 브라질의 바투카다팀으로 이렇게 재미있고 즐겁게 녹음을 한것은 참으로 오랫만이었어요. 이재경 트리오 역시 오디오가이 회원분과 함께 한 작업이었는데. 피아니스트의 아주 깨끗하고 깔끔한 터치에 피아노 소리가 근래의 영자의 녹음중에 가장 마음에 들게 나온 작업입니다. 이외에도 역시 오디오가이 가족분의 소개로 정명훈 선생님의 서울시향과 시향연습실에서 녹음작업을 하기도 했고. 예술의 전당에서 앙상블 디토의 실황을 녹음해서 DVD용의 서라운드 믹싱과 마스터링도 현재 하고 있고요. 이외에도 정말 여러 프로젝트들을 동시에 진행하고 있습니다. 함께 일하고 있는 송지씨는 아마도 요 두달간 정말 정신없이 보내고 있는것 같은데요. 최근에는 토요일. 심지어 일요일에까지 녹음작업들을 진행하였어요.ㅜ.ㅜ 일요일 만큼은 꼭 쉰다..라는 것이 오랜시간 저의 마음가짐이었는데. 여러가지 스케줄들 가운데 일요일밖에 시간이 나지 않는 일들이 많아서 함께 하는 식구들에게 미안한 마음을 품으며 진행을 하기도 하였지요. 이렇게 동시에 정말 많은 작업들을 진행하니. 모두 즐겁고 좋은 작업이지만 한편으로는 지쳐가더군요 충분하지까지는 않더라도 어느정도는 몸과 마음을 휴식을 하고 새로운 작업들을 시작하고 해야하는데. 이전에 진행하고 있는 작업들이 마무리 되기도 전에 또 새로운 작업을 시작하고. 또 새로운 음반을 시작하고 등등.. 이것이 계속이 되니. 오히려 이전 작업들의 완성시간들이 지연이 되고. 몸이 피곤해지니 무엇보다도 결과가 마음에 들지 않게 나오거나. 중요한 믹싱과 마스터링에 있어서도 최선을 다하지 못하는 상황이 생기기도 하는것에 스스로가 흠칫 놀라기도 하였습니다. 과거 정말 많은 작업들을 늘 하고 있는 레코딩 혹은 마스터링엔지니어들을 보면서 문득 느낀점중에 하나는 대부분 어느정도의 자신만의 세팅(시스템 혹은 프로세스)를 정해놓고 이 안에서만 주로 작업을 하고 몇몇 특별한 클라이언트의 작업에서만 플러스알파를 더해서 최선을 다해서 결과물을 만들어내고 있다는 인상을 받은적이 있었는데. 그때는 그러한 부분을 전혀 이해를 하지 못했습니다. 나에게 소중한 음악을 맞겨준사람에게 내가 할 수 있을만큼 늘 최선을 다해서 작업을 해야한다..라고 나에게 이 음반을 그동안 작업해온 수백장중에 한장이지만 이 아티스트에게는 평생의 처음이자 마지막의 한장의 앨범이 될수도 있을것이다.. 라는 생각을 늘 마음에 품고 살아왔기 때문이었지요. 하지만 사람의 시간과 그리고 무엇보다도 집중력에는 한계가 있는것 같습니다. 정말 수 많은 프로젝트들을 실수없이(작업의 결과물에 편차가 없이) 안정되게 작업을 하는것이야 말로 어쩌면 사람들이 내게 가장 원하고 있는것이 아닐까? 하는 생각이 들었어요 하나하나에 혼신을 다해 작업하는것도 좋지만 때로는 이러한 과한 의욕과 욕심에 오히려 좋지 않은 결과가 나오는 경우도 많이 있기 때문입니다. 영자만 해도 그렇습니다. 직접 기획부터 프로듀서. 레코딩. 믹싱. 마스터링을 하고 있는 오디오가이 레코드의 음반작업. 레코딩 엔지니어가 운영하는 음반회사이니 만큼 적어도 소리하나는 정말 좋게 만들고 싶은 욕심이 드는것이 사실입니다. 하지만 늘 보면 훨씬 더 신경을 많이 쓰고 작업시간도 두세배로 많이 투자하는 레이블 작업들의 사운드가 대부분 녹음 및 믹스를 의뢰받고 하는 작업들에 비해서 늘 결과물이 아쉬운편이 많습니다. 최근의 제작 음반들은 더욱 더 그러한 면이 많고요 오디오가이는 녹음실을 가지고 있지 않기 때문에 늘 새로운 장소에서의 녹음 이것은 참 재미있고 저처럼 새로운 시도를 하는것을 좋아하는 사람들에게는 무척이나 신선하고 즐거운일이지만 때로는 결과물에 편차가 생기게되기도 하고. 함께 일하는 어시스트 엔지니어는 늘 새로운 환경안에서도 완벽한 셋업준비를 해야하기 때문에 보통 스트레스를 많이 받는것이 아니랍니다. 그래서 최근에는 15년전에 녹음실을 운영하다가 문 닫으며. "나는 앞으로 절대로 녹음실을 직접 만들지는 않겠다" 라는 다짐을 깨고 새롭게 녹음실을 만들까 하는 생각들도 최근에는 지니고 있답니다. 새로운 환경들에서 적응하면서 커다란 그림을 그려가는것도 좋지만 늘 같은 환경에서 같은 시스템으로. 안정된 결과물이 나올 수 있으며. 거기에서 세밀한 마이크 세팅들도 더욱 더 개발해 가면서. 한달에도 10개가 넘는 프로젝트들을 진행하더라도. 늘 일정수준 이상의 결과물로 뚝딱! 하고 나올 수 있게 하는것 말이지요. 뉴욕에 시스템투 라는 최근 재즈씬에서 아주 잘나가는 스튜디오가 있는데. 이곳에서 작업한 한국 아티스트들에게 물어보니. 보통 녹음은 1일에서 3일사이. 그리고 믹싱은 하루. 마스터링도 하루.에 대부분 작업을 완성한다고 합니다. 이곳의 사운드를 들어보면 악기 하나하나가 정말이지 생동감있게 살아있고 어떠한 아티스트의 작업을 하더라도 결과물의 편차가 크지 않은것이 정말 대단하다. 라는 생각들을 많이 했답니다. 저는 최근에 오디오가이 레코드의 새로운 신작 프로젝트로 "이판근 프로젝트"라는 팀의 앨범을 녹음하였는데. 드럼. 베이스. 피아노. 색소폰2대의 구성으로 처음에는 커다란 한 부스에서 녹음을 진행하다가. 한 2시간정도 사운드체크를 하다가 결국 마음에 드는 사운드를 얻지 못해 바쁜 스케줄들을 맞춘 프로듀서와 연주자들에게 무척이나 미안하고 또 창피하게도. 녹음을 중단하고 각각 악기마다 각방에 들어가서 녹음을 할 수 있는 스튜디오에서 녹음을 다시 진행하자..라고 이야기를 하였답니다. 정말 아티스트들에게 창피한 시간이었지만 이렇게 마음에 들지 않는 상태로 녹음을 해서 나중에 믹싱때 억지로 어떻게 저렇게 해서 만든다는것은 정말이지 죽어도 싫어하는터라. 결국은 장소를 바꾸어 새롭게 녹음을 했답니다. 이녹음때 참 많은 생각들이 들었습니다. 이제는 새로운 녹음을 할때마다 이전에는 시도해보지 않은 세팅으로 하는것을 이제 그만하고 그동안 좋은 결과를 얻었던 세팅 그대로 빠른 시간안에 작업을 완료하는것이 필요한것이 아닐까 하는 생각들이 말이지요. 과거에는 "이렇게 늘 똑같게만 발전이 없을거야" 라고 생각을 하고 내가 알지못하는. 그 무엇인가가 더 있지 않을까? 하는 생각에 늘 새로운 시도들을 해보았지만 이러한 어떠한 면에서는 결과물에 완벽한 책임을 지지못하는 "아마추어"적인 사고는 이제는 놓아야 하는것이 아닐까 하는 생각입니다. 나에게 의뢰를 하는 사람은 늘 안정된 결과물을 원하고 프로라면 그것을 이루어주어야 할 수 있어야 하는것이니까요. 가끔은 나 혼자 노력한다고 해서 이것이말로 프로야.. 라고 생각하는것에 쉽게 빠질 수 있는 것이 이 직업인것 같습니다. 늘 작업들을 할때마다 느끼는것이. 결과가 정말 많은것을 이야기해준다는 것입니다. 새롭게 오늘 시작한 이번주도 스케줄러에는 여러 작업들이 올라와있습니다. 어쩌면 이것이 즐거운 비명일런지도 모르겠지만. 사람의 욕심은 정말이지 끝이 없는것 같습니다. 영자가 요즘 어떠한 생각들이 드는지 아세요? 문득 몇달전까지만 해도 최근들어 마음에 들게 나오는 결과물들을 들으며. 만족하기도 하다가도. 요즘처럼 즐거운 작업들 안에서 새롭게 생각하고 연구하고 그리고 무엇보다도 이렇게 실제로 녹음을 할 수 있는 기회들이 있다는것만해도 얼마나 행복한 일일까요? 과거에는 단지 녹음을 해보는 것 하나만으로도 세상을 다 가진것처럼 행복하고 즐겁고 했었는데요. 오히려 좋은 아티스트들과 작업들이 훨씬 더많아진 요즈음에는 이 직업에 대한 회의도 조금씩 들기도 하고. 일 그만두고 자그마한 커피숍이나 하나 차려서 맨날 책보고 음악듣고 이렇게 컴퓨터앞에 앉아 글쓰며 여생을 보내고 싶기도 하는 생각이 들기도 한답니다.^^ 하하하.. 저를 잘 아는 오디오가이의 친구들은 이 글을 보자마자 생각할거에요. 정훈씨의 변덕이 또 시작되었구먼.. 절친한 리즈뮤직님께서 얼마전에 말씀하시더군요. 제가 늘 같은곳에만 머물러 있는것 같아서 딜레마에 빠지는것 같다고 했더니 "일년에 한번씩 작업실 옮기는 사람이 무슨 한곳에만 머물러 있는것 같다고 해요? 무엇인가 새로운 일을 시작할때는 신중하게 충분히 생각하고 판단하고. 실패하지 않을 자신이 있을때만 일을 시작해야 합니다.." 라고 날카로운 지적에 정신이 순간 번쩍 들기도 했었는데. 여러작업들에 몽롱하게지내는 요즘에는 오히려 다시 제가 한곳에 머물고 있다는 생각이 들기도 합니다. 참 주변을 돌아보면 과거에 내가 꿈꾸고 상상하던 수 많은 것들와 함께 있음을 보지 못하고 녹음을 끝마치고 집에 들어가는 길. 한적한 골목안에 편안한 빈티지 쇼파에 앉아 독서를 하고 있는 그 카페의 주인장을 부러워하는 나 자신을 다시한번 스스로 바라보게 됩니다. 정말 사람의 욕심은 끝이 없구나.. 하는것을 말이지요. 정말 내용없은 칼럼이 된것같아 조금은 송구스럽네요.^^

늘. 분주하게 지내고 있습니다. 어떻게 보면 이렇게 생각하는것은 본인. 그리고 우리 모두가 스스로 그렇게 자신을 세뇌하고 있는 것은 모르겠습니다. "나는 일이 많다.." "나는 바쁘다.." 하지만 아주 잠시라도. 머리를 비우고 그저 도시의 풍경을 멍하니 바라보거나. 꼭 아주 새파란 하늘이 아니더라도 파란색 위에 흰색과 회색으로 덧칠해놓은 요즘같은 하늘을 바라보거나.. 그리고 아주 가끔은 늦고 고요한밤. 하늘을 보며 오랫만에 별빛들에 어릴적 동심의 세계의 순수함을 다시 회상하거나.. 찾아보면 잠깐만의 여유로 아주 많은 호흡을 길게 갈 수 있는 것은 참으로 많은데. 그저 혼자만의 생각으로.. "나는 바쁘다.."라고 만 생각을 하며 오히려 그 안에 같혀지내게 되는것일런지도 모르겠습니다. 저는 요즘 짬짬히 책을 보는것에 무척이나 열중하고 있습니다. 제가 집에 없는동안 하루종일 아이와 씨름하고 있는 아내는 집에와서는 자기랑 안놀아준다고 입술을 빼곡하니 내밀기는 하지만 말입니다. 최근에 책 두권에 푹 빠져서 보냈습니다. 먼저 한권은 "서울은 깊다." 책을 다 읽는데 거의 한달가까이 걸리기는 하였지만 정말 많은 것을 알 수 있는. 참 귀한 책이었습니다. 그리고 다음으로는 최근에 자주 녹음을 하는 상암동 DMC 단지내 CS뮤직앤 스튜디오의 1층에는 서점이 있는데(게다가 10%할인이 됩니다. 저는 할인을 아주아주 좋아라 하는 편입니다. 관심이 없다가도 할인이라는 단어를 보면 살짝쿵 뒤돌아 보게되는..^^) 그곳에서 책한권이 쏙 눈에 들어왔습니다. 바로 "간송 전상필" 성북동에 있는 귀한 곳 간송미술관의 설립자에 관한 이야기로. 조선후기 손꼽을 만한 젋은 부자였던 그가 정말 어마어마한 비용을 들여서 우리나라의 문화재들이 외국으로(특히 일본)으로 판매되지 않고. 우리의 오랜 역사와 전통을 지킬 수 있게 만들어준 사람인데요. 수많은 국보와 보물들. 게다가 유네스코 문화기록유산으로 지정되어있는 "훈민정음"도 이곳에 소장이 되어있답니다. 이책을 정말이지 2-3일만에 단숨에 잠을 줄여가며 보았어요. 시간이 가면 갈수록. 내것. 그리고 우리것에 대해서 더욱 더 관심이 가게 됩니다. 마지막으로 최근에 발매된 "거장들의 녹음현장"이라는 책도 이삼일만에 훌쩍 보았는데. 과거 "데카사운드의 모든것" 과 너무 중복되는 내용들이 많아서 조금은 아쉬움이 남지만 그래도 이러한 책이 나와있다는것 자체로만도 참 행복한 일입니다. 아직까지 서점에 가면 그래도 책은 많은 사람들의 사랑과 관심을 아직도 받고는 있는 것 같습니다. 하지만 음반은 우리가 알다싶히 조금은 다르지요. 물론 책도 글쓴이의 경력등을 위해서 쓰여지는것도 많지만 그래도 음반이 단순히 음악가의 "명함"정도로만 되어가는 음반의 현실보다는 좀더 낳은 것 같습니다. 올해에는 그동안 그 어느해보다 오디오가이 레코드 제작앨범들이 많은 편입니다. 올해 기획되고 녹음되는것이 전부 10장이 넘으니까요.. 이렇게 10장이 넘는 음반의 제작비를 마련한다는 것은 아무리 음반제작에 있어서 녹음비가 많은 비중을 차지한다고 해도(영자가 제작하는 클래식과 재즈음반 기준) 여러모로 많은 부담이 되는것은 사실입니다. 언젠가 아내와 이야기를 해보았습니다. 그래도 허튼데 돈쓰지도 않고. 그래도 성실하고 또 부지런히. 무엇보다도 열심히 살고 있는데 나는 왜 돈을 모으지 못하는 것일까? 가만히 생각해보니 2개의 결론에 도출했습니다. 먼저. 레코딩 장비들을 너무 무리하게 구입을 한다는것..^^ 다음은 바로 음반제작을 하는데 비용과 시간이 너무도 많이 소요가 된다는 것.. 이었지요. 지금까지 발매한 음반이 20장이 넘으니. 한장당 1000만원의 제작비만 해도 이 금액을 모았으면 지금 살고 있는 엘레베이터 없는 4층의 전용면적 18평의 빌라보다는 좀더 평수가 더 넓어지거나 자그마한 아파트정도로는 갈 수 있지 않았을 까 합니다^^ (이 이야기는 반은 농담이구요) 하지만 그래도 음반을 직접 기획하고 제작하고 만든다는 것은 참으로 행복합니다. 무엇보다도 내가 사랑하고 좋아하는 아티스트들과 함께 할 수 있으니까요.. 처음 레이블을 시작할때.. "나는 적어도 40년은 중도에 포기하지 않고 꼭 할거야.."라고 굳은 마음을 두었지만. 늘 경제적으로 안정적이지 못하는 회사의 상황을 보면. 이러한 상황에서도 이렇게 투자를 해서 음반을 만드는것. 내가 언제까지..할 수 있을까..하는 생각이 드는것도 사실입니다. 참으로 신기한점이 하나 있습니다. 이렇게 음반사를 운영한다고 하면 많은 아티스트들은 회사를 참 크게 생각한다는 것입니다. 최근에는 어느 클래식 아티스트의 음반을 제작하기로 해서 리허설도 참관하고 미팅도 하였는데. 본래 아티스트가 직접 앨범을 제작하는 줄 알았던 피아노 반주자분은 아티스트가 사비로 제작을 하는 줄 알았을때는 개런티를 전혀 이야기하지 않다가.. 갑자기 회사에서 제작을 한다.. 라고 하니 갑작스런 개런티 부분때문에 결국에는 함꼐 하지 못하게 된경우도 있습니다. 같은 사람의 음반을 만들더라도.. 아티스트가 또 다른 친한 아티스트에게 내 음반을 만드는것을 도와달다..