가족들과 함께 싱가폴로 와있는 늦은 새벽밤.함께 일하는 식구들의 업무메일을 보고 문득 침대에 누워 어두워진 천정을 바라 보며 마이크에 관해 생각을 하게 되었습니다.하지만 문득 드는 생각이 어떠한 상황에서 다이나믹 마이크를 사용해야 하고. 또 어떠한 상황에서 콘덴서 마이크를 사용하는 것에 관한 이야기를 지금까지 거의 보지 못했지? 하는 물음이 떠로읍니다.물론 이에 관한 정답이 없으니 이러한것을 책으로 쓰거나 하기는 그렇다는 상투적인 이야기는 이제 좀 접어두고여러분들은 어떠할때 다이나믹 마이크를. 그리고 어떠할때 콘덴서 마이크를 사용하시는지요?.이에 관한 물음이 생기게 된것은 재즈음악 녹음을 주로 하는 오디오가이 스튜디오에서는 재즈 킥드럼 녹음에 DPA 4006 를 즐겨사용합니다.그런데 함께 일하는 식구들의 업무메일에서 킥을 세게 연주하는 드러머에게는 4006 이 결과가 좋지 않았다 라는 것이었는데요.콘덴서와 다이나믹 마이크의 사용에 관한 참으로 단순한 부분들이여러가지 상황들이 늘 달라지는 녹음실 환경에서는 딱 어떻게 정의하기가 어려운것이 사실이기도 합니다만.저만의 두 마이크 종류에 따른 차이점과 사용방법에 관해 조금 이야기를 해보고자 합니다.저도 이부분에 관해서 침대에 누워 정리를 한번 해보았는데요.몇가지로 나눌 수 있겠습니다.먼저 다이나믹은 읍량이 큰 음원에. 콘덴서는 음량이 작은 음원에 더 좋은 결과를 가져온다? 라는 것에는 저는 위와같이 생가하지 않습니다.음량이 큰 퍼커션 녹음에 가장 선호하는 마이크가 저는 DPA 4011A 이니까요.이 마이크는 가깝게 사용해도 근접효과가 적어 음색이 자연스럽고게다가 어택이 아주 빠르고 이에 따라 소리가 선명합니다.그래서 타악기의 어택을 제대로 녹음하는데 있어서 정말 훌륭한 "콘덴서" 마이크이지요.꼭 어택이 강하고. 음량이 큰 음원들은 습관적으로 다이나믹 마이크로만 녹음을 하는 경우가 있는데너무 한가지 방법만 고수하면 10년 20년이 지나도 사운드에 발전이 적지 않을까 합니다.(물론 믹싱하는 실력은 좋아질 수 있겠지요)과거에 드럼(재즈) 드럼 녹음에 콘덴서 마이크만을 한동한 고수하다가 지금은 필요한 곳에만 콘덴서 마이크를 사용하고 스네어는 대부분 다이나믹으로 할때가 많은데요.늘 콘덴서로만 스네어 탑과 버텀을 사용하다가. 한 재즈 드러머가 본인의 스네어 탑 마이크에 강력하게 슈어 57을 요구해서마지못해 사용핸적이 있었습니다.음색이야 여타 다른 콘덴서 마이크가 더 좋은 면도 있었지만 이때 알게되었지요내가 드러머라면 나의 노래의 "발음"이 정확하게 표현되는 슈어 57을 선호할 수 있겠구나...하고 말이지요.콘덴서 오버헤드 사이에 가운데 위치하는 스네어에 콘덴서를 함께 사용해서 자연스러운 공기감을 만들어 내는 것도 좋지만(게다가 이 경우는 스네어 마이크에 킥드럼 사운드가 앰비언스로 들어가서 킥사운드의 깊이감을 얻을 수 있기도 하지요)콘덴서 사이의 분명한 발음의 다이나믹 마이크가 연주하는 느낌을 오히려 더 정확하게 표현을 해주었습니다오히려 스틱 보다도 브러쉬를 할때 이부분이 더욱 더 분명하게 느껴져이후로는 재즈 드럼의 스네어에도 대부분 콘덴서가 아닌 다이나믹을 사용하는 경우가 많아지게 되었습니다.재즈음악에서의 킥드럼의 경우도오디오테크니카 ATM25 와 DPA4006 중 하나를 사용하는것이 많은데드러머가 킥을 밟은 그 순간의 느낌을 표현하고자 한다면 다이나믹 마이크를그보다는 킥을 밝고 나서의 울림을 녹음하고자 한다면 무지향성 콘덴서인 4006을 사용하게 되었습니다.저는 한 음원에 여러대 마이크를 사용해서 섞어서 사용하는 것보다는최소환의 마이크로 내가 원하는 소리를 얻을 수 있는 정확한 마이크 포지션에 두고 녹음을 하는 것이 더 좋더군요   믹스할때. 각 마이크별 채널로 소리를 들어보는 시간에녹음할때 그부분들을 미리 생각해서 믹스에는 악기 하나하나의 음색보다는전체적인 음악적인 뉘앙스나 앙상블을 고려하여 믹싱에 집중을 하는것이 더 좋은 결과를(특히 프로듀서나 아티스트가 만족하는) 얻을 수 있다고 생각합니다.갑자기 머릿속에 이 콘덴서 다이나믹 외에도 지향성에 관한 생각들도 막 떠오르고 하는데요.이것은 다음번 글에서 이야기를 해보도록 하고자, 그럼어떨때 콘덴서 마이크를 사용하고어떨때 다이나믹 마이크를 사용하는 것일까요?과연 이 두마이크의 가장 큰 차이점은 무엇인가요?(구조적인 내용은 책에 나와있습니다.)제가 재즈음악과 더불어 클래식 음악 녹음을 자주 하기에 이렇게 생각이 들게되는것일런지는 모르겠습니다만.전 역시 두 마이크의 차이를 "직접음과 간접음(반사음)"으로 구분합니다.확실히 위에 드럼의 스네어의 "발음"을 이야기한것은 "직접음"에 해당합니다.내가 어떤악기의 녹음을 한다고 생각해봅시다.마이크의 선택은??스튜디오에 있는 무조건 제일 비싼 마이크를 가져다 두어라? (확실히 완전히 틀린 이야기는 아닙니다.)아니면 그냥 무난하게 노이만 87을 설치해라?(역시 틀린 이야기는 아닙니다.)두 마이크 종류에 따른 음색을 떠나서내가 음원의 직접음만을 녹음하기 위한 다면 "다이나믹 마이크"를직접음과 간접음을 함께 녹음하기 위한 다면 "콘덴서 마이크"를 사용해보기를 바랍니다.그렇기 때문에 직접음과 간접음의 비율이 가장 중요한 클래식 음악 녹음에서는 다이나믹 마이크가 활약할 일이 그리 많지 않겠지요. - 그러나 합창이나 스트링 스팟 녹음에 있어서 리본 마이크가 주는 그 무지무지 멋진 소리도 놓칠 수는 없을 것 입니다.늘 콘덴서 만을 고집할 필요는 없다고 생각합니다.내가 음원의 직접음을 위주로 녹음을 한다면. 양질의 다이나믹 마이크들이 어지간한 콘덴서 보다 훨씬 더 좋은 소리를 들려주지요.- 특히 베이어 다이나믹의 다이나믹 마이크들.(슈어 역시 빠질 수 없겠지만)그럼 이제 좀더 생각해볼까요?어택이 빠르고 선명한 DPA 4011같은 특출난 콘덴서 마이크도 있습니다만대부분 다이나믹 마이크들이 어택이 더 분명하고 선명하게 들립니다.이것은 반대로 콘덴서 마이크는 다이나믹 마이크에 비해서 소리의 여음까지 확실하게 녹음으로 담을 수 있지요 - 하지만 늘 녹음이라는 것이 모든 소리를 다 녹음하는것이 아니더군요. 결국은 내가. 그리고 우리가 필요한 소리를 녹음하는 것.그간의 엉자의 칼럼등에서 컴프레서. 이큐. 그리고 리버브에 이르기까지 늘 공통적으로 나오는것이 ADSR  이žZ지요여기서도 또 ADSR이 등장합니다.A 와 D 라 중요하다면 다이나믹 마이크를A 와 D 가 물론 음의 시작이니 중요하기도 하지만 나는 음이 사라지는 S 와 R 이 꼭 함께 있어야 해, 라면 콘덴서 마이크를선택해보시기를 바랍니다.다이나믹 마이크는 둔하고 콘덴서는 섬세하다?라는 음색적인 편견으로 다이나믹 마이크와 콘덴서 마이크를 편가르지 않았으면 좋겠습니다.콘덴서에 투자하는 좋은 마이크프리로 다이나믹 마이크를 충분히 올려보면. 놀랄만큼 섬세한 소리의 다이나믹 마이크들도 많이 있습니다.물론 사람에 따라서 "섬세"의 관점과 기준이 다를 수는 있겠지요.그럼 다음 칼럼의 예비주제인 "지향성"으로 가기전에 잠시 브릿지 역할로 오픈된 공간에서 여러악기를 동시에 녹음할때는? 이라는것에 관해 잠시 생각해봅시다.오디오가이 스튜디오는 라이브한 상황의 풀사이즈 그랜드 피아노가 있는 라이브 룸에 주로 드럼을 녹음하는 흡음룸그리고 콘트라베이스를 녹음하는 용도겸 휴게실로 사용하고 있는 노출콘크리트 벽으로 되어있는 룸이 있는데요.종종 피아노가 있는 룰메서 여러악기들을 동시에 녹음하기도 합니다.특히 스튜디오 콘서트 때는 메인부스에서 피아노 드럼 베이스 그밖에 다른 솔로악기들을 동시에 녹음하지요.이렇게 한공간에서 여러악기들을 동시에 녹음할때는 다이나믹 과 콘덴서 마이크를 어떻게 사용하는 것이 좋을까요?한공간에서 녹음을 할때는 각 마이크들에 여러 악기들의 소리가 아름답게^^  섞여서 들어오기도 하지요.오디오가이 스튜디오 콘서트 처럼. 각 악기들의 배치를 관객이나 연주자들의 모니터 등 여러가지 요소들을 고려해야 할때는 다이나믹 마이크를그렇지 않고 녹음때처럼 연주자들의 위치나 그러한것을 내가 조정할 수 있다면 콘덴서 마이크를 사용합니다.얼마전 피아노 첼로 베이스를 녹음시. 피아노의 꼬리부분을 기준으로 마이킹을 하고. 그 뒤에 콘트라베이스를 배치.이것은 피아노 마이크에 들어오는 콘트라베이스의 소리를 가운데서 들리게 하기 위함이었고그 옆에 첼로를 위치한것도 피아노 마이크의 스테레오를 기준으로 약간 왼쪽에서 첼로 소리가 들리도록즉 피아노의 두개의 마이크가운데 왼쪽 마이크(저음)에 첼로소리가 오른쪽 마이크보다 좀더 많이 간섭음이 들어가게 연주자의 위치를 선택이때는 메인 마이크를 설치하지 않았음으로 피아노 마이크를 메인 마이크의 기준처럼 사용하였습니다.그리고 각 첼로와 콘트라 베이스는 모두 MS 로 녹음 MS 로 녹음하는 것을 선호하는 것은 각 첼로와 콘트라 베이스 마이크에 들어오는 다른 악기의 간섭음이 스테레오로 들리게 하도록,오픈된 공간에서 동시에 녹음시 스팟마이크를 모노로만 사용을 하면그 마이크에 직접음과 반사음의 시간상의 거리가 짧아지지만스팟마이크를 스테레오로 사용하면직접음. 그다음에 반사음이 좀더 분명하게 표현되어결과적으로 더 깨끗한 소리를 얻을 수 있기 때문입니다.이렇듯 연주자의 위치와 마이크 세팅등을 자유롭게 내가 선택할 수 있는 상황에서는 콘덴서 마이크를 선호합니다(아직은 국악기 제외)위에서 이야기한것처럼 다이나믹 마이크에 비해서 콘덴서 마이크가 간접음(반사음)이 훨씬 더 아름답게 녹음이 되기 때문입니다하지만 이렇게 하려면 연주자의 위치가 아주 중요합니다.때로는 마이크의 위치나 종류를 열심히 바꾸어보는것보다연주자의 위치를 바꾸는것으로 훨씬 더 쉬우면서도 더 좋은 소리를 얻을 수 있습니다.새벽에 불다 끄고 컴퓨터 모니터 밝기를 최소화 하고 하는데도 눈이 너무 부시네요.그럼 다음번에는 기약은 없지만 마이크의 "지향성"에 관한 이야기를 한번 해보도록 하고(하지만 그날의 기분에 따라서 다른 주제가 나올 가능성이 더 많습니다.^^) 이만 마치겠지만무엇보다도 오디오가이에서 함께일을 하는 식구들에게 이글이 도움이 되었으면 좋겠습니다. 

아직도 얼마나 많은 분들이 레코딩 스튜디오에 "인턴"으로 입사를 해서 레코딩 엔지니어라는 직업을 희망하시는지는 잘 모르겠습니다.   이번에 새로운 구인에서 처음으로 알게된것은.   꼭 레코딩 엔지니어를 하고 싶어서가 아닌. 그냥 음악에 관계된 무엇인가 일을 하고는 싶은데. 현재 마땅하게 하고 싶거나 해야할일을 찾지 못한분들이 무척 많아서 놀랐습니다.   늘 음악계 상황이 좋지 않다. 스튜디오의 상황들이 좋지 않다..라는 푸념식의 이야기들이 참 많이 들려옵니다만   여러가지 환경이나 상황을 탓할 시간에 내 자신에 대해서 오히려 좀더 찾을 수 있는 시간들을 많이 보냈으면 좋겠습니다.     며칠전 절친한 레코드팩토리의 박종희 대표님과 통의동 고희에서 함께 브런치를 들면서 이야기를 나누었었는데 이 내용을 한번 남겨보고 싶어 오랫만에 컴퓨터 앞에 앉아 자판을 두드려 봅니다.     사실 저는 그동안 "인턴"이라는 것이 오디오가이팀에는 존재하지 않았습니다.   "인턴" 이라는 말은 무엇인가 가족보다는 너무 멀게느껴진다고나 해야할까요?     특히나 급여부분에 관해서 인턴이라고 하면 무조건 너무도 적게 주는것이 마뜩하지 않아,   제 능력이 가능한만큼은 함께하는 식구들에게 아주 조금이라도 더 많이 드리고 싶은 마음이 늘 간절합니다.   그렇기 때문에 제대로 급여가 지급이 되지 않은 인턴 이라는 존재는 제게 있어서 많이 어색하기도 했었습니다.     그런데 갑작스럽게(?) 매일 같이 오전에 통의동 오디오가이 스튜디오로 출근을 하는 인턴이 2명이나 생기게 되고   저외에도 함께 하는 녹음실장님 한분. 그리고 이달중순부터는 레코딩엔지니어분이 한분 새롭게 오시기로 되어있어서.     오랜시간 저나 남송지씨 그리고 한분 더 해서 대부분 2명 혹은 3명이서 꾸려갔던 오디오가이가 이렇게 많은 인원이 있어보기는 처음입니다.   뭘 5명가지고 많은 인원이라 그러느냐 생각하시는 분들도 많이 계시겠지만.     큰 회사의 대표스타일이 되지 못하는 저는 식구가 세명만 넘어도 소통과 대화에 전전 긍긍 한답니다..ㅜㅜ.     함께 일하는 사람이 내가 좋아하는 음악과 소리를 저만큼 좋아하고, 그래서 함께 할 수 있다면 더욱 더 좋을 것같다고 늘 생각은 하는데   음악이라는 것을 좋아해서 모였더라도 서로의 취향과 경험이 모두 다른만큼 현실적으로는 이렇게 되기에는 어려운 부분도 있는 것 같습니다.     그래서 사실 "교육생"같은 인턴의 존재는 제게 있어서 불편함이 있는 것도 사실입니다.   이사람이 우리와 함께 정말 긴시간 함께 할 수 있다는 확신이 있는것이 아니기 때문에   그저 한발자국 뒤에서 작업하는 환경들을 그저 바라만 보고, 그밖에 스튜디오의 여러가지 업무들을 하기도 하는 등등..   솔직히 이야기 하자면 마음을 주고 가까워 지기도 망설여 지기도 합니다.   그간 거의 100명정도의 레코딩 엔지니어를 지망하는 사람들과 길던 짧던 함께 일을 해본결과.   점점 새로온 식구들에게 마음을 닫게 되더라구요.   그렇지 않으면 마음을 열고 할 수 있는 것을 최선을 다했지만   냉정하게 우리가 사랑하는 공간을 떠나버리는 것을 경험하며 마음속이 여기저기 할퀴어 지다 보니   이내 지금은 새로운 식구의 기대와 뜨거운 마음보다는   어쩌면 조금은 냉정하고 심드렁해지는 것일런지도 모르겠습니다.     사람을 알게되고 만난다는 것이 얼마나 두근거리는 일인지요?   반면에 떠나가고, 그리고 잊혀진다는 것역시 얼마나 가슴아픈 일인가요?     이것이 참...어렵더라구요.     그럼 본론으로 들어가서 인턴엔지니어들에게 하고 싶은 이야기,   지난 다시 시작한 레코딩 메뉴얼 [6] 을 한번 미리 보시면 좋겠습니다.   http://audioguy.co.kr/board/bbs/tb.php/c_audioguy/1175       위에서 이야기한 청소에 관한 것은 다시한번 이야기를 하고 싶네요.   요즘도 스튜디오의 식구들은 과거보다 훨씬 더 늘었지만 오전에 일찍 믹싱할때마다 컴퓨터 모니터에 정신없이 뭍어있는 손자국들.   기기들 데스크위에 있는 먼지들,   가끔씩 케이블이라도 한번 뺏다 껴놓으려고 하면 쉽게 발견할 수 있는 오랜시간 컨트롤룸안에서 숙성되어있는 먼지 덩어리들.   엘레베이터 4층에 내려서 오전에 가장먼저 보게되는 것은 맑고 깨끗한 창문이 아닌 먼지로 뿌연 창문과 문틀,     청소와 정리정돈의 중요함은 나중에는 결국 깨닫게 됩니다   무엇인가 바쁜 녹음세션중에 케이블 하나를 찾으려고 서랍채로 사람들 다 있는 부스안에서 케이블들을 뒤적거리는 모습을 아티스트들에게 보이는 것은 어떨까요?  본인이 근무하는 곳에서 어디에 무엇이 있는 지조차 잘 모르고 일을 한다는 것은 너무 창피한 일입니다.     그렇기 때문에 평소에 확실하게 정리 정돈을 하고.   우리처럼 로케이션 레코딩이 많은 경우는 기기들이 이동이 많기 때문에 더욱 더 중요하지요.   외부에서 사용했던 마이크케이블들은 또 먼지 투성이라 스튜디오안으로 정리할때 한번씩 닦아서 넣어주면 좋을 것 같습니다.     그리고 인턴기간 혹은 학교나 아카데미에서 교육을 받고 계신 분들에게.   스튜디오에 인턴이나 어시스트 엔지니어로 입사하기 전에 미리 꼭 배웠으면 하는 부분 3가지만 이야기를 드리고 싶습니다.   첫번째, 프로툴을 능숙하게까지는 아니더라도 그리고 꼭 단축키를 재빠르게 사용을 해야하는 것이 아니더라도 각 메뉴들의 기능들에 대해서 꼼꼼하게 파악을 하고 있을 것, 특히나 기기들의 컴퓨터를 포함한 기기들의 셋업들에 관해서.   두번째, 레코딩 스튜디오라는 곳에서의  기본적인 "시그널 플로우"를 확실하게 파악을 하고 이해를 하고 있을 것   제가 늘 로케이션 레코딩을 하거나 스튜디오에서 셋팅을 할때마다   기기를 설치할때는 "신호의 흐름대로"   녹음이 끝나고 기기의 전원을 끌때는 "신호흐름의 반대로"   기기를 철수할때도 "신호의 흐름대로"   정말 이부분을 많이 강조하고 있는데요.   인턴 시절에 시그널의 흐름이 어떻게 되는것인지 확실하게 알고 있어야.   스튜디오 안에서 보내는 시간이 헛되지 않습니다.   이것을 알고 있지 못하면 세션들을 참관하더라도. 거기서 무슨일이 벌어지고 있는지 그저 처음에는 조금 신기하다가 이내 지루한 시간만 갈뿐 아무런 도움이 되지 못합니다.   마이크부터 시작해서 스피커에 이르기까지,. 레코딩의 시그널의 흐름에서 부터   믹싱을 하면서 마스터링을 끝나고 마스터 CD가 나오기 까지의 과정과 흐름에 대해서 먼저 완벽하게 알고 있어야 합니다.   당장 마이킹을 어떻게 하고. 플러그인을 어떻게 사용해서 믹싱을 하는 등의 것은 사실상 인턴에게는 크게 중요하지 않을 수 있습니다.     마지막 세번째.   저는 이부분을 가장 중요하게 생각하는 데요.   함께 녹음을 진행하는 아티스트와 프로듀서들과의 원활한 소통이 될 수 있도록 해주세요   녹음 작업이라는 것은 수 많은 대화와 소통의 연속인데   여기서 문제가 생긴다면 실제로 좋은 녹음으로 만들어지기가 어렵겠지요?    적어도 내가 무엇인가를 배우고 싶어서 레코딩 스튜디오라는 곳에 인턴으로 왔다면   녹음세션중에 핸드폰으로 게임을 한다던가   그저 아무생각없이 멍때리는 것 같은 모습을 사람들에게 보이는 것보다는   내가 지금 할 수 있는 것이 아주 작은일이라도 무엇이 하나 더 있을까 늘 살펴봐주세요.     물론 이때문에 프리앰프의 전원이 꺼지기는 했습니다만^^ 어제 루터교회에서의 합창녹음때 사람들이 추워할때 제가 히터를 가져다 준것 처럼 말이지요.   사람들이 무엇을 필요로 하는지.   그리고 세션을 진행하는 저나 실장님에게 필요한 부분은 무엇인지 늘 생각하고 보고 또 보고 주변을 살피고   함께 하는 사람들이 꼭 무엇이라고 이야기를 하지 않아도 그 상황과 공기감을 느끼면서 내가 할 수 있는 일을 먼저 찾고 발견해주세요.       2-3년전엔가 한달정도 스튜디오에 와서 도와준 레코딩엔지니어가 있었는데   이친구가 있던 한달동안 저는 정말 정말 작업에 집중할 수 있었습니다.   믹싱이 스케줄러에 있는 날이면 제가 굳이 그 세션을 열고 준비해놓아 주세요.!   이말을 한달동안 단 한번도 한적이 없습니다. 늘 완벽하게 청소를 해놓고 믹싱 세션 준비를 해놓았고   믹싱을 할때도 트랙과 파일정리들이 완벽,   아주 작은 BUS 하나등도 제가 사용하기 쉽게 필요한것들만 생성되도록 세션을 만들어 놓고.   그의 세세한 배려에 정말 정말 감사했고.   작업에 훨씬 더 집중할 수 있어서 좋았습니다.   물론 그만큼 결과도 더 좋게 나왔다 생각합니다.       스튜디오에서의 인턴 혹은 어시스트 엔지니어는 그 안에서 핸드폰 게임이나 할 시간은 없습니다.   그런사람은 굳이 렌탈 스튜디오에 있을 필요가 없으리라 생각합니다.   무엇인가 스튜디오에서 시간이 남아있다면 스튜디오 안에 기기들과 악세사리들이 어디에 위치해 있는지도 둘러보고   함께 일을 하는 제가 어떻게 생각하는지 여러가지 오디오가이 칼럼들도 잃어보고,   또는 궁금한점이 있으면 저나 실장님에게 물어보고,   그래도 시간이 남는다 싶으면 우리 스튜디오에 있는 기기들의 메뉴얼이라도 꼼꼼하게 읽어보는 것이 어떨까요?     무엇인가 알고 있고 준비가 되어있으면   결국 몸이 편합니다.   사람들은 스튜디오의 일들이 체력적으로 엄청 힘들다고 하는데요.   스튜디오에서 보내는 많은 시간들 가운데 좀더 철저하게 준비한다면 아낄 수 있는 시간들이 얼마나 많을까요?   아마도 하루에 두세시간 이상은 될겁니다..     지금 스튜디오에서 벌어지는 모든 일들에 관해서 유심히 살펴보고 기억하고(또는 기록하고)   그안에서 스스로의 존재를 발견해주세요   그저 컨트롤룸 한구석에서 사람들과 대화도 하지 않고 무시당한채로 투명인간 취급을 받는 것보다는   무엇 하나라도 사람들에게 좋은 인상을 줄 수 있도록 생각하고 또 생각하고 노력해주세요.   내가 잘 모르는것에 대해서 주저하지 말고 사람들에게 물어보세요.   물어보기가 창피하거나 망설여 진다면 스스로 찾아보세요.   이렇게 충실하고 진실한 시간을 보내다 보면 알게되겠지요.   나라는 사람이 어떤 사람인지. 원하는 것은 무엇인지 다시한번 확실하게 말이지요.     그저 가벼운 농담이나 하고 서로 잘 알지도 못하면서 친한척 하며 웃고 떠드는것보다는   저는 내안의 나 또다른 자신을 발견할때..   그리고 내가 가고 싶었던 것에 가까워 질때 이루어지는 쾌감이   훨씬 더 크네요..        