라고 하면 많은 사람들이 흔쾌히 무료도도 즐겁게 자신의 연주를 함꼐 하는 경우가 많은데 꼭 크건작건. 레코드회사에서 음반을 제작한다..하면 저희같이 작은 회사로서는 감당하기 어려운 개런티들을 요구하는 경우가 상당히 많은 편입니다.. 이럴때는 아무래도 마음이 편치 않지요. 그들도 그리고 우리도 그저 음악이 좋은것일뿐.. 음반을 만들어서 엄청나게 돈을 버는 시대는 이제는 완전히 떠나갔음에도 불구하고. 음악가들도 이 사실을 물론 알고 있으면서도 내심... 마음 한편에서는 생각이 다른가 봅니다. 내가 지금 노래나 연주를 직업으로 하고 있지 않아서 그들을 잘 이해하지 못하는것일수도 있겠지요. 하지만 저라면 그저 좋은 사람들과 함께 음악을 하고 있는 그 자체만으로도 너무 즐겁고 행복할 것 같아요. (물론 이렇게 때때로 잠시나마 고민의 시간들도 스쳐가겠지만..) 저는 가지고 싶은것 그리고 하고 싶은것이 생기면 그 생각밖에 하지 못하는 터라. 정확하게 준비하고 계산해서 행동을 하기 보다는. 그저 즉흥적으로 결정하고 판단하는 경향이 참 많은 편입니다. 그렇기 떄문에 지금도 제작하는 앨범들이 너무 많아.. 정신이 없을 정도이지요.. 이 사람의 음반을 만들고 싶다.. 또 이사람의 음반도 만들고 싶다.. 기회가 되면 이 음악단체의 음반도 만들어보고 싶다.. 이것은 아마도 제가 너무 욕심이 많은 탓일거에요. 오늘도 이번에 진행하고 있는 오디오가이 레코드의 신보음반에 관해 참여한 연주자의 개런티에 관해 함께 일을 하고 있는 남송지씨. 이동은씨가 아티스트와 오랜시간 이야기를 하였습니다. 저의 경우는.. 함께 일하는 식구들은 맘이 약하다고 하는데요.. 직접 만나서 사람들이 부탁을 하거나 이야기를 하면 거기에 잘 거절을 못하는 경우가 많아서.. 그저 내가 손해보더라도. 서로 불편한 감정과 시간들을 단 몇초라도 빨리 털어버리고 싶은 생각이 더 커서.. 늘 손해보는 선택을 하는 경우가 아주 많답니다. 모든것이 다 제 욕심일런지도 모르겠어요. 함께 만들고 싶은 음반들을 많치만. 사실 그 음반들을 만들어서 세상에 제대로 알리고 홍보할 능력도 없으면서 말이지요.. 모차르트 피아노 콘체르토 전집도 만들고 싶고. 바하의 평균율도 만들고 싶고. 오케스트라로 춤곡들 모음집도 만들고 싶고. 말러와 차이코프스키 교향곡 전집도 만들고 싶고. 스카틀라티 피아노 소나타도 만들고 싶고.. 피아노 위주로 듀오의 서정적인 분위기 있는 재즈음반들도 만들고싶고.. 그전에 지금 진행중은 음반들 부터 혼신을 다해서 만들어야지요. 올 봄 유럽에 가서 녹음을 했던 3음반의 믹싱과 마스터링도 이제 모두 끝나서 디자인작업을 하고 있고요. 사운드는 그리 잘되지는 않았지만 음악만큼은 참 좋게 되어. 기쁩니다. 지금 진행하고 있는 음반도 너무 좋고요. "클래식" 수많은 의미를 내포하고 있는 위 단어처럼. 오랜시간이 지나도 내가 직접 기획을 하고 아티스트들과 대화를 하며. 마이크를 설치해서 녹음을 하고. 또 밸런스를 조정하며 믹싱을 해서. 디자인을 감수하고. 이렇게 나로인해서 세상에 태어난 이 음반 한장 한장을 소중한 마음으로..(물론 아티스트에게 시작이 된것이지만..) 하나둘 쌓아가는 것이 참으로 보람되고 기쁜일입니다. 지금은 잠시 너무 무리하게 많은 앨범들을 진행하면서 잠시 힘들어서 부리는 영자의 투정일 뿐. 자고 일어나면 단순한 저는 다시 내게 주어진 시간 앞에 더욱 더 충실하고 내가 지닌 생각과 경험들을 모두 집중해서 "소리"로 남길 수 있는 그러한 시간들 속에 함께 살아나가겠지요.. 어쩌면 말이지요. 지금의 이 순간이 나의 삶에 있어서 가장 행복하고 즐거운 시간일런지도 모르겠어요. 늘 내 욕심때문에 현실의 아름다운 소소한것들을 제대로 보지 못하는것이 아닐까요? 늘 익숙한 도시풍경속에 숨어있는.. 그리고 이렇게 늦은 밤에 콘크리트와 창문에 가려져 있는 별빛들처럼 말이지요. 잠시 옥상에 올라가 기지개도 한번 펴고. 빙그레 웃으며 하늘도 한번 보고 내려와야 겠습니다. 이럴때는 4층에 살고있는것이 참으로 좋네요. 반층만 올라가면 옥상이니까요.. (물론 가끔씩 하이파이 오디오를 4층으로 오르락 내리락 할때는 정말이지 너무 힘이듭니다..ㅜ.ㅜ)

이번 믹스콘테스트 샘플음원에 관한 설명입니다. 먼저 클래식곡 차이코프스키 교향곡 6번의 마지막 악장으로 연주는 대전시향. 녹음장소는 대전문화예술의 전당에서의 실황녹음입니다. 녹음세팅은 우선 메인 마이크는 DPA 4011 ORTF 사용. 높이는 무대에서 약 6.5미터 정도로 상당히 높게 되어있습니다. 개인적으로는 클래식 녹음에 있어서 메인 마이크의 비중을 높게 사용하는 편입니다. 다름으로 CB라 표시되어있는 것은 콘트라베이스 스팟 마이크로. 콘트라 베이스 수석의 악기쪽에만 노이만 U87AI를 스팟으로 가깝게 사용하였습니다 곡이 차이코프스키 교향곡이고 중저음의 거친 다이나믹이 중요하다고 생각이 되어 메인으로 들어오는 콘트라 베이스의 음량도 밸런스면에서는 충분하지만 스팟을 함께 사용을 해서 소리의 콘트라스트가 조금 더 강하게 느껴지도록 한 의도로 설치를 하였고요. 퍼커션쪽에 사용된 AKG C460은 높이가 아주 높게. 약 5미터 정도 위에서 설치가 되어있어서 이 역시 타악기의 선명한 느낌을 더해주고자 하는 용도로 설치된 마이크입니다. 메인 마이크에서도 타악기의 음량은 충분히 잘 전달은 되고 있습니다. 1st 바이올린과 2nd 바이올린의 윗쪽 높이 약 3.5미터 정도로 노이만 KM150(초지향성)이 스팟으로 사용 그외에는 각 1st. 2nd. 비올라. 첼로에 마이크 스탠드를 낮게 설치해서(약 1.8m)로 모두 KM150이 스팟으로 설치되어있습니다. 저의 경우는 낮게 설치된 KM150의 비중은 최종 믹싱에서는 거의 사용하지 않았습니다. 목관쪽으로는 AKG C414가 ORTF방법으로. 높이는 약 4M 정도 입니다. 라이브 실황녹음이고 무대에서 컨트롤룸까지 마이크 케이블의 길이가 약 100여미터 가까이 되기 때문에 약간의 히스노이즈 등이 있으며 마이크프리앰프는 홀측에 있던 포커스라이트 ISA 428 을 사용해서 ISA 428에서 Y 케이블을 통해서 오디오가이의 새디 LRX-2의 컨버터로 24/96으로 녹음이 되었습니다. 아래 제가 믹스한 음원은 새디 내부에서 믹싱을 하였으며. 메인 마이크와 스팟 마이크의 자연스러운 블렌딩을 위한 리버브로 브리카스티 M7의 미디움 홀을 사용(길이는 2.4초/프리딜레이 16ms) 채널별 이큐나 컴프는 전혀 사용을 하지 않았고 메인에서 16K를 약간 부스트 해서 전반적으로 화려하고 거친 느낌을 살려보려고 하였습니다. 개인적으로 차이코프스키 교향곡이라고 하면 40년전에 므라빈스키의 레닌그라드 필하모닉의 그 엄청난 사운드에 대한 잊지못할 강렬한 기억. 정말 으르렁 거리는 콘트라 베이스와 표효하는 금관. 그리고 비교적 최근이라 할 수 있는 발레리 게르기예프의 빈필과의 마린스키 극장에서의 라이브 앨범을 무척 선호하는 터라. 이러한 사운드가 제 머릿속의 차이코프스키 교향곡에 대한 기준이 되고 있습니다. 이러한 느낌을 살려서 믹싱을 하였답니다. *다음으로 재즈 음원은 오디오가이 레코드에서 발매한 기타와 타악기 듀오음반 Awareness 라는 앨범입니다. 우선 타악기의 경우는 스튜디오에서 여러번 더빙을 해서 진행이 되었는데. 더빙을 할때마다 마이크의 포지션과 더불어서 종류. 그리고 마이크프리앰프들을 바꾸어 가면서 미묘한 사운드 캐릭터 차이에 의한 공간감을 얻기 위해 노력하였습니다. 타악기의 기본 리듬을 담당하고 있는 젬베의 경우 마이크프리는 API 3124+ 마이크는 MG UMT70S를 사용 마지막 트랙의 버팔로 드럼역시 API 3124+에 UMP70S를 전면에 한개. 후면에 한개 두었고. 여기에 녹음시부터 API 560B 이큐를 사용해서 초저역을 부스트해서 녹음을 하였습니다. 쉐이커의 경우는 노이만 USM69를 XY 세팅으로 해서 녹음(마이크프리는 APT 8MX2) 반면에 레인스틱와 차임의 경우는 좀더 중역이 돌출된 MG M930을 XY로 해서 녹음하였습니다.(8MX2) 이것만으로도 각 마이크와 프리의 캐릭터 차이로인해서 두 악기들을 같은 볼륨에 두어도 자연스럽게 공간감이 생길 수 있도록 노력하였습니다. 그외 에그쉐이커. 탬버린. 박수소리는 MG M930 페어 심벌계열은 고음역이 부드러운 USM69를 사용. 코러스는 MG UM930 마이크와 SSL 채널스트립 마이크 프리앰프를 사용하였고 녹음시 약간의 컴프레서를 사용(피크에서 -4~5dB 게인리덕션) 메인 악기인 기타는 MG UM930을 홀쪽에 아주 가깝게 세팅을 하고 마이크프리앰프는 SSL 채널스트립. 여기에 1K를 1dB정도 부스트해서 녹음을 하였습니다. 라인으로는 밀레니아 TD-1을 함께 사용을 해서 녹음. 오디오가이 회원이신 리즈뮤직님의 리즈뮤직 스튜디오에서 프로툴 192IO 컨버터를 사용해서 24/44.1 로 녹음을 하였습니다. 모든 마이크프리. 컨버터에는 오디오가이에서 제작한 파워케이블과 멀티탭을 사용하였고요. 이것을 프로툴에서 데인저러스뮤직 2BUS 를 통해서 믹싱. 2BUS에서 TC 마스터링 6000을 거쳐서 새디 LRX-2 로 보내서 마스터링을 하였습니다. 마스터링 시에는 TC의 메센버그 이큐에서 중역의 캐릭터를 약간 부각을 시켰고 이후 MD4 컴프레서로 조정을 해서 최종 LRX-2에서 2트랙 CD를 만들었습니다. 프로툴 믹싱시 컴프레서와 이큐는 모두 디지랙 번들. 그리고 리버는 모두 르네상스 리버브 1개만을 사용하였고 나머지는 밸런스를 잡는데 중점을 두었습니다. 실제로 믹싱할때는 이큐나 컴프등이 그리 많이 사용이 되지는 않은 편입니다. *첨부파일은 awareness 의 음반에 수록된 버젼의 마스터링된 파일.(24/44.1) 그리고 차이코프스키 교향곡 최종 믹싱된 파일입니다(24/96)

유럽녹음여행기의 마지막. 네델란드의 짜이스트스튜디오라는 곳으로 향했습니다. 우리가 머물고 있던 숙소와는 차로 한시간반 정도의 거리로. 재즈 베이시스트 마리우스라는 분이 운영하고 있는 곳이었습니다. 아주 한적한 교외. 고급주택단지. 자신의 집의 한곳은 생활하고 다른 한곳은 스튜디오로 만들어져 있었는데요. 이곳에서 수백장의 재즈음반이 나온 곳. 바로 이전의 피아니스트 허대욱씨 녹음한 스튜디오와 마찬가지로. 스튜디오의 환경이나 기기들에서는 크게 눈에 띄이는 점은 없었지만 다만 마이크들은 좋은 것들을 충분히 보유하고 있더군요. 이번 유럽녹음여행에서 개인적으로는 가장 아쉬움이 많이 남아서 조금 두려운 마음에 아직 스튜디오에 와서 들어보지도 못하고 있는데요. 베이스. 피아노. 색소폰의 트리오. 음량이 커서 한공간에서 녹음할때 조금은 까다로운 드럼도 없고. 색소폰의 경우는 과거의 공부를 했던 경험으로 개인적으로 가장 자신있게 녹음할 수 있는 유일한 악기라 생각하고 있고. 피아노 녹음은 최근에 나름대로 나만의 녹음방법이 정리가 되어있다고 생각한탓인지. 녹음에 대해서 마음속에서 조금 자만을 했었던 것 같습니다. 그래서 미리 음악도 제대로 들어보지도 않고. 프로듀서인 지현군이 리허설에 갈때. 함께 가서 들어보지 않고. 바로 녹음실에서 아티스트와 만나 녹음을 시작하였습니다. 베이시스트인 전성식씨와는 여러번 녹음작업을 함께 한적이 있었기 때문에 그리 걱정을 하지는 않았는데. 막상 피아노와 색소폰 연주자의 소리나 특성을 파악하기도 전에. 기본적으로 늘 사용하는 마이크위치를 두고 바로 소리를 들어보았는데. 아티스트들도 듣자마자 소리가 너무 마음에 들지 않는다. 다른 세팅으로 바꾸어달라고 하더군요. 물론 저도 마이크세팅을 한후 첫테이크를 바로 녹음한터라. 이래저래 수정을 좀 해야겠구나.. 소리가 내가 생각했던것과는 전혀 다르게 들리는구나.. 라는 생각이 들었지만 아티스트가 사운드가 마음에 들지 않는다! 라는 이야기를 세팅해서 첫테스트 녹음을 플레이백 하자마자 하니 조금은 당황스러웠습니다.ㅜ.ㅜ 사실 재즈음악 녹음을 하면서 최근 몇년동안은 아티스트에게 이러한 이야기를 거의 들어본적이 없는터라.. 제가 생각해도 소리가 이상하기는 하였지만 아티스트가 분명하게 그 이야기를 하니. 오히려 더 당황이 되어서. 세팅을 수정하고 하는데 좀더 헤맨것 같습니다..ㅜ.ㅜ 피아노 사운드만 거의 1시간 넘게 세팅을 바꾸어 보았는데도 마음에 드는 소리가 나오지 않아.. 피아니스트도 지쳐서. 그냥 녹음합시다.. 라고 이야기를 할무렵. 스튜디오 주인장인 마리우스씨에게 SOS를 청했습니다. 아무래도 이곳에서 늘 녹음을 하고 있고. 이 스튜디오를 사용하는 다른 재즈음악 레코딩 엔지니어들의 세팅도 잘 알고 있으니. 그의 도움과 의견을 들어보기로 했는데요. 제가 해둔 피아노 세팅을 보더니. 이것은 클래시컬 뮤직의 녹음방법이니. 본인의 스튜디오. 그리고 재즈음악 녹음의 피아노 사운드는 이 포지션이 좋다.. 라고 이야기를 해주었습니다. 포지션은 아래와 같습니다. 사진에서 보다 싶히. 피아노 녹음의 다양함이 아무리 그 수가 많다고 해도 나름대로 어느정도의 정리된 방법은 있는 것 같습니다. 스튜디오 주인장이 추천한 위치는 바로 저곳. 해머위. 저는 DPA 4015를 사용했고. 스튜디오에서는 노이만 KM184 를 주로 사용하고 있었습니다. 스튜디오에 있던 드럼 오버헤드용 스탠드가 있어서 제가 원하는 위치인 해머 바로 위에 까지 마이크를 설치할 수있었습니다. 이 상태로 두고 피아니스트에게 소리를 들려주니. 그때야 가서 소리가 마음에 든다고 하더군요^^ 2곡정도 녹음한 상태에서 약간의 아쉬움이 있어서 같은 포지션에서 높이만 5cm 올려보았는데 5cm로는 상상할 수 없는 훨씬 더 공간감이 풍부하면서도 명료한 소리를 들려주어. 결과적으로는 어찌어찌 괜찮게는 녹음이 된것 같습니다. 제가 만든 소리를 두고 저 바로 앞에서 누군가에게 소리가 마음에 들지 않는다! 