무척 많은 사진들.    오랫만에 블로그에 글을 올려보는 것 같네요.   얼마전 올림푸스 홀에서 스트링스 녹음을 했습니다.   여러 성악곡에 반주 녹음으로 스트링 악기외에 목관. 금관. 팀파니등이 함께 하였고요.     올림푸스홀은 참 이상하게도 오디오가이와 궁합이 좋다고나 해야할까요?   이곳서 녹음한 여러 음반들이 참 마음에 듭니다.   조정아, 김창현"잔향", 홍혜림 등등.     오랫만에 찾은 올림푸스홀은    역시나 잔향이 참 좋습니다.     이번에 대구 그랜드 콘서트홀 건축음향 측정을 하면서 깨달은것이 있다면   잔향이 오히려 너무 밝으면 음악에 좋지 않은 여러가지 요소들이 생긴다는것.     반면에 올림푸스 홀은 적당히 고역에서 흡음이 되고. 길이가 충분히 긴 잔향이 깨끗한 원음 + 자연스러운 반향음을 얻을 수 있게 만들어주는 곳입니다   게다가 이곳의 스타인웨이도 아주 소리가 좋습니다.   객석뒤에 DPA 4006 무지향성 마이크를 AB로 설치해서 앰비언스.   사실 앰비언스라는 것은 말그대로 리버브로도 만들어 낼 수 있는 앰비언스. 일것 같지만.   이것으로 인해서 오케스트라에 "깊이감"이 생깁니다.   이것은 리버브로 만드는 깊이감과는 확실히 차이가 있습니다.     메인은 숍스 NOS 로 메인 마이크 역시 관객석 중간에 두었습니다.   올림푸스홀은 사진에서처럼 올 윗쪽은 흡음으로 되어있는데 심플하지만 참 좋은 아이디어라 생각합니다.   실제 소리도 아주 좋습니다.   각 파트별 스팟마이크를 사용.   그리고 스트링스 좌우 사이드로 노이만 TLM170R 을 AB로 해서 스트링스의 좌우를 너 넓게 하는 용도로 사용하였습니다.   이러한 마이크라고 해서 살짝만 사용이 되는것은 아니고 상당히 많은 부분 사용이 됩니다.   오히려 스팟의 비중이 더 적은 편이지요.   스트링스녹음에서 스팟은 사실상 믹싱시에 "지휘자가 원하는 음악밸런스"를 맞추어 주기위한 용도로만 사용이 될때도 많습니다.     이번에는 목관 금관도 있었는데.   금관은 객석쪽에 앰비언스 마이크 있는곳에서 연주를 하였습니다.^^    메인 마이크 뒷쪽으로 금관 소리가 들어가게 해서. 자연스럽게 오케스트라에서 더 넓은 무대에서 연주하는 것 처럼 "깊이감"을 만들었습니다   실제로 금관은 오케스트라에서 타악기 바로 앞. 거의 뒷부분에 향하고   스팟마이크도 잘 사용하지 않기 때문에.   메인 마이크와의 거리가 멀어서 음량은 클지라도 소리는 적당히 멀게 들리는 편입니다.   이번 올림푸스홀에서는 금관을 객석에서 연주를 하는것으로 이러한 효과를 생각해보았습니다.   피아노는 사진에서처럼 리드를 조금만 열고 하였는데.   베이어다이나믹 콘덴서 마이크를 사용한 MS 세팅.   피아노의 경우는 정확한 음상을 얻기 위해서 스팟마이크를 상당히 많이 사용하는 편입니다.   베이어 마이크들은 대부분 지저분한 저역이 없이 로우컷을 한것처럼 깔끔하게 녹음이 되어서 이런경우 참 잘어울립니다.   그리고 이번에는 좀 새로운 기기를 사용해보았는데요   독일 다이렉트 아웃 이라는 회사에서 출시된 안디아모 MC라는 제품으로   32채널 ADA 컨버터(물론 MADI 와 AES/EBU 지원) 게다가 마이크프리앰프까지 내장되어있습니다.   여기에 RME MADIFACE를 이용해서 프로툴스로 녹음을 하였는데   프리는 RME 파페 800 이상 컨버터는 파페800  정도의 성능은 나오는것같습니다.   앞으로 대규모 녹음에 종종 사용하게 될것 같습니다.  

올해 초 자라섬 재즈페스티발의 계명국 사무국장님에게 전화가 왔습니다.   가을에  자라섬 팀에서 프로그램을 담당하고 있는 광주 월드뮤직 페스티발에 내한하는 외국 아티스트와 한국 아티스트들의 음반녹음이었는데요.   늘 수많은 해외의 뛰어난 아티스트들이 우리나라에 와서 딸랑 공연만 하고 가는 것보다는   한국에 있는 아티스트들과 함께 그 무엇인가를 만들어 보면 참 좋겠다..라는 생각을 오래전부터 하고 있었는데   이번이 그러한 작업이 되었습니다.     근래 녹음들 가운데 가장 많은 생각이 들었던 작업이 아니었나 싶어요.   9월에는 녹음실이 눈코뜰새없이 바쁜터라 행복한 비명(?)을 지르고는 있습니다만   그래도 감당할 수 없을만큼 너무 많은 의뢰들이 들어오는 것은 또한 질적저하로 이어지는 것은 사실이기에.   오늘은 저는 하루를 푹 쉬고 느즈막한 저녁에서야 스튜디오로 나와서 남송지씨와 하이파이브로 바톤터치를 하고 작업을 하고 있습니다.   다행이 최근 오디오가이 스튜디오에 입사한 김보종군이 녹음진행을 잘 해주고 있어서   저는 녹음세션중에 이러한 글을 쓸수도 있어 참 좋으네요.^^     한 중 일 프로젝트팀 녹음으로 지난 토요일, 그리고 월요일 녹음   마침 폴커비 트리오의 녹음도 토요일부터 있어서 토요일 녹음은 오랫만에 상암동에 CS 뮤직앤 녹음실로 갔습니다.   드럼은 사이먼바커라는 호주 드러머   "땡큐 마스터 킴"이라는 영화의 주인공이기도 합니다.     오버헤드는 DPA 4011 그리고 각 드럼셋에 킥에 오테 ATM25. 마운티드 탐에 ATM23, 플로어 탐은 ATM25   그밖에 스네어 SM57 등등..   이번에는 어떻게 녹음했다는 기술적인 이야기보다는 조금 다른 이야기들을 해보고 싶네요.     아..어떤 이야기를 먼저 해야할지..   음악에 관한 이야기를 먼저.. 아니면 소리에 관한 이야기를 먼저..     우선 음악이야기부터.   이사람 사이먼 바커 라는 드러머 참으로 훌륭하더군요.   녹음하는 내내 음악과 연주를 들으면서 몸이 짜릿짜릿 했습니다   "우와..이사람의 드럼 연주를 국내의 보다 많은 드러머들에게 한번 들려주고 싶다.."   박재천 선생님의 "코리안 그립"을 제외하고서   지금까지 어떤 한국 드러머보다 이사람처럼 한국 전통 장단을 드럼으로 잘 표현하는 사람은 처음이고   그것이 외국인어서 충격이 아니라.   수준이 너무 높아서, 음악적으나 또한 대중적으로나,   우리음악이 가야할길이 과연 무엇인지, 드럼 연주 하나로 얼마나 많은 생각을 남겨주던지요.     당연히 드럼의 튜닝과 터치가 아주 뛰어나기 때문에 제가 지금까지 녹음한 드럼 탐 소리 가운데 가장 멋진 탐탐 소리로 녹음이 되었는데요.   이사람은 주로 탐을 많이 사용합니다.     처음에는 전 늘 상 녹음하는 재즈 녹음 세팅으로 탐에 마이크를 설치하지 않고 오버헤드와 킥 스네어만 두었는데,   테스트 녹음된 소리를 듣더니 소리가 너무 멀게 들린다며 스팟마이크를 더하였지요.     이번 녹음에서는 사운드 체크만 한 2시간 넘게 하였어요.   이야..풀 오케스트라 녹음을 해도 사운드 체크 시간은 30분 내외.   대부분의 오디오가이 스튜디오에서 녹음하는 재즈 세션은 사운드 체크 거의 10분 내외.   하지만 이번에는 거의 3시간 가까이 사운드 체크를 하였습니다.   모든 멤버들이 본인이 원하는 사운드로 확실하게 녹음이 되기 전까지는 절대 녹음 시작을 하지 않더군요   사운드 체크 3시간을 하고 녹음은 1시간만에 끝냈지만 이에 관한 불평은 전~혀 없었습니다.   서로 아이컨택때문에 사진처럼 드럼 바로 옆에서 콘트라 베이스 녹음을 하였습니다.   베이스는 여성 베이시스트 린다 오   핑거링하는 손을 마치 춤을 추듯 연주를 하는 모습이 외국 사람들이 보면 참 보기 좋겠더군요.^^   소리가 너무 좋아서 클래식을 하다가 재즈로 전향을 한것인줄 알았는데. 베이스를 스무살넘어 시작했다 합니다.   사진처럼 스탠드에 카펫을 하는 것은 그녀의 아이디어였고   처음에는 다른 마이크를 설치했었는데   뉴욕 스튜디오들에서는 콘트라 베이스 녹음에 U47 아니면 거의 대부분이 U87로 녹음을 하기 때문에 꼭 U87로 셋업을 하고 싶다 하더군요^^   처음 세팅을 하는데 베이스에 사용하는 마이크의 브랜드를 물어보는것에 조금 당황하기는 했습니다만..   사진처럼 본인이 스탠드와 카펫을 설치하고   뒷벽에 고보를 설치해달라고 해서 여러 자리들중 자신의 소리가 좋게 울리는 곳을 찾아서 연주를 하는 모습   그리고 많은 베이시스트들이랑 녹음할때마다 제가 늘 하는 이야기.   "꼭 마이크 앞에 있어주세요.." 라는 이야기를 할 필요없이   헤드폰으로 마이크와 본인 악기의 거리감을 조정하며. 터치를 조정하며   자기만의 사운드를 만들어내더군요.   베이스 사운드 체크에만도 40분 넘게 걸렸습니다.   사실 사운드는 제가 좋아하는 소리와는 거리가 있는 전형적인 뉴욕 재즈 사운드 스타일.   저는 아주 가까이서 근접음을 집음해서 믹스하는 뉴욕 재즈 사운드 보다는   보다 클래시컬한 터치의 유러피안 재즈 사운드를 선호하는 터라.   재즈 녹음하면서 이번처럼 마이크들 가깝게 사용해보기는 또 처음입니다.   하지만 이렇게 하지 않았으면 제가 늘 하는 소리에서 이렇게 새로운 소리를 발견하는것이 더 어려웠을런지도 모릅니다.   U87에 로우컷을 해서 악기 아주 가깝게 설치하였고.   U87의 로우컷은 상당히 높은 주파수 부터 시작되기 때문에 근접효과가 거의 없고   드럼 옆에서 연주했는데도 악기와 마이크와의 거리가 가까워서 간섭음의 거리감도 적당합니다.     이날 녹음 끝나고 조금은 격양된 기분으로 아내에게 이날 녹음세션에서 있었던 일에 대해서 이야기를 했습니다.   본인만의 사운드를 지니고 있는 아티스트들과 녹음작업을 하니 정말 너무너무 즐거웠다고 하니..   아내가 한마디 하더군요.   만약 당신에게 이렇게 저렇게 사운드에 대한 이야기를 했던 사람이 외국 사람이 아닌 한국 사람이었어도 여보가 같은 반응이었을까?^^ 하고요.   하지만 외국 사람. 한국 사람을 떠나서   단지 이친구가 웨인쇼터밴드에서 베이스를 하고 요즘 뉴욕에서 엄청나게 잘 나가는 것을 떠나서(사실 전 이번에 이름 처음 들어보았습니다.^^ 하지만 연주는 정말 훌륭했습니다.)   모두들 본인들이 생각하는 사운드가 확실하게 정립되어 있고(아마도 수많은 레코딩의 경험을 통해서 일까요?)   이 사운드가 나오기 전에는 절대로 녹음을 그냥 시작하지 않습니다.   드럼. 베이스. 곧 이야기할 피아노도   귀가 좋은 아티스트들이랑 작업을 하니까 정말 너무너무 재미있더라구요!!   저도 늘 하는 세팅에서 무엇인가 다르게 해보고 말이지요.   피아노는 일본사람 하쿠에이 킴   마이크는 베이어다이나믹 MC930 페어를 사용했습니다.   가격은 착한데 정말 녹음에 사용할 수 있는(!) 마이크 입니다.   아무리 가격대비 성능이 좋은 마이크들이 세상에 많이 존재한다 하더라도   한두번 테스트해보는것이면 몰라도 실제 제 녹음에 사용은 잘 하지 않는 편인데.   이 마이크는 사용했습니다!!   피아노에 소리 좋습니다!!   마이크는 사진과 같이 세팅   실제는 훨씬 더 가깝습니다.   아마도 마이크와 현과의 거리가 약 10cm가 될런가요?  피아니스트 그리고 함꼐 사운드를 듣고 있는 베이시스트도 제가 처음에 한 세팅보다 이 세팅이 더 좋다 하더군요   역시나 전형적인 뉴욕 재즈 피아노 사운드 스타일   어택이 아주 강하고 또랑또랑한   저는 이보다 좀더 공간감이 있고 여운이 있는 소리가 좋은데 말이지요..   그런데 드럼과 장구의 복잡한 리듬의 조화속에 순간 순간 번뜩이는 피아노 사운드는 이것이 맞더군요.   대금과 장구에는 민영치님   오래전 그가 연주하는 영상을 보고 마음을 쏙 빼앗긴적이 있었는데 이번에 녹음으로 만나게 되어 얼마나 두근거렸는지 모릅니다. 하하하^^   사이먼이 연주하는 드럼 장단에 정말 탄성이 나올정도로 절묘하게 장구가 함께 합니다.   드럼이 먼저 나오고 중간에 장구가 나오는데요   장구가 피아니시모로 차고 들어가는 그 순간이 정말 연주자의 양손의 채의 움직임이 마치 눈에 보이는 것 같아요.   이렇게 연주하기 어려운 음악을 정말 즐겁고 재미있게 연주하는 이들을 보면서 진짜 진짜 많은 생각이 들었습니다.     녹음이 8시에 끝나고 늦은 저녁식사를 하고 10시부터 스튜디오에서 믹싱을 했습니다.   저는 보통 12시에는 작업을 땡, 하는 편인데 이날은 새벽 2시넘어서까지 정말 즐겁게 믹싱을 하고 돌아갔습니다.     며칠후 피아니스트에게 아래와 같은 편지가 왔더군요   Hi Joon Hoon,How are you doing?I've just arrived in Tokyo now.I just want to thank you for ask you have done for us at the recording session the other day.It was such a wonderful experience for me:)Please thank the other engineers too.Again, thank you so much for your musical passion and I hope to work with you in the near future again.Please take care and all the best and luck to you!Hakuei Kim/ハクエイ キム (pianist, composer)     정말 저에게도 의미가 있었고 즐거운 작업이었습니다.   토요일이 지나고 월요일,   이날은 오디오가이 스튜디오에서 2팀의 한중일 프로젝트 녹음이 있었습니다.   녹음하느라 사진을 담지 못해 아쉽네요.   비파. 거문고, 타악기의 트리오.(피처링 보컬)   비파에는 숍스 MK4   거문고에는 처음에는 C24 MS로 했다가   노이만 TML170R 과 140 MS 로 했다가   거문고 연주자분이 사운드 체크중에   "여기서 들리는 거문고 소리가 너무 좋으네요. 이렇게만 녹음되게 해주세요!" 하시는 말씀에   얼른 더미헤드 마이크를 설치하니 그때서야 마음에 드는 소리가 만들어졌습니다.그런데 사운드를 함께 듣던 일본 드러머가 사운드 홀에 보조 마이크를 사용하는 것을 추천하더군요   저는 가야금의 경우는 사운드홀에 설치하는 것이 그리 마음에 들지가 않았습니다.   소리의 배음이 없고 기본음만 있는 느낌   조금은 망설여 졌지만 이곳에 PZM 마이크를 설치   드러머는 다이나믹 마이크 설치를 권했지만 이것은 PA 가 아닌 레코딩이니까 다이나믹보다 PZM 이 훨씬 더 자연스럽고 좋은 사운드를 얻을 수 있으리라는 확신이 있었습니다.   거문고 사운드 홀에 PZM을 설치해서 더미헤드 마이크와 믹스를 하니   정말 "실제의 거문고 소리"가 녹음이 되더군요.   소리를 들으면서 생각했습니다.   이날 함께한 일본 드러머. 중국계 여자 보컬, 이사람들은 어떻게 이렇게 거문고의 소리를 잘 알고 있는 것일까?   물론 오랜시간 함께 연주를 해서 그렇다고 하겠지만   그것을 명확하게 구현해내는것에 놀랐습니다.   이 팀역시 본인들이 원하는 사운드가 나와야 녹음을 시작합니다.   하하하..       요즘 스튜디오의 스케줄때문에 녹음은 엄청나게 쌓이고 있고   후반작업들을 거의 하지 못하고 있는 상황이라 믹싱등을 하고 있지는 못합니다만   이번 녹음작업을 통해서   내가 그리고 오디오가이 레이블이 나아가야할 방향이 무엇인가   또한 내가 마음속에서 진짜로 하고 싶은것이 무엇인가를 찾을 수 있었던 계기가 되었습니다.       이번 ECM 전시(아라아트센터 9월말까지)를 위해 한국을 찾은 만프레드 아이허의 이야기들을 들으면서   그 주변에 있는 뛰어난 연주자들이 참으로 부러웠는데   내가 있는 한국. 그리고 일본 중국에도 유럽에 몾지않은 정말 뛰어난 아티스트들이 많이 있다는것을 말이지요.   물론 ECM 처럼 조금은 서정적인 음악들을 좋아하는것에 반해   동양의 아티스트들의 음악은 좀더 날것의 느낌. 아주 음악에 힘이 느껴진다고나 해야할까요.     국악에 대한 관점도,   본래 거의 즉흥음악이나 다름없었던 국악이 갈수록 정형화 되고 그 정형화를 탈피하고자 하는 시도또한 팝음악의 모방에 그치지 않은 부분들에서   한국의 음악(국악)으로 함께 만들어가고 나아가야 할 부분들이 과연 어떠한 것일까..   나름의 결정을 내릴 수 있게 되었어요     누가 종종 쓰는 단어인데요   유사 재즈. 유사 음악..   몇십년동안 늘 우리것을 찾자고 이야기들을 하지만   좀더 새로운 것을 찾아나아가고 싶은 마음이 들었습니다.   그안에 분명 우리것이 있을 것 같아요.     앞으로 오디오가이 레이블에서 나올 즉흥성에 기반한 국악과 현대 음악들의 조화.   많이 기대해주셔요!!!    

 지난주 월요일부터 금요일까지. 제주도에 오디오가이에서 함께 하는 식구들 모두와 다녀왔습니다. 제주도에서는 오래전부터 꼭 이곳에서 녹음을 해보고 싶다.. 하는 마음이 있었는데.  여행도 여행이지만 이렇게 녹음작업을 하러 떠나는 녹음여행이  때로는 가족과 함께 하는 여행들보다도 더 기쁘기도 합니다.  녹음장소는 제주아트센터. 제주도립합창단의 녹음(지휘:조지웅)  제주아트센터의 실내음향이 그리좋지 않다는 이야기를 미리 들은터라  조금 걱정을 하기는 했습니다만 실제로 가보니 생각했던것처럼 나쁘지는 않았습니다.  녹음이라는것이 늘 최상의 음향환경에서만 진행을 한다는 것이 현실적으로 얼마나 어려운 일인가를 잘 알고 있기에. 적당히 잔향이 있었고.(물론 잔향의 성분은 조금 어둡기는 했었습니다.)  무엇보다도 소음이 없어서 녹음하기에는 좋다 생각합니다.  이러한 합창이나 소편성 클래식 음악에서는 잔향이 아주 긴 성당에서 녹음을 하는 것이 무척 좋은 일이지만 실제로 국내에 있는 성당들 가운데 레코딩 했을때. 아주 조용한곳은 그리 많지 않답니다.  유럽에서 녹음한다면 여러 좋은 소리를 지닌 성당이나 공연장, 그리고 강당들이 아주 많아서 좋겠지만(실제로 일본만 해도 실내음향이 좋은 공간이 아주 많지요) 우리나라에서 하는것은 또 상황에 맞추어서 거기서 가장 좋은 결과를 이끌어서 최종 음반으로 만들어 내는 것이 저희 할일이니까요.   지난번 원주시립합창단 녹음때 깨달은것 처럼 합창녹음은 스팟마이크를 파트별로 여러대 사용하는 것보다는 "원포인트 녹음"이 합창음악의 밸런스가 가장 좋게 녹음이 된다는것에 확신을 지니고 이번에도 원포인트 위주의 심플한 세팅으로 녹음을 하였습니다.  피아노의 위치가 조금 색다르지요? 보통 합창녹음때처럼 피아노를 지휘자 왼쪽으로 두고. 피아노의 뚜껑을 낮은칸만 열고 하였는데 피아노 소리도 좋지 않고. 피아노의 정위가 너무 왼쪽으로 치우치는 감이 있어서 지휘자 등뒤로 피아노를 두었습니다. 그리고 피아노는 뚜껑을 모두 오픈하고(이래야 제대로된 피아노 소리가 나오지요) 피아노 스팟마이크를 설치  많은 음악가분들이 늘 익숙한것에서 바꾸는것을 싫어하시는데. 이번 제주도립합창단의 지휘자분은 유럽에서 공부를 마치고 귀국한지 몇년되지 않은. 비교적 젊은 지휘자분(그래도 40대입니다.)이라 여러가지 부분에서 서로 대화가 잘 통해서 참 좋았습니다.   우리는 60년대 클래식 음악 녹음 황금기에 만들어진 여러 음반들을 들을때마다 감탄을 마지않해합니다. 연주도 그리고 그 연주를 담는 소리도 정말 50년의 세월을 넘어서도 대단히 좋은 음반들이 참 많지요. 왜 50년이 넘는 시간동안 클래식 음악 녹음은 그때 이상의 결과물들을 만들어 내는것이 이렇게 어려운것일까? 라는 것에 관해서 얼마전 혼자 생각해 본적이 있었습니다.  우선 그때는 클래식음악 레코딩 엔지니어가 지금보다 수백분의 일로 (아니 어쩌면 수천분의 일)로 적었습니다. 몇몇의 엔지니어들이 대부분의 수 많은 클래식 음반들을 녹음을 하면서. 자연스레 많은 노하우들이 하나둘씩 차곡차곡 생겨났을것 입니다. 하지만 과연 이뿐일까요? 이때는 클래식 음악 엔지니어(프로듀서)가 많지 않았고. 클래식 음반 제작이라는 것이 철저하게 프로듀서의 주도하에 이루어졌었습니다. 아직도 유럽에서는 이러한 전통이 조금은 남아있기는 합니다만.. 그렇기 때문에 프로듀서나 엔지니어가 꼭 음악가의 고용이 되는 것만이 아니라 반대로 프로듀서나 엔지니어가 음악가에게 음반녹음으로 인한 수익을 보장하는 쪽이었기때문에 지금의 음악가와 엔지니어의 명확한 상하관계와는 그때는 분명 달랐을 것이라 생각합니다.  실제로 60년대 클래식 음악 녹음, 특히 오페라 녹음하는것을 보면 그당시의 한정된 채널과 기기들로 정말 기발한 방법으로 녹음을 하고 연주자의 위치또한 지금은 공연이나 녹음이나 연주자의 위치가 크게 다르지 않은 이상한 현실에 비해서 프로듀서 엔지니어와 지휘자가 서로 대화를 많이 나누면서 더욱 더 좋은 소리를 얻기 위한 연주하는 위치 등 여러가지 부분에 많은 대화들을 나누었고 지금보다는 훨씬 엔지니어가 자신만의 소리에 대한 계획과 상상을 현실화 시킬 수 있는 기회들이 더 많았지 않나 싶습니다. 이로인해서 지금 들어도 놀랄만한 음질의 음반들이 이당시 참으로 많이 만들어졌지요.. 이후 80년대를 지나 90년대 부터는 디지털 레코딩이 많이 나오고 엔지니어는 아티스트가 일을 주지 않으면 다른 일을 찾아보아야 하는 상황이 전세계적으로 보편화 되었고 무엇보다도 과거에는 레이블이 투자를 해서 음반을 만든것에 반해 지금은 아티스트가 투자를 해서 음반을 만들기 때문에 엔지니어는 아티스트의 확실한 고용자가 되게 됩니다. 그렇기 때문에 오케스트라 실황음반 녹음시. 무대위에 마이크의 수가 너무 많거나 하면 그것을 줄이거나 음악에 따라 새로운 시도와 구성으로 녹음을 해보고 싶어서 지휘자나 아티스트에게 그러한 이야기를 제안을 해도  그것이 반영이 되는것은 어렵게 되었지요.. 과거 어느 오케스트라 녹음을 할때 세컨 바이올린 파트의 위치를 바꾸는것을 지휘자에게 제안을 했더니 그렇게 바꾸면 세컨 바이올린이 퍼스트 바이올린의 소리를 잘 듣지 못해서 연주자 잘 안나온다..라고 이야기를 하더군요. 그럼 과연 이때 지휘자가 하는 역할은??^^  하지만 이번 제주도 녹음에서는 달랐습니다. 지휘자에게 저의 의견을 전달하고 조금더 좋은 밸런스와 소리를 얻기 위해서 합창단원들 전체 의자 위치들이 앞으로 갔다가. 뒤로 갔다가 옆으로 갔다가..  많은 이동이 있었지요.  60년대에는 원포인트 위주의 최소한의 마이크들을 사용해서 오케스트라 녹음이 되었지만 지금은 적어도 16개 나 24개 정도의 마이크들을 사용해서 오케스트라 녹음을 하는것이 이렇게 스팟마이크를 많이 사용을 하면 녹음시 연주자들의 위치가 앞으로 갔다 뒤로 갔다 이동해야 하는 것이 드물고 믹싱때 간편하게 원하는 페이더로 인해서 음악을 만들 수 있기 때문이지요.  과거에는 원포인트 위주로 녹음을 해서 연주당시 지휘자가 생각하는 음악적 밸런스가 결정이 되면 그것을 후반작업에서 바꾸기가 어려웠지만 지금은 멀티마이크로 믹싱이나 편집에서 아예 새롭게 지휘를 다시 하는것처럼 아티큘레이션까지 조정을 해서 음반을 만드는 것이 보편화 되어있다보니 순수음악도 발전이 더디고 음향도 녹음후 믹싱에서 그럴듯하게 만드는 포장기술(?)만 늘어날뿐이지. 소리를 녹음에 담는 보다 근본적이고 근원적인것에 대한 물음과 깊은 생각들을 주변에 엔지니어(국내외)들에게도 점점 찾기가 힘들어지는것 같습니다. 무엇보다도 지휘자나 아티스트들은 고통스런 녹음작업을 최대한 빨리 끝내고  편집과 믹싱에서 본인이 생각하는 "음악"을 그때서야 만들어내려 하니까요.   이번에는 제주도립단원분들이 정말 고생많이 하셨습니다. 늘 녹음시간은 부족하지요. 부족한 시간에 마이크 세팅때문에 여러번 자리 이동을 하고. 테스트 녹음을 하고 들어보고 마이크 위치를 수정하고 등등. 이번에 녹음하면서 위와 같은 생각이 들었다니까요^^ 60년대 태어나서 클래식 음악 레코딩엔지니어 했으면 정말 정말 재미있었겠다 하고요(이것은 재즈레코딩에도 완벽하게 대입이 됩니다.)  이렇게 저의 의견을 고려해서 합창단 전체는 무대안쪽으로 좀더 깊게 들어가고 피아노는 무대의 거의 끝으로 지휘자 등뒤로 놓고. 제가 생각하고 상상하는 것을 모두 다 서로 대화를 통해서 현실화 시켜서 녹음을 할 수 있었습니다. 메인 마이크셋업은 숍스  NOS 세팅 http://en.wikipedia.org/wiki/NOS_stereo_technique 사진은 각도상 NOS 보다 마이크가 조금 안쪽으로 된것처럼 보이네요.  메인을DPA 4011을 사용할까 하다가 숍스로 정했는데 정말 좋더군요. 숍스는 정말 이렇게 원거리 세팅에서 너무너무 좋습니다.(스팟마이크로도 물론 좋지만) 확실히 숍스가 DPA 보다 원거리용에서는 반사음이 훨씬 더 밝게 들어오기 때문에 녹음된 소리가 실제 홀에서 듣는것보다도 더 밝으면서도 생동감있게 녹음이 되었습니다. 합창녹음에서 잘 일어날 수 있는 실수인 피크감도 없었고요.  나중에 지금의 여러 신경쓰이는 상황들이 정리되면 숍스의 ORTF용 마이크 셋을 꼭 구입해야 겠습니다.  이렇게 생긴 녀석을 말이지요. 매번 ORTF나 NOS 셋업할때마다 A4용지에 그림을 그려놓고 조정을 하는데(물론 제가 직접 하는것은 아닙니다만^^) 이렇게 간편하게 사용할 수 있는 스테레오 마이크들이 저는 정말 좋습니다.   피아노 마이킹은 이렇게 80년대 톰 라자레스가 호로비츠의 모차르트 피아노 콘체르토 음반 녹음하는 동영상을 보고 발견한 피아노 마이크세팅 저는 호로비츠 세팅이라 이름을 붙였는데요^^ 소리가 아주 똘망똘망 하고. 좌우의 넓이도 적당하고 여러모로 마음에 드는 세팅입니다. 앰비언스 마이크로는 노이만 TLM170R을 무대가 아닌 객석쪽으로 향하게 해서 세팅 공간안에 울리는 소리를 담기 위한 마이크이고. 메인 마이크랑 섞었을때 좌우의 이미지와 앞뒤 깊이감을 더해주는 용도로 사용이 됩니다.  하지만 이렇게 앰비언스 마이크를 설치하는것은 또다른 이유가 있는데요. 바로 메인마이크의 스윗 포지션을 찾는 시간을 절약할 수 있기 때문입니다. 앰비언스 마이크로 들어오는 소리와 거리감을 들으면서 메인마이크의 위치. 특히 앞뒤거리를 더욱 더 빠르고 신속하게 세팅을 할 수 있어요. 그렇지 않으면 메인 마이크의 소리가 너무 가까울때마다 마이크스탠드를 약 10cm미만으로 움직이면서 계속 들어보았을것입니다. 뒤에 앰비언스 마이크로 들어가는 소리를 들으면서 내가 원하는 소리는 지금 위치에서 50cm 혹은 그 이상 뒤에 있는지. 앞에있는지를 더욱 더 빠르게 판단을 할 수 있으니까요.   보시면 무대 상당히 안쪽으로 합창단원들이 자리하고 피아노를 무대 끝쪽. 앰비언스 마이크도 무대 끝쪽. 앰비언스 마이크와 피아노의 거리가 너무 가까우면 피아노의 좋지않은 소리가 앰비언스 마이크로 들어가면서 전체 피아노의 소리가 좋지 않은 소리로 녹음이 되기 때문에 좌우의 확산감 및 피아노의 간섭음 정도를 함께 체크하면서 앰비언스 마이크의 위치를 결정합니다.  이번녹음에 사용한 장비는 메트릭할로 ULN-8 한대 마이크프리도 메트릭할로 ULN-8의 것을 사용했는데 다시한번 느꼈지만 전에는 메트릭할로의 프리가 초고역이 너무 적은것이 아닌가 하고 생각했었는데.. 사람의 목소리에서 만큼은 정말로 고급스럽고 좋은 소리를 들려줍니다. 합창코치 선생님(좌로부터)과 저 그리고 이번에 오디오가이에 새롭게 어시스트 엔지니어로 입사한 김보종군 사람들이 저와 이미지가 조금 비슷하다 합니다.^^ 귀여운 선풍기는 맥북프로가 너무 열받지 않게 하기 위해서. 컴퓨터가 너무 열받으면 꺼지는것은 괜찮은데 노이즈가 생깁니다. 그래서 노트북 아래도 공간이 어느정도 있도록 인슐레이터로 살짝 띄워줍니다. 이렇게 로케이션 레코딩을 할때는 기기들이 안정적으로 동작하게 하는 것 또한 무척 중요한 일이니까요.  그리고는 성악반주용 오르겔이 들어가는 곡들도 있었습니다. 이곡에서는 소프라노 파트의 소리가 크게 들려서 소프라노 파트만 전체가 조금 뒤로 들어갔습니다. 마이크를 좌측으로 이동하는것보다 이편이 여러사람이 잠시 귀찮기는 하지만 저 좋은 이미지를 얻을 수 있으니까요.  오르간의 위치는 처음에는 합창단 앞에서 하였지만 나중에는   이렇게 들어갔습니다. 사진에는 없지만 비올라 다 감바도 함께 하는 곡들도 있었고요  이곡에서는 합창단의 배치를 이렇게 바꾸었습니다. 피아노가 없고 합창의 소리가 조금더 좌우의 이미지를 넓게 하였지요 아카펠라 곡들도 같은 배치로 녹음 물론 녹음때마다 여러 파트들의 의자이동(?)이 있었습니다.  클래식 음악 녹음에서 정말 중요한것은  의자이동 이라는것을 다시한번 느낄 수 있었지요. 늘 그 환경에서 해결이 되지 않을때. 단지 기술로만 그것을 해결하려기 보다는 보다 근본적인것에서 용기내어 조율하고 해결해나가는 것이 좋은 녹음에서는 참으로 중요한것 같습니다. 

오디오가이 스튜디오에 새로운 식구가 왔습니다.   국내나 외국이나 새로운 식구를 "인턴"이라 부르고. 저도 습관적으로 그렇게 생각했는데.   전 "인턴" 보다는 "어시스트 레코딩 엔지니어" 가 좋네요.   무엇보다도 내가 우리 식구를 가장 존중해야.   다른 사람들도 우리 식구. 더 나아가 우리 팀을 존중할테니까요.     그리고 확실히 이름이 사람을 만들어 주는 것도 저는 분명히 존재하는 일이라 생각이 듭니다.   최근에는 그리 많은 생각들을 하지 않고 지내고 있습니다.   아이패드같은것들 때문에 아무생각없이 시간보내기는 참 좋지요.(과연 좋은것일런지는..)     새로운 식구는 제가 과거에 쓴 아래의 내용들을 모두 외울만큼 읽어주었으면 합니다.   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=954&page=2   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=955&page=2   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=961&page=2   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=972&page=2   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=984&page=2   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=985&page=2   http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=994&page=2     새로운 식구에게 하고 싶은이야기를 글로 써야겠다 생각하고 이전글을 보았는데. 지금보니 제가 미처 생각하지 못했던 내용들도 많고   요즘처럼 아무 생각없이 지내는 시기에는 저 자신이 제가 쓴글을 보고 스스로를 다시 돌아보게도 되네요. 하하하^^     우선 함께 일을 하게된것에 관해 환영합니다.   이번에는 제가 마음의 준비를 하기 전에 먼저 일부터 함께 시작을 하게 된터라. 다른 때와는 많이 다른것 같습니다.     그래도 우선 하고 싶은 이야기를 몇가지 풀어보도록 하겠습니다.     *청소와 정리   저는 스튜디오는 늘 아주 정돈되어있고 무척 깔끔하고 깨끗해야 한다고 생각합니다.   저는 아티스트들이 우리 스튜디오에와서 좋은 악기와 좋은 소리.    그리고 무엇보다도 아름다운 환경을 전해주고 싶습니다.   멀리 창문으로 보이는 경복궁과 광화문의 야경.   스튜디오 안의 그래도 비교적 깔끔한 인테리어와 가구들.   오늘도 함께한 아티스트분께서, 본인집 거실을 우리 스튜디오의 컨트롤룸처럼 만들고 싶다고 하셨던것 기억하지요?  스튜디오를 집처럼(상상속의 집. 현실의 집보다 훨씬 더 넓고 깨끗하고. 아름다운 가구와 조명들로 채워져있는)   생각하고 편안하고 기분좋게 창의적인 음반작업을 하는 것.   단순히 녹음실이 공장처럼 아티스트들이 와서 시간안에 헌혈을 하는 것 처럼 시간안에 음악을 짜내어 녹음하는 공간이 아닌   물론 좋은 소리를 만드는 것은 기본이겠지만   아티스트들이 와서 좋은 소리외에 우리 스튜디오의 "디자인"도 함께 즐길 수 있었으면 좋겠습니다.   그리고 좋은 소리와 함께 이부분도 녹음끝나고 집에 들어가는 길.   혹은 시일이 지나서 우리 스튜디오를 다시 생각할때 좋은 소리와 스텝. 그리고 우리 스튜디오의 디자인 적인 인상들이 함께 기억으로 남아, 다시 생각할 수 있으면 좋겠습니다.     우리가 함께 일하기전 제가 피아노 앞에서 했던 이야기 기억하세요?   피아노에 뭍어있는 손자국들을 닦으면서..   "내가 피아니스트라면. 이 피아노가 그저 나만을 위해서 나를 기다리고 있는 느낌이라면 정말 좋을 것 같다고 말이죠"   "피아노 앞에 연주를 하기위해 앉았을때 마치 내가 처음 연주하는 기분으로 피아노 뚜껑을 열거나. 그러한 느낌.."     그래서 저는 오늘도 열심히 피아노를 닦았습니다.   오늘 밤에 우리가 녹음한것은 돈을 받고 하는 것도 아니고   우리 레이블의 음반을 더 좋게 만들기 위한 리허설임에도 불구하고   피아니스트가 우리 피아노에 앉았을때.. 연주하는 이 순간만이라도 이것이 온전의 나의것인것 같은.. 나만을 기다리고 있는 것 같은 느낌을 주고 싶어요..   제가 피아니스트라면 이편이 연주에 집중도 더 잘되고 좋을 것 같아요^^     거실이나 부스. 컨트롤룸의 블라인드를 올려서 창밖을 바라볼때.   유리안에 지저분한 먼지나 손자국들이 눈에 보이지 않기를 바랍니다.   그것은 단순히 여러분의 게으름이나 무신경을 탓하는것이 전혀 아니지요.     창밖을 바라본다는 것은 무엇인가 일을 하기 위해 목적을 가지고 보는 것이 드물지요.   지금 이순간에서 잠시만의 다른 공간(세계)로 이동하고 싶은 속마음   현실에서 잠시 몇초간만이라도 도피를 해서 새로운 것을 보거나   혹은 반대로 바깥의 풍경까지도 공간안으로 함께 가지고 들어오거나..   이러한 느낌..   아티스트들이 우리 스튜디오에 와서 창밖을 바라볼때   바깥세상과 그들 사이에 필터가 존재하지 않도록 해주세요.   보고싶은 (혹은 마음속으로 보고싶은) 풍경대신   먼지나 손자국들로 뿌연 창은 창밖을 바라보게 만드는 그 여유와 쉼의 순간까지도 일순간 사라지게 만들어 버릴 수 있거든요.     지금 스튜디오를 만들면서 김현석씨와 함께 많은 부분들 생각하고 고민을 했고,.   이러한 세세한 생각들까지도.   우리스튜디오를 오는 모든 사람들에게는 아니더라도.   그 누군가에는 작게나마 기쁨과 행복을 느끼게 될 수 있으면 정말 좋겠습니다.     그렇기 때문에 공간안에 정신없이 어질러 있는것을 치우는것은   그저 그것이 바라보기에 아름답지 않기 때문입니다.     사람도 물건도 그리고 무엇보다도 공간도.   아름다운 공간에서 우리가 일을 하고, 또 이공간에 오는 사람도 함께 느낄 수 있다면 더욱 더 좋지 않을까요?       실제로 이렇게 깨끗하게 정리된 공간은   더욱 더 좋은 소리가 난답니다.   믿겨지지 않겠지만 말이지요.   그리고 이런 공간들에서는 작업을 더욱 더 효율적으로 할 수 있습니다   잠시 이글을 볼때는 이러한 마음이 들다가 시간이 지나면 사라지지 않도록     늘 우리의 공간을 아름답게   그리고 본인이 일을 더욱 더 효율적이고 합리적으로 할 수 있도록 "정리"를 해주세요.     또한번 생각해 볼 수 있습니다.   "우리의 공간"은 어디까지일까요?   단지 지금의 4층,   우리의 공간은 사람들이 우리를 찾아오는 것에서부터 시작합니다.   그 모든것이 공간안에 들어가고.   찾아오는 방법을 쉽고 간편하게 알려주거나.   주차에 관한 안내 등 이 모든것이 우리의 "공간"안에 들어가는 것이라 할 수 있습니다.    