라는 이야기를 참으로 오랫만에 들으니 저도 평소보다 더 당황을 해서 그저 늘 하던대로. 차분하게 세팅을 했으면 되었을텐데. 아티스트들이 조금 닥달을 하니 저의 경우는 오히려 더 잘 못하겠더군요 사실 이것은 아티스트의 성격이나 문제가 아닌. 전적으로 미리 음악이나 아티스트의 특성. 본인이 좋아하는 소리 등에 관해서 대화를 나누지 않은 저의 책임이 전부라고 할 수 있을 것 같습니다. 사실상 지금까지 제가 진행하는 거의 모든 녹음들은 미리 음악도 듣고. 소리도 듣고. 아티스트들과 이야기도 하는데. 이번에는 너무 익숙한 악기들의 녹음이라. 제가 너무 쉽게 생각했다가 큰코다칠뻔하며 좋은경험한것이지요^^ 다음으로는 색소폰. 소프라노 색소폰으로만 연주하기 때문에 저는 소프라노 색소폰의 녹음으로는 벨 부분에 1개. 키 부분에 1개 2개의 마이크를 믹스해서 사용을 하는데요. 처음에는 TLM170R(스튜디오 보유 마이크)를 벨에 사용하고 제 DPA 4015를 키 부분에 사용을 해서 녹음된 소리를 들어보니 소리가 너무 겹치는 듯한 느낌에 두 마이크의 소리가 전혀 믹스가 되지 않았습니다. 지금까지 소프라노 색소폰의 녹음에서 이러한 경험은 처음이었는데요. 아티스트가 소리를 듣더니. 그냥 1개의 마이크만 사용해달라고 하더군요. 그리고서는 노이만 TLM170을 사용했는데 음의 선명도에서 조금 아쉬운 느낌이 들어서 동사의 TLM103으로 설치를 하고 녹음을 하고 들어보니. 아티스트가 먼저 소리가 너무너무 마음에 든다고 하더군요. 그제서야 저는 다시 연주자의 소리를 들어보았습니다. 지금 생각해보면 제가 참으로 큰 실수를 한것 같습니다. 녹음하기 전에 아티스트가 가지고 있는 소리조차 제대로 들어보지 않고. 그냥 늘 세팅하는 곳에 마이크를 둔것이지요. 소프라노 색소폰으로만 이번 음반에서는 연주를 했는데. 삐~~ 하고 소리가 나지 않고 빠아~~ 하고 소리가 납니다. 음량이 정말 엄청 크고. 소프라노색소폰이 아닌 마치 테너색소폰처럼 꽉차고 풍부한 소리가 전체로 울리기 때문에. 2개의 마이크가 전혀 필요가 없고. 오히려 1개의 마이크를 어디 포지션에 두더라도. 그 사람이 지니고 있는 소리의 개성이 그대로 표현이 되더군요. TLM103이 상당히 고역이 밝은 편이라. 연주자가 가지고 있는 꽉차고 풍성한 울림에 밝은 소리를 더해주어서 딱 어울렸습니다. 사진상의 CAD 마이크는 사용이 되지 않는 스튜디오에 있는 제품인데 치워두지 않은것입니다.^^ 이 사진과 같이 이 스튜디오는 커다란 부스가 하나 있고. 거기에 각각의 고보를 두고 녹음을 합니다. 색소폰 녹음하고 있는 곳 바로 앞 고보가 드럼을 녹음하는 곳인데 저는 이곳에서 베이스를 세팅하였습니다. 마지막으로 이번 프로젝트의 리더인 베이시스트 전성식씨의 세팅. 제가 기본적으로 미리 생각해둔 세팅은 DPA 4006을 브릿지에 꼽고. 4015를 현에 사용을 하는것이었는데. 이곳 스튜디오의 주인이 베이스연주자이기 때문에 이사람의 베이스 녹음에 관한 의견을 물어보니 아래와 같이 직접 세팅을 해주었습니다. 베이스 녹음에 정말 좋은 마이크가 있다고 하고 꺼내서 제게 보여주었을때 깜짝 놀랐습니다. 제가 과거에 사랑했던 MBHO사의 마이크.(지금은 DPA에 푹 빠져있습니다.) 라지다이어프램의 608 모델이었던 것 입니다. 이 사람은 단일지향성으로 위와 같이 세팅을 해서 베이스의 몸통의 소리를 얻고. 현쪽 바깥에는 노이만 TLM170을 사용한다고 하더군요. 그래서 저도 그렇게 설치를 해보았습니다. 하지만 연주자의 주법이 다른탓인지 그리 만족스러운 소리가 나지 않아. 나중에는 현쪽 마이크는 MG M300을 아주 근접하게 설치를 해서 녹음을 하였습니다. 처음 계획대로 DPA4006을 브릿지에 넣어서 하는 편이 훨씬 더 좋지 않았을까..하는 아쉬움이 있었지만. 색소폰과 피아노 사운드 조절하느라 2시간이상 소비를 한터라. 기다리고 있는 연주자들에게 "이제는 베이스 소리를 조정해야 합니다" 라는 이야기를 꺼내기가 무척이나 어려워서.. 아쉽게도 우선은 녹음을 하게 되었습니다. 근래 진행한 녹음들 중에서 마음에 들지 않는 소리로 우선 녹음을 해두고 나중에 믹싱에서 조정을 하자..라는 것은 거의 없었기 때문에 참 아쉬운 부분이 있었는데요. 브릿지에 설치한 608을 단일지향성이 아닌 무지향성으로 했으면 더 좋았을텐데..라는 아쉬움이 두고두고 남았습니다. 하지만 전성식씨가 직접 작곡한 곡도 좋고. 연주자들의 연주가 너무 좋아서 사운드의 약간의 아쉬움은 금새 잊혀지고 음악에 빠지게 만드는 그러한 시간들이었던것 같습니다. 이로써 이번 유럽녹음여행기를 마칩니다. 모두 오디오가이 레코드에서 발매되는 앨범으로 5.6.7월 차근차근 발매가 될 예정입니다. 이번에 멀리가서 열심히 만들어온 음반들. 마지막까지 최선을 다해서 잘 만들어서. 좋은 음반으로 남길 수 있으면 참 좋겠습니다.

이역시 http://blog.naver.com/audioguy1 을 보시면 사진과 글을 함께 보실 수 있습니다. ************************************************************************** 지난 권믹석 고음악앙상블에 이어 이번에는 재즈녹음입니다. 이번 유럽녹음여행에서 2개의 재즈음반을 녹음하였는데 하나는 베이스스트 전성식씨의 리더작으로. 베이스. 피아노. 색소폰의 트리오. 드럼이 없는. 아주 분위기가 있는 음악이랍니다. 다른 하나는 먼저 소개하게된 재즈 피아니스트 허대욱씨의 피아노 솔로 녹음입니다. 이 녹음은 네델란드에서 차를 타고 프랑스 파리로 와서 파리에서 녹음을 진행하였습니다. 이번 유럽에서 녹음한 음반들이 모두 다 애착이 가지만 이번 허대욱 솔로는 개인적으로 무척이나 그의 음악과 연주가 마음에 들었습니다. 과거 1집의 데모를 들었을 때 부터 꼭한번 이 사람의 음반을 제작해 보아야 하겠다..라고 생각을 하고 있었는데. 우연하게도 오디오가이에서 함께 일하는 프로듀서 홍지현군과 허대욱씨와 무척이나 막역한 사이라. 연이 닿아서 함께 음반 작업을 위한 간단한 계약서에 도장을 서로 찍었을 때 얼마나 기뻤는지 모릅니다. 재즈음반의 레코딩을 무척이나 자주 하면서 많은 아티스트들을 만나게 되지만 허대욱이라는 사람이 쓴 곡에 대한 독창성. 그리고 자신의 곡을 연주로 풀어나가는 방향등이 무척이나 신선하게 다가와서 제가 개인적으로 참 좋아하는 아티스트입니다. 어찌보면 단지 한국인 아티스트가 연주하는 피아노 솔로 음반의 녹음이라. 한국에서 진행을 해도 전혀 무리가 없었겠지만 우선 아티스트가 파리에 체류를 하고 있었고. 그가 머물고 있는 곳에서. 그 도시의 향기와 느낌을 함께 담아내고 싶은 무언의 생각이 들어서. "이번 녹음은 파리에서" 라고 즉흥적으로 결정을 하게 되었지요. 하지만 오디오가이 레코드는 지금까지 20장정도의 앨범을 발매를 하였지만. 1000장 이상 판매가 된 앨범은 아직 한손가락에 꼽을 만큼 적은. 정말 작은 회사라. 파리의 괜찮은 스튜디오의 렌탈비용이 그렇게나 비쌀런지 저는 미처 상상도 하지 못했습니다.ㅜ.ㅜ 그래서 예산의 이유로 조금은 저렴한 스튜디오를 찾게 되었는데 아티스트가 알아본 재즈녹음을 많이 하는 파리 외곽의 BOBCITY 라는 아주 자그마한 스튜디오에서 녹음을 하였습니다. 이곳의 주인장인 막스라는 분은 오랫동안 파리에서 10년이상 재즈음악을 녹음해오고 있는 사람으로. 이곳에서 정말 많은 재즈음반들이 녹음이 되었더군요. 하지만 스튜디오 환경이나 기자재의 수준으로 보자면 정말 그리 좋지는 못하지만. 이러한 곳에서도 충분히 퀄리티가 좋은 음반들을 만들어내고 있었습니다. 무엇보다도 스튜디오 주인장이 스튜디오를 마치 내 가족처럼. 소중하고 무척이나 꼼꼼하게 관리를 하고 또 현재 갖추어진 상황에서 최대한 효율있게 활용을 하며. 좀더 좋은 소리를 얻기 위해서 많은 고민과 노력을 하고 있다는 것을 느낄 수 있었답니다. 우리가 녹음한 컨트롤룸. 이번 유럽녹음에서도 변함없이 저의 새디 LRX-2를 가지고 갔습니다. LRX-2는 노트북과 하나로 연결해서 아주 안정성있게 16채널로 96k로 손쉽게 녹음할 수 있다는 것은 정말이지 큰 장점이지요. 게다가 마이크프리의 퀄리티도 상당히 좋습니다. 최근에 새디 회사를 프리즘사운드에서 인수를 하면서 과거 새디 사장이 JOECO 라는 1U사이즈의 무척이나 가벼운 24트랙 녹음기를 출시한것을 보았는데. LRX-2의 퀄리티를 생각하면 그 녹음기도 무척이나 좋을 것으로 생각이 듭니다. 모니터스피커는 야마하 HS50M을 사용하였는데 녹음때 들었던 소리보다 스튜디오와서 들어보니 소리가 훨씬 더 차분하게 들려서.. HS50M에서 나오는 소리를 기준으로 마이킹을 하였는데. 조금은 아쉬운 부분이 있네요.ㅜ.ㅜ 때로는 모든 것을 떠나서 역시나 모니터링이 중요하구나..라는 생각을 글을 쓰는 이순간에도 다시한번 들게 됩니다. 밥시티 스튜디오의 랙. 아마도 이제는 사용하지 않을것으로 생각이 되는 알레시스 ADAT 와 여러 마이크프리와 인터페이스들. 이들 기기로 상당히 좋은 퀄리티의 음반을 만들어내고 있었습니다. 스튜디오 주인장인 막스는 스튜디오에서 보유중인 야마하 C7 피아노에 상당한 자부심을 지니고 있었는데. 관리 및 조율 상태도 좋고 음색도 자연스럽고 좋은 C7 피아노였습니다. 4일내내 조율사를 부르는 스튜디오 주인장..^^ 그래서 조율비가 많이 나오기는 했지만 그만큼 관리가 무척 잘 되어있었습니다. 스튜디오가서 반갑게 맞아준후. 자신이 어시스트 엔지니어를 담당할테니 도움이 필요하면 무엇이든지 이야기하면 된다고 무척이나 친절하게 도움을 주어 작업을 진행하기가 참으로 편하였었는데요. 먼저 이번 녹음이 피아노 솔로이고. 당신은 어떻게 녹음하는지 물어본 후. 당신의 세팅으로 먼저 한번 진행해보자고 하였습니다. 그는 재즈 피아노 솔로에 보통 6개나 8개의 마이크를 사용한다는 이야기를 하였는데. 저는 깜짝 놀랐습니다. 저도 과거에는 한동안 피아노 솔로에 여러 마이크들을 사용해서 진행들을 하였었지만 최근에는 많아야 4개로 모두 끝내고 있었기 때문에 무척이나 그가 어떻게 녹음을 하는지가 궁금하였습니다. 여러가지 서로 상의를 한 끝에. 기본 세팅을 함께 한후 소리를 들어보며 2시간정도 수정을 하며 최종적으로 세팅을 해서 4일동안 녹음을 진행하였습니다. 피아노 솔로에 총 사용한 마이크는 8개. 내용은 아래와 같습니다. 먼저 메인으로 사용한 DPA 4015 페어. 피아노 녹음에 일반적으로 많이 사용하는 위치이지요. 첫날은 이 세팅으로 녹음을 하였습니다만 다음날은 아래와 같이 바꾸었습니다. 첫날 여러개의 마이크들과 섞을때 중역에서 약간 어택음이 겹치는 듯한 디튠된 소리가 나서 다음날은 스테레오바에 마이크를 달아보니 역시나 다른 마이크들과 소리가 훨씬 더 잘 섞입니다. 길이가 긴 마이크 스탠드가 없어서 평소에 제가 사용하는 포지션보다는 조금 짧게 되어서 아쉬웠습니다. 저는 마이크를 좀더 건반의 해머쪽으로 가깝게 설치하는 편입니다. 늘 새로운 세팅을 꼭 하나는 시도해보는것을 좋아하는 저는 이번에는 갑자기 노이만 USM69를 이 포지션에 놓고 싶은 생각이 들더군요 본래는 이보다 좀더 낮게 설치했다가 소리를 들어보면서 여러번 거리와 높이를 조절하여 위와 같은 위치로 최종 선정이 되었습니다. 설치 후 들어보니 역시나 피아노에는 USM69. 최종 피아노 사운드에 70% 이상이 이 마이크로 집음된 소리가 메인을 담당하게 되었습니다. 사진상으로는 MS처럼 보이지만 실제로는 XY입니다. 이 사진이 최종 녹음에 사용된 노이만 USM69의 모습입니다. 위 사진보다 좀더 높게 올라가 있는것을 볼 수 있습니다. 처음의 높이에서는 소리가 풍부하지만 고역이 조금 답답하게 들려와서. 높이를 조금 올렸는데. 다시 서울로 와서 들어보니 조금 더 높이를 올렸어도 괜찮았겠구나..라는 생각이 들더군요 반대로 주인장 막스는 높이를 낮추는것이 고역이 더 밝아질것 같다는 의견을 주었는데.. 서로가 피아노에서 생각하고 있는 "고역"의 기준이 저와는 조금 다르구나..하는 것을 느낄 수 있었습니다. 피아노가 풀사이즈가 아닌 200cm정도의 C7이라. 피아노 솔로이기 때문에 좀더 다이나믹한 소리를 얻었으면 하는 생각이 들어 저음현에 추가로 설치한 노이만 U87AI. 이것은 밥시티 스튜디오의 보유 마이크입니다. 이 세팅은 밥시티 스튜디오의 재즈 피아노 녹음시 사용이 되는 세팅인데 저는 이보다 약간 높고 좀더 앞으로 하는 편인데. 막스가 세팅해준 이 포지션이 소리를 들어보니 아주 좋아서 위치의 변경없이 그대로 사용하게 되었습니다. 사무실에 와서 들어보니 역시 이 소리를 없어서는 안될. 꼭 필요한 소리로 생각이 들어 앞으로 피아노 녹음에 자주 사용이 될 듯 합니다. 본래 제가 생각했던것은 이 포지션에 4006을 사용해 보는것이었는데. 결과적으로는 대구경인 U87을 사용하기를 정말 잘 한것 같습니다. 마이크가 가까운 만큼. 입력레벨이 너무 크게들어와서 -10dB패드를 마이크에서 걸고 녹음을 하였습니다. 이역시 스튜디오 주인장의 추천으로 설치한 DPA 4006(스튜디오 보유 마이크) 조금은 답답하고 어두운 소리가 되지 않을까 했었는데 의외로 중역이 똘망똘망한 소리를 들려주었는데요. 다만 이 포지션의 경우 여러 마이크들과 섞으면 위상이 조금 좋지 않아서. 녹음시 역상으로하고 싶었지만 아쉽게도 제가 사용하는 새디 LRX-2에서는 마이크프리에 역상 기능이 없어서 우선은 그대로 녹음을 하였습니다. 최종 믹싱과 마스터링에서는 아마도 사용이 되지 않을 가능성이 높을 것 같습니다. 마지막으로 앰비언스로 설치한 DPA 4006 페어. 앰비언스 마이크에 대한 의견을 막스와 주고 받다가. 본인은 피아노 룸이 아닌 보컬룸 문을 열어놓고 이곳에 앰비언스를 설치한다고 해서..(사실 메인 부스는 피아노 하나가 들어가면 거의 꽉찰 정도로 좁은 편입니다.) 처음 이야기를 듣고는 스튜디오가 상당히 데드한편인데 앰비언스 마이크의 의미가 있을까..하는 의구심이 스치기는 했지만 소리라는 것이 직접들어보기전에는 모르는것이니 우선 설치를 해보았습니다. 소리는.. 저의 예상과는 정 반대로 피아노의 직접음이 문들을 통해 적절히 반사가 되고 반사음들만 전해지면서. 앰비언스 소리가 상당히 좋더군요. 보컬 부스의 크기는 약 한평반 정도. 위치는 피아니스트의 등뒤쪽에 자리잡고 있습니다. 스튜디오 주인장이 자신의 스튜디오에서 오랜시간 많은 실험과 연구를 하고 있구나..하는것을 다시한번 깨달을 수 있었습니다. 이번 녹음에서는 아주 독특한 피아노 연주주법인 프리페어드주법도 사용이 되고. 스네어피를 피아노의 해머위에 놓고 연주를 하기도 하고. 피아노 솔로에서 정말 많은 것들을 다채롭게 보여줄 수 있는 음반이 되었답니다. 한국으로 돌아오자마자 가장 먼저 모니터링을 하고 작업을 시작하였고. 다음주내로 믹싱과 마스터링이 완료 될 예정인데 벌써부터 발매가 무척이나 기다려 집니다~