모처럼만에 스튜디오에서 클래식 피아노 솔로를 녹음했습니다. 분위기 있고 신나는 재즈도 좋지만. 클래식음악도 스튜디오에서 흘러나오니 참 즐겁네요! 오디오가이 스튜디오를 오픈한지 벌써 7개월째. 그동안 피아노 녹음을 무척 많이 했는데.  스튜디오에서 혼자 피아노를 띵땅 거리며 소리를 내보면 이렇게나 피아노의 소리가 좋을 수 없는데, 녹음되는 소리는 피아노가 가지고 있는 장점들을 충분히 다 담아내지 못하는것 같은 일말의 아쉬움이 들었습니다. 게다가 같은 스타인웨이 풀사이즈 피아노가 있는 여러 클래식 공연장들에서 녹음을 해보아도. 역시 우리 스튜디오 피아노가 피아노 자체의 소리가 참 좋구나..라고 생각을 했었습니다만.. ^^ 아무리 녹음을 고심해서 한다 하더라도 아티스트가 가지고 있는 소리의 차이는 녹음 결과에 가장 큰 부분임에는 틀림없을 것 입니다, 하지만 언제나 좋은 소리로. 특히나 제가 사랑하는 "피아노"를 녹음에 담아보고 싶은 것은 저의 오랜시간의 "꿈" 이자 목표 이기도 합니다. 이번에는 최근에 녹음에, 특히 클래식 피아노에(얼마전 과천시향과 피아니스트 유영욱님의 차이코프스키 피아노 협주곡 녹음때도 같은 세팅) 이 세팅으로 녹음을 하고 있습니다. 세상에 많은것들이 그러한것일런지는 모르겠지만.  참 녹음이라는것도 그저 오랜관습에 얶매이고 습관에 익숙해지기 쉽상인것 같습니다. 피아노 소리를 담는 마이크는 늘 해머 근처에 있어야 하고.. 스테레오 마이킹은 항상 LR이 같은 위치에 있어야 하는 등등. 말이지요 물론 오랜시간 거의 녹음방법이라는 것이 확실하게 정립된 60년대 이후 50년간 수 많은 선배들의 경험에 근거한 이론등은 정말 중요하고 마음속 깊이 존중하고 있습니다. 하지만 언제나 그것이 모든 상황에 최선의 방법은 아닐것 입니다. 내가 생각하는 최선의 방법은 결국은 스스로 현장에서 찾아내게 되는것이 아닐까요? 늘 녹음현장에 있으면서도  악기, 그리고 공간의 울림, 마이크의 위치에 대해서 늘 무엇인가 새로운 소리를 찾아보고 싶은 욕망에 휩싸이게 됩니다.  이번 피아노 녹음은 사실 80년대 호로비츠의 모차르트 피아노 콘체르토 녹음 영상을 보고 알게 되었어요. 톰 라자레스라는 유명한 엔지니어가 호로비츠의 레코딩 세션을 진행하면서 피아노에 둔 마이크 세팅을 보고 깜짝 놀랐습니다. "아!! 왜 이렇게 단순한 것을 지금까지 알지 못했을까!!"  스테레오 녹음은 꼭 두 마이크의 높이가 같아야 하지 않아도 되는데 말이지요. 피아노라는 악기가 피아노 뚜껑 바로 아래서 불필요한 반사음 없이 아주 선명하고 깨끗한 소리를 들려주는데. 고음부분, 그리고 저음부분에 사진에서처럼 마이크를 두고 녹음해볼 생각을 왜 지금까지 해보지 못했는지.. 그동안 피아노 녹음에 관해서 정말 많은 고민과 연구를 했음해도 불구하고 늘 결정되는 것은 기존에 내가 생각하고 있는 범위안에서만 머물게 되는 것 같습니다. 그만큼 습관이 평소의 사고의 폭의 크기를 정해지게 하는것 같기도 합니다. 늘 답에 가까이 이르는 길은 정말 쉽고 단순하며, 오히려 너무 깊게 생각을 해서 다른길을 보고 있는 오류들을 많이 행하고 있는것이 아닌가 합니다.    사진에서처럼 고음쪽 높이가 높은 곳은 높게   저음쪽 피아노 반사판의 높이가 낮은곳은 낮게 설치를 합니다..   해머과 현 근처에 마이크를 두는 것 보다 이동네에 두는것이 저는 훨씬 더 실제소리같은 피아노 소리로 녹음이 되어 좋습니다.     피아노와 마이크와의 거리도 어느정도 여유가 있어요.    그래야 악기와 마이크사이의 공간으로 소리들이 공기를 타고 좀더 왔다 갔다 합니다.     이번 소리는 그동안 오디오가이 스튜디오 피아노 사운드에서 마음속 내내 일말의 아쉬움이 있었던.    이 좋은 피아노의 소리가 왜 녹음에 제대로 담기지 않을까..했던 고민이 정말 속시원하게 해결되었습니다.     정말 딱 소리좋은 스타인웨이 풀사이즈 피아노의 소리가 온전히 녹음에 담겼습니다.     어쿠스틱 악기의 녹음에서 근접마이크. 앰비언스 마이크 등등 여러개도 좋지만.    늘 기본은 최소한의 마이크로 원하는 사운드(음색 및 공간감등등) 를 얻는것이 가장 중요한것 같습니다.     하지만 이렇게 단순하고 가장 중요한 사실은 공기와 물처럼 금새 스며들어 잊혀지기 쉽상이지요   마이크는 숍스 MK4 단일지향성을 사용했습니다.   초기 세팅에 DPA 4011 과 AKG C24도 함께사용해보았습니다.   그동안 노이만 USM69가 물려준 오디오가이 피아노 녹음에 5년간 메인이 되었던 DPA 4011 은 이제 숍스에게 그 자리를 물려주어야 할것 같습니다.   노이만에서 DPA에서 그리고는 이제는 숍스로 귀결이 되고 있는데요. 사실 피아노 녹음 뿐만 아니라 다른 악기 녹음에도 숍스를 선호하는것이 무척 늘고 있습니다.   DPA는 늘 그렇듯이 그 예의 선명한 중고역. 특히나 중역. 깔끔한 저역.    C24 의 피아노 소리는 클래식 보다는 재즈에 어울릴만한 중역이 아주아주 밝은 소리.    반면에 숍스는. 실제 피아노가 지니고 있는 소리 그대로를 들려줍니다.   이전에는 DPA 마이크가 정말 "소리가 밝다" 라고 생각을 했는데요.   DPA 마이크가 소리가 밝은 것은 맞습니다.   게다가 DPA 마이크는 피아노외에도 타악기에도 자주 사용하는데요 정말 트랜전트가 빠르고. 어택이 아주아주 선명하지요.   DPA 가 소리가 밝은것은 마이크의 정면에서 집음이 되는 온 마이크의 소리는 밝습니다.      하지만 숍스는.. 마이크 정면에서 집음되는 온마이크의 소리를 DPA 에 비해 그저 조금은 밋밋하게 평탄하게 들어옵니다만   오프 상태에서의 반사음의 소리가 정말 정말 밝고. 같은 단일지향성이라도 DPA 4011 에 비해서 여음이 더 많이 들어옵니다.   여음이 더 많이 들어온다는것.. 어쿠스틱 악기 녹음에서 이것이 얼마나 중요한것일까요?   그래서 지향패턴도 DPA 4011에 비해서 좀더 넓게 느껴집니다만   피아노같이 복잡한 악기의 소리의 시작부터. 아스라이 사라지는 여음까지 충분하게 녹음이 되는 숍스 마이크의 소리가 저는 정말 좋습니다.   그러고보니 숍스는 재즈드럼의 오버헤드로 사용할때도 4011에 비해서 라이드 심벌의 "스윙"하는 소리가 더 생동감있게 들립니다.   DPA는 스틱이 라이드를 터치하는 그 순간을 선명하게 포착한다면   숍스는 스틱이 라이드가 흔들리면서 퍼져나가는 소리가 정말 귀에 들리는 그대로 녹음이 되지요.     당분간 오디오가이 스튜디오의 피아노 녹음에 있어서 재즈던 클래식이든 이 세팅을 기본으로 녹음해보려 합니다.   피아노. 드럼. 콘트라베이스.  많은 음악에 근간이 되는 이 세악기 녹음에 관한 나만의 방법이 정리가 되어 참 기분이 좋습니다. 누군가와 같은 방법이든. 그것을 따라하는것이든. 책을 보고 하는것이던지  머릿속으로 내내 울리고 있지만 현실에서는 좀처럼 만날 수 없었던 그 소리를 만나게 되니 참으로 반갑군요. 이 다음은 또 어떤 음악과 소리를 만나게될지. 무지하게 두근거립니다!    

오디오가이 스튜디오에서는 매일같이 새로운 음악들이. 음반에 담겨집니다.   어제는 락밴드 음악 녹음과 믹싱. 마스터링이 있었는데요.   오디오가이 스튜디오에서는 대부분 재즈와 클래식. 국악만 녹음하는것이라 생각하시는분들도 많은데. 락이나 포크. 다음달에는 리얼로 연주하는 힙합음악 녹음도 예정이 되어 있습니다.   음악이라는것이 갈수록 장르의 경계는 모호해지니까요.     재즈나 클래식을 많이 녹음하는 오디오가이 의 장점을 살리고자   이번에는 한방에서 드럼. 베이스. 기타. 그리고 보컬까지 모두 한번에 녹음하였습니다.   이렇게 보컬과 드럼이 서로 마주보고.   기타와 베이스가 우측. 좌측에 있는 형태.   악기들이면 몰라도 보컬까지 이렇게 한번에 녹음하는것은 무척 드문데요.   프로듀서가 다 함께 한공간에서 소리가 섞이면서 생기는 그 느낌! 을 녹음해 달라고 정확하게 이야기를 했습니다.   사실 이 프로젝트는 이미 다른 스튜디오에서 일반적인 녹음방식으로 작업을 끝마쳤으나 무엇인가 아쉬움이 남아서 다시 녹음하게 되었다 해요     전반적인 메인 사운드를 픽업하기 위해서 노이만 KU100 마이크가 드럼과 보컬 중간에 위치하고 있고   보컬은 AKG C24 빈티지 스테레오 튜브마이크를 사용해서 MS 로 하였습니다.   M에서는 보컬의 선명하고 가까운 소리를   S에서는 드럼 마이크의 앰비언스 마이크로 사용하기 위함이었어요.   더미헤드 마이크 전면으로는 드럼사운드가.   그리고 기타앰프의 위치가 약간 오른쪽에서 들리게 하기 위해서 기타앰프의 위치도 처음부터 패닝을 생각하고 선택하였습니다.   기타앰프는 이렇게 약간 오른쪽으로 치우치게 해서 더미헤드 마이크는 물론이고   드럼 오버헤드 마이크에서도 살짝 오른쪽으로 기타사운드가 패닝이 되도록 처음부터 위치를 설치하였어요.   물론 보커마이크의 S 에서도 기타앰프가 약간 오른쪽으로 가있고요.   베이스는 라인으로 하였습니다.(그레이트리버 ME1V)   이공간에서 베이스 앰프까지 쿵쿵~ 울리게 되면 아무래도 보컬과 드럼사운드가 너무 탁하게 되지 않을까 싶어서   베이스는 깔끔한 라인사운드로.   드럼 마이크세팅은 이렇게 되어있어요.   오버헤드는 숍스 MK4 AB   락음악의 드럼이기 때문에 조금더 넓은 좌우의 사운드를 얻기위해 오버헤드 마이크의 간격을 좀더 넓게   재즈음악에서는 킥드럼의 역할이 그리 크지 않지만   락음악에서는 풍부하면서 선명한 킥사운드는 정말 중요하지요.   하지만 이번에는 조금 로우파이한 킥 사운드   마치 808 킥처럼 아주 부미하고 아주 낮은 저음이 충분히 나오도록 녹음을 하였습니다.   MBHO 620PZM 에서는 선명한 어택을   뒤에 오디오테크니카 ATM25 에서는 풍부한 통울림을 집음하는 형태   스네어 녹음 세팅은 재즈나 락이나. 저는 크게 다르게 하지 않습니다.   슈어 BETA57 을 탑과 버텀에 사용.   아주아주 선명하고 깨끗한 스네어 사운드를 만들어줍니다.   저는 스네어가 마치 가죽때리는것처럼 퍽퍽 거리며 소리나는것을 무척 싫어하고   실제 스네어 소리를 듣는 것처럼. 스네피 소리가 적절하게 통울림과 함께 들리는 소리를 좋아합니다.   드럼통이라는 것이 무조건 나무로만 이루어져 있다고 해서 나무 소리만 낼 필요는 없으니까요.   게다가 BETA57A 는 초지향성이라서 탁 스네어 소리만 깨끗하게 녹음이 됩니다.   탐탐은 오디오테크니카 ATM23HE를 사용   탐 마이크는 아예 4006 같은 무지향성이거나   아니면 ATM23이나 베이어처럼 아예 초지향성이거나.   이번에는 탐의 비중이 크게 있다고 생각해서 간섭음이 많이 들어오는 스몰탐의 경우는 사진에서처럼 바로 위에서 탐을 바라보는 형태로 세팅(거리도 아주 가깝습니다.)   이렇게 하면 다른 드럼킷의 간섭음이 훨씬~ 더 적게 들어옵니다.   하지만 플로어는 좀더 깊은 저역이 필요하기 때문에 사진에서처럼 각도를 주고 세팅   드럼은 모두 RME 믹스타시로 녹음했습니다.   피아노와 드럼 녹음에 있어서는 제게 있어서 가장 먼저 떠오르는 마이크프리/AD 컨버터 입니다.   둘다 별도의 마이크프리나 AD 컨버터로 사용할때보다   마이크프리와 AD를 함께 사용해야 이 기기의 진가가 들어납니다.   드럼에서도 정말 선명하고 깨끗한 소리를 들려주지요.   소리가 선명하면   오히려 음악의 파워감도 더 강하게 들립니다.     드럼을 제외한 보컬과 기타앰프는 렌스 프리를 사용   세상에 참 많은 마이크프리앰프들을 사용해보았지만   이 기기만큼 좋은 프리는 아직 발견을 하지 못한것 같네요   물론 피아노나 드럼처럼 어택이 강한 악기들에는 RME 나 니브의 프리들이 더 좋겠지만   아주 빠른 어택을 요구하는 악기가 아니라면   참 화려하고 이쁜 배음을 들려줍니다. 이 프리를 듣다가 다른 프리로 바꾸면 악기의 정보량이 확 줄어든것처럼 느껴지지요.   스튜디오의 전원 및 마이크패널.   전원의 경우 1개당 50만원 가까이 하는 오야이데 알루미늄 벽체 콘센트로 되어있습니다^^   진동을 확실히 잡아주어서 인지. 일반 콘센트에 비해서 저역과 고역이 더 잘들립니다.(믿거나 말거나^^)   드러머 뒤에서 본 전체 녹음 사진입니다.     세상에 음악이라는 것은 모두 다 다르고   아티스트마다 각자의 음악뿐만 아니라 "소리"도 가지고 있는데   항상 같은 방법으로만 굳이 녹음할 필요는 없다고 생각합니다.     언젠가는 기회가 되면 정말 멋진 락음반도 꼭 한번 만들어보고 싶습니다!!      

언제부터일까요? 이렇게 국내의 재즈음악을 많이 녹음하게 된것이 말이어요.   과거에는 클래식도 상당히 많이 레코딩을 했었는데. 최근에는 재즈음악의 작업이 훨씬 더 많은 것 같습니다.   일주일에 2-3팀의 재즈음반 레코딩을 스튜디오가 생긴이래 꾸준히 하고 있으니까요.   그만큼 최근 한국재즈음반들이 많이 나오고 있다는것을 이야기하는것인것 같습니다.   10년전보다 재즈 아티스트들도 정말 정말 많게 되었고요.   게다가 최근 20-30대 재즈 연주자들의 실력은 정말 대단합니다.     그래도 저는 재즈도 좋지만 클래식도 정말 좋아합니다.   그래서 그런지 재즈를 녹음할때도 상당히 클래식 레코딩적인 관점에서 많이 바라보는 편인데요.   어떨때 보면 "재즈"라는 음악의 포지션이 참으로 애매할때도 많은것 같습니다.   팝의 관점에서.   그리고 클래식의 관점에서.   모두다 포함이 될 수 있고 각기 다양한 스타일들이 있으니까요.     저는 개인적으로 미국재즈보다는 좀더 클래시컬한 느낌이 많은 유럽재즈음악을 선호하는 터라.   레코딩을 할때도 악기와 마이크를 아주 가깝게 사용해서. 엔지니어가 소리를 솜씨좋게 요리해서 만들어내는 미국 스타일보다는.   악기와 공간을 함께 담는,   악기에 근접된 마이크와 더불어. 멀리 떨어져 있거나 구성 전체의 사운드안에 존재하는 공기감(?)을 함께 담는 녹음방식을 선호합니다.   개인적으로는 그래서 독일에서 녹음된 재즈 음반들의 사운드를 무척 좋아하는 편인데요.     특히 피아노만 해도 악기 소리가 섬세하게 살아있어요.   대부분 미국에서 녹음된 음반들은 악기에 아주 가깝게 마이크를 설치해서 믹싱때 아주 멋들어지게 만드는 경우가 많지요.   물론 유럽이든 미국이든 모든 엔지니어들이 다 이렇게 녹음을 하는 것은 아니겠습니다만..   전반적으로 저는 유럽재즈의 색채가 마음에 드네요.     이번에는 오디오가이에서 제작하는 만요 음반입니다.   만요(漫謠)는 익살과 해학을 담은 우스개 노래로, 일제 강점기에 한국에서 발생한 코믹송 장르를 일컫는다. 1930년대의 주류 대중음악은 트로트나 신민요였는데, 만요는 이들 주류와는 전혀 다른 일상생활의 소소한 내용을 가볍고 자유로운 가사에 담아 표현하면서 하나의 장르로 형서되었다. 당시 만요 외에 만곡, 유행만곡이라는 명칭도 사용했다. 김용환의 〈장모님 전항의〉, 〈낙화유수 호텔〉, 김용환의 친동생인 김정구의 〈왕서방 연서〉, 〈세상은 요지경〉, 김해송이 작곡하고 박향림이 부른 〈오빠는 풍각쟁이〉 등이 유명한 만요이다. 이들은 모두 만요에 특기를 보인 가수들이며, 만요는 악극단의 공연을 통해 많은 인기를 모았다. 만요의 인기에는 억압적인 식민지 사회에서 뒤틀림과 풍자가 필요했기 때문이라는 분석이 있다. 우스꽝스러운 겉모양과는 달리 만요에는 안으로 현실의 슬픔을 토로하고 부조리한 사회를 고발하려는 비판성이 숨어 있을 여지가 있었다. 만요는 희화화된 노래라는 특성상 다소 저속하거나 유치한 가사도 포함하곤 했는데, 경쟁적으로 만요가 발표되면서 저속하게 흐르는 유행가를 정화해야 한다는 주장도 있었다. 중일 전쟁이 발발한 1937년 이후 사회 분위기가 경직되고 1940년대 들어 전시 체제가 본격화되면서 만요와 같은 가벼운 유행가도 사라졌다. 대한민국에서 만요의 전통은 배우 신신애가 작곡자 미상의 구전가요로 알고 다시 부른 〈세상은 요지경〉, 김용만의 〈회전의자〉, 한복남의 〈빈대떡 신사〉 등에 이어져 있다. 한편 코미디 측면에서 만요의 서사성을 강조하여 음악의 일종이라기보다는 곡조가 있는 만담으로 볼 수 있다는 해석도 있다.   출처 : 위키백과   오디오가이 레이블과 "만요" 하면 왠지 잘 어울릴것 같지 않나요?   오디오가이 스튜디오가 있는. 그리고 제가 살고 있는 통의동 이라는 동네도 경복궁 바로 옆에.   우리나라 근대시대의 분위기를 상당히 많이 보전하고 있는 곳이고. 그시절의 역사에 대한 많은 기억들이 있는 곳이니까요.   게다가 저의 취미가 근대역사 서적읽기라..   가까우면서도 잘 알려져있지 않은 우리의 근대역사에 대한 궁금한점들이 너무너무 많아서. 근일년동안 본 우리나라 근대역사  관련 서적만 해도 수십권은 되는 것 같습니다.^^   우리에게있어서 근대.. 그리고 제게 있어서 근대 라는 것은 정말 궁금덩어리이면서도 그래서 더욱 더 매력적으로 느껴지는 부분들이 많답니다.   이러한 가운데 만요 음반은. 그동안 너무 진지한 음악들만 기획하고 제작했던 오디오가이 레이블과는 다른 부분들도 많지만 저 개인적으로는 무척 해보고 싶었던 장르였습니다.   드럼. 베이스. 피아노. 트럼펫. 색소폰에 맛깔나는 목소리의 남자보컬.   신나는 스윙리듬위에 얹어있는 노래가 정말 재미있습니다.   음반에 관한 이야기는 다음에 음반이 출시되면 다시한번 하기로 하고.   오디오가이 칼럼이기에 녹음에 관한 이야기.   이번 녹음의 피아노 세팅입니다.   참 흔한 세팅이지요.   하지만 전 거의 사용하지 않았던 마이크 세팅인데요.   그런데 ECM 에서 나오는 피아노 음악녹음 현장의 사진들을 보면 늘 저위치에 마이크가 있는 것을 볼 수 있더군요(마이크는 숍스)     이 세팅에서 중요한것은 저음쪽 마이크가 반사판의 각도와 일직선으로 되어야 소리가 좋습니다.   그리고 보통 해머위에 마이크를 둘때보다는 좀더 높게 두는데요.   이 역시 마이크가 아래로 내려가면 피아노 울림통 안에서 퍼져나가는 여러 배음들이 적게 들어오기 때문에 소리가 어두워집니다.   마찬가지로 너무 높으면 피아노 반사판에서의 듣기 좋지 않은 소리가 많이 들어오고요.   현재까지로 오디오가이 스튜디오에서 녹음하는 피아노 세팅가운데 "범용적으로"가장 마음에 드는 레코딩 포지션이어요   사진담당인 덕진씨가 이 사진은 흑백으로 보내주었네요^^   위치는 저정도 됩니다.   상황에 따라서 피아노의 오른쪽 저음현에 추가 마이크를 더하는 경우도 있습니다.   드럼오버헤드는 숍스 AB   세팅할때는 상당히 낮게 설치했다고 생각했는데 사진으로 보니 꽤 높네요.   역시 오버헤드에 스네어의 타격감이 너무 강하게 들어오지 않게 방향을 살짝 바꾸어 주는 것이 저는 좋습니다.   이경우 하이햇도 별도로 마이크를 설치할 필요는 없어요.   심벌이 한쪽으로 치우쳐져 있기 때문에 한쪽 마이크로만 너무 많이 들어오지 않도록 적정한 포지션이 중요한데요.   그렇기 때문에 평상시보다 좀더 낮게 오버헤드를 설치하였습니다.   녹음해서 들어보니 라이드 심벌이 너무 한쪽으로 치우쳐서 들리지 않고 어택은 오른쪽에서 여음은 왼쪽에서 적당하게 이미징이 있으면서도 밝고 생생!!   스튜디오를 만들고 나서 가장 마음에 쏙 드는 사운드를 얻는것은 드럼입니다.   드럼은 연주자가 가장 중요하기는 하지만 역시나 룸과 악기도 참 중요한것 같네요.   이렇게 좋은 소리를 내주는 악기를 만나게 되어 참 행복합니다.   킥은 역시 DPA 4006 무지향성 마이크.   당분간 재즈드럼은 이 세팅으로 계속 갑니다!!!   소리 참 좋으네요.   스네어 탑과 버텀도 슈어 BETA57   초지향성 다이나믹 마이크인 BETA 시리즈들은 드럼녹음에 참 좋은 것 같습니다.   스네어는 오버헤드와 함께 더했을때 딱 스네어 소리가 분리되어서 들리게 되는 BETA57 이 제게는 이보다 수십배 비싼 마이크들보다도 베스트이네요   베이스도 최근의 세팅 노이만 MS로   사진에서처럼 상당히 위에 설치합니다.   전 브릿지 바로 앞보다는 사진의 위치에서의 베이스 소리가 오히려 나무 튕기는 소리가 더 잘들어오는것 같습니다.   특히나 S 마이크로 콘트라 베이스 몸체에서 나는 울림이 충분하게 녹음이 됩니다.   나중에 기회가 된다면 숍스 MS 로 M은 초지향성으로 해서 한번 사용해보고도 싶으네요   스튜디오가 4층이라 참 많은 창문이 있었는데 공사하면서 녹음부스안에 창문들을 많이 없애서 조금은 아쉬워요.   뷰는 휴게실겸 베이스 녹음공간이 가장 좋습니다.   이번에는 할로우바디 기타도 함께.   할로우 바디 기타는 꼭 기타에도 마이킹을 하는 것이 필요한것 같습니다.   죠셉슨 700 을 MS 로 하였느데 고역이 지나치게 밝은것은 아닌가..하는 생각이 있기는 합니다만. 앰프소리와 섞으니 적당하게 들려옵니다.   기타앰프에는 오디오테크니카 ATM23HE를 사용   본래 탐탐 용도로 사용하려고 구입한 마이크인데. 거의 재즈기타앰프 마이킹에 많이 사용하고 있습니다.!     이렇게 기본 녹음이 끝났고. 8월초 보컬녹음과 브라스섹션 더빙이 끝날 예정입니다.   음반은 아마 가을이나 겨울정도 나오겠네요.   보컬음반작업도 참 재미있어요.   이 음반은 정말 LP로 꼭 만들어보고 싶은데 여건이 가능할런지 모르겠습니다.