사진과 글을 함께 보시려면 아래의 블로그 http://blog.naver.com/audioguy1 *********************************************** 유럽녹음여행기. 3월20일부터 4월7일까지 오디오가이레코드에서 제작하는 3장의 앨범의 녹음차 네델란드와 프랑스를 다녀왔습니다. 먼저 네델란드에서 2장의 앨범의 녹음을 하였는데 1장은 리코더 연주자 권민석씨가 이끄는 고음앙 앙상블. 그리고 다른 앨범은 재즈베이시스트 전성식씨의 새로운 리더작으로 베이스. 색소폰. 피아노의 트리오 앨범. 그리고 프랑스 파리로 넘어가서는 재즈피아니스트 허대욱씨의 솔로 음반의 레코딩이 진행되었습니다. 이번녹음여행을 마치고 많은 생각이 들었습니다. 전 본래 늘 혼자 많은 생각에 잠겨 지내기 편이기는 합니다만..^^ 17일이나 나름대로는 꽤 긴시간을 함께 일하는 식구들과 지내면서. 그동안 잘 알지 못했던 함께 일하는 식구들의 새로운 모습들. 그리고 무엇보다도 나 자신에 대해서도 좀더 잘 알게 된것 같습니다. 오래전에 누가 그랬던가요. 여행은 나를 찾아 떠나는 것 이라고요.. 그리고 다음으로 생각이 남는것은 이번 녹음여행에 대해서 스스로 너무 과신을 한것이 아닌가 하는 생각들입니다. 정말 실력이 뛰어난 아티스트들. 그리고 좋은 환경. 좋은 기자재.. 무엇보다도 저를 늘 든든하게 도와주는 함꼐 일하는 식구들.. 게다가 최근에 작업하고 있는 앨범들이 나름대로 이전의 앨범들보다는 소리의 퀄리티가 마음에 들게 나오고 있어서.. 이제는 그냥 편하게 작업해도 최근 작업하는 앨범들처럼 쉽게 퀄리티가 나오지 않을까.. 하는 생각을 마음속으로 내심 지니고 있었을런지도 모릅니다. 하지만 역시 그리 쉽게 고민없이 아무리 좋은 환경이라도 쉽게 좋은 소리를 얻을 수는 없더군요.. 우리가 먼저 도착한 네델란드의 헤이그. 오디오가이에서 함께 일을 하고 있는 프로듀서 홍지현군이 이곳에서 재즈 기타를 전공했던 곳으로. 깜짝 놀랄만큼 이곳의 많은 아티스트들과 알고 지내고 있어서.. 함꼐 거리를 지나다 보면 늘 거리에서 지현군과 아는 사람을 만나게 되는 그러한 곳이었습니다^^ 사실 이번 유럽녹음의 3프로젝트는 모두 지현군이 기획을 하고 프로듀서를 담당하는 앨범이랍니다. 이렇게 좋은 기회들을 만들어 주었는데.. 나중에 모든 작업이 끝나고는 그에게 조금 미안한 마음도 들고 그랬습니다.. 헤이그에 숙소를 잡고. 리코더 연주자 권민석씨가 이끄는 고음악 앙상블의 공연을 먼저 보고. 다음날 부터 바로 녹음이 시작되었습니다. 녹음을 한 장소는 헤이그에서 차로 15분 정도 거리의 델프트 라는 곳으로. 마치 오디오가이 사무실이 있는 강북의 통의동처럼. 아기자기하고 무척이나 동네가 이쁜곳입니다. 델트프의 자그마한 성당. 가끔 유럽에서 클래식 음악 녹음을 할때는 이렇게 음향이 좋은 성당을 빌릴 수 있다는 것이 정말이지 너무너무 부럽습니다. *델프트 성당에서의 녹음 우선 결론부터 이야기하자면 제가 많이 헤매었습니다. 미리 한국에서 출발전에. 나름대로 생각한 구상이 있었습니다. 악기의 구성은 리코더. 챔발로. 바로크 기타. 바로크 바이올린2. 바로크 첼로. 바로크 바순. 잔향이 풍부한 유럽의 성당이니 굳이 각 악기들에 마이킹을 할 필요없이 메인으로 DPA 4006 페어. 그리고 리코더에서만 DPA 4015 페어를 스팟으로 사용해서 4개의 마이크만 사용하면 충분하지 않을까.. 하는 생각이 었지요. 가서 처음에 그렇게 설치를 하였습니다. 그리고 나서 녹음된 소리를 들어보고는 깜짝 놀랐습니다. 소리가 좋은 유럽의 성당들에서는 대부분 마이크 2개만으로도 상당히 만족할만한. 또는 미처 생각했던것보다 기대이상의 소리를 들려주는것이 보통이었는데. 이번 녹음에 세팅을 해보니. 소리가 너무 차갑고 게다가 악기들도 불분명하게 지저분하고.. 울림좋은 성당과 뛰어난 연주자들의 개성이 전혀 들어나지 않는것이었습니다. 오히려 제 올림푸스 펜 카메라의 내장 모노마이크로 찍은 HD 동영상에서의 소리와 밸런스가 더 좋게 들기는것 같기도 하였습니다. 우리가 일반적으로 경험하는 현대 클래식 악기와는 조금은 다른 성향의 바로크 악기들. 바로크 악기들은 현대 악기들의 녹음과는 또 다른. 음향특성과 마이크포지션이 있다는 것을 이때 알게 되는 귀중한 경험을 했는데요. 처음에는 챔발로에 마이크를 설치하지 않았다가..나중에 기타 스팟마이크로 들어오는 챔발로 소리의 아름다운 음색에 넑을 잃을정도였습니다. 메인 마이크로 들어오는 지저분한 소리와는 차원이 다른 너무도 생생하고 깨끗한 소리. (이번 녹음에 사용한 챔발로는 유명한 바로크 지휘자겸 연주자. "톤 코프만"씨의 것을 빌려온것이었습니다. 챔발로 연주자가 그의 제자.) 처음에는 제가 메인 마이크의 포지션을 잘 못 잡은것인가..하고 한동한 연주자들이 지칠때까지 2시간 이상 메인 마이크의 위치를 가지고 씨름을 했습니다. 그리고 나름대로의 포지션을 찾아..(메인 마이크를 4006에서 4015로 바꾸었습니다.) 이정도면 아쉽지만 무난하다..라는 생각이 드는 위치를 발견하고 첫날 녹음. 첫날은 사운드 테스트를 원체 오랫동안 한탓인지 연주자들도 지쳐서 많은 곡을 녹음하지는 못했습니다. 다음날인 2일째의 녹음에서는 세팅을 완전히 바꾸어 보았습니다. 곡마다 구성이 다르기 때문에 약간씩 달라지기도 합니다만 먼저 메인 마이크로는 노이만 USM69를 MS로 리코더. 챔발로. 바로크 기타에는 4015 페어를 스팟으로 바로크 바이올린과. 바순. 첼로에는 4006을 스팟으로 사용하였습니다. 이렇게 각 악기들에 스팟마이크를 사용해보니 그리 멀지 않은 거리였음에도 불구하고 메인 마이크에서 들어오는 소리와는 전혀 다른 메인보다도 스팟마이크에서 훨씬 더 자연스러운 소리를 들려주었습니다. 첫날과 세팅을 완전히 바꾸는 것에 대해서 프로듀서인 지현군에게 이야기를 하니. 조금은 걱정을 하는 표정이 일순간 스치기도 했지만 저는 의기 양양하며. 분명히 어제보다 더 좋을것이니 기다려 달라고 이야기를 했지요. 아래는 최종 결정이 된 메인 마이크 세팅입니다.(첫번째 사진의 중앙 맨 위에 높게 올라가 있는 메인 마이크의 사진이 보입니다.) 한국에서 같은 일정에 오케스트라 녹음과 그외 여러녹음들이 있어서 DPA를 5개만 가지고 왔는데.. 나중에는 마이크가 모자라서 많이 아쉬웠습니다. 최근 저의 녹음은 무조건 최소한의 마이크로. 최적의 포인트를 찾아서 하자..라는 것이었는데. 성당에서의 앙상블 녹음에 이렇게나 가지고 온 마이크를 몽땅 사용하게 될런줄은 몰랐습니다. 사진에서 보이는것처럼 첼로의 경우는 메인 마이크로 들어오는 음량을 조금 더 높이기 위해서. 단을 세웠습니다. 일반적이고 단순하게 보이는 위의 연주자들의 위치이지만. 이때문에 프로듀서 홍지현군과 서로 정말 많은 고민을 통해서 최종 결정한 위치랍니다. 이 세팅에서는 기타 스팟에 4015 한개를 사용하고 챔발로에는 DPA를 모두 사용해버린터라 예비로 가지고 갔던 MG의 M300을 사용했습니다. 늘 어떤 악기의 녹음에도 든든한 마음으로 사용할 수 있는 MG M300. *이번 앙상블의 리더악기인 리코더에는 기본적으로 4015페어를 메인으로 사용하였습니다만. 악기 구성에 따라서 4006 한개만 사용한 세팅도 있습니다. 메인세팅사진에서 보이는것처럼 악기와 마이크의 거리는 상당히 가까운 편입니다. 소리를 계속 들어보며 메인 마이크와 스팟마이크를 섞을때 위상차이로 인한 음색 변화(거리가 잘못 세팅이 되면 대부분 약간 데튠 된것처럼 들리거나 어택이 겹처서 소리가 깨끗하지 않고 흔들리는것처럼 들리게 됩니다.) 두 마이크의 간격은 약간 좁게. 넓게 하면 리코더의 음상이 지나치게 좌우로 이동할 수 있으므로. 최근에 리더악기들의 스팟은 대부분 2개의 마이크를 사용하고 있는데. 1개만 사용하는것보다 이편이 오히려 소리의 질감이 더 자연스럽고. 공간음이 잘 느껴져서 무척 선호하고 있습니다. 그리고 메인마이크와 오히려 더 잘 섞입니다. 4015의 지향성은 와이드 카디오이드 입니다. 위와 같은 여러악기들의 구성도 있었지만 리코더. 챔발로. 바순 트리오의 곡도 있어서 이때는 세팅을 조금 바꾸어 보았습니다. 개인적으로 이번 유럽녹음여행중에 가장 좋은 사운드로 녹음이 된 부분입니다. 딱 제가 마음속에 그리고 있는 소리 그대로를 얻을 수 있어서. 아직 한국에서는 들어보지 못한터라 어서 들어보고 싶습니다. 사진에서처럼 리코더 마이크에 사용한 4006에 윈드스크린을 씌운 이유는 리코더 마이크로 들어오는 챔발로 소리의 "거리감" 때문입니다. 이러한 오픈된 공간에서 여러악기들에 여러 마이크들을 설치 해서 녹음할때 중요한 점은. 내가 녹음하고자 하는 마이크로 전해지는 다른 악기들의 간섭음의 거리감이. 녹음하고자 하는 악기들과 같아서는 나중에 여러 마이크들을 섞었을때 좋지 않은 결과가 나오게 됩니다. 이번의 경우도 윈드스크린을 씌우지 않은 상태에서는 리코더 마이크인 4006(무지향성)에 전달되는 챔발로 소리가 오히려 리코더 소리보다도 좀더 가깝게 전달이 되었습니다. 윈드스크린을 씌워서 높은 초고역대가 자연스럽게 커트가 되니. 리코더 마이크의 챔발로 소리가 훨씬더 뒤로 들어가서 들리게 되어. 최종 소리를 섞었을때 너무나 만족하는 결과를 얻을 수 있었습니다. 리코더도 그렇고 바순도 스팟마이크에 무지향성 을 사용하였는데. 이렇게 울림이 좋은 공간에서는 오히려 단일지향성보다는 무지향성이나. 반무지향성(와이드 카디오이드)를 스팟으로 사용하는 것을 저는 선호하는데. 단일지향성 마이크로 스팟을 사용하면 오히려 메인과 또 다른 악기들과의 블렌딩이 오히려 잘 되지 않는 편이 많은 것 같습니다. 특히나 날카로운 중역대에서 피크감이 느껴져. 단일지향성을 사용할때는 거리를 상당히 멀게 하는 편입니다. 스팟마이크에 단일지향성을 멀리 설치하는것보다는. 저는 오히려 무지향성이나 반무지향성(저는 반무지향성을 아주 선호합니다.)을 가깝게 사용하는것이 메인마이크나 다른 스팟 마이크들과의 블렌딩이 훨씬 더 좋은 것 같습니다. 바로크 바순에 사용한 4006 스팟 바로크 바순 녹음은 처음이라 귀로 악기에서 나오는 소리들을 이리저리 들어보고. 마이크를 2개 사용할까..하는 생각도 하였지만(벨과. 키부분) 지금처럼 중간 위치에서 무지향성 마이크를 사용해서 만족스러운 음상을 얻을 수 있었습니다. 바순의 특성상 음악에서 어택이 강하게 나오는 편이 아니기 때문에. 벨에서 나오는 소리가 크게 추가로 필요하다고 생각이 되지는 않았기 때문입니다. 사진에서 보이는 것처럼 메인으로는 변함없이 노이만 USM69가 MS 포지션으로 서 있습니다. 게다가 높이도 상당히 높은 편입니다. 이성당은 독특하게도 바닥이 살포대자루같은 재질의 카페트가 깔려있습니다. *다음으로는 리코더가 빠지고 기타가 리드로 연주하는 "비발디 기타 콘체르토" 개인적으로 무척이나 좋아하는 곡이고(의외로 기타 콘체르토가 상당히 드뭅니다.) 프로듀서인 지현씨가 기타 연주가가 정말 잘 한다는 이야기를 많이 들은 터라 큰 기대가 되었었는데요. 리코더 연주자인 권민석군도 ..정말 소스라치게 놀랄만큼 연주를 잘해서.. 주변에서의 평판을 훨씬 뛰어넘는 실력때문에 우리 오디오가이 식구들 많이 놀랐지만. 이 기타리스트도 정말 놀라웠습니다. 칠레사람인데 특히나 이번 녹음여행을 함께 한 김대희님께 "형 ~ 형~" 부르기도 하고. 한국에 대한 관심이 무척이나 많고 사교성이 좋아서 꼭 한번 그의 솔로앨범을 작업해보고 싶다..라는 생각까지 들게 만들었는데요. 상당히 어려운 비발디 기타콘체로토를 연주하면서 실수가 거의 없이. 미스 터치조차 거의 볼 수 없는 완벽에 가까운 연주. 게다가 그가 내는 바로크 기타의 소리는 얼마나 투명하고 깨끗하며 아름답던지.. 마이크는 4015 페어. 나머지는 다른 곡의 세팅과 거의 동일합니다. *마지막날의 앙상블 녹음. 이날은 바이올린이 1대로 줄어드는 구성 바이올린 마이크의 세팅에 조금 변화를 주어보았습니다. 먼저 메인 사진. 일반적인 바이올린 마이크 세팅의 사진입니다만. 이곡은 비발디라 바이올린의 표현이 좀더 적극적으로 표현이 되었으면 해서 아래와 같이 해보았습니다. 최근 힐러리한의 녹음 동영상을 보고 깜짝 놀라서.. "아..바이올린 마이킹을 저렇게도 하는구나..신기하다.." 생각했던것이 떠올라서 시도를 해보았는데. 중음의 에지가 좀더 선명하게 표현이 되어서. 좀더 바이올린의 연주가 카리스마 있게 들립니다.^^ 첼로는 늘 그렇듯이 일반적인 마이킹. 곡에 따라서 챔발로 소리의 간섭음의 음량과 음색때문에 윈드스크린을 씌우고 한 곡도 있습니다. 마지막으로 녹음을 마치고 성당에서 전체샷. 좌측 두번째는 프로듀서 홍지현군. 가장 우측은 영자. 그 옆은 이번 유럽녹음여행에 동행해서 정말 큰 도움을 주신 BIC뮤직의 김대희님. 그옆은 오디오가이의 남송지씨입니다.