http://audioguy.co.kr/board/bbs/board.php?bo_table=c_audioguy&wr_id=1138    지난 1의 같은 녹음을 다시했습니다.   사실 지난 1 전에도 오디오가이 스튜디오에서 녹음을 한차례 했었는데.   첫번째. 두번째 모두 좋은 느낌들은 있었으나.. 이것은 오디오가이 레이블로 나오는 음악의 녹음..   "자.. 한번 더 합시다!!"   보통 재즈음악의 녹음은 무척 빠른 시간내에 끝나는 경우가 많은데요.   이 음반의 경우는 상당히 많은 시간을 들려서 녹음을 하고 있습니다.   그렇다고 해도 이날 하루에 전곡 녹음을 모두 마쳤지만 말이지요^^     피아노라는 악기와 소리. 음악에 대한 애정이야.. 이미 여러차례 이곳을 통해서 이야기를 한적이 있었지만   색소폰 역시. 제게 있어서 평생 잊을 수 없는 악기중에 하나이지요.   바로 25년전 배철수의 음악캠프 화요일의 긴곡코너에서 나오던 그 색소폰 음악 때문에 제가 지금의 길을 선택하게 되었고.   내가 음악이라는것을 얼마나 좋아하고 사랑하는 지. 스스로를 찾을 수 있었던 경험.   바로 그 경험에 색소폰이라는 악기가 있었기 때문입니다.   게다가 피아노를 제외하고는 가장 긴시간동안 클라리넷과 함께 소리를 내보았던 악기고 그 시간동안 곁에 함께 있었기 때문에 참으로 아기처럼. 폭 애정을 갖고 안을 수 있는 그러한 악기이기도 합니다.     하지만 녹음에 관한 칼럼은 늘 대부분 그렇듯이 피아노 세팅을 시작으로 먼저 시작이 됩니다   함부르크 스타인웨이 D274 ..   정말 꿈속에서만. 상상속에서만 지니고 있던 이 악기가 실제로 제게 들어오다니요.   꿈을 꾸면 언젠가는 이루어질줄은 알았지만 이렇게나 빨리 이룰수 있을것이라고는 감히 상상을 하지 못했던 악기이지요.   게다가 다른 공연장들에서 늘 자주 풀사이즈의 스타인웨이의 녹음을 하지만. 어느곳과 비교해도 우리 피아노는 꼭 내것이어서가 아니라 정말 소리가 좋습니다.   너무 밝지도. 어둡지도 않으면서. 풀사이즈 특유의 정말 깊고 긴 여운..   하지만 스튜디오에서 이렇게 좋은 피아노가 있는데도. 녹음되는 소리는 조금씩 아쉬움도 있었습니다.   실제로 소리를 들으면 이렇게나 좋은데.. 왜 녹음하면 이 정도의 느낌이 나지는 않는것일까.. 하고 최근 많은 생각이 들고 있는데요.   그러고 보니 오디오가이 스튜디오가 오픈된지도 벌써 6개월이 넘었어요.   6개월..한번 진짜 빨리 지나가네요..   그래서 최근에는 피아노 세팅을 다시 여러가지 포지션들을 찾고 있습니다.   처음부터 다시 시작을 하기 위해 가장 기본적인 해머위에 AB 세팅   이 세팅으로는 그간 오디오가이 스튜디오에서 엄청나게 많은 피아노 녹음을 했음에도 불구하고 이 세팅으로는 잘하지 않았는데요.   야마하로 녹음할때는 늘 기준이 되는 위치이지만   스타인웨이. 게다가 풀사이즈의 큰 피아노에서는 해머위소리보다는 피아노 몸체에서의 울려퍼지는  그러한 소리를 담고 싶었기 때문이었습니다   하지만 역시나 피아노 녹음에 있어서 이곳 포지션은 참 좋네요   게다가 피아노 솔로나 듀오가 아닌. 쿼텟의 구성에서 딱 피아노가 좋은 포지셔닝을 해주는 소리가 납니다.   옆에서 보면 이렇습니다.   해머쪽으로 상당히 가깝게 가있고요.   위 사진보다 높이가 낮으면 고역이 줄어들고.   더 높아지면 반사판에서 반사되는 좋지 않은 소리가 많이 들어옵니다.   드럼 오버헤드의 세팅은 이렇습니다.   비싼 죠셉슨 마이크를 다시 보내기 전에 정말 많은 녹음들에 테스트를 해보고 있는데요.   역시나 이번에도 MS   드럼 오버헤드에 MS. 정말 공간감이 3D 파노라마 처럼 녹음이 됩니다만   스트링에서는 깔끔하고 좋았던 죠셉슨의 소리가 이번에는 심벌이 너무 날이 서게 들어와서.   최종 선택은 숍스 AB로   오버헤드 마이킹은 과거에는 높을수록 좋은줄 알았습니다.   하지만 드럼. 특히 재즈드럼녹음에서 정말 중요한것은 "발음이 들이는가" 이더라구요.   요즘은 갈수록. 갈수록 오버헤드 마이크의 높이가 낮아집니다.   마이크가 스네어를 바라보지 않도록 사진처럼 각을 주어야. 오버헤드에서 왼쪽 마이크로 스네어가 치우치지 않게 됩니다.   좋은 마이크는. 어떤 악기에서 써도 다 좋으네요.   숍스 MK4.   지난 첫 녹음에서는 오버헤드에 DPA 4011 도 사용했었는데.   화려한 느낌은 좋았지만 재즈 드럼의 심벌에서, 심벌이 너무 날이 선듯한 쇳소리가 나는것을 저는 엄청나게 싫어합니다.   그러면 너무 싼티나는 소리가 되는것 같아요.ㅜ.ㅜ   그래서 오버헤드에는 DPA 보다 더 차분한 숍스가 참 좋으네요.   나중에는 마이크바디를 지금의 CMC6가 아닌 M222B 튜브 바디로 바꿔서 사용해보고 싶은 강렬한 욕망이 있습니다.   킥드럼은 DPA 4006 무지향성 마이크.   저렇게 드럼의 앞피를 떼고 살짝 안으로 넣는데요.   무지향성이라고 해서 다 무지향성이 아닌만큼. 오히려 드럼 앞뚜껑 밖에 다이나믹 마이크를 설치하는것보다도 다른 악기 소리들이 덜 들어옵니다.   특히 심벌소리..   진짜 DPA 와 숍스를 많이 사용해보니 두 마이크의 결정적인 차이는   DPA는 밝고. 숍스는 자연스럽고 차분하다!! 가 아닌   오프액시스상태의 특성이더라구요   오프액시스 상태에서는 오히려 DPA 가 차분(?) 하고 숍스가 밝습니다. 하하하하^^   아마 이 같은 포지션으로 숍스의 무지향성 마이크를 사용했으면 심벌소리가 엄청 많이 들어왔을 거에요.   드럼 앞피를 떼나 떼지 않나 오디오가이 스튜디오에서는 킥의 음색차이가 크지 않습니다. 그래서 요즘은 항상 떼고 녹음을 합니다.   스네어 탑에 사용한 죠셉슨 마이크.   엄청난 기대를 해서일까요! 좀더 사용해봐야 겠지만.   마이크를 뒤집어서 사용했나..하는 생각이 들정도로 룸사운드가 너무 많이 들어와서. 저는 늘 사용하는 BETA57로 바꿀까 했습니다만.   프로듀서인 홍지현군의 의견대로 그대로 갔습니다.   과거에는 재즈 드럼의 콘덴서 마이크를 사용하는것에 정말 많은 집착을 했었는데요..   "재즈는 콘덴서야..."   하지만 제가 좋아하는 소리는 BETA57 이더군요.   이역시 "발음이 정확하게 들리는 소리"   발음이 잘 들리면 연주가 좀더 좋게 들립니다.   스네어 탑도 탑이지만. 저는 버텀만큼은 정말 포기를 못하겠습니다.   탑과 선택을 하는 경우. 오히여 버텀만 녹음을 하는 경우도 있어요.   스네어는 . 브러쉬를 하더라도. 버텀에서 함께 울리는 철사소리가 있어야. 귀에 들리는것처럼 "생생하게" 녹음이 됩니다.   이역시 BETA57   지금까지 여기에 C414부터 시작해서 무수히 많은 마이크들을 사용해왔지만. 결국에는 BETA57     오디오가이 스튜디오의 드럼녹음에서는 늘 이 기기를 사용합니다.   RME 믹스타시 MADI   프리도 컨버터도 정말 소리가 밝고 깨끗해요.   게다가 오디오가이 스튜디오는 드럼룸에서 컨트롤룸까지의 직선거리 30미터. 케이블은 40미터나 길게 깔려있기 때문에 믹스타시에서 디지털 출력으로 DAW로 입력합니다.   모든 악기에 로우컷을 하고(특히나 가장 로우컷을 해야하는 악기는 바로 킥 드럼이지요) 녹음을 합니다.   드럼은 녹음후 믹스에서 이큐나 그런것을 전혀 건들이지않고.   약간의 리버브와 오토메이션만 하고 최종 믹싱을 합니다.   심벌도 충분히 화려하고 밝고.   스네어도 선명하고.   킥도 풍부합니다.   콘트라 베이스는 오디오가이 재즈 베이스 녹음 세팅의 기본   노이만 KM140 M   노이만 TLM170R S 의 MS 세팅   그사이 몇몇 다른 세팅들도 시도해보았지만.   진짜 진짜 고민많이 했던 재즈 베이스의 녹음에서는 현재까지는 이 세팅이 가장 마음에 듭니다.   베이스는 이렇게 휴게실에서 녹음합니다.   스튜디오 만들때부터 휴게실도 부스로 사용하려고 가운데 큰 창도 내어놓고.   아날로그 케이블외에도 MADI, DANTE, 큐믹서 사용하기위한 LAN, 등 다양하게 패널들을 설치해두었어요.   정말 해두기를 잘했다는 생각이 많이 듭니다.   베이스는 늘 이곳에서 녹음을 하는데. 바닥은 다른곳들처럼 플로팅이 되어있지만 벽등은 노출콘크리트 그대로 되어있어서 상당히 울림이 있어서 오히려 현악기 녹음에 좋습니다.   그리고 색소폰은   피아노 방에서 함께 이렇게 녹음을 해요   3개의 고보로 간이 벽을 만들고   저 위치에서는 오른쪽의 드럼과 피아노. 왼쪽의 콘트라를 가깝게 눈을 맞출수 있습니다.   이렇게 피아노와 같은 공간에서 MS로 색소폰 녹음하면   S로 들어오는 피아노의 간섭음이 스테레오로 들어와서 오히려 M이 더 뚜렷하고 분명해집니다.   늘 음악에는 "발음"이 참 중요한것 같아요^^   이렇게 최경식 쿼텟의 녹음을 끝마쳤습니다.   얼른 작업이 끝나고 음악으로 들어보고 싶네요.     게다가 색소폰 연주자 최경식씨는 오디오가이 스튜디오 오픈식때 연주를 해주기도 했었는데요.   그때.. 그 정신없는 와중에서도 속으로.. "와.. 이사람 색소폰 톤 정말 끝내준다!!" 라고 생각했었답니다.   좋은 소리를 지닌 연주자와 녹음하는것은 너무너무 즐거워요!!!   이글을 쓰는 지금은 반도네온. 피아노. 바이올린. 콘트라의 탱고밴드 녹음중. 이 녹음기도 다음에 올리도록 하겠습니다.!  

  지난주 스튜디오에서 스트링 녹음을 하였습니다.   합창이나 스트링같은 인원이 많은 음악들은 스튜디오에서도 많이 하지만 교회나 홀에서도 많이 하는데요   스튜디오에서 할때의 장점은 이렇게 여러번 더빙을 해서 더욱 더 풍부한 소리를 낼때. 그리고 스튜디오는 무엇보다도 여러 소음과 기본적인 근접마이크를 사용할때의 음향환경들에서 교회나 홀보다 장점을 지니고 있는 경우가 많습니다.   특히나 스튜디오에서 스트링을 녹음하면 정말 소리가 깨끗하게 녹음이 되는데요.   이번 녹음역시 그동안 녹음한 스트링들 가운데 가장 좋은 소리를 얻을 수 있었습니다.         스트링스같은 녹음에는 반드시 메인마이크가 필요하며. 근접마이크와 함께 섞여서 소리의 깊이감을 만들어주는 것 뿐만 아니라.   전반적인 소리의 색깔과 이미지를 만들어주기 때문에. 작은 공간에서 녹음하더라도 반드시 필요합니다.   이번에 스트링 녹음에 메인으로 사용한것은 미국 죠셉슨의 700S 마이크를 MS 로 세팅   앰비언스겸 서브마이크로는 노이만 KU100 더미헤드   각 스트링 스팟마이크로는 바이올린 1ST/2ND에 숍스 MK4   비올라에 죠셉슨 C42   첼로에 죠셉슨 C415 라지 다이어프램 마이크를 사용하였습니다.   죠셉슨 마이크는 최근에 수입처에서 데모로 받아서 요즘 녹음들에 많이 사용하고 있는데요.   전반적으로 노이만이나 숍스에 비해서 질감은 부족하지만.   소리가 유리알같이 맑고 깨끗합니다.   스팟마이크는 사진에서처럼 악기의 바로 위에서 1.5미터정도위에 설치합니다.           오디오가이 스튜디오는 요즘 MS 세팅에 빠져있는데요.   스튜디오에서 메인 마이크 혹은 스팟마이크로 사용시 M 과 S의 음량을 조정하면서 소리의 좌우 폭과 깊이감을 조절할 수 있다는것이 정말 매력인것 같습니다.   이번에는 더미헤드는 거의 사용하지 않고 죠셉슨 700S 의 MS 세팅으로 사용하였습니다.   가운데 M에서는 비올라 소리를 뚜렷하게 녹음을 하고   양 사이드의 S에서는 바이올린과 첼로 소리 위주로 들어오게 되는데 실제보다 더욱 더 넓은 공간에서 녹음하는것과 같은 공간감이 들어와서.   정말 만족스러웠습니다.         죠셉슨 700S 마이크   간단하게 MS 는물론이고 블룸레인 XY등 다양하게 사용할 수 있습니다.   어제는 피아노와 기타에도 사용해보았는데. 기타에는 고역이 너무 밝은 느낌이 있기는 했지만 피아노에도 세팅을 좀더 연구해봐야 겠지만 괜찮았습니다       바이올린 스팟마이크로 사용한 숍스 MK4   정말 여러대의 마이크를 사용하는 경우.   간섭음(오프액시스 특성)이 얼마나 아름답게 들어오는지요..   쓰면 쓸수록 대단한 마이크라고 생각을 많이 하게 됩니다.   저는 스트링 스팟에는 DPA 4011을 잘 사용하지 않게 되는데요. 숍스는 메인 마이크와 착 달라붙어서 잘 섞이는 반면.   DPA 4011 을 스트링 스팟마이크로 사용했을때 메인에서 너무 도드라지는 특성이 있는 것 같습니다.     죠셉슨 C42 스몰다이어프램 마이크   상당히 저렴한 마이크인데 만듬새도 좋고. 비올라에는 주로 B&K4011을 사용하는데요(비올라는 늘 바이올린과 첼로에 비해서 작아서 잘 들리지 않아서 일부러 조금 도드라지는 마이크를 사용해왔었습니다.)   이번에는 C42를 사용   B&K4011 보다 더 좋은 비올라 소리를 얻을 수 있었습니다.       첼로 마이크에도 죠셉슨의 C415 라지 다이어프램 마이크를 사용.   역시 보통은 첼로에 노이만 KM140을 사용하는데. 고역이 밝으면서도 저역이 풍부하고 깔끔하게 떨어지는 소리.     죠셉슨 마이크들을 일주일 넘게 데모를 하면서 수 많은 악기들에 사용해보았는데.   우선 스트링에는 숍스 DPA 만큼이나 마음에 들었습니다.     이렇게 스튜디오에서 녹음한 스트링 사운드.   마이크와 스튜디오의 특성으로 믹싱때 고역을 이퀄라이저로 올릴일 없이 아주 초고역이 하늘하늘~ 하게 밝고 깨끗하게 녹음이 되었습니다.   평소에 이미지하던 소리 그대로 딱 녹음이 되었을때의 기분은 정말 좋은 것 같습니다.^^     

    지난 시청에 있는 대한성공회 주교좌 성당에서의 녹음에 이어.   이번에는 강화도 온수리에 있는 성공회 온수리 성당(교회)입니다.   사진에는 없지만 아주 멋진 한옥성당이 있는 곳이기도 하지요.   이곳에서는 수년전 일본. 한국 아티스트들과 한번 레코딩 작업을 진행한적이 있었답니다.   녹음을 위한.   그리고 좋은 소리를 위한 녹음공간이라는것을 우리나라에서 대관하기가 참 어려운 현실에 비추어.   여러모로 흔쾌히 대관을 해준 성공회 온수리 성당에게 참 감사한 마음이 있습니다.     이번 프로젝트는 카펠라 무지카 서울의 음반작업으로 오디오가이 레이블로 나오게 되는 음반입니다!!   지금 제가 이 글을 쓰고 있는 스튜디오에서 지휘자분과 저희 남송지씨가 에디팅 작업들을 하고 있어요.   내부는 이렇게 생겼습니다.   지나치게 화려하지 않고 아주 소박하면서도 따듯한 분위기의 장소입니다.   크기도 아담하고요.       이곳에서 녹음을 하면서..   아..서울에 이러한 공간과 울림을 지닌 레코딩 스튜디오를 만들게 된다면 얼마나 좋을까?? 하는 즐거운 상상의 나래에 녹음 내내 빠져있었답니다.   열심히 꿈을 이루어 통의동에 멋진 스튜디오를 운영하게 되었음에도 불구하고.   외부에서 녹음을 할때마다 넓고. 크고. 높고. 울림이 아름다운.. 그러한 공간에서 녹음들을 더욱 더 많이 해보고 싶은 생각들이 참 많이 들어요.   마루바닥에 회벽. 울림이 아주 길지는 않지만 전형적인 성당특유의 울림을 지니고 있고.   무엇보다도 주변이 상당히 조용합니다.   뒤에 있는 테라코타로 되어있는 작품은 남미작가의 작품이라 하네요.     이번 녹음 세팅은 이렇습니다.   울림이 풍부한. 그리고 무엇보다도 소음이 적은 조용한(!) 공간에서의 녹음이니만큼   마이크들은 모두 무지향성 마이크들만 사용하였습니다.   메인 마이크 세팅은 DPA 4006 무지향성 마이크 4대를 사용한 "오노트리(오노 파이프)" 세팅   서브로 노이만 KU100 더미헤드 마이크를 설치했는데 이것은 향후 . 같은 음악을 오노트리의 음원과 더미헤드의 음원을 별도로 수록해볼까..하는 생각때문에 더미헤드 마이크로도 함께 수록을 하였고.   합창단의 스팟마이크로도 DPA 4006 무지향성 마이크 2대를 사용하였습니다.     오노트리는 필립스 레이블의 프로듀서/엔지니어 오노슐츠가 만든것으로(사실 빌헬름 헬벡과 거의 함께 만들었다고 볼수도 있겠고요)   B&K 4006 4대를 사진과 같이 구성합니다. 가운데 마이크는 90도 간격. 트리의 양끝은 3미터 입니다.   주로 오케스트라 녹음에 많이 사용이 됩니다.   사실 첫날 녹음에 거의 6시간은 이 오노트리 세팅을 하는데 사용한것 같습니다.   울림이 좋은 성당이라고 해서. 아무렇게나 마이크를 두면 좋은 소리가 들어올 것 같은데.   막상 현실은 그렇지 않지요.   높이 거리. 정말 여러번 위치를 놓아보았습니다.   아주 멀게도 해보고. 가깝게도 해보고...   하지만 대부분 메인 마이크의 가장 좋은 포지션은 역시나 지휘자의 바로 등뒤. 인경우가 많더군요.   지휘자 바로 등 뒷편으로 위치를 결정하고. 높이와 각도만 해도 적어도 20번 이상 바꾸어 가며 현재의 포지션으로 확정하고. 녹음을 하였습니다.   스팟마이크는 사진에서처럼 설치되어있습니다.   오노트리에서는 정말 엄청난 공간감이 들어왔는데요.   조금더 음상을 선명하게 하기 위해 오노트리를 가깝고 낮게 설치하는것보다는   거기에 약간의 추가 마이크를 설치하는것이 더욱 더 깨끗하면서도 공간감이 풍부한 소리를 얻을 수 있었습니다.   가운데 더미헤드 마이크의 경우는 거의 서브의 개념으로 녹음해두었는데.   나중에 스튜디오로 들어와서 들어보니 상당히 좋은 소리가 담겨있어. 더미헤드로 녹음하는 합창 사운드에 대해서도 앞으로의 가능성을 느낄 수 있었습니다.   특히나 요즘은 헤드폰. 이어폰으로 음악을 감상하는 사람들이 아주 많아진 요즘. 더미헤드로 하는 바이노럴 녹음방식은 헤드폰으로 들으면 정말 입체감있는 좋은 소리를 들려주니까요.       스팟마이크의 위치는 사진에서처럼 약간 높게 하는 편인데요.   아무리 무지향성 마이크라도 중고역에서는 명확한 지향패턴을 지니게 때문에 역시 위치가 중요합니다.   마이크를 합창단의 정면으로 설치하게 되면 높은음(큰음)에서 피크감있는 소리가 될수 있기 때문에 사진에서처럼 약간 높혀서 각을 주는 형태로 합창마이크의 스팟을 설치합니다.     녹음시에는 오노트리와 스팟마이크 위주로 모니터링을 했는데. 스튜디오에서 다시 들어보니 노이만 KU100 더미헤드로 녹음된 소리도 상당히 좋았습니다.     마이크프리/AD 컨버터는 역시 RME 의 믹스타시.   악기에는 정말 정말 좋은 소리를 들려주는데. 합창에는 소리가 너무 밝은 것이 아닌가 하는 생각이 살짝 듭니다.   내일은 원주시립합창단 녹음을 가게 되는데. 이때는 다른 기기들을 사용해보아야 겠습니다.     여기는 컨트롤룸입니다.   로케이션 레코딩에서 조금 번거롭더라도 스피커로 모니터링을 하는것이 헤드폰에서는 들리지 않는 사운드 스테이지를 확인할 수 있어서 이부분이 중요한것 같습니다.   모니터 스피커는 B&W 805D. 모니터 프리앰프로는 메트릭할로 ULN-2 의 아날로그 출력을 맥킨토시 MC402 파워앰프에 연결해서 모니터링 하였습니다     B&W 805D 스피커   전작 805S 도 참 오랫동안 사용해보았었는데. 트위터가 다이아몬드로 바뀌면서 해상도가 너무 높아져서 이제는 모니터링용으로 쓰기에는 좀 힘든것이 아닐까...하고 지레 짐작했었습니다.   그런데 소리를 들어보니 이것이 왠걸.. 전작인 805S 보다도 초고역이 더 스무드 합니다.   소리가 부드럽고 더욱더 자연스러워졌습니다.   정말 놀랐습니다.   게다가 전작의 805S 보다 저역이 더 풍부하면서도 퍼짐이 없이 선명한 저역을 들려줍니다.   그래서 전 805D가 805S 보다 좀더 사이즈가 큰것으로 생각했었습니다만. 나중에 확인해 보니 둘의 사이즈는 동일하더군요.     이번제품은 B&W 수입처인 로이코에서 데모로 빌려주어서 가지고 가서 녹음한것이었는데 소리를 들어보고 스튜디오의 모니터 스피커도 이것으로 바꾸고 싶은 생각이 들었습니다.   스튜디오가 되었든 집이 되었든 한조있으면 정말 좋은 스피커인것 같습니다.(그러기에는 가격이 상당히 부담스럽지요)     맥킨 MC402 앰프. 정말 무겁더군요.ㅜ.ㅜ   로케이션 녹음에 이렇게 무거운 앰프는 처음 가지고 나가보았습니다.   B&W 805D 를 구입하게 되면 비교적 가벼운 코드 SPM600 이나 로텔의 적당한 파워앰프를 구해봐야 겠습니다.     우리나라의 환경에서.   이렇게 성당에서 녹음을 할 수 있다는것에 참 감사합니다.   오히려 스튜디오 녹음보다도 여러가지 소음부분. 전기상황. 게다가 일반적인 스튜디오나 클래식 공연장등과는 전혀 다른 음향환경에 따른 많은 적응이 필요하기는 하지만.   녹음된것을 들어보면. 확실히 성당특유의 공간에서의 울림이 녹음에 담겨있습니다.   이 음반은 이번달 믹싱 마스터링이 끝나고 올해 하반기 출시예정입니다.      

지난주 토요일 시청에 있는 대한 성공회 주교좌 성당에서 피아노와 트럼펫의 실황공연의 녹음이 있었습니다.   성당에서의 녹음. 특히 이곳 대한성공회 주교좌성당에서 녹음하는것을 저는 엄청 좋아합니다.   우선은 오디오가이 스튜디오와 무척 가깝고^^   성당안의 소리가 서울시내에 있는 성당중 손꼽을 만큼 아름다운 울림을 지니고 있고   또한 건물과 내외부가 참 아름답습니다.   성당으로 들어가는 입구. 이번 공연을 주관한 플러스히치 분들의 반가운 모습들이 보이네요.     내부는 이렇게 되어있습니다. 정말 길고 아름다운 잔향을 지니고 있는 곳이지요.   10년전엔가 제 생일때 혼자 이곳을 찾아.   이곳서 하던 클래식 음악회를 보고 들으며 감동의 눈물을 흘렸던 기억이 생각납니다.   성당 전면에서 입구측 후면을 바라본 모습입니다.   파이프오르간이 있어요.   아름다운 울림의 공간에서 뒤에서 부터 파이프오르간 소리가 전체를 꽉 차게 울려주면 마치 소리가 몸을 감싸는 경험을 할 수 있습니다.   독일 쾰른 대성당의 파이프오르간도 정말 감동적이었지만   저는 이곳의 파이프오르간 소리도 그에못지않게 참 좋다고 생각합니다.   미사를 드릴때 신부님들이 계신곳 위에는 이렇게 좀더 높게 되어있어서   음악회를 할때면 이곳에서 많은 소리가 울려서 다시 아래로 내려옵니다.   공연중에 잠시 2층 파이프오르간 앞으로 올라가보았었는데.   아래보다도 훨씬 더 좋은 소리를 들을 수 있더군요.   다음에 이곳서 녹음을 할때는 꼭 2층 파이프오르간 앞에 마이크를 설치해야 하겠습니다.   이 성당은 무척 동양적인 요소들이 많이  있는 곳으로 천정도 사진에서 처럼 나무로 되어있습니다.   마치 적산가옥들의 천장들과 비슷하기도 하지요.   옆에 있는 기둥들이 소리를 반사시키면서 더욱 더 멀리 보내는 역할들을 한답니다.   그리고 성당에는 빠질 수 없는 회벽으로 되어있어요(저는 회벽의 소리를 나무보다 더 좋아합니다.)   고졸한 매력..은 꼭 절에만 있는것이 아니더군요.   성당에서 녹음을 하는 것을 좋아하는 이유중에 하나로.   녹음준비를 모두 다 해놓고 근처를 산책하는 것을 참 좋아하는데요.   지금은 사무실로 사용이 되고 있는 사제관..   제게있어 근대는 동서양의 모습이 가장 잘 섞여 있는 것이기도 합니다.   수백년전 서양의 화려함도 . 그리고 동양의 깊고 단아한 매력도 좋지만   둘이 본격적으로 함께 만나서 일상이 된 근대 시대의 문화와 디자인. 건축들은 늘 마음을 설레게 합니다.   어느곳이든.   그곳을 가는 길에서부터 건축은 시작이 되는 것 같습니다.   건물의 모습보다 그곳을 감싸고 있는 길이 정말 중요하다고 생각한것은 처음 경동교회를 갔을때였었지요..   사제관 옆으로 있는 이 문을 열면 무엇이 나올까요?   외지인들을 들어갈 수 없는 곳이지만.   바로옆에 수녀회가 있습니다.   문을 열면 정말 아름다운 초록색 잔디위에. 수녀님들이 머무시는 한옥이 있어요.   우리동네 아름다운 한옥들이 참 많지만   진심으로 마음속에서부터 아름답다! 라고 생각하는 곳입니다.   보통은 들어갈수가 없는데.   지난번 성공회 성당 녹음때. 어느분이 이곳에서 나오시는것을 보고 살짝쿵 들어갔다가   마치 다른 세상에 온것같은..   그렇다고 해서 꿈동산처럼 화려한 아름다움이 아닌.   우리 시골의 진정한 아름다움이 이곳안에 있더이다..   이 사제관중에 저는 특히 창문이 마음에 듭니다.   사제관에서 후문족으로 가면 양이재 건물이 있습니다.   경운궁(덕수궁)의 궁궐건축을 이렇게 가깝고 조용하게 보고 음미하며 즐길 수 있다는 것도 참 좋습니다..   이곳을 지나 후문으로 가면 영국대사관이 나오는데.   이렇게 아름다운건물이 있는,. 그리고 우리의 옛궁궐 땅안에   그렇게나 성의없게 대사관 건물을 지은 영국이라는 나라가 어떤곳인지 다시 생각하게 만듭니다..   하지만 그러면서도 제가 이렇게 좋아하는 성공회 성당을 설계한 영국사람에게 고마운 마음이 드는것도 사실이네요..   영국대사관 건물 사진도 찍었는데 경찰이 와서 사진삭제해야 한다 해서 삭제를 했다 합니다. 아름다운것은 꼭 많은 돈만으로 만드는것은 아닌것 같습니다.   진정으로 오랜시간 남는것은 특별하기보다는 일상적 아름다움인것 같아요.   제가 위에서 이야기한 수녀님들이 계신곳으로 들어가는 정문.   나중에는 허락을 구하고 꼭 한번 천천히 이곳을 보고 싶습니다.     이제 성당안으로 들어왔습니다.^^   본래 성당에는 삼익의 베이비 그랜드 피아노가 있는데. 피아노의 상태가 좋지 않아서 긴급하게 야마하 C7을 렌트해왔는데.   저는 보통 렌탈피아노들중에 좋은것을 보기 힘들다..라고 생각했었습니다만   깜짝놀라게 좋은 소리를 지니고 있는 C7이더군요.   다음번에는 이곳에서 클래식 피아노 솔로를 꼭한번 레코딩해보고 싶습니다.   피아노 마이킹은 최근 오디오가이의 피아노 녹음의 스탠다드 세팅   공간안의 울림을 충분히 녹음에 담기위해서 객석 중간에 무지향성 마이크를 설치 하였습니다.   이 마이크가 있어야.. 공간의 특성이 녹음에 들어나게됩니다..   요즘들어 다시 자주 사용하고 있는 MG사의 M960 무지향성 마이크   정말 화려하고 밝은 중고역을 들려주기 때문에 이렇게 음원과 먼거리에 설치를 해도 고역이 감쇄되지 않고 아주 선명하게 들어옵니다.   트럼펫은 AKC C24 빈티지 마이크의 MS 로 세팅   M서는 트럼펫의 소리를   성당 옆벽에서의 공간안의 울림등을 담게됩니다.   뒤로도 이렇게 깊은 공간이 있어서 소리가 위와 뒤로도 많이 울려퍼집니다..   피아노와 트럼펫 녹음 세팅은 이렇게 되어있습니다.   마이크프리와 AD 컨버터는 마이크와 최대한 경로를 짧게 해서 아날로그 케이블에서 오는 손실없이 투명하고 깨끗한 소리로 녹음하는것을 좋아합니다.   피아노 마이킹.   고역쪽 마이크가 연주자를 바라보도록 세팅.   높이도 연주자의 얼굴정도를 향하게. 그리 높지 않습니다.   AKG C24나 노이만 USM 69 같은 스테레오 마이크가 저는 참 좋습니다.   특히나 이렇게 오픈된 공간에서의 MS 로 세팅하는 스팟마이크는 정말 귀에 들리는 소리처럼 자연스러워요.   늘 녹음이라는것은 귀에 들리는것보다 빈약한 소리로 녹음되기 쉽상이니까요.   최근 오디오가이의 녹음에서 가장 많이 사용이 되고 있는 RME 의 믹스타시 마이크프리앰프 겸 AD 컨버터   RME라는 회사를 이전에는 아포지보다 한단계 아래라고 생각했는데   적어도 하이엔드 클래스에서는 이제는 아포지보다 훨씬 더 소리가 좋습니다.   믹스타시는 마이크프리의 소리도 RME 특유의 밝고 맑고 깨끗한 AD 컨버터의 소리도 참 좋고   마디옵션을 달아서 마디로 간편하게 녹음이 가능하고   아날로그 8출력도 있어서 공연실황중에 FOH 콘솔로 소스를 동시에 보낼 수 있는 스플리터 역할도 되는 정말 유용합니다.   그리고 무엇보다도 가벼워서 함께 일하는 남송지씨가 정말 좋아합니다.^^   AKG C24의 전원부와 지향성 콘트롤러   사진에서처럼 M의 소리를 반무지향성으로 하였습니다.   앰비언스 마이크로 사용된 MG M960   이마이크로 오노트리로 해서 하면 어떨까 하는 생각이 듭니다.   앞으로 녹음들에 좀더 자주 사용해봐야 겠어요.   무대는 출입구 쪽에 테이블을 함께 하였습니다.   AD 컨버터에서 마디로 출력이 되기 때문에 먼거리에 있어도 음의 손실이 없어요.   성당 관계자 분이 녹음장비들이 아주 단촐하다고 놀라시더군요   대부분 엄청나게 많은 장비들을 가지고 오셔서 녹음하신다 합니다.   콘트롤룸의 장비는 소니 바이오 노트북에 RME MADIFACE를 연결해서 믹스타시와 연결하고   다이렉트 아웃의 마디 헤드폰 앰프를 통해서 울트라손 헤드폰으로 모니터링 합니다.   이렇게  대한 성공회 주교좌 성당에서의 녹음이 잘 끝났습니다.   그리고 어제과 그제는   강화도에 있는 온수리 성공회 성당에서 오디오가이 레이블 제작의 녹음을 하였는데.   곧 정리해서 올리도록 하겠습니다.   성당에서의 녹음은 정말이지 무척 즐겁습니다!!    

그동안 어디를 이동할때마다 거의 택시를 타고 다녔습니다. 저는 운전면허가 없어요. 늘 습관처럼 그저 편하게, 막히더라도 택시안에서의 조용한 시간이 참 좋았습니다. 그런데 최근에는 다시 버스와 지하철을 타기 시작했습니다. 집과 스튜디오가 걸어서 이분거리 내외로 온 이후로는 대중교통. 특히나 버스를 타는 일이 많이 줄어들게 된것이지요. 멀리 마음과 시간의 여유가 있을때 강남으로 넘어갈때는 좋아하는 책을 들고 두근두근 하며 지하철을 타거나 대부분은 그저 택시를 탑니다. 특히나 저는 지하철이나 버스안에서는 누군가와는 통화를 하지 않습니다. 지하철이나 버스에서 핸드폰으로 통화를 하면 주변의 소음때문에 전화기의 볼륨을 많이 올려야 하는데. 그렇게 통화를 하고 나면 머리가 띵하며 귀가 욱신욱신 하기 때문에. 이동중에 통화를 해야할때는 대부분 택시를 타서. 택시기사님께 라디오의 볼륨을 줄여달라고 요청드린 다음 택시를 타고 그 안에서 열심히 전화통화를 하기도 하지요. 최근에는 서너시에 지하철을 종종 타게 되었는데요. 이때의 지하철의 풍경은 다른시간과는 전혀 다릅니다. 상당수의 많은 사람들이 지하철 안에서 전화기보다는 책을 보고 있어요. 많은 사람들이 한창일을 할 서너시간에 여유롭게 지하철을 타는 사람들은 책을 볼 여유들도 많은 것 같습니다. 그만큼 지하철 안도 붐비지 않고 공기감이 느껴져서 참 좋습니다. 하지만 이밖에 다른 시간들의 지하철에서는 정말 대부분 이라고 해도 될만큼 거의 모든 사람들이 잠시라도 가만히 있지 못하고 전화기만 들여다 보고 있습니다. 저는 이것이 너무 싫습니다. 사람들은 정말 모두들 바쁘게들 지내고 그리고 약간의 짬이 나더라도 천천히 책을 읽거나 혼자만의 생각에 빠지는 것보다는 게임이나 이와 비슷한 웹서핑에 많은 시간을 보내는것 같습니다. 정작 본인들은 늘 시간이 없다. 바쁘다.. 일손이 부족하다.. 이야기를 하지만 무엇인가가 계획된것이 자꾸 미루어지고. 꿈꾸던것들이 그저 연기처럼 사라지고 이내 망각의 강에 풍덩 빠져서 모두다 잃어버린후 그리고 또 다시 새로운 꿈을 꾸고 또 이것이 이번에는 이루어질 수 있을 것 같은 기대만 하게 되고. 그러면서 또 시간은 지나갑니다. 지금 이순간을 나의 현실을 가만히 들여다 보면 정말 정말 많은 꿈을 현실로 가지고 와서 가지게 되고 또 이루어진것 같습니다. 그런데 꿈을 이룬다고 과연 사람은 더 행복한가요? 그리고 왜 "욕심"이라는 것은 머릿속에서 꿈 혹은 "목표" 라는 거추장스러운 이름으로 더나지 않고 나를 지배하게 된것일까요? 과연 나는 욕심이 적은 사람인가 많은 사람인가요? 이글을 쓰면서 블로그에 함께 흘러나오는 정말 아름다운 음악들을 제가 직접 녹음을 하고 이 음악들을 들으면 녹음당시의 아티스트와 나누었던 이야기들. 그들의 모습들. 그 순간의 저의 소리에 대한 고민들이 이따금 다시 생각이 피어오릅니다. 사진에서처럼 이렇게 멋지고 아름다운 레코딩 스튜디오의 주인장이 되었습니다. 게다가 스타인웨이 피아노도 가질 수 있게 되었지요 이것 아마도 60대는 넘어야 가질 수 있으리라 생각했는데 거의 20년이나 빨리 내 손자욱을 남길 수 있게 되었습니다. 그리고 무엇보다도 정말 사랑스러운 가족과. 감사한 부모님. 또한 오디오가이에서 함께 일하는 정말 든든하고 멋진 식구들과 함께 있습니다. 어떤 사람은 제가 가진 수 많은 녹음 기재자들을 부러워 하거나 혹은 깔끔하고 멋진 스튜디오를 부러워하거나 함께 일하는 식구들의 성실함을 부러워하거나 아름다운 아내와 귀여운 아가들을 부러워합니다. 이렇게 많은 사람들의 부러움을 받고 있는데도 밝고 따듯한 햇살을 받으며 시작하는 하루와. 한옥집 마당안으로 담기는 달빛을 보며 마무리하는 하루 그 긴시간안에서 그런데 저는 왜 또 다른 누군가와 비교하며 일등병. 이등병에서 헤어나지를 못하는 것일까요? 일등이나 이등,. 그들이 지니고 있는 것에 비하면 제것은 왠지 조금 어설프게 보이기도 하고.. 그들의 것이 훨씬 더 크고 좋아보여서 이렇게 많은 것을 지니고 있는데도. 제것이 어떨때는 조금 부끄럽게 여겨지기도 합니다... 이것이 얼마나 소중한것인데도 말이지요.. 과거 어느글에서도 잠시 쓴적이 있었지만 한국에서 가장 학력컴플렉스에 시달리는 사람은 바로 국내대학 박사출신들이라고들 하지요. 그들은 늘 유학파 박사출신들에 비해서 학력컴플렉스를 느낀다고 합니다.. 이렇게 꿈을 이룬 스튜디오를 만들게 되었고 생각했던것보다 훨씬 더 스튜디오에서 아주 많은 작업들이 이루어지고 있습니다. 애초에 스튜디오를 만들때 가장 큰 계기는 함께 일하는 남송지 엔지니어가. 맨날 외부 스튜디오에서 다른 환경들에서 녹음하는것보다 우리 스튜디오의 환경에서 하는것이 이친구가 지닌 재능을 훨씬 더 잘 살릴 수 있다고 생각한것이었지요. 그래서 생각처럼 남송지 엔지니어도 너무 많은 녹음스케줄에 간혹 힘들어하는 모습이 보이기도 하지만 그 안에서도 그녀의 소리에 대한 열정에 그순간을 마음속으로 기록하고 또한 즐기고 있음을 느끼기도 합니다. 이렇게 스튜디오를 만든지 6개월밖에 채 되지 않았는데 저는 벌써 스튜디오를 확장할 생각을 하고 있습니다. 혹은 몇년이 지나면 "우리 동네에 근사한 건물을 직접 지어서 스튜디오를 만들어 보아야지.. " 라는 또하나의 꿈과 목표가 생기기도 합니다. 하지만 과연 그런다고 해서 지금과 달라지는것은 무엇일까요? 지금보다 더 크고 좋은 곳. 이루고 나서는 이보다 더 크고 좋은 곳. 그리고 그보다 더욱 더 크고 좋은곳!!! 지금도 스튜디오를 만들면서 경제적으로 많은 무리를 한 까닦에 한편으로는 어려운점들도 많습니다. 그 다음의 목표를 혹시나 이루게 되더라도. 지금보다 더 어려운 경제적인 문제에 봉착하게 되겠지요. 그리고 나서는 더욱 더 많은 빛이 생기고. 빛도 재산이라는 정말 말도안되는 이상한 논리에 스스로의 최면을 걸고 또 무엇인가 내가 가지고 있지 못한것을 탐하며. 일등병, 이등병을 고칠생각보다는 더 큰 욕심들만 지내다가. 정작 내게 있어서 중요한 것, 소중한 것, 아름다운것, 간직하고 기억하며. 결코 잊거나 잃어버려서는 안되는 것들에 대해서는 돌아볼 수 있는 것이 더욱더 줄어들게 되고. 낮빛은 검어질테고, 저의 눈빛은 더욱 더 여유가 없이 흔들리는 사람이 되겠지요.. 내손에 있지 않은 보이지 않는 그 무엇인가를 잡으려고 마음만 조급하게 보내기 보다는 차라리 이 손으로 내가 가지고 있는 그리고 내 주변에 있는 소중한것들을 한번 더 만져보고 쓰다음어 보고. 10년째 보려고 마음만 먹고 아직 책도 구입해놓지 못한 아라비안나이트 와 일리아드 오딧세이아같은 긴책의 페이지를 한장 한장 넘기는데. 마음을 담아 이 손을 사용해야 하겠습니다. 휴우...

http://blog.naver.com/audioguy1/90174929144 오늘 스튜디오에서 피아노 재즈 트리오의 녹음이 있었습니다. 피아노 트리오는. 여러 재즈 구성중에서 참 좋아합니다. 과거에는 듀오와 솔로를 선호했었는데. 갈수록 피아노 트리오가 더 좋아지게 되는것같습니다. 제가 재즈를 좋아하게 된 음반은 케니드류의 음반이었는데. 이 음반으로 인해서 재즈라는 음악을 평생에 좋아하게 되었고. 또 재즈음악을 녹음하는 레코딩 엔지니어가 되었습니다. 피아노. 콘트라베이스. 드럼. 이렇게 세사람이 서로 대화하듯이 즐겁고 신나게 연주하는 모습이 연상이 되는 그러한 트리오가 참 좋습니다. 오늘 오디오가이 스튜디오에서 녹음한 임보라씨의 트리오가 이러한 느낌을 주는 음악이었습니다. 오디오가이 스튜디오는 생긴지 5개월밖에 되지 않았지만 참 많은 재즈음반들을 녹음하였는데. 이 음반은 그 가운데 가장 마음에 드는 소리로 녹음이 되었습니다. 스튜디오에서 여러 녹음들을 진행하며 차근차근 우리 스튜디오의 특성에 대해서도 파악하게 되었고 녹음시에 레코딩 프로그램에서 아무것도 건들지 않아도(볼륨. 이큐나 컴프. 리버브등등..) 들을 수 있는 음악이 흘러나와서 참으로 기쁩니다. 이번 피아노 녹음은 DPA 4011 페어와 사진뒷쪽에 작게 나와있는 MG M960 무지향성 마이크를 AB로 앰비언스로 하였습니다. DPA 4011 마이크. 참..제게 있어서 DPA 4011 만큼 많은 추억이 있는 마이크도 또 드물것 같습니다. 꽤나 오랫동안 사용하고 있기도 하고 이 마이크를 사용하면서 부터 오디오가이의 사운드가 바뀌었다!! 라고 사람들이 이야기를 할정도로. 많은 영향을 준 마이크이지요. 요즘은 4011A라는 것으로 모델체인지가 되어서 나오는데 저는 이전의 4011이 훨씬 더 마음에 듭니다. 요즘것은 중역대의 피크감이 느껴지는 부분이 있어서.. 피아노 마이크프리앰프는 GML 프리를 사용했습니다. GML은 초고역과 초저역이 적당하게 짤려있어서 중역위주라 피아노에 참 잘맞는 것 같습니다^^ 피아노 사운드의 배음이 지나치게 많이 들어오지 않고. 약간은 정리된 사운드로 들려서 클래식이면 몰라도 재즈에는 상당히 잘 어울립니다. 피아노 마이킹 포지션 요즘들어 피아노 녹음에 자꾸 마이크를 멀리 하게 됩니다. 많은 레코딩 엔지니어들은 피아노 녹음시 마이크가 꼭 해머와 현을 바라보고 있어야 할것 같다고 생각을 하지만 피아노 몸체(특히 스타인웨이는 더더욱)에서도 참 많은 소리가 흘러 나오는것 같습니다. 이번에는 드럼녹음 사진은 없는데요 드럼 오버헤드 AKC C24 XY 킥드럼 오디오테크니카 ATM23 스네어 탑과 버텀 BETA57 탐탐 DPA 4006 드럼녹음에는 오랫만에 탐탐에 DPA 4006을 사용하였는데. 특히 플로어탐에는 역시 콘덴서 마이크가 탐 몸체에서의 울림까지 잘 들어오는것 같습니다. 오버헤드는 AKG C24를 사용하였는데 역시나 드럼 오버헤드는 라지 다이어프램에서의 소리가 깊이감이 있고. 드럼셋 자체의 밸런스가 훨씬 더 좋게 들려서. 오버헤드는 라지!!! 이번 녹음에서 가장 기억에 남는것은 베이스 였는데요. 재즈녹음에서 늘 콘트라 베이스 녹음이 저의 머릿속을 떠나지 않습니다. 어떻게 해도. 이렇게 해도. 아무리 노력해도 소리가 정말 마음에 들지 않았는데요. 이번 콘트라 베이스 사운드는 제가 원하는 소리로 딱 떨어지게 나왔습니다!!! 오디오가이 스튜디오는 트리오 녹음시 베이스는 휴게실에서 녹음하는데요 휴게실 벽면은 노출콘크리트로 되어있어서 자연스러운 공간의 울림이 있습니다. 휴게실이지만 녹음부스로 사용하기 위에 모든 패널들이 준비되어있고. 바닥역시 다른 부스들과 마찬가지로 플로팅되어있습니다. 이번에 콘트라 베이스는 이렇게 녹음했습니다. 요즘 제가 정말 많이 녹음에 사용하고 있는 MS 세팅 노이만 TLM170R을 양지향성 S로 노이만 KM140을 단일지향성 M 으로 저는 왠지 MS를 사용하더라도 같은 마이크를 사용해야 할것 같다는 느낌이 있었는데요. 오늘 녹음해보니 같은 브랜드 정도되면 전혀 문제가 없더군요. TLM170R의 경우는 100Hz 로우컷 필터를 하였습니다. 전 드럼도 모두 로우컷을 하고 녹음합니다. 진짜 로우컷 필터가 필요한 악기는 킥드럼과 콘트라베이스라고 생각합니다. 마이크는 사진에서처럼 상당히 높습니다. 그동안 베이스에 너무 마이크를 낮게 사용을 한것 같습니다.ㅜ.ㅜ 이렇게 높게 설치가 되었지만 S에서 나오는 콘트라 베이스의 나무가 통통 튕기는 소리가 S에서 확실하게 녹음이 됩니다!!!! 콘트라 베이스 녹음할때 늘 현소리랑 벙벙 거리는 좋지 않은 울림이 너무 많이 녹음되는것 같았는데 이번에는 소리가 아주 선명하면서도. 나무악기 특유의 울림이 S를 통해서 고스란히 녹음이 되었습니다. 물론 베이시스트에 따라서 내는 소리가 천차만별이기 때문에 모든 콘트라 녹음에 있어서 이 포지션과 세팅이 가장 좋다! 라고 이야기를 할수는 없겠지만 그래도 지금까지 백번넘게 해본 콘트라 베이스 녹음중에 이 높이와 거리. 그리고 이 마이크 세팅이 참 마음에 듭니다. 믹싱시에 베이스를 로우컷 할필요 없이 아주 깨끗하면서도 "발음"이 선명하게 들리면서도. 저역은 풍성하게 녹음되었습니다. 마이크 프리앰프는 배터리 마이크프리앰프인 렌스. 아무래도 이 프리앰프를 4채널 버젼정도로 해서 한대더 주문해야 할듯 합니다. 콘트라 베이스에는 이 프리앰프의 선명한 중역이 너무 마음에 듭니다. 마지막으로 아코디언 녹음도 함께 있었는데요. 사진과 같은 기본적인 세팅으로 하였습니다. 피아노와 같은 방에서 하였는데. 지향성은 초지향성으로 세팅. 이역시 75Hz 로우컷 초지향성으로 세팅을 하면. 아코디언에 들어오는 피아노 소리가 확실하게 "앰비언스"소리로 아주 멀게 들어옵니다. 초지향성의 뒷꼬리에서 단일지향성보다 반사음들을 확실히 좀더 받아주는 것 이 있어서 오픈된 공간에서 여러악기들을 동시에 녹음할때는 초지향성이 정말 좋은 것 같습니다!! 천천히 조금씩이지만 좋은 음악을 좋은 소리로 남길 수 있어서 참 기쁘고 뿌듯합니다.. 내후년이 되면 레코딩엔지니어를 시작한지 20년이 되는데. 이 시간만큼의 비례하는 발전은 없었지만 그래도 이렇게 늦게. 천천히나마 조금씩 발전할 수 있다는 것에 더더욱 감사할 따름입니다..