사실 며칠전. 사무실에서 조용히 새로운 칼럼을 쓰려고 마음의 준비를 하고있었습니다. 칼럼의 제목은 "음향기기의 가치 2탄" 이번에 통의동 오디오가이 사무실을 지금 정리를 하고 있답니다. 최근 중고제품란이 정신없이 업데이트되는것을 보고 아마도 몇몇분들께서는 짐작을 하시고 계실런지도 모르겠어요. 하지만 절친한 오디오가이의 콜드컷님이 사무실에 놀러오면서 커피한잔하며 즐거운 시간을 보내느라. 음향기기의 가치 2탄에 대한 칼럼 내용은 잊혀지고. 어제 오전 10시부터 밤 10시까지 새롭게 셋팅해서 완성한 오디오가이 마스터링 스튜디오의 기기셋업에 대한 내용들을 이야기해보고자 합니다. (하지만 음향기기의 가치 2탄은 꼭 다시 마음을 다잡고 올리겠습니다) 마스터링 스튜디오를 만든지도 벌써 6개월째 http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=mystudio&wr_id=213 어떻게 보면 생각했던것보다 더 빠르게. 마음에 두고 있는 좋은 소리와 셋업을 완성할 수 있게 되었습니다. 어제 세팅이 끝나고 소리를 들어보는 순간. 함께 일하는 모든 식구들의 표정이 정말 환해졌답니다. (그런데 카메라를 추운데있다가 바로 찍었더니 처음 몇몇 사진들은 뿌옇게 나오네요^^) 어떤 기기들부터 이야기를 해야 할지 모르겠어요. 먼저 랙의 좌측은 디지털 기기. 우측은 아날로그 기기들로 되었답니다. 디지털 기기와 아날로그 기기들을 분리해서 설치하는것은 참으로 단순한것이지만 효과는 누구나의 예상을 뛰어넘을 만큼 좋은 것 같습니다. 이번에 새롭게 세팅을 하면서. 소리들이 너무너무 깨끗해지고 선명하고. 좌우가 넓고. 밸런스가 좋아졌답니다. 새로운 시스템에서 위에 열거한 소리들을 얻을 수 있게 만든 일등공신은 역시 브레인스톰의 DCD-8 클럭제네레이터(좌측 랙의 가장 상단) 클럭제네레이터 외에 파이어와이어 인터페이스의 성능도 대단히 뛰어나서 같은 컴퓨터. 환경에서 링스 AES-16e의 AES/EBU 시그널과 비교해서 들어보니 훨씬 더 소리가 깨끗해지는것을 느낄 수 있었습니다. 그동안 빅벤. 안텔로프. 아이클락등 클락의 고민과 아쉬움을 한방에 날려준. 정말 고마운 제품입니다. 디지털 세팅에 있어서 클럭은 정말 핵이 되는 제품이지요. DCD-8은 100V로 사용을 하고 있습니다.(100-240V 까지 프리볼트가능) 무엇보다도 지금까지 미처 모르고 있었던것중에 하나. 참..디지털 연결과 클럭이라는것이 상상했던것보다도 훨씬 더 불안정한것이더군요. 클럭제네레이터에서는 똑같이 48khz를 다른 기기들에 내보내고 워드로 신호를 받고 있어도 어떤 기기들은 47khz로 받고. 또 어떤 기기들은 49.5khz로 받고 정확하게 48khz를 모든 기기들이 워드클럭 동기로 정확하게 되고 있지 않는것이었습니다. 브레인스톰 DCD-8은 각 클럭 출력마다 출력 주파수를 미세튠으로 조정을 할 수 있어서 슬레이브 기기에서 정확한 샘플링레이트로 동작하도록 맞추어주니. 그야말고 디지털 전송의 새로운 소리를 들을 수 있었습니다. 워드클럭 입력이 달린 디지털 기기들은 모두 워드클럭 입력시 정확한 워드클럭 입력 주파수를 표기해야 하는데. 사실상 많은 제품들이 그렇지 않고 있는것이 아쉬웠습니다. 그래서 과거 몇몇분들은 차라리 인터널 클럭이 더 좋다..라고 이야기를 하신것이 충분히 수긍이 가더군요. 결론은 똑같이 48khz를 전송하고 있다고 해서 각 기기들마다 받아들이는 샘플링 주파수들이 미묘하게 차이가 난다는것입니다. 물론 워드케이블이나 길이는 동일한 환경이고요. 이렇게 정확한 샘플링 주파수를 DCD-8을 메인으로 하면서 통일시켜준 이후 소리는.. 미묘한 그리고 작은 샘플링 레이트 정도가 뭐.. 무슨 차이가 있겠어? 하고 생각이 드실런지도 모르겠습니다만 직접 소리를 듣고 나면. 내가 지금까지 세팅하고 있는 디지털 전송에 아주아주 심각한 문제가 있을 수도 있음을 발견하고 분명 불안한생각이 드실것입니다. 참로고 위 DCD-8을 지인분의 댁에 가서 버클리오디오 디자인의 알파컨버터라는 제품과 192khz로 워드 동기를 시키니 206Khz로 처음에 인식을 하더군요.^^ 정말 깜짝 놀랐습니다. DCD-8에서 다시 세미튠으로 조정을 해주니 192.1Khz 로 안정화. 192k의 음원을 192k로 듣는것과 206k로 듣는것의 차이 역시. 우리가 상상하는 것 이상으로 차이가 많이 났습니다. *DCD-8 다음은 이번에 새롭게 구입한 데인저러스뮤직의 ASS (전압은 110V 사용) 데인저러스뮤직의 모니터ST와 함께 사용하는 DA컨버터입니다. D-BOX정도의 DA컨버터 퀄리티를 예상했는데 새디 LRX-2 의 DA와 비교시 거의 수준과 성향이 동일해서 너무너무 기뻤습니다. 혹시나 모니터 ST를 사용중이신분에게는 꼭 추천드리고 싶네요. 비단 모니터 ST가 아닌 다른 모니터컨트롤러에도 모두 사용할 수 있습니다. 그래서 오디오가이 마스터링 스튜디오에서 사용중인 새디. 피라믹스 DAW출력도 ASS로 연결이 되어있고 레퍼런스 CD등을 플레이백하는 CDP의 AES/EBU 출력도 ASS로 연결이 되어 내가 현재 작업하고 있는 음악의 소리와 특히 음량이 일반 CD들에 비해서 어느정도인지 똑 같은 환경에서 비교가 쉽게 됩니다. *아래는 데인저러스뮤직 모니터 ST (110V 사용) AB님도 사용하시고 계신. 정말 다 기능의. 각 입력들의 게인값도 저장이 되면서. 작은 음량에서도 좌우 밸런스의 치우침이 없는. 피라미드 밸런스의 정확한 소리를 들려주는 모니터 컨트롤러 제품이지요. *다음은 AD 컨버터로 사용하고 있는 아포지 AD-16X AD-16X의 1.2번 입력은 데인저러스뮤직 2BUS LT의 출력에서 나온 시그널이 연결이 되어있고 3.4번 입력은 SPL 믹스드림 XP의 출력에서 나온 시그널이 연결되어있습니다. 위 기기들은 모두 번들 파워케이블을 사용. AD-16X는 션아타 리서치의 파에톤이라는 초고가의 파워케이블을 사용하고 있습니다. 이 케이블을 사용하면서 아포지 특유의 중고역의 피크감이 있는 색채가 훨씬 자연스럽고. 특히 AD컨버터를 거치면서 좌우가 좁아지는 것을 너무너무 싫어하는 제게 있어서 좌우의 이미지가 좁아지지 않고 그대로 살아있는 션아타 리서치의 파워케이블은 대단히 귀중한 존재입니다. 수 많은 고가의 파워케이블을 전부다 처분하고 딱 이케이블만 마지막까지 남겨두고 사용을 하고 있답니다. 아마도 지금 시스템에서 가장 일순위로 바뀌게 될 제품은 이 AD-16X 가 아닐까 싶습니다.(다음 물방에 오른 후보는 DAD나 포실테크롤러지의 컨버터~) *아래는 브리카스티디자인의 M7 리버브. 클래식음악에 있어서는 더이상의 리버브는 없다..라고 생각이 드는. 어쿠스틱 음악에 자연음 그대로를 더해주는것 같은 리버브 입니다. * Z-SYSTEM 의 샘플링 레이트. 포맷 컨버터와 AES.EBU 디지털 패치베이로 모든 기기들의 디지털 신호들은 이 디지털 패치로 들어가서 자유롭게 세팅에 따라서 루팅이 되고. 씬 메모리로 관리를 하고 있습니다. *마지막으로 TC의 마스터링 6000. 팝이나 락음악의 마스터링에는 아주 좋은 제품이지만. 좀더 자연스러운 어쿠스틱 음악에는 디지털 리미터라도 색깔이 너무 강하지 않나..라는 생각이 듭니다. *우측랙으로 넘어가서 가장 위 첫번째는 스마트리처시의 C2 컴프레서.(230V 사용) 모양은 SSL의 컴프레서와 비슷하지만 소리성향은 많이 다릅니다. SSL 컴프레서는 스마트리서치보다 고역이 더 섬세하고 밝고 이쁜 소리가 나고 스마트 리서치는 어떻게 보면 이와는 정반대의 중저역이 아주 풍부하고 부드럽고. 거친느낌의 소리. 락음악에는 정말 끝내주게 잘 어울리는 컴프레서입니다. 크러쉬 모드가 있어서 이 버튼을 누르면 중고역이 확연하게 돌출되어 소리가 앞으로 확~ 튀어나옵니다. *아발론 VT-747 이 기기를 보고.. "어.. 프로 마스터링 스튜디오에 왠 아발론 VT-747" 하고 생각하시는 분들이 계실런지도 모르겠습니다만. 전 아발론의 자연스러운 컴프레서의 느낌을 좋아합니다. 과거에는 컴프레서가 너무 괴상하게 동작한다..라고 생각했었는데. 정확하게 레벨매칭과 다른 매칭 기기들의 칼리브레이션이 된 환경에서 사용을 하면 아주 자연스러운 소리를 들려주는 컴프레서. 그리고 그래픽 이퀄라이저입니다. 아발론의 컴프레서는 입력 볼룸. 그리고 비율에 따라서 드례숄드가 팍팍 변하고. 어택과 릴리즈 역시 입력 볼륨에 따라서 아주 많이 변하기 때문에 처음의 특성을 파악하는데 조금 시간이 걸리기는 하지만 익숙해지면 아주 자연스럽고 깨끗한 컴프레싱을 얻을 수 있습니다. 게다가 내장된 그래픽 이퀄라이저의 음색을 무척 좋아하는 터라 마스터링시 적극 사용을 하고 있습니다. *API 2500 컴프레서.(115V 사용) 이 컴프레서에 대해. 사용방법이 너무 까다롭다. 혹은 소리가 멍청하다..라는 평판이 있는데요 정말 단순한 한가지 비밀이 있습니다. 바로 전압선택과 퓨즈. 전압선택은 230V와 117V로 선택하게 되어있고. 퓨즈역시 230V용과 117V용이 다른데. 많은 분들이 전압은 230V로 선택을 해서 220V로 사용을 하면서 퓨즈는 기본 장착된 상태의 117V 용 으로 그대로 사용을 하는것입니다. 신기하게도 퓨즈가 나가지 않고 정상적으로 동작이 됩니다. 다만 소리가 아주 답답하고 멍한.. 소리로 변하게 되지요. 여러차례 시험을 해보고 저는 그냥 117V로 선택을 하고 115V 전원콘센트에 연결해서 사용. 이것이 정말 API가 맞아? 라는 생각이 들만큼 컴프레싱이 자연스럽고 깨끗하게 동작합니다.(낮은 비율과 -23dB정도의 약한 게인리덕션시) *우측 랙 가장 아래 가장 많이 사용하는 SPL 의 패시브이큐. (230V사용) 채널당 6밴드. 3밴드는 컷 전용. 3밴드는 부스트 전용. 아주아주 자연스러운. 소리가 변하지 않는. 그래서 좋아하는 이퀄라이저입니다. 마치 GML 이퀄라이저와 성향이 비슷하지만 좀더 수수한 소릿결을 지니고 있습니다. *우측랙의 아랫칸에는 2대의 서밍믹서가 있습니다. 데인저러스뮤직 2BUS LT(100V사용)와 SPL 믹스드림 XP(230V사용) 완전히 정 반대의 성향을 지닌 서밍믹서로. 밸런스가 완전히 다르기 때문에 예를들어 LT로 믹싱한 세션을 XP로 띄우면 믹스 밸런스를 처음부터 다시 잡아야 할정도입니다. 데인저러스뮤직은 소리가 밝고 화사하고 선명하고 깨끗하며 좌우가 넓게 펼쳐지는 소리. SPL은 중저역의 아주 쫀쫀한 탄력감. 그러면서도 아주 높은 초고역이 LT보다 살짝 더 나옵니다. 하지만 중고역이 LT보다 상대적으로 적기때문에 얼핏들으면 조금 답답하게 들릴 수도 있습니다 그리고 좌우의 스테레오 이미지는 일반 DAW믹스정도의 좁은편. 그래서 악기들이 살짝 가운데로 몰리는듯한 느낌이 들기도 하지만. 락음악에서의 SPL의 소리는 정말 좋습니다. 믹싱된 2트랙 혹은 8트랙의 파일을 새디 LRX-2로 띄운다음 LRX-2의 1번에서 8채널의 아날로그 출력은 데인저러스뮤직 2BUS LT로 9-16번은 SPL 믹스드림 XP로 연결이 되어있습니다. 새디 LRX-2의 DA컨버터는 아포지 DA-16X와 비교해서도 확연하게 수준차이를 들려줄정도로 밸런스가 좋은 편입니다. 