사진과 함께 보시려면 http://blog.naver.com/audioguy1/90174260934 며칠전 세종문화회관 체임버홀에서 바리톤 정록기 (피아노 마나부 마츠가와)의 슈만과 이상근 가곡 독창회가 있었습니다. 바리톤 정록기 선생님은 오디오가이 레이블로 슈베르트 겨울나그네 와 볼프가곡집 2장의 음반이 발매되었고 이밖에도 오랜시간 함께 많은 음반작업들을 오디오가이와 함께 하고 있는 분입니다. 꽤 오래전이었는데요. 일본의 유명한 고음악 단체인 도쿄 콜레기움 재팬(지휘 스즈키 마사키)의 공연이 명동성당에서 있었습니다. 바로크 음악을 좋아하기도 하지만 울림이 아주 좋은 명동성당에서의 공연이라 정말 좋게 공연을 보았었는데요. 공연을 보면서... 음.. 역시 콜레기움 재팬의 독창자들의 실력이 아주아주 뛰어나군.. 이라고 생각했었는데 나중에 이 공연이 TV에서 방송이 되는데 어느 한가수의 독창부분에 자막이 나오더라구요 "바리톤 정록기" 제가 당연히 일본사람이라고 생각했던 그분이 바로 한국분이었던것이었습니다. 그래서 몇년동안 이분에 대한 좋은 기억을 지니고 있다가. 마침 좋은 인연이 되어서 오디오가이에서 함께 작업을 하게 되었지요. 정록기 선생님은 참 공연을 많이 하시는데. 이번 공연의 경우 오디오가이 레이블의 슈베르트. 볼프 두음반에서도 피아노 반주자로 참여했고 정록기선생님과 독일에서 함께 공부한 사람으로써 두사람의 호흡은 정말이지 좋습니다. 저는 최근 MS 레코딩에 푹 빠져있는데요. 특히나 이렇게 듀오음반 녹음을 할때는 더더욱 MS를 선호하게 됩니다. 이번에는 보컬에 숍스 MS로 세팅을 하였습니다. 사진에서처럼 성악가분이 피아노에 기대고 있으면서 노래를 하기때문에 성악 마이크로도 피아노 소리가 많이 들어가게 됩니다. 이렇게 오픈된 환경에서 여러악기들을 동시에 녹음을 할때 마이크들에 다른 악기들 소리가 섞여서 들어오는 것을 잘 조정하는 것이 녹음에 있어서 가장 중요한 부분이라 생각을 하고 있는데요. 사실 소리가 들어오는것은 혹은 크게 들어오는 것도 괜찮지만 문제가 되는것은 예를들어 성악마이크에 피아노 소리가 가깝게 들리는것 입니다. 숍스 스테레오바를 사용해서 MS로 세팅 이 스테레오바는 참 좋습니다. XY. ORTF. 블룸레인. MS 가 한개의 스테레오바로 아주 간편하면서도 정확하게 세팅을 할 수 있지요. 처음에는 윗사진처럼 양지향성 마이크를 위에. 단일지향성 마이크를 아래에 두었었는데. 최종적으로는 사진과 같이 단일지향성 마이크를 위로 하였습니다. 이 포지션에 있는 MS에서 M은 물론 성악을 위한 마이크입니다만 S는 성악보다도. "성악 마이크에 들어오는 피아노 소리"를 위한 마이크입니다. 이경우 마이크 한개만 사용을 해서 성악을 녹음하면 성악 마이크에 들어오는 피아노 소리가 "모노로 들어옵니다." 그리고 "모노인 경우 스테레오보다 소리가 더 가깝게 들립니다." 여기서 문제가 생기는 것이지요 그렇기 때문에 저는 이러한 경우 MS나 XY등 스테레오 마이크를 사용해서 솔로악기를 녹음하는것을 아주 선호하는데요. 이번에 MS의 S에서의 피아노 소리는 기대만큼 피아노 소리의 앰비언스가 자연스럽게 스테레오로 들려와서. 피아노 스팟 마이크와 아주 자연스럽게 섞일 수 있었습니다. 피아노 마이크 포지션은 이렇게 하였습니다. 최근 클래식 피아노 녹음에 이 근처 마이크 포지션으로 사용하는경우가 많은데요 페달소리도 거의 들리지 않고. 소리가 너무 가깝게 들리지 않고 참 자연스러운 피아노 소리를 얻을 수 있습니다. 왠지 피아노 마이크는 늘 해머나 피아노의 굴곡진 주변 근처에 있어야 할것 같은데 말이지요. 저는 이 세팅을 할때 고역쪽 마이크가 피아니스트의 정면을 바라보도록 설치를 합니다. 마이크의 높이도 피아니스트의 얼굴을 향하게 하는 편이에요. 저음쪽 마이크는 녹음하는 곳의 공간상태에 따라서 두 마이크의 간격을 벌리거나 좁히거나 소리를 들어보고 결정합니다. 이건 무대바닥에 설치한 PZM 마이크입니다. 무대바닥에서 객석쪽으로 설치해서 무대에서 생긴 소리가 "홀의 옆벽과 뒷벽을 통해서 다시 돌아서 들어오는 반사음"을 녹음하기 위해서 있는 마이크인데요. 홀에서의 녹음은 메인 마이크가 있던가 꼭 이렇게 앰비언스 마이크가 있어야 "그 공간의 캐릭터가 녹음에 들어납니다." 그렇지 않으면 홀에서 녹음하는 소리가 아닌 마치 스튜디오에서 녹음한것 같은 소리로 되기 쉽상이지요. PZM 설치된 소리를 듣고 참 만족스러웠습니다. 리허설이 끝나고 최종 세팅된 공연 직전의 사진 PZM 마이크도 더 많은 반사음을 얻기 위해서 처음에는 무대 거의 끝쪽에 있었다가 무대 안쪽으로 상당히 들어왔습니다. PZM은 더 넓은 바닥면을 지니고 있을 수록 좋습니다만. 성악의 경우 성악가에 너무 가까이 가면 발소리가 녹음될수도 있으니 주의해야 합니다^^ 이번에 사용된 마이크프리와 컨버터 보컬 MS는 오디오가이의 메인 프리앰프 Rens 커스텀 배터리 프리 이 기기는 MS 디코더 내장으로 S채널이 2개의 채널로 나옵니다. 그래서 DAW 상에서 M 채널 한개와 S 채널 두개 총 3채널로 바로 녹음을 할 수 있어요. 피아노에는 렌스 프리를 사용하지 않고 RME 믹스타시의 프리를 사용하는것을 좋아합니다. 앰비언스도 믹스타시 프리이고 컨버터는 모두 믹스타시 가장위에 마이텍 컨버터는 클락 제네레이터 용도입니다. RME 제품의 마이크프리와 컨버터의 퀄리티는 참 좋은 편인데 외부의 클락 제네레이터를 사용하는것과 그렇지 않은것에 소리차이가 상당히 많이 나는 편입니다. 마이텍 컨버터에서는 클락 출력만 사용. 믹스타시에서 RME 마디페이스로 연결해서 노트북으로 시콰이어로 24/96 으로 녹음이 되었고요. 마지막으로 재미있는 피아노 바퀴모습 보통 피아노 바퀴는 정면으로 하는경우가 많은데요 일본인 피아니스트가 바퀴모양을 이렇게 하는편이 피아노의 소리가 더 좋다고 조율사에게 부탁했다고 합니다. 다음에 피아니스트를 만나게 되면 소리가 어떻게 다른지 꼭 물어봐야 겠어요^^ 리허설중에 열심히 사운드 체크가 끝나고 공연장의 정적과 함께 있는 피아노 그리고 마이크들. 공연이 시작되기 전 이렇게 조용하게 혼자 공연장 객석에 앉아있는것을 참 좋아합니다. 공연할때 음악과 관객의 함성이 그 공간을 꽉 채우는것도 좋지만 가끔은 이렇게 빈공연장안에 적막과 함께 홀로 앉아있는 시간이 참 좋습니다.

http://blog.naver.com/audioguy1/90173458505 에서 글과 사진을 함께 보실 수 있습니다. 지난 17일 최근에 새롭게 신천에 생긴 야기뮤직 스튜디오에서 오디오가이 레이블의 새로운 재즈음반 녹음을 하였습니다. 구성은 테너색소폰와 피아노, 콘트라베이스. 드럼 오디오가이 레이블로써는 상당히 대중적인 컨셉의 음악들이었는데요.(앞으로는 대중들과 더많이 함께 나누고 소통할 수 있는 음반들을 많이 제작해보려고 합니다) 사실 이 음반은 지난달에 이미 오디오가이 스튜디오에서 1일 리허설 녹음 2일 녹음 그리고 믹싱까지 끝난 상태였습니다. 오디오가이 레이블의 음반녹음이니만큼 함께 진행한 프로듀서 홍지현군과 많은 정성을 들여서 만들었고. 결과도 아주 좋게 나왔습니다만.. 무엇인가.. 이대로 그냥 음반을 발매해도 괜찮을까? 하는 생각이 들던참에 연주자측에서 하루정도 추가녹음을 하고 싶다고 연락을 왔습니다. 한국 재즈음반의 사운드는 갈수록 상향평준화가 되어가고 있는데요. 2000년대 초반만 해도 거의 데모수준의 재즈음반들이 많았다고 하면 연간 한국재즈음반이 100장넘게 나오고 있는 요즘에는 한국재즈음반의 사운드도 상당히 좋아졌다고 생각합니다. 그런데 소리가 좋아진것까지는 좋은데.. 오디오가이에서 녹음한 음반이나. 가까운 BIC 뮤직에서 나오는 음반이나.. 또 다른 재즈 레이블이나 레코딩 스튜디오들에서 만들어지는 재즈음반들의 사운드가 무엇이랄까요.. 다 괜찮기는 한데. 모두들 너무 비슷하게 들린다고나 해야할까요?? 그래서 오디오가이에서 나오는 재즈음반은 조금 사운드를 바꾸어보고 싶어졌습니다. 이번에 시도한것은 색소폰. 피아노. 베이스. 드럼을 단 하나의 스테레오 마이크만으로 녹음하였습니다. 일명 원포인트 레코딩. 사진에서처럼 이번에 새롭게 생긴 야기스튜디오는 아주 넓은 레코딩공간을 지니고 있습니다. 과거 극장이었던곳을 녹음실로 만든것이라 천고도 높고 내부도 모두 나무로 마감되어있어서 울림도 따듯한편입니다. 처음 몇번의 테스트녹음을 위한 자리이동을 하다가 최종 결정된 포인트는 사진에서처럼 가운데 색소폰. 좌측 베이스. 우측 피아노. 그리고 마이크 뒷편으로 드럼이 향하는 형태로 되어있고요. 녹음은 1960년대 오스트리아에서 만든 빈티지 튜브 마이크 AKG C24 의 MS 세팅으로 사용하였습니다. MS는 이러한 원포인트 레코딩에서 모노와 스테레오의 음량을 조정할 수 있어서 원포인트 레코딩이지만 최종 마스터링때 꼭마다 약간의 뉘앙스를 바꿀 수 있다는 장점이 있고요. MS 인코딩/디코딩의 불편함 때문인지 국내에서는 많이 사용이 되지 않는 세팅이지만 저는 MS가 참 좋은 소리를 들려주는 경우가 많더군요 특히 최근의 성악녹음에서는 보컬녹음을 항상 MS로 하고 있습니다. AKG C24는 국내에는 아마도 5대 미만만 있는데 오래된 빈티지 마이크이지만 AKG 특유의 섬세하고 밝은 소리가 살아있습니다. 게다가 로케이션 레코딩을 자주 하는 저는 C24의 전원부를 배터리로 개조를 해서 사용하고 있어요 개조한사람은 네델란드의 Rens Heinis라는 사람으로 채널클래식스나 터틀레코드등 해외 오디오파일 레이블의 기기들을 많이 만들고 있는 사람입니다. 색소폰과 베이스는 사진에서처럼 단위로 올라가서 연주를 했고 마이크에 좀더 직접음이 많이 들어갈 수 있게 하였습니다. 피아노 뚜껑에 마이크가 가려서 잘 보이지 않지만 색소폰과 마이크의 거리가 2-3미터 정도 되는데에도 불구하고 색소폰 소리가 아주 다이나믹하게 녹음이 되었어요 색소포니스트 최경식씨의 색소폰톤 자체가 참으로 훌륭하기 때문에 이러한 녹음방식을 시도할 수 있었으니까요. 이렇게 녹음을 하면 녹음하고 나서 전혀 수정을 할수없고 심지어 각 곡마다의 믹싱작업도 없이 연주자들이 밸런스를 맞추어서 녹음을 해야합니다. 하지만 결과적으로는 제가 원하는. 머릿속에 그려놓은 사운드에 딱 맞게 녹음이 되었습니다. 녹음중에 컨트롤룸에서 찍은 사진. 드럼은 MS에서 S측의 뒷면으로만 들어오기 때문에 생각했던 것보다는 드럼이 상당히 가깝게 되었는데요. 아무리 좋은 소리도 중요하지만 드럼의 "발음"이 들리지 않으면 음악이 되지 않으니까요. 야기스튜디오는 스위스 PSI AUIDO 의 A21M을 모니터 스피커로 사용하고 있는데 오디오가이 스튜디오도 PSI AUDIO의 A17M 니어필드. A25M 미드필드를 사용하고 있어서 모니터하기가 참 편하고 좋았습니다. 마이크프리앰프는 위에서 이야기한 네델란드의 Rens가 만든 8채널 마이크프리앰프 이역시 배터리 구동으로 동작이 가능하도록 네델란드에 주문을 하였습니다. MS 사용이 아주 편하도록 리어패널에서 3채널의 출력이 바로 나올 수 있고 그리고 모든 아날로그 출력은 병렬로 2개씩 나오기 때문에 실황공연의 로케이션 레코딩에 대단히 유용합니다. 다만 배터리가 내장되어있어서 무게가 30kg이 넘어서 가지고 다닐때는 허리에 힘좀 주어야 하지요^^ 이 마이크프리앰프의 소리는 아주 단단한 중역을 바탕으로 고역과 저역의 밸런스가 참 좋습니다. 클로즈 마이킹보다 원거리 마이킹에서 특히 장점이 많이 들어나는데요. 엄청나게 비싼 가격이 납득이 되는.. 이 프리를 구입하기 위해서 가지고 있던 수많은 마이크프리앰프들을 처분한것을 아쉽게 만들지 않는 그러한 생각이 드는 제품입니다. 부스안에 마이크프리앰프와 마이텍 8채널 컨버터를 설치해두고 사진에서처럼 MADI로 컨트롤룸으로 보내서 컨트롤룸에서는 RME MADIFace로 24/96으로 녹음을 받았습니다. 이사진은 C24의 배터리로 개조한 전원부(아래) 입니다. 최근들어. 스튜디오를 만든이후 참 많은 분들도 새롭게 만나고. 분에넘치는 관심을 받을때도 있다보니. 음반 한장 한장 만들때마다 과거보다 더욱 더 최선을 다하게 되는것 같습니다. 재즈 색소폰 쿼텟을 보조마이크나 후반작업에서의 여러가지 프로세싱 없이. 녹음당시의 아티스트들이 만들어내는 소리와 녹음공간의 앰비언스 만으로 만든 음반. 많은 분들이 음악이나 소리를 함께 즐겨주실 수 있으면 좋겠습니다. 음반은 8월에 발매될 예정입니다.

여러 재미있는 녹음들이 스튜디오에서 진행이 되고 있습니다. 늘 제가 어딘가의 장소(녹음실 혹은 공연장)에 가서 그곳 장소를 빌려서 녹음을 하다가 이제는 제가 가지고 있는 장소를 누군가에게 빌려주는 기분도 아주 묘하고 이거 생각보다 마음이 편하고 좋으네요^^ 1월달에는 모두 제가 직접 녹음을 진행하는 프로젝트들이었지만 2월달의 대부분은 아티스트와 프로듀서. 엔지니어가 함께 와서 작업을 하는 프로젝트라. 저는 이렇게 근처 카페에서 제주도산 오미자차 한잔 시켜놓고. 노트북을 열수 있는 여유가 생기는것이 참 좋으네요. 대부분의 녹음은 오후 2시부터 시작이 됩니다. 오디오가이 스튜디오는 아직 컨트롤룸이 한개밖에 없기 때문에 제가 하는 믹싱이나 마스터링등의 작업등은 대부분 오전부터 점심 12시정도까지만 짧게 하는 편이지요. 요즘은 오디오가이 레이블에서 나올 여성보컬 재즈음반의 믹싱을 하고 있답니다. 제가 참 들겨듣는 재즈 스탠다드에 피아노 트리오에 스트링 오케스트라가 들어간 재즈 보컬음반이라 과거부터 참 작업해보고 싶었던 구성이라 이번 작업을 무척이나 즐겁게 하고 있어요. 제가 자주 작업하는 재즈와 클래식의 경우 대부분 연주음악이 많은 편이라.(국내에서 발매되는 재즈음반중에 90%이상이 연주음반이니까요.) 가끔씩 보컬음반을 작업하는것은 여러모로 도전도 되고 참 재미있습니다. 같은 재즈라도 연주곡과 보컬은 믹싱의 방법과 관점들이 많이 다르다고 생각해요. 아침에 제가 참 좋아하는 게이코리의 음반들을 들으면서. 그리고 찰리헤이든이 여러 보컬들(다이애나 크롤. 카산드라윌슨. 노라존스. 르네 플레밍등..)과 한 음반들을 들으면서 이번 작업하고 있는 박성연 님의 음반과 편곡과 구성이 비슷한 점이 많다보니 들어보면서 여러가지 부분들을 참조하고 또 연구하게 됩니다. 이번에 스튜디오를 만들면서 오랫동안 사용했던 리핀스키의 모니터 스피커가 없으니. 녹음은 몰라도 믹싱에는 바뀐 모니터 환경에 조금은 당황을 하고 있는데요. 어제부터 포칼 솔로 6BE 가 다행히 다시 들어와서 포칼로 하니 그나마 리핀스키와의 차이가 적은 편이라. 그런데 콘트라베이스의 음상이 정확하게 떨어지지 않아서 결국에는 거의 7년넘게 바꾸지 않고 사용하고 있는 울트라손 2500 헤드폰으로 최종 베이스는 체크를 하면서 작업을 했답니다. 스탠다드 재즈송에 오케스트라 반주. 그위에 살포시 올려져 있는 재즈 보컬의 음성. 게이코리나 찰리헤이든의 음반을 들으면서 참 이렇게 저렇게 믹싱을 하면서 시도를 해보고 싶고 들어보고 싶고. 만들어 보고 싶은 내용들이 많이 생깁니다. 누구나 그렇겠지만 하나하나 작업하는 음반들 정말 잘 만들어보고 싶은 마음. 아니 욕심이 드는것은 사실이겠지요. 음악과 연주를 위해서.. 라고도 생각할 수 있겠지만 마음속 깊은곳에서는 결국은 자기자신을 위해서가 아닐까 싶어요. 아무리 모두들 MP3에 핸드폰으로 음악을 듣는다 해도 내가 하는 일의 차이를 나밖에는 다른사람은 잘 인지하지 못한다 해도(사람은 꼭 누군가에게 인정을 받기 위해서만. 누군가에게 보이기 위해서만 살아가는것은 아니니까요..) 이미 소리의 길은 내가 선택한길. 직업의 미래가 불투명하니.. 내가 아무리 열심히 해도 결국엔 음악이 중요하니 소리야 뭐가 중요해!! 라고 말해버리면.. 저는 잘 모르겠습니다. 물론 음악은 중요하지만 나에게는 소리도 중요하거든요 왜냐하면 이것은 나의 삶의 길이고 내가 선택한것이며. 내가 가장 즐거워하고 좋아하는것. 다름아니라 무지 사랑하는것이니까요. 아침에 여러가지 믹싱을 해보았습니다. 참 즐겁고 재미있어요. 한곡을 가지고 컴퓨터로 믹싱을 여러번 해보고 또 멋진 콘솔이 들어왔으니 콘솔로도 믹싱해보고 여러가지 시도해보고 들어보는것이 참 즐겁고 행복합니다. 이 행복한 나만의 시간을 좀더 집중하며 결과물들을 만들어 내고 싶어요. 하지만. 아티스트들은 음반이 내일이라도 당장 나와주기를 원하고 있고. 아침부터이지만 저를 찾는 전화와 문자들은 계속 따르릉~ 하고 울려대지요. 허리를 꼿꼿히 펴고. 척추에 잔뜩 기를 불어놓은 다음 양 스피커 사이에서 보여지는 소리에 한창 집중하고 있는데 울리는 전화와 문자로. 지금 내가 하는 이 작업과는 전혀 다른 대화를 하고 또 거기에 대해서 생각을 해야 하는 것이.. 잠깐 몇분의 전화통화를 하고 나서 다시 믹싱하던것을 들어보면 아까의 집중력은 금새 사라져 버리고. 음악이 또 생경하게 들리기도 하네요. 참 아쉽습니다. 그저 소리의 길을 찾아서. 길이 좁던 넓던 험하던 가다 끈기던.(그럼 쉬었다가 다시 길을 만들어 가면 되지요.) 뭐가 어떻든. 나밖에 모르는 아주 쫌스럽고 작은 그 소리 하나하나에 좀더 스스로 행복하도록. 그래서 결국에는 그 음악을 듣는 모든 사람들이 더욱 더 즐겁고 행복하도록. 이렇게 음반들을 작업해 보고 싶은데 이것이 참 쉽지 않네요. 적어도 20대에는 온힘을 다해서 음반작업들을 했던것 같은데. 너무 많은 여러가지의 일들을 하고 있다보니. 실제로 아주 집중해서 음반 녹음이나 믹싱을 하게 되는것이 점점 갈수록 줄어들고 이쓴것이 아닌가 하는 생각이 듭니다. 이번에 스튜디오를 만들고 거의 석달가까이 작업을 쉬었더니 이전에 제가 작업한 음반중 몇몇을 들어보면. 아..이렇게 또 할 수 있을까??? 라는 생각이 들기도 하고^^ 이때는 어떻게 한것이었지?? 라는 생각도 들고. 등등등.. 스튜디오를 만들고 보니. 이 스튜디오를 운영하고 유지해나가기 위해서 마음 깊은곳에서 하고 싶은것과는 또 다른 것을 해야한다는것이 어찌보면 아이러니 하기도 합니다. 이번에 어찌어찌해서 스튜디오를 만들고 나서 뒤를 돌아보았습니다. 정신을 번뜩 차리고 보니 내가 얼마나 무리를 한것인가 하고 화들짝 놀라게 되었어요. 스타인웨이 피아노 할부금이야 그렇다 해도 한달에 1000만원이 넘는 콘솔 할부금은 녹음실이 한달 내내 하루에 2프로씩 돌아간다 해도 콘솔 + 피아노 할부금 + 스튜디오 월세 같은 최소 운영비의 절반밖에 되지 않더라구요~~^^ 다행히 오디오가이의 많은 가족분들이 도와주셔서. 2월달에는 스튜디오가 많이 예약이 되어있지만. 문득 정신차리고 보면 참으로 막막한 생각이 많이 들기도 합니다. "이거.. 내가 이번에는 너무 큰 사고를 쳤구나.." 그동안 수백만원짜리 기기를 충동구매 하던것에서 뒷자리의 숫자가 한개도 하니고 두개나 더 하게 되다보니. 이것만 생각하면 부담이 되기는 합니다만 하지만 원체 긍정적인 편이라.. "열심히 하면 어떻게든 되겠지.." 라고 비교적 편하게 보내고 있답니다. 하하하^^ 스튜디오 만들면서 생긴 엄청난 대출들을 다 값고 나면 그때는 녹음과 믹싱에만 집중하면서 지낼 수 있으면 참 좋겠습니다.. 하지만 그때되면 또 다른 빛들이 생겨나겠지요??? ... 그래도 나만의 스튜디오를 만들게 되어 참 좋습니다. 함께 일하는 남송지씨는 저보다 더 좋아하구요 빙그레*^^*