두 서밍믹서는 이큐 컴프등과 연결이 되어있고. 향후 현재 개조중인 API 550A 빈티지 이큐. 그리고 아직 출시전인 데인저러스뮤직의 2밴드 BAXEQ가 도착하면 바로 추가로 연결이 될 예정입니다. 이렇게 새디 LRX-2에서 플레이백 된 믹스소스들은 서밍믹서와 각 기기들을 거쳐서. 최종적으로 피라믹스로 들어가서. 피라믹스에서 편집과 CD버닝을합니다.(새디 LRX-2로 할때도 있음) 피라믹스는 매스코어가 장착된 최신 버젼. 새디는 아주 저음부터 고음까지 자연스러운 소리를 들려주고 피라믹스는 중고역이 밝고 깨끗한편입니다. 하지만 최근 윈도우7에서의 일반 네이티브의 소리를 듣고 엄청 놀랐습니다. 같은 인터페이스를 사용하더라도. XP때와 윈도우7때는 소리차이가 아주 많이 나더군요. PC 유저분들은 사용중이신 오디오인터페이스가 윈도우7 지원을 시작하면 바로. 꼭꼭 7으로 바꾸어 보셔요. 완전히 베일이 벗져진 깨끗한 소리가 들려온답니다.. 제가 사용중인 새디나 피라믹스등 초고가의 하이엔드 DAW의 미래가 조금은 불안하지 않을까..하는 생각이 들정도였습니다. 아마도 새롭게 다시 마스터링스튜디오 셋업을 한다면 새디나 피라믹스를 사용하지 않고 윈도우 7에 그냥 다른 DAW를 선택하게 될 가능성이 높을 것 같습니다.^^ *마지막으로는 모니터시스템 그간 윌슨오디오 와트퍼피를 사용하다가 최근에 리핀스키 사운드의 국내 첫번째 사용자가 되었습니다. 제가 좋아하는 밥카츠가 사용하는것을 보고 관심을 가지게 된 스피커 시스템인데요. 보기와는 달리 엄청난 고가격(서브우퍼와 앰프세트까지 약 3000만원 정도..ㅠ.ㅠ) 소리가 엄청나게 좋을 줄 알았는데. 그렇지는 않고 오히려 아주 수수합니다. 정말 소리가 수수합니다. 처음에는 왜이리 초고역이 답답할까..하는 생각까지 들을 정도였지만 조금씩 세팅을 완성하고 나니. 스피커라는 물리적 변환기가 사라지고 그저 공기의 진동에 음악이 실려오는 느낌. 작은 볼륨에서의 밸런스도 완벽하게 체크할 수 있고. 이큐의 0.5dB도 순식간에 간파가 됩니다. 처음에는 간단하게 세팅 소개만 하려고 글을 시작했는데 오른손 팔목이 살짝 저릴만큼 이야기를 많이 한것 같네요. 세팅이 완성된 지금. 그저 바라만 보아도 뿌듯하고 행복하고. 소리를 들으면 너무 좋고. 더욱 더 좋은 환경에서 더욱 더 믹싱과 마스터링도 정성껏 하게 되는것 같습니다. 며칠전 통의동 2층 사무실 정리를 준비하면서.. 음향기기들에 빠져. 조금이라도 좋은 소리를 얻으려고 너무 무리한 탓에 늘 빛들을 턱걸이 하듯 값아나가고 결국 사무실도 정리하게 되는 나를 돌아보면서 조금은 후회도 하고 반성하는 마음을 가지기도 하였지만. 이렇게 세팅된. 그리고 내가 마음속 품던 소리들을 들려주는 기기들과 함께 하게 되어. 너무도 행복합니다. 빙그레*^^*

늘 영자가 쓰는 칼럼은 클래식이나 재즈등 어쿠스틱 음악에 관한 것만 있어서. 가끔씩은 이러한 부분들 보다는 팝음악 녹음과 믹싱 마스터링에 관해서 영자가 아닌 다른분이 칼럼을 써주시면 얼마나 좋을까..라는 생각을 한답니다. 혹시 오디오가이 칼럼에 녹음과 믹싱 등등에 관해서 글을 좀 써주실분 안계실까요^^ 요즘 들어 저의 고민이 한가지 있습니다. 전 언제나 고민을 하고 또 생각을 하면서 지내는 것 같아요 물론 음악과 음향에 관한 즐거운 고민이지요. (아..사무실에서 조용히 글을 쓰는데 함께 일하는 동은씨가 오는길에 커피빈에서 라떼를 사다주었네요 완전 행복..^^) 바로 나만의 소리를 찾기 위한 길..이라고나 해야할까요? 사실 이 생각을 하게된것은 적어도 3년은 된것 같은데요. 바로 "맑고 깨끗한 소리" 그리고 "부드럽고 풍부한 소리" 물론 음악에 따라. 아티스트에 따라. 여러가지 상황에 따라서 거기에 어울리는 소리가 있는것은 자명한 일이지만. 늘 공통적인 나만의. 우리만의 소리를 가지고 싶다..라는 생각이 아주 크게 듭니다. 소리만 들어도.. 아.. 이것은 오디오가이 최정훈씨가 만든 소리야.. 라고 누군가가 알아줄 수 있도록 말이지요.. 그동안 피아노 녹음에 있어서는 아주 맑고 깨끗한 소리를 추구해왔고 재즈녹음에 있어서는 부드럽고 풍부하며 질감있는 소리. 그리고 클래식 녹음은 아직도 방황중이고요. 아래 [17] 에서 고민한바 처럼. 음량레벨에 관한것은 이제 오디오가이 레이블 것은 전부 노 컴프. 노 리미터로 이미 마스터를 2장 만들어서 오늘 CD프레싱 공장으로 보낸상태입니다. 다른 아티스트들 앨범 작업할때도 리미터는 약 -3dB 정도만 사용하고 있답니다. 어찌보면 녹음이라는 것이 시간이 갈수록 그 중요성이 떨어지게 되는것 같기도 하다는 생각도 아주아주 가끔씩 드는데. 난 왜이리도 그리 중요하지도 않은. 나밖에 모르는 일에 하루종일 이렇게 십수년씩이나 철들고 나서부터는 이것밖에 모르는것일까..하는 생각이 들때도 있어요. 그래도 내가 선택할 길. 무엇인가를 배우고 또 남길 수 있도록 변함없이 앞으로 전진하려 합니다. 이번에는 소리 에 관해서.. 최근들어 위 데카클래식 사운드의 모든 것이라는 책을 마치 처음보는 책인것처럼 다시 보고 있습니다. 아마도 이책은 50번 이상은 본책인데요. 이렇게 책을 다시 볼때마다 새로운 느낌이 듭니다. 50년전에 데카의 엔지니어들이 확립한 클래식 녹음에 대한 이야기들.. 처음 이책을 보았을때는 클래식 녹음에 관한 구체적인 방법과 세팅을 너무도 애타게 목말라 하고 있었기 때문인지 그다지 도움이 되는 내용이 적다..라고 생각을 한적이 있었는데요. 볼수록 그때는 미처 발견하지 못했던 단어 하나하나가 마음속에 깊숙히 스며듭니다.. 40-50년 전에 이들이 녹음한 음반을 지금 다시 들어보면. 들을때마다 충격에 휩싸입니다. 내가 녹음한 그 어느음반의 소리들도 이들이 만든 음반의 사운드 퀄리티에 비하면 한참을 부족하는생각이 들어요 (물론 이 시기의 모든 음반들의 다 소리가 그렇게 엄청나게 좋은것은 아닙니다.) 저는 생각합니다. 나에게 부족한 것은 무엇일까? 녹음을 하고 나서 늘 아쉬움이 없이.. 환하게 웃으며. 아티스트나 친구들에게 자신있게 들려줄 수 있는 그러한 음반은 과연 언제쯤 부터 만들 수 있는것일까? 이때의 녹음기의 주파수 특성은 지금에 비하면 한없이 좁고 또 조악합니다. 물론 그때당시의 마이크의 컨디션은 아주 완벽하리만치 좋았겠지만요. 이 소리들을 들어보면 물리적인 스펙과 특성과 내가 좋아하는. 그리고 찾아가는 소리라는것은 전혀 상관관계가 없다는것을 깨닫게 됩니다. 요즘의 클래식 음반들 소리들은 대부분 소리가 비슷합니다. 정말 유리알같이 맑고 깨끗하고 선명하고 뚜렷하고.. 말그대로 음향적 특성의 극한까지 와 있는 녹음이라고나 해야할까요. 특히 오케스트라나 현 소리에 있어서 만큼은 전 이러한 소리에는 그다지 정감이 가지 않습니다. 과거 데카시절의 풍부한 중저역에 실키한 중고역. 하지만 결코 고역이 날카롭지많은 않은 이러한 소리가 저의 마음속의 꿈꾸는 소리입니다. 하지만 이것은 저의 개인적인 취향일뿐. 많은 사람들은 중저음이 따듯하고 부드러우며 질감있는 풍성한 소리보다는. 역시나 음량을 높인것처럼 고역이 아주 투명하고 맑고 깨끗한 소리를 대부분 선호하는 것 같습니다. 많은 사람들이 영자는 후자의 소리를 좋아한다고 추구한다고 생각하시지만 사실 피아노 음악에서만 그렇고 나머지 음악과 악기에서는 화려한 소리보다는 차분하고 질감있는 소리를 훨씬 더 좋아한답니다. 얼마전 오디오가이에서 열심히 녹음한 마산시향의 음반을 들었습니다. 그리고 마산시향이 연주한 315아트센터의 공연장에 메인으로 달려있는 노이만 TML170R 을 ORTF로 사용해서 공연장에서 녹음을 하고 오디오가이에서 리마스터링만 한 음반을 들었습니다. 오디오가이에서 녹음한 음반은 역시나 소리가 아주 분명하고 깨끗합니다. 하지만 전 처음에 마산시향의 음반을 마스터링하고 있는 소리를 들으면서. 이것을 독일엔지니어가 와서 녹음한것인줄 알았습니다. 라지 다이어프램 마이크를 메인으로 사용한 그 특유의 중저음의 질감과 탄력. 초고역은 차분하지만 그로 인해서 연주가 훨씬 더 안정되고 고급스럽게 들리는 느낌. 나중에 이것이 그냥 공연장에 달린 마이크로 녹음한것이라는 이야기를 듣고 참 놀랐지요. 오히려 내가 기기들 엄청 싸들고 가서 하는것보다 때로는 이것이 훨씬 더 좋을 수도 있구나.. 이때부터 저의 녹음은 처음부터 다시 시작하자..라는 생각과 함께. 요즘은 멀티트랙 녹음은 거의 하지 않고 주로 원포인트만으로 녹음을 하는 경우가 많아졌답니다. 많은 사람들이 클래식 녹음에서 라지보다는 스몰다이어프램을 선호합니다.(국내외 모두) 스몰은 우선 여러대를 함께 사용할 경우 라지에 비해서 간섭음의 소리가 더욱 더 자연스럽게 들리고. 믹싱도 훨씬 더 수월하며. 이로인해서 마이크의 설치도 오히려 쉽게 찾아나갈 수 있다는 점이 있습니다. 반면에 라지는 공연실황으로 하게 되면 연주자도 많이 가리게 되고. 무거워서 쓰러질수도 있고^^ 여러대를 사용할경우 간섭음이 지나치게 크게 들어와서 위상문제가 쉽게 일어나고. 초고역의 뚜렷한 소리도 스몰다이어프램보다는 대부분 부족한 경우도 많고. 등등.. 하지만 전 라지다어프램 마이크에서 나오는 그 따듯하고 풍부한 소리가 역시 좋습니다. 사람 목소리든. 현악기든. 피아노이던 말이지요. 그러면서 뛰어난 고급의 라지마이크들은 고역의 한방의 훅 이 있는 소리를 지니고 있는 것 같습니다.(표현이 애매하지요^^) 앞으로 우리가 만들어가는 사운드의 컨셉을 어떻게 가는것이 좋을까? 라는것에 관해 함께 일하는 식구들과 이야기를 했습니다. 클래식 녹음에서 국내는 물론이고 외국에서도 압도적으로 많이 사용이 되는 DPA 마이크를 현재시점에서 영자는 사용하지 않고 있습니다. 정말 해도 너무한다는 생각이 들만큼 다들 DPA 로 녹음을 합니다. 소리는 정말 멋지지요. 스몰이지만 저역도 풍부하고. 고역은 빛나는 광채가 있으며. 음원에 가까이 두던 멀리두던 정말 멋진 소리를 들려주는 마이크입니다. 오디오가이의 홍지현 프로듀서는 우리도 그냥 DPA 등을 사용해서 사람들이 좋아하는(고객들이) 맑고 깨끗한 소리로 녹음한후. 우리의 마스터링 시스템에서 진공관 기기들을 통해 약간의 질감을 더하는것이 어떻겠냐는 의견을 주었고 남송지씨는.. 남들과 모두 같은 DPA를 사용한 맑고 깨끗한 소리보다는 질감있고 풍부한 소리가 개인적으로 더 마음이 끌리기는 하는데.. 그래도 쉽사리 결정을 하지 못하겠다고 하더군요.. 여러분들은 어떠한 소리를 더 좋아하시는지요? 사실 어찌보면 전 두소리 다 좋아합니다. 하지만 음악을 듣고 소리를 듣고. 또한 이 음악을 10년 20년 아니 50년 후에 들어도 변함없이 좋게 들리는 소리가 무엇일지 한번 생각해보는것도 의미가 있지 않을까요? 현재 내가 좋아하는 소리. 추구하는 소리는 과연 무엇일까. 이 글을 쓰고 있는 지금 이순간도 때때로 자판을 두드리던 손을 잠시 멈추고 양손에 턱을 괴고 생각합니다.. 내가 진정으로 사랑하는 소리를 찾아나가기 위해서.. 말이지요. 보일듯 말듯. 정말 잡힐듯 말듯 한것 같아요 연애의 줄다리기도 아니고 말이지요.

이제 막 태어난지 한달가량 된 아이가 조용히 자는 동안. 모처럼만에 집에서 이런저런 음악들을 들으며 생각을 하니 글로 남기고 싶은 내용이 생각이 납니다. 위에 두장의 앨범이 있습니다. 수 많은 음반들이 있어도 꼭 몇몇 앨범에는 더욱 더 마음이 가고 의미가 있는 음반들이 있을텐데요. 제게는 바로 위 두 음반. (아티스트. 레이블)이 그렇습니다. 다이아나 크랄. 그리고 체스키레코드의 재즈 샘플러 음반입니다. 다이나라 크랄은 역시 엔지니어인 알슈미트의 작품이지요. 이 사람의 모든 앨범은 알슈미트가 담당을 하고 있어서(데뷔때부터 쭈욱.) 정말 다 소리가 좋습니다. 거의 모든 현대 음향에서 기준이 될만한 요건들을 충족하고 있는. 앨범이라고 생각합니다. 제가 지금 녹음을 하고 믹싱을 하는데 있어서 가장 많은 영향을 받은 외국 엔지니어를 꼽는다면 역시 알슈미트일것 입니다. 녹음과 믹싱에 있어서 이큐와 컴프레서를 최대한 자제를 하고. 마이킹을 중요시하며 녹음시 믹싱시의 90%가까운 사운드 밸런스를 나오도록 만든다는 것에 관한 인터뷰 기사를 보고. 이것이야 말로 내가 앞으로 나아가야 하는 길이 아닐까 생각을 했습니다. 한때는 음반의 크레딧에서 알슈미트라는 이름만 보면 무조건 구입을 했었지요.(사실은 지금도 가끔 그럽니다. 이분이 만드는 최근의 소리는 어떨까?) 아..그리고 드럼부터 모든 악기의 녹음시 콘덴서 마이크를 먼저 선호하게 된것도 역시 알슈미트의 인터뷰 기사를 보고 영향을 받게 된것이었는데. 이전까지는 드럼의 탐탐에는 제나이저 MD421같은 다이나믹만 사용해야하는것인줄 알았습니다. 알슈미트는 주로 탐탐에 C 414을 사용을 한다는것을 보고 많이 놀랐고요. 무엇보다도 지금까지 오디오가이의 레코딩과 사운드에 있어서 가장 중심이 되는. 여러악기를 동시에 한장소에 녹음을 할때. "마이크가 좋으면 그 마이크에 전달되는 다른 악기의 간섭음도 좋게 들어오기 때문에 전혀 문제가 되지 않는다." 라는 내용을 처음 보았을때는 어찌나 크게 충격을 받았던지요.. 그때까지만 해도 게이트로 간섭음들을 없애는것이 깨끗하고 펀치감있는 소리를 얻을 수 있는것인줄만 알았었습니다. 하지만 정말 더 깨끗한 소리는 오히려 여러가지 직접음과 간섭음이 "제대로. 정확하게" 융합이 되었을때 청감상 훨씬더 다이나믹하고 깨끗한 소리가 난다는것을 많은 시일이 지나서야 알 수 있었습니다. 과거에는 한장소에서 여러악기들을 동시에 녹음을 하는것에 있어서 간섭음에 대한 두려움때문에 각각 독립된 공간에서 녹음을 해야하는것인줄만 알았지만. 이후로는 오픈된 공간에서 여러악기들을 동시에 녹음하는것에 있어 두려움이 없이. 오히려 마이크로 들어오는 다른 악기의 간섭음들을 활용해서 더욱 더 자연스러운 소리와 공간감등을 생각하게 되었습니다. 지금 이것이 바로 오디오가이 사운드의 기틀이라고 볼 수 있는 것. 이 모든것을 알슈미트가 만든 음반. 소리. 그리고 인터뷰 내용들을 수십번. 반복해보며 읽고 생각하고 또 듣고 생각하고를 반복하며. 차근차근 나만의 생각들을 하나둘씩 더해나가며 만들어 나가고 있는 것이지요. 그래서 알슈미트처럼 재즈음악 녹음을 많이 하게 되었는지는 모르겠어요. 90년대 재즈음악이 아닌 미국 팝음악을 보면 몇몇 팝스타의 앨범들에서는 알슈미트가 스트링스만 레코딩하는경우도 종종 앨범의 크레딧에서 볼 수 있었는데요. 저도 얼마전부터는 제가 주로 작업하는 장르가 아닌 팝이나 영화. 드라마 음악들에서 스트링스와 피아노 녹음만 하게 되는경우가 점점 늘어나게 되었답니다. 이 역시 알슈미트의 녹음방법과 관점. 생각들을 늘 마음속에 품고 있어서 이렇게 운좋은 일들이 많이 생긴것이 아닐까 하는 생각들도 해봅니다.^^ 다음으로는 체스키의 귀그림음반 2탄. 귀그림음반 1탄에서. 아나카람이었던가? "스페니쉬할렘"이라는 음악의 사운드를 듣고 얼마나 충격을 받았는지요.. 세상에.. 이세상에 이러한 소리가 존재를 했었던 것인가? 내가 지금까지 들어온 메이저씬에서 만들어온 소리와는 완전히 다른 소리. 정말 많은 충격을 받았습니다. 그 음반에 있는 다른 곡들도 역시 놀라운 소리를 들려주었지요. 과거에는 전혀 듣도보도 못한 소리였습니다. 체스키는 재즈던 클래식이던 대부분 뉴욕에 있는 성요한교회에서 녹음을 하는데. 컴프레서. 이큐. 심지어 리버브까지 사용하지 않는 녹음방식 녹음도 메인 마이크로 대부분의 밸런스와 음색. 공간감을 컨트롤하고 거기에 약간의 엑센트 마이크를 설치하는 방식으로 클래식이 아닌 재즈도 그렇게 녹음을 한다는것이 정말 신선했습니다. 이때 이후로는 체스키의 마크만 보이면 무턱대고 사들이게 되었지요.(그리고 체스키 사운드의 기틀을 만든 엔지니어 밥카츠라는 이름을 이때 처음 알게 되었습니다.) 저는 엔지니어가 만든 레이블에 유독 관심이 많아 체스키 이전에도 DMP. 텔락 등의 음반을 꾸준히 모아왔었습니다. 영자가 지금의 오디오가이 레코드라는 레이블을 만들게 된 계기가 있다면 역시 체스키. 그리고 가장 닮고 싶다..라는 레이블이 있다면 독일의 ECM일것입니다. 지금은 체스키보다는 ECM의 음반들을 더 자주 구입하는 편입니다.. 소리가 아무리 좋아도 결국은 음악을 따라가게 되는것같아요.. 저는 요즘 제가 최근에 작업한 음반을 아주 자주들어요. 그것도 아내와 함께 집에 와서 듣는데요. 바로 요 아래에 있는 "티미르호"의 음반. 아내도 처음 듣더니..귀가 번쩍트일만큼 소리도 좋고 음악도 좋다고 해서 먼저 틀어달라고 이야기도 할정도로 아내도 좋아하고 저도 좋아하는 음악입니다. 지금까지의 경우를 보면 직접 작업한 음반들을 작업하면서 너무 많이 듣기때문에 오히려 집에서는 잘 듣지 않는 편이 많은데요. 이 음반의 경우는 오히려 마음을 편하게 해주는 리코더의 선율때문에 가족들과 듣기 참 좋은 앨범인것 같습니다. 아직 음반도 나오기 전인데 마스터CD의 모니터CD를 집의 오디오로 자주 듣는답니다. 오늘도 아내와 함께 들었어요. 하지만 오늘 들은것은 지금까지 집에서 들었던과는 다른.최종적으로 약간 수정을 해서 다시 마스터CD를 만든 버젼이었는데.. 같은 음악이고. 밸런스도 크게 다른것은 없는데. 이전의 음악보다 훨씬 더 생동감이 떨어지고 자연스러운 느낌도 적게 들려서 아내가 훨씬 더 아쉬워 하더군요. 이렇게 곡의 매력이 떨어지게 된것에는 여러가지 이유가 있겠지만 우선은 새롭게 작업하면서 부터는 전체레벨을 좀더 올렸답니다. 아직 자연스럽게 레벨을 올리는것 역시 마스터링 엔지니어의 큰 노하우중에 하나라서 그런지 저는 아직 그러한 방법을 알지 못하기에. 저는 제가 작업하는 100%의 순수 어쿠스틱 음악들에서는 그냥 마스터링을 하지 않은 소리가 더 마음에 듭니다.. 물론 레벨은 아주 작지요.. 그러나 조금 번거롭고 귀찮더라도 레벨이 작으면 손으로 오디오기기의 볼륨을 살짝만 올려주면 된답니다. 레벨을 올리기위해서 하는 약간의 리미팅에도 분명히 어쿠스틱악기의 섬세한 배음은 손상을 받는 것 같습니다. 저는 이것이 천장이 내려간 사운드..라고 표현을 하는데요. 이번에 최종 만든 티미르호의 마스터CD에서는 전형적인 천장이 내려간 사운드. 그리고 꼭 디지털 컴프레서나 리미터를 사용하면 피아노 사운드에서 오른손은 얼핏들으면 중역이 튀어나오면서 반짝이는 것 처럼 들릴수도 있지만 특히 왼손의 움직임은 소리가 스피커 안에서 공간감을 유지하면서 자연스럽게 머물지 않고 너무 부자연스럽게 앞으로 나와버립니다. 이것은 단 -1dB의 리미팅을 해도 생기는 현상이고요(영자가 사용하는것은 TC 마스터링 6000의 MD4나 혹은 2채널 브릭월리미터) 그렇기 때문에 얼마전부터 오디오가이 레코드에서 제작하는 앨범들은 아예 리미팅을 전혀 하지 않고 출시를 하고 있답니다. 외부의 의뢰받는 작업에서는 레벨이 너무 작은것은 대부분의 아티스트들이 그리 선호하지 않기 때문에 나름대로 최소한의 리미팅(-3dB 이하)만 하는 편이랍니다. 다이아나 크랄의 앨범을 듣고 바로 체스키의 음반을 들었어요 함께 음악을 듣던 아내에게. 이 음반은 소리가 어때? 라고 물어보니.. "조금 심심하고 맥아리가 없는것 같아.." 라는 이야기가 돌아오더군요 바로 볼륨을 올려서 음악을 들으니.. 소리가 너무 좋다..라고 이야기를 하는것이었습니다. 제가 많은 것을 배우게 해준 두 음반을 연달아 들으며 생각했습니다. 두 음반은 우선 음량레벨이 완전히 다릅니다. 차이가 나도이렇게 많이 날수가 없어요 여기서 무엇이 좋고 무엇이 나쁘다..라는 이야기를 하는것은 아니고요 바로 관점의 차이. 그리고 소비자의 차이. 다이아나크랄이 일반 대중들을 위한 음반이라면 체스키는 좀더 매니아틱한 주로 음악과 더불어서 소리와 오디오기기를 좋아하는 사람들인 오디오파일을 위한 회사이지요. 두 앨범의 엄청난 소리에 대한 관점의 차이를 새삼스레 느끼며 생각했습니다. 나는 과연. 내가 만드는 소리는 관점을 어디에 두어야 하는것일까? 정말 생각을 하고 또 해도 늘 잘 모르겠어요. 그러다가 생각을 또 했습니다. 그럼 내가 배운것을 통해서 무엇을 남길 수 있을까? 내가 남길 수 있는 소리라는것은 어떤것일까? 저는 바로 후자의 체스키의 "관점"을 선택하기로 하였습니다. 자연스럽게 레벨링하는것을 익히기 보다는 보다 근본적인 레코딩에 더욱 더 많은 관심을 지니고. 그리고 청자들에게 전달이 되는 최종본 역시 이러한 관점에서 나만의 소리를 만들어나가자..하는 생각을 말이지요. 아마도 이후로 영자가 만드는 음악을 들으면 많은 사람들이.. 볼륨이 왜이리 작아? 소리가 왜 이렇게 맥아리가 없지? 하는 첫인상을 남기게 될런지는 모르겠어요. 하지만 저는 제가 만든 음반들이 아주 오랜시간 남아서 많은 사람들은 아니더라도 몇몇의 사람들에게 들려지고. 또 이러한 저의 마음들과 생각들이 전해져서. 그 음반을 들은 사람에게 제가 알슈미트가 만든 소리들을 보고 느낀것처럼 제가 만든 소리를 나중에 시일이 흘러 사람들이 듣고 비록 아주 소수라도.. 무엇인가 느끼고 생각할 수 있게 되는것을 미소지으며 꿈꾸어 봅니다. ... 빙그레 *^^*

최근에 저의 사운드에 많은 변화가 생기고 있습니다. "아..영자님이 또 무슨 기기나 셋업을 바꾼것일까?" 라고 글의 서두를 보자마자 생각하시는분들도 아마도 많이 계시지 않을까 하는데요. 다행이도(?) 최근 기기들의 변화는 거의 없답니다. 변화라고 해도 과거에 여러번 사용했던 기기들을 다시 구입해서 사용하거나. 너무 많아서 잘 관리가 되지 않고있는 기기들을 적당한 가격에 오히려 정리를 하고 있는 편이지요. 아..생각해보니 최근 스피커가 바뀌었고.. 오늘 거기에 단짝으로 사용할 파워앰프가 사무실로 도착하기는 했군요..^^ 오늘 밤 10시부터 서초동에 있는 모차르트홀에서 녹음을 하고 새벽 3시가 조금넘어 들어왔는데. 어찌된일인지 잠이 오지 않아 침대에서 잠시 뒤척이다 이렇게 글을 쓰게 되었습니다. 아마도 컴퓨터가 켜있지 않았으면 컴퓨터를 켜고 기다리시는시간이 지루해서 그냥 냉수나 한잔 먹고 잠을 다시 청하려 노력을 했을지도 모르는데요. 스크린세이버로 컴퓨터가 동작하고 있어서 마우스를 좌우로 몇번 흔들고 이렇게 오랫만에 다시 칼럼을 씁니다. 오늘 녹음한것은 아주 스탠다드한 피아노 재즈 트리오. 피아노. 베이스. 드럼. 장소는 서초동에 있는 모차르트홀입니다. 오디오가이 가족분이 음향감독님으로 계신곳이라 종종 녹음에 이용하는곳인데요. 클래식공연장이라 거의 매일 공연이 있어 공연끝나고 녹음을 시작하는 바람에. 저와 녹음을 하는 날은 늦게 퇴근하시게 해서 무척이나 죄송한 마음과 감사한 마음이 함께 듭니다. 이번 연주자는 그동안 오디오가이 칼럼에 종종 등장한 재즈피아니스트 신관웅 선생님. 벌써 영자와는 한 5장정도는 함께 작업을 한것 같은데요. 클래식 녹음도 그렇고. 재즈 녹음도. 그리고 가끔씩 하는 국악녹음도. 최근 저의 녹음에 대한. 세팅에 대한. 모니터에 대한 생각들이 많은 변화가 있었답니다. 이러한 변화후. 소리가 정말이지 눈에띄게 좋아졌어요 지금까지 그 어떤 기기들을 바꾸거나 새롭게 사용한것보다도 더 소리가 좋아져서. 최근에 진행하고 있는 프로젝트들의 완성도가 모두들 무척이나 마음에 들고 나오고 있어서 정말 행복합니다. 먼저 오늘 녹음에 관한 이야기를 진행해보지요. 피아노는 국내에는 귀한 파지올리 풀사이즈. 아주 여성적이면서 이쁘고 깔끔한 소리를 내어주는 피아노로. 공연도 공연이지만 녹음에도 무척 잘 어울리는 제품이 아닐까 싶습니다. 피아노에는 처음에는 DPA 4011을 설치하였다가. 너무도 클래식적인 음색. 자연스럽기는 하지만 조금은 악센트가 있는 소리가 필요해서 MG M930 으로 바꾸어보았습니다. 마이크 포지션은 최근 오디오가이 피아노 녹음의 스탠다드로 자리잡은 반사판 꼭대기 근처 사실 그동안의 제가 본 피아노 마이킹의 책에서는 잘 보지 못한위치이지만 지난번 티미흐로 녹음 이후로 완전히 사랑하게 된 피아노 마이킹 포지션입니다. 저것보다 조금 높아도. 조금 낮아도 소리가 좋지 않고 딱 저 높이에 저 각도에서의 소리가 정말 좋습니다. 피아노 본체안으로 마이크를 넣지 않기 때문에 페달소리도 전혀들어가지 않고. 고역이 아주 아름답고. 저역은 많이 풍성한편은 아니지만 나올만큼 나오면서 깔끔하게 떨어집니다. M930 은 늘 XY로 해서 피아노의 해머위에 놓는세팅으로 최근 4년동안 사용해왔었는데. 이 위치에 놓으니 지난번 티미흐로 녹음시의 C414 보다도 훨씬더 피아노 소리가 아름답게 들어옵니다. 사실 지난주 월요일밤 같은 장소에서도 녹음을 진행했었는데요. 이때도 포지션은 거의 동일했지만 마이크는 MG M300 둘다 매력있는 소리를 들려주었는데. M930쪽이 조금더 제 취향에서는 마음에 드는 소리를 들려주었습니다. 다만 이번에는 클래식 홀에서 드럼과 함께 녹음을 하는터라. 확실히 대구경 마이크인 M930이 소구경인 M300보다 다른 간섭음이 많이 들어오더군요 다음으로는 콘트라 베이스 콘트라 베이스의 f홀 쪽에는 숍스 MK4를 핑거링하는 현쪽에는 MG M300을 사용해서 믹스하였습니다. 같은 악기이지만 정말이지 두 포지션에서는 완전히 낮과 밤의 차이만큼 다른 소리를 들려줍니다. F홀에서는 낮은 저음과 펀치감이 핑거링하는 현쪽에서는 현과 손톱이 맞닫는 섬세한 배음의 느낌이 나오기 때문에 콘트라 베이스는 꼭 2개의 포지션을 사용하는것을 좋아하는 편인데요. 사실 이번에는 MG M300만 설치하고 숍스는 다른추가악기가 더 있는줄 알고 남겨두었다가 추가악기가 없어서 F홀쪽에 추가로 한것인데. 소리를들어보니 F홀 소리가 없었으면 큰일날뻔했습니다.^^ 녹음이라는것은 때론 이렇게 우연이 좋은 소리를 만들어 주기도 하는것 같습니다. 처음에는 F홀 정면을 바라보는것으로 설치했다가 너무 초저역이 붕붕거려서 살짝 브릿지쪽으로 이동하니 연주자의 리듬감이 훨씬 더 좋게들리고 소리도 선명하고 깔끔. 사실 처음에는 콘트라베이스에는 꼭 대구경 마이크만 사용해야하는줄 알았는데. 이렇게 오픈된 공간에서 여러악기들과 함께 녹음을 하는 경우는 대구경보다는 소구경이 컨트롤이 훨씬 더 쉬운것 같습니다. 이번에도 변함없이 느꼈지만 숍스마이크의 위력. 사실 DPA는 너무 화려하고. 숍스는 너무 밋밋해서 저는 잘 사용하지 않는 편인데요. DPA야 그렇다고 해도 숍스는 다른 마이크들은 지니고 있지 않은 어마어마한 장점이 있습니다. 숍스의 소리는 여러마이크들을 함께 사용할때 그 진가가 나타나는데요 "다른 악기들과 아주 잘 섞입니다." 그런데 이것이 정말 놀라우리만치 잘 섞입니다. 또하나 숍스마이크의 놀라운점. 이렇게 오픈된 공간에서 여러악기들과 함께녹음할때 간섭해서 들어오는 소리가 다른 마이크들에 비해서 훨씬 더 "앰비언스"사운드로 들립니다. 즉. 간섭음의 소리가 적고. 간섭음의 고역특성이 적어서 한공간에서 여러악기들을 함께 녹음하는경우 간섭음으로 인해서 소리가 탁해지지않고 오히려 투명함을 잃어버리지 않으면서도 공간감을 더해주는것. 이 특별함이 바로 숍스마이크가 많은 사람들에게 사랑받고 있는 이유가 아닐까 합니다. 함께 사용한 MG M300 늘 사용할때마다 100% 마음에 들지는 않지만 그래도 약 2%보다는 적은 1.5%정도 부족한 소리를 들려주지만 정말 킥드럼부터. 스네어. 오버헤드. 피아노. 관악기. 보컬에 이르기 까지 어디에나 사용을 해도 수준이상의 소리를 들려주는 신기한 제품입니다. 제가 대단히 좋아하는 뉴욕씬의 재즈엔지니어 제임스파버도 이 M300페어를 드럼 오버헤드에 늘 사용을 한다고 하더군요 전 아직 오버헤드에는 사용해보지는 않았습니다만. 숍스와 M300이 함께해서 만들어진 콘트라베이스 사운드. 아래의 무게감이 있으면서도 핑거링의 느낌이 명확하게 전달이 되었습니다. 다음으로는 역시 드럼 구성도 심플한 재즈드럼셋. 노이만 USM69를 XY로 전체 사운드를 집음 그리고 킥드럼에만 얼스워크 SR69를 사용. 킥 드럼에 윈드스크린을 씌우면 하이햇이나 심벌등의 고역 간섭음이 킥드럼으로 거의 전달이 되지 않고 킥 드럼소리만 깨끗하게 얻을 수 있습니다. 드럼의 경우는 소리가 크기 때문에 무대 옆쪽 피아노 를 두는 장소한켠에 설치를 하고 큐모니터는 드러머에게만 주고 피아노와 베이스는 헤드폰없이 연주를 하였습니다. 이렇게 헤드폰 없이 연주를 하는것은 처음에는 낮설지만 적응이 되면 오히려 자신의 소리와 다른 사람의 소리를 더욱 더 섬세하게 들을 수 있고 무엇보다도 공간의 울림을 함께 들으며 연주자가 플레이를 하게 되기 때문에 저는 이편을 아주 좋아하는데요. 일예로. 피아노의 경우도 헤드폰을 쓰고 하게 되면 연주자의 페달링이 훨씬 더 많아지는 방면에 이렇게 헤드폰을 쓰지 않고 연주를 하면 최소한의 페달링만을 사용하게 됩니다. 공간의 울림에서 본인의 피아노소리와 다른 악기소리들이 함께 들리기 때문에 최소한의 페달링으로 피아노 사운드를 자연스레 깨끗하게 만들게 되는것이기 때문이지요. 실제로 신관웅 선생님의 피아노 연주도 헤드폰을 쓰고했던 작년의 녹음들에 비해서 이번 연주의 사운드가 훨씬 더 깨끗하고 좋은 편입니다. 이번세팅에 별도의 마이크프리는 가지고 가지 않고 모차르트홀의 야마하 DM2000의 마이크프리를 사용해서 아포지 앙상블에 ADAT로 연결(이 역시 모차르트홀 장비)해서 녹음을 하였습니다. 이전같았으면 피아노에도 훨씬 더 많은 마이크들을 사용하고 마이크프리도 무대로 가지고 가고. 홀의 기기들이 아닌 제가 가지고 있는 새디 LRX-2등의 레코더와 노트북등을 모두 가지고 가고 하였지만 요즘에는 정말 기기들을 최소화해서 단촐하게 가지고 다니는 편인데요. 이유는 단순합니다. 늘상 많은 기기들을 가지고 다니며 설치하다보면 아무리 좋은 기기들을 사용해서 좀더 좋은 소리를 얻을 수 있다고는 하지만 기기들 설치하느라 진이 다 빠져버려서 정작 제대로 음악과 소리를 잘 듣지 못하게 되는경우가 많은 것 같습니다. 대편성 클래식의경우는 더욱 더 그렇고요. 그래서 최근에는 정말 최소한의 마이크들과 녹음기자재들만 가지고 다니며 설치를 하고 있는데요. 설치하는 기기의 수가 적어진만큼 몇CM미터의 마이크의 거리와 각도에도 훨씬 더 섬세하게 들으며 소리를 판단하고 있습니다. 그리고 과거에는 클래식이나 재즈 녹음시 그냥 헤드폰을 들고가서 무대옆이나 적당한곳에서 들었는데요. 이렇게 되면 악기의 실제소리와 녹음하는 소리가 잘 분간이 되지 않을때가 많았는데 이제는 꼭 조금 멀리떨어지더라도 실제 연주하는곳과 소리가 완전히 분리된곳에서 모니터링을 합니다. 보다 적은 수의 마이크들을 사용하는대신 미묘한 세팅에 더욱 더 집중을하고 반드시 모니터링은 헤드폰을 듣더라도 연주하는 악기소리와 거의 완벽하게 차음이 된 공간을 찾아서 모니터링을 합니다. 어찌보면 이 단순한 두가지 내용으로 녹음들을 진행하면서 작업하고 있는 앨범들의 퀄리티가 이전과는 비교가 되지 않을정도로 좋아졌습니다. 이전에는 작은 케이블이나 마이크프리의 종류와 신호의 손실을 위한 거리등등. 이러한 것에 신경을 아주 많이 썼는데 지금은 양보할부분은 양보를 하고. 가장 기본인 마이킹에 많은 집중을 합니다. 그리고 역시 가장 중요한 외부소음에 방해되지 않는 모니터링에 많은 주의를 기울입니다. 참으로 기본이되고 단순한것이지요. 며칠전에 진주에 가서 클래식 오케스트라를 녹음을 하였는데 첫날 60명 이상의 심포니 녹음에 노이만 USM69를 MS로 단 2채널로 녹음 그리고 다음날 녹음에는 MG M960 데카트리 무지향성 3개로 녹음. 이날 녹음한 클래식 오케스트라는 제가 지금까지 녹음했던 오케스트라 사운드와 비교할 수 없을만큼 마음에 드는소리. 제가 처음으로 클래식 음악을 LP로 경험했던 그 시절의 추억이 있는 소리를 담을 수 있었습니다. 오히려 이보다 훨씬 더 좋은 기기들에 신호손실을 위해서 마이크프리를 무대 가까이 두고. 그리고 메인 마이크들 외에 각 파트별 스팟마이크를 20개 정도 설치하고 등등.. 이렇게 스팟 마이크를 설치하는 시간에. 이제는 메인마이크의 높이나 거리. 각도등을 섬세하게 "들으며" 조정을 합니다. 어찌보면 저는 지금까지 소리를 듣지않고 그저 눈으로만 보고 녹음을 해왔는지도 모르겠습니다. 지금시간은 새벽 5시9분. 하지만 오늘 녹음의 결과가 무척이나 마음에 들어 피곤한 마음도 잊고 이렇게 글을 남깁니다. 엔지니어로써 좋은 소리. 마음에 드는 소리를 찾아나가고 얻을 수 있다는것은 참으로 행복한 일인것 같습니다.

언젠가 만날사람은 또 다시 자연스럽게 만나게 되는것처럼. 우연히 다시 만나서 작업을 하게된 "티미흐로"(피아노. 기타. 리코더)의 앨범을 얼마전에 녹음을하고 마스터링까지도 완성을 하였습니다. 요즘에는 약간 얼이 빠져서 지내고 있는 편인데 가을이라 그런것은 같지 않고 조금은 의욕이 없다고나 해야할까요^^ 글을 쓰는것도 그렇고. 새로운 무엇인가를 하는것도 그렇고. 모든 사람들이 마찬가지이겠지만 사람은 늘 이러한 감정의 등감곡선이 있는 것 같습니다. 이번에는 녹음이 만족스럽게 되어서. 녹음시에 다른 작업때문에 함께 하지 못했던 남송지씨가 듣더니 소리도 좋고 음악도 좋아서 우리레이블(오디오가이레코드)에서 나왔으면 좋겠다.. 라고 이야기를 하였답니다.^^ 먼저 피아노 녹음. 저는 정말 평생 피아노 녹음을 아마도 가장 많이 하며 지내게 될것 같아요. 이번 앨범은 피아노솔로. 피아노와 리코더 듀오. 피아노 리코더 기타 트리오의 곡으로 이루어져있어요 피아노 솔로와 듀오의 경우는 아래와 같이 녹음을 하였습니다. 메인은 역시 변함없이 MG M930 스테레오 페어. 노이만 USM69를 가지고 갈까 이것을 가지고 갈까 하다가.. 조금 더 파퓰러한 소리로 녹음을 하는것이 좋을 것같아서 MG를 가지고 갔답니다. 위치는 제가 피아노 녹음할때 사용하는 늘 그위치. 가끔씩 새로운 시도를 한다고 이곳에 마이크를 설치하지 않고 다른곳에 설치했다가 결국 낭패본 경험이 있는. 제게 있어서 피아노 녹음에 기본사운드를 만들어주는 가장 기본적인 위치인 해머위 XY 세팅입니다. 추가 마이크로는 역시나 피아노녹음에 늘 사용하는 MBHO 604 와이드카디오이드를 사진과 같이설치하였어요. 이번프로젝트의 믹싱은 영자가 운영하는 오디오가이 & 파트너즈에서 함께 프로듀서로 활동하고 있는 홍지현님이 담당하였는데. 이큐나 컴프를 거의 사용하지 않고 밸런스만으로 음악적인 소리를 만들어주어 참 기뻤습니다. 믹싱때의 두 마이크의 비율은 비슷합니다. XY는 강렬한 피아노의 어택음을 위주로. 뒤에 설치한 AB 는 피아노의 섬세한 배음이 그곳으로 전달이 된답니다. 이렇게 피아노를 녹음후 다음에는 피아노와 리코더의 듀오 리코더는 참으로 오랫만에녹음해 보는 악기에요. 처음에는 고가의 MG UM930을 사용해보았지만 결국 선택한것은 MG M300 이마이크는 오케스트라 녹음시 목관이나 금관 파트에 늘 사용하고 있는 제품인데 특히 관악기소리를 스몰다이어프램이면서도 얇게 만들지 않고 중역을 튼실하게 표현해주어 대단히 좋아하고 있는 제품입니다. 처음 이 마이크를 사용할때는 대부분 스몰다이어프램 마이크에는 깨끗하면서도 화려한 소리를 지닌것을 마음속으로 상상하고 기대하기 때문인지 조금은 고역이 답답하게 느껴지기도 하였었는데. 참..지금 생각해보면 마이크 제조회사들이 마이크를 만드는데 정말 많은 고심을 하고 있구나..라고 생각이 되는데요. 이 마이크는 고역특성이 자연스럽게 롤오프되어있어서 이렇게 간섭이 많은 공간에서 한번에 여러악기을 녹음할때 간섭음의 음량이 너무 크지도 않으면서도 소리가 아주 자연스럽게 들어온답니다. 사실 이것은 단순한것이면서도 제가 어쿠스틱 악기 녹음에있어서 가장 중요하게 생각하는것 중에 하나에요. 두개의 사진을 보면 리코더 마이크의 높이가 약간 다른데요. 곡 마다 이렇게 저렇게 높낮이를 바꾸어가며 원하는 소리들을 찾아갔습니다. 그리고 변함없이 늘 제가 중요시생각하는것. 이렇게 오픈된 공간에서 함께 할 경우 역시나 "간섭음"이 중요한데요. 그렇기 때문에 연주하는 연주자와 악기의 위치가 너무너무 중요하답니다. 늘 그렇듯이 이번에도 피아노에 AB로 사용한 604는 반무지향성이라 리코더의 소리도 상당히 크게 들어가는 편인데요. 그렇기 때문에 피아노에 간섭음으로 들어가는 리코더의 소리를 리코더에 설치한 MG M300의 소리과 함께 섞었을때 자연스러운 공간감이 생길 수 있도록 AB 마이크의 뒷편 정중앙에서 리코더를 연주하였습니다. 이렇게 하면 마치 피아노에 사용한 AB마이크가 피아노의 마이크이면서도 리코드의 멋진 앰비언스 마이크로 사용할 수 있게 되는것이지요. 그리고 다음은 피아노. 리코더. 클래식기타의 트리오. 첫날 세팅에는 소리가 만족스럽지 않아 트리오곡 녹음은 하루에 몰아서 다음날에 하기로 하고 저는 밤새도록 이 세팅을 어떻게 하면될까 하고 많은 고민을 하여습니다. 마침 톤마이스터 레코딩닷컴 사이트들을 보다가 피아노 세팅을 보고 이번에는 이렇게 한번 해보아야 겠구나..하고 생각을 하게 되었지요. 저는 클래식이던 재즈이던 여러악기를 동시에 녹음하는 경우 늘 이렇게 메인마이크를 설치하는데요. 트리오이면 각 악기의 마이크들로만 잘 설치해서 믹싱하면 되지 않을까..하는 생각이 들지만 역시나 사람의 귀에는 무엇이랄까..이렇게 거리가 떨어져 있는 메인마이크에서의 소리가 제게는 공간감이 훨씬 더 자연스럽게 들려서 이렇게 하는것을 좋아합니다. 메인으로 AB MBHO 604 와이드 카디오이드를 사용 사진 우측은 리코더 자리로. 가운데에는 피아노. 좌측에는 기타. 우측은 리코더식으로 약간씩 패닝이 되도록 연주자의 위치를 조정하였습니다. 과거의 명녹음을 많이 남긴 프로듀서가 세팅을 하는것을 보고 사람들이 이야기를 했다지요. '그사람은 녹음할때 연주자들의 의자 위치만 조정하는것같은데..소리는 정말 대단하다.."라고요^^ 세악기의 음량차이가 무척 많이 나기는 하지만 메인 마이크에서 어느정도 밸런스가 맞도록 위치를 조정하고 거기에 각 악기의 스팟마이크를 더하는 형식입니다. 저는 락음악도이렇게 한번 녹음해보고 싶어요 커다란 부스에 모두 들어가서 기타와 베이스 앰프에 잭 꼽고. 모두 한번에 연주하는것이지요^^ 그것을 메인으로 집음하고 각악기마다 마이킹을 해서 나중에 믹스하는 방식으로 말이지요. 처음에는 첫번째 사진처럼 두 마이크의 간격을 어느정도 넓게 해두었다가 최종적으로는 간격을 좁혔습니다.(스테레오바..ㅜ.ㅜ) 기타는 메인마이크에서 약간 좌측에 자리를 두었는데 처음에는 MG UM930을 설치해두었다가 최종적으로는 MG M300을 사용하였습니다. 이 마이크는 꼭 적재적소에서 대활약을 해주는것 같아요. 마이크의 위치는 소리를 들으며 여러번 부스와 컨트롤룸을 왔다갔다하며 조정을 하였습니다. 기타 마이킹은 거의 비슷해보여도 녹음할때마다 한번도 같은곳에 둔적이 없이 매번 바뀌게 되는것 같습니다. 다만 저는 클래식기타 마이킹에는 이 사진처럼 마이크와 기타의 네크가 같은 선상에 있는것을 선호하는 편입니다. 리코더는 피아노 듀오때와는 마이크 선택을 바꾸어 보았습니다. 듀오때 약간만 소리가 FAT(뚱뚱하면 좋겠다)라는 생각이 들어서 다이어프램이 큰 MG M930을 사용했는데요. 녹음하고 나니 아티스트과 프로듀서에게 이야기를 하지는 않았지만 마음속으로는.. 아까 듀오도 이 마이크로할걸..ㅜ.ㅜ 이라는 생각이 들더군요 MG M390은 중역이 밝은 편이라 리코더 소리의 통울림 소리를 아주 좋게 잡아주었습니다. 여기서 그런데 한가지 이사진을 먼저 한번 보시지요 사진을 보시면 리코더 마이킹 가장 최종 사진인 처음 사진과는 보면대 위치가 달라져 있는데요. 저는 보면대 위치에 아주아주 신경을 많이 쓰는편입니다.(보컬녹음때도) 거의 마이크의 위치만큼이나 보면대 위치에 신경을 많이 쓰는데요. 중요한것은 악기의 소리가 정확하게 마이크로 집음이 될 수있으면서 연주자가 악보를 보기 편한곳에 반드시 보면대를 두어야 한다는 것입니다. 얼핏보면 아주 사소하고 기본적인것이지만 이것에 관한 소리의 차이는 정말 어마어마 하게 나지요. 소리가 약간 이상해서 올라와보니. 역시 리코더연주자가 마이크의 지향각에서 많이 벗어난. 좌측으로 향해서 연주를 하고 있었습니다. 그래서 비교적 마이크의 정면방향으로 소리가 들어올 수 있도록 보면대 위치를 수정한것이지요. 피아노마이킹은 지금까지와는 조금 다른 시도를 해보았습니다. 스테레오바에 AKG C414BUSL를 달아서. 뚜껑의 가장 윗쪽에 설치를 해보았는데요. 뭐랄까..공간감이 있으면서도 풍부한.. 독특하면서도 매력있는 소리를 들려주었습니다. 글을 이틀에 연달아 쓰니.. 처음 쓰려고 했던 내용이 잘 기억이 나지 않네요^^ 이렇게 녹음한후 사무실로 와서 새디에서 믹싱과 마스터링을 완성하였답니다. 앨범은 내년초에 발매가 될 예정이고요. 늘 녹음이라는것은 할때마다 많은것들을 남겨주는것같아서.. 그래서 참 재미있고 참 행복한것 같습니다. *네이버 블로그에는 사진과 글이 함께 올라가 있습니다. http://blog.naver.com/audioguy1.do