안녕하세요 영자입니다. 이제 오디오가이 레코딩 스튜디오의 공사도 거의 막마지에 이르렀네요. 이번주에 기본적인 내부 공사는 끝나고 다음주 월요일 마루를 깔고. 몇몇 전기공사. 수요일부터 콘솔설치를 시작해서 크리스마스 즈음이면 공사가 모두 끝날 것 같습니다. 물론 공사가 끝나더라도 여러가지 튜닝등이 남아있기는 하지만요. 공사가 마무리될즈음되니 우선은 조금 지치고 힘들기도 하고 그렇네요 공사를 해주시는 분들. 그리고 여러모로 도움을 주고 있는 친구분들이 아니었으면 그냥 될때로 되라.. 라고 손놓아 버릴뻔도 하기도 하였었답니다. 정말 작은 것 하나하나가 순간의 판단히 적어도 몇년동안 보고 살아야 할 생각을 하니 참으로 심적인 부담이 되더라구요. 지금도 여러가지로 머릿속이 복잡한 상태라 어떠한 이야기를 먼저 해야할지 모르겠습니다만. 오디오가이 가족분들이 스튜디오를 만든다면 미리 공사를 시작하기 전에 반드시 아래의 부분들은 결정을 하시고 공사를 시작하셔야 합니다. *스튜디오에 사용이 되는 장비. 예를들어 콘솔. 레코더. 컨버터. 아웃보드 등등 미리 기기가 완전히 결정되지 않은 상태에서 공사를 진행하니 이것참 패치짜는 것도 그렇고 참으로 가뜩이나 결정할것 많은 순간에 녹음실과 더불어 장비까지 함께 신경을 쓰는것이 보통일이 아니더군요 그래서 녹음실을 만든다면 녹음실 인테리어 공사할때는 오로지 소리와 디자인 부분에만 집중할 수 있도록 장비선정부분은 확실히 정리를 해놓고 시작하는것이 좋습니다. *기기들의 배선 및 세팅방법 이 역시 장소가 결정이 되었다면 케이블들이 어떻게. 어느자리에 배선이 되고 마이크박스가 위치하는지를 확실하게 미리 정해두어야 합니다. 전 배선은 커녕. 메인 케이블을 모가미로 할지. 이보다 10배비싼 오야이데로 할지 고민하다 결국 이때문에 결과적으로 전체 공사가 일주일가량 지연이 되기도 했답니다.ㅜ.ㅜ 각 룸들의 마이크박스는 어디에 두는것이 케이블길이가 최소한으로 되어 음질적으로 이득이 있으면서도 사용하기에 합리적이고 편한지. 생각을 미리 해서 도면에 표시를 해두어야 합니다. 전기의 경우도. 콘센트를 어디에 어떻게 둘지 역시 세세하게 결정을 해두어야 나중에 공사진행하면서 그자리에서 바로바로 결정하게 되면 꼭 나중에 번복하는 일이 생기기도 합니다. 특히 케이블 설치와 전기의 경우는 한번 설치해놓으면 나중에는 바꾸기 어려운 부분이 많으니 정확하게 해야 하고요. 저의 경우도 콘솔의 좌측에 패치베이가 있는데. 그것을 확실하게 예상을 하고 콘트롤룸에서 각 부스들로 케이블 가는 위치들을 정했다면 지금보다 적어도 케이블길이를 각 방마다 5미터는 짧게 할수도 있었을텐데. 이미 바닥을 플로팅하고 그위에 콘크리트까지 부어서 단단하게 만든 바닥을 다시 뜯어서 배선을 최단거리로 다시 하고 싶은 마음이 들기도 합니다만. 쉽지 않더라구요^^ *각 콘트롤룸과 부스의 음향을 데드하게 할지. 라이브하게 할지 미리 생각을 해두는것도 좋은것 같습니다. 모든 공간은 그 공간의 구조에 따라서 기본적인 소리가 결정이 되지만 역시 내부마감을 어떻게 하느냐에 따라서 정말 많은 소리차이가 있지요. 내가 좋아하는 소리. 내가 원하는 소리가 무엇인지 내가 자주 녹음하는 악기가 어떤것인지 충분히 심사숙고 한후. 심지어 우리 녹음실에 자주 오는 프로듀서나 아티스트들이 좋아하는 소리는 무엇인지.. 까지. 생각을 해서 기본적인 생각을 정리해두는것이 필요합니다. *각 창문과 문들을 어떻게 만들고 결정할지. 그리고 냉난방기는 어떻게 할지 역시 반드시 미리 생각해두어야 합니다. 이번 오디오가이 스튜디오는 4층에 있어서 여러 창들이 아주 많이 있는데 어떤 창이 외부 소음에 영향이 있고 적은지 미리 면밀하게 생각해서 창을 막을지. 밖에 시스템 창호를 더할지. 아니면 창에 방음문을 달지 등등을 미리 결정을 해두니 참 좋은것 같더군요. 또한 녹음실의 냉난방 역시 녹음때마다 에어콘과 히타를 끄고키는것이 그래서 메인 부스의 경우는 공조 시스템으로 하였는데요. 이렇게 소음기가 달린 공조의 경우 예상보다 서너배 이상 비용이 많이 들어갑니다..ㅜ.ㅜ 냉난방기를 어떻게 어떠한 위치에 둘지. 기본적으로 각방마다 냉난방기가 모두 필요하니 배관을 어떻게 할지에 관해서도 건물주와 미리 상의도 해야 하고요(건물에 구멍을 내서 외부에 실외기를 달아서 배관을 하니까요) 또한 중요한 화장실 공사. 그리고 녹음중 사람들이 편하게 쉴수 있는 휴게실 등등. 녹음실이라는 것은 만들때도. 그리고 만들고 나서도 참으로 챙기고 또 챙겨야 하는 부분들이 많은 것 같습니다. 사실 제가 녹음실 공사에만 전력을 다해서 집중하지 못한 이유가 두가지 있었는데요 하나는 콘솔. 두번째는 피아노 였습니다. 이 둘의 결정이 얼마나 어려웠던지요.ㅜ.ㅜ 콘솔은 다행히 녹음실 공사 시작하자 마자 곧 결정을 하였고. 피아노는 야마하와 스타인웨이 사이에서 둘다 계약을 하는 상황까지 되버려 저의 머릿속을 지배하고 있답니다..ㅜㅜ 룸으 크기도 그렇고 보관도 그렇고 피아노를 둘다 구입할수는 없는 부분이고요. 피아노라는 악기를 제가 원체 특별하게 사랑하고 좋아하고. 또한 피아노 녹음하는것을 가장 좋아하는 탓인지 야마하와 스타인웨이 사이에서 너무 많은 갈등을 하고 있답니다. 그가운데 몇가지 두 피아노에 관한 차이에 대해서 조금 알수 있었어요. 먼저 스타인웨이에 관해서. 스타인웨이 국내에 나와있는 신품 BCD 부터 중고 BCD 까지 함부르크.뉴욕 서울에 매물로 나와있는것은 거의 모무다 들어보았답니다. 여러 스타인웨이를 들어보고 확실하게 나름대로 정리한것은 스타인웨이는 풀콘서트인 D가 아니면 스타인웨이가 가지고 있는 그 특유의 소리가 많이 없어서 D 가 아니면 야마하 C7이 좋다고 생각을 한것이었지요. 게다가 제가 녹음실을 만드는 이 시점에 야마하가 50년만에 업그레이드해서 C7이 C7X라는 모델로 새롭게 나와서 또한 100만원짜리 하이파이시스템 선물에 6개월 무이자 할부까지... 라는것을 보고 나는 야마하를 사야하는 운명인가보다..라고 생각을 했지요 스타인웨이 D에서는 스타인웨이 특유의 고역때의 화려함이 있는데 대부분의 B나 C는 고역대의 소리가 너무 부드럽고 차분한것이 아쉬움이 크게 들었습니다. 물론 스타인웨이 B만 되어도 야마하 풀사이즈보다도 더욱 더 풍부하고 강력한 저역을 들려주고 있기는 했지만요 그래서 나름대로 스타인웨이는 무조건 풀사이즈인 D 야.. 2억4천만원이나 하는 D 를 사지 못할것이면 야마하 C7X를 사는것으로 마음을 먹게 되었지요 야마하의 신형 C7X는 정말 좋은 소리를 들려주었습니다. 특히나 야마하는 피아노를 이렇게까지 정교하고 정확하게 만들수 있구나 하는것에 일본사람들 특유의 꼼꼼하고 세심하고 정확함이 느껴져서 놀랐는데요 야마하는 우선 건반. 해머. 액션이 완벽합니다. 모두다 거의 오차가 없이 정확하고 유격도 없고 건반도 균일하고 등등 피아노 자체의. 특히 건반쪽의 매커니짐만 보면 스타인웨이보다 야마하가 훨씬 더 뛰어나다는 것을 알 수 있었어요. 특히나 건반이 아주 가볍고 텐션감이 좋아서 피아노를 아주 잘치지 못하는 사람이 연주를 해도 상당히 깔끔하고 깨끗한 소리를 얻을 수 있는것또한 큰 장점이었고요 반면에 스타인웨이는 중고는 물론이고 새것도 각 건만들만의 깊이나 유격. 느낌등이 조금씩 균일하지 못한 느낌이 들었답니다. 스타인웨이 담당자와 한참동안 이야기를 좀 했어요. 왜 스타인웨이 B와 C에서는 D와 같은 소리가 나지 않는지. 특히 고음역대에서의 느낌에 관해서 말이지요. 당연히 사이즈가 작으니 저역의 차이는 존재하는것으로 인정하니까요. 그런데 놀라운 대답이 돌아왔습니다. 스타인웨이는 B C D 모두 49건반 이후의 고음역대의 구조 부품 모든것이 100% 동일하다고 합니다. 깜짝 놀랐어요 물론 피아노라는것이 단순히 고음역대의 구조가 동일하다고 동일한 소리가 나는것은 아니지만 B와 D가 완전하게 동일한 구조를 지니고 있는데 그렇게나 소리차이가 크다니요.. 결론은 바로 피아노의 사용처에 따른 차이였습니다. 본래 풀 콘서트인 D 는 아주 커다란. 많은 사람들이 있는 공연장에서의 연주를 위한 피아노 그리고 세미콘서트인 C.와 B 는 그보다 작은 공연장이나 혹은 가정에서 사용하도록 만들어진것이지요. 연주회장을 위한 D 는 소리가 더욱 더 명징하고 깨끗하게 아주 멀리 떨어져 있는 관객들에게까지 전달이 되도록 소리가 훨씬 더 밝게 조정이 되어있는것이었습니다.(피아노의 해머 및 여러가지 부분들에 관해서) 반면에 B와 C는 아주 큰곳보다는 작은곳에서 연주가 되고 사용이 되기 때문에 D 처럼 너무 고역이 밝고 맑은 소리는 오히려 시끄럽게 들릴수도 있기 ㅤㄸㅒㅤ문에 차분하고 풍부한 소리로 조정이 되어 출고가 되는것이구요 그래서 B나 C도 제가 좋아하는 D의 음색처럼 얼마든지 사용하는 공간과 사용자의 취향에 맞추어 소리를 만들어갈 수 있는 것이 바로 스타인웨이였던것입니다. 보통 새 피아노가 출고가 되고 최종적으로 소리가 그 공간의 맞추어 자리잡히는데 최하 2년에서 3년은 되어야 한다 합니다. 반면에 야마하는 태어난 소리가 바로 그 소리입니다. 야마하 소리를 아무리 스타인웨이처럼 풍부하고 강력하게 만들려고 해도 그렇게 되지 않지요. 스타인웨이는 때로는 스타인웨이의 느낌을 조금 포기하고 야마하나 벡스타인처럼 밝고 맑은 성향으로도 만들수가 있고 또한 아주 풍부한 소리로도 사용자나 공간에 따라서 소리를 만들어 나갈 수 있는 가능성이 있는 악기라는것을 알게 되었지요. 스타인웨이 B로도 내가 좋아하는 D의 음색과 비슷한 소리를 만들 수 있다는것에 정말 고무되기도 했습니다만 다시또 야마하 C7X를 들어보았습니다. 와..이건 정말 사람이 만든것 맞아..할정도로 메카니즘의 완성도가 뛰어납니다. 야마하는 그간 피아노를 만들기 시작한 100년의 데이타를 모두다 보존하고 있고 점진적으로 발전시켜 나가고 있다 합니다. 야마하 피아노 공장의 본래 10000명이 넘게 근무를 했었는데 최근 8000명 가량으로 줄었고 곧 절반정도 인원이 줄것이라 하는데요 야마하는 오랜시간의 경험과 축척된 기술들을 모두 데이타화 해서 피아노를 상당히 자동화 시스템에 의해서 만들고 있다 합니다. 이번에 C7X를 들어보니 두대의 같은 피아노가 있었는데도 두대의 소리차이가 거의 나지 않는것에 정말 놀랐지요 이전 C7만 해도 같은 신품 C7이라도 해도 상당한 소리차이가 많이 났었답니다. 다시 또 들어본 야마하는 역시 손가락에 부담이 적고 건반을 누르고 올라갈때 나는 덜그럭 거리는 소리도 거의 나지 않고 대부분의 녹음실에는 스타인웨이보다도 야마하가 더 잘 맞지 않을까 하는 생각이들었습니다. 저처럼 피아노 홀릭으로 피아노에 반 미쳐있는 사람이 아니면 말이지요.. 확실히 녹음하기도 스타인웨이보다 야마하가 더 깨끗한 소리를 쉽게 얻을 수 있습니다. 스타인웨이는 잘못 녹음하면 마치 영창과 같은 소리가 나기도 하지요.. 그리고 야마하는 고역대의 배음이 정말 정돈이 잘되어있어서 귀에 참 좋은 소리가 나요 귓맛이 좋다고 해야 할까요. 마치 깨끗하고 투명한 크리스탈위에 마찬가지로 매끈하게 다듬어진 구슬이 떨어지는 소리. 고역의 서스테인도 너무 지저분하게 길지 않고 깔끔해서 페달링도 더 쉽게 컨트롤할 수 있고 여러모로 피아니스트들을 참 편하게 해주는 악기라는 인상을 받았습니다. 반면에 스타인웨이는 건반이 야마하보다 훨씬 더 무겁게 느껴집니다. 물론 조정에 따라서 달라질수도 있지만 기본적으로 막 출고된 신품 피아노를 비교해봤을때도 분명 터치와 무게의 차이가 많이 나고요 스타인웨이는 게다가 년도마다 건반의 무게와 깊이도 다르답니다. 그래서 년식에 따른 소리차이가 엄청나게 많이 나는 편이지요. 하지만 다른 피아노들과는 다르게 세계의 모든 피아노들 가운데 스타인웨이 만이 피아노의 몸체 전부가 "림"을 이루고 있어서 이 림에서 소리를 발산하고 또 모아주는 역할을 하는데. 이 림의 역할이 스타인웨이와 다른 피아노를 구분짓는 가장 큰 이유가 된다고 합니다. 다른 피아노 메이커들은 전체를 림으로 만들수 있는 내부 구조를 아직 만들지 못했다고 합니다만 착실하게 기술을 발전시키고 있는 야마하가 100년후에는 분명 스타인웨이보다 더 좋은 소리를 들려주지 않을까 하는 생각도 들더군요^^ 야마하는 현재 공정의 70%가 자동화 시스템이라면 스타인웨이는 공정의 90%가 수작업으로 만듭니다. 지금도 건반의 깊의 경우도 제작자에 따라서 펠트를 넣고 건반을 눌러본후 눈과 경험으로 모두 하나하나 조정을 해서 출고를 하지요 그러니 야마하보다 건반이나 해머등의 매커니즘의 완성도적인 측면만 본다면 확실히 떨어질수 없다고 봅니다만. 늘..물리적인 특성이 뛰어나다고 반드시 소리가 좋은것만은 아니니까요.. 지금으로써 저는 뉴욕스타인웨이 B 1995년산도 마음에 들고 야마하 C7X 2012년 산도 마음에 듭니다.^^ 스타인웨이는 D 는 함부르크가 좋은데 B나 C는 저는 오히려 함부르크보다는 뉴욕쪽이 훨씬 더 마음에 들더군요 특히나 저음의 펀치감은 B와C에서는 함부르크보다는 뉴욕이 훨씬 더 강력하고 풍부한 저역을 들려줍니다. 물론 중고 스타인웨이 B 도 신품 야마하 C7X보다는 가격이 두배나 비싸기는 하지만 오디오가이 레코딩 스튜디오에는 어떠한 피아노가 식구가 될수 있을지 참으로 궁금합니다. 스타인웨이의 경우는 년식에 따라서 조율하는 방법도 다르고. 피아노의 구조도 많이 다르고 해서 스타인웨이를 제대로 조율하는것은 참으로 만만치 않더군요 그에 비해 야마하는 조율방법에 관한것도 확실히 야마하에서 정확하게 메뉴얼화 해두었고 거기에 조율사의 생각과 감성을 더해서 소리를 보다 쉽게 관리할 수 있다는 장점도 있지요. 어떻게 보면 이러한 생각도 들어요 스타인웨이 & 선스 라는 마크가 없었다면 나는 과연 스타인웨이와 야마하 사이에서 이렇게나 큰 고민을 했을까.. 그저 브랜드 마이크를 떼고 소리와 가격만 보고 판단한다면 어쩌면 스타인웨이가 아닌 야마하를 선택했을텐데..라는 생각이지요. 하지만 반면에 또 이러한 생각이 들어요 피아노를 거의 제대로 연주하지 못하는 제가 야마하와 스타인웨이의 건반을 똥깡 똥깡 쳐보며 소리를 들어본것과 오랜시간 피아노와 함께 많은 시간을 보내온 피아니스트가 연주를 해서 선택을 한다면 어떠한 피아노를 선택할까..하는 부분도 간과를 할 수 없으니까요. 저와함께 녹음을 하는 많은 피아니스트들은 대부분 대단히 뛰어난 연주자들이 많은데 이들이 연주하기에는 야마하보다 스타인웨이쪽이 좋지 않을까 하고요. 만약 전문피아니스트의 음반이 아닌 주로 오디션이나 데모를 녹음한다면 주저없이 무조건 야마하를 선택하겠지만 반면에 피아노앞에서 참으로 긴시간을 함께 해온 사람들에게는 분명 스타인웨이가 줄 수 있는 표현력과 콘트롤의 차이가 존재하지 않을까 까지 생각하는 것은 제가 피아노때문에 한달동안 잠을 못자면서 저멀리 이상한 상상까지 많이 해버리는것일까요?? 오디오가이 가족분들이시라면 어떻게 하시겠어요??????? 빙그레^^

사진과 함께 보시려면 http://blog.naver.com/audioguy1/90157119922 열심히 레코딩 스튜디오 공사를 하고 있습니다. 매번 크고 중요한 결정을 순간에 내려야 하는 부분들 때문에 많은 고민이 되기는 합니다만. 최종적으로 어떻게 완성이 될지 참 기대되고 설레입니다. 이번에 녹음실로 계약한 건물은 기본적으로 노출콘크리트 구조로 되어있었습니다. 일반적인 녹음실 공사는 쉽게 이야기하면 집안에 또 집을 만드는것으로 생각하면 되는데요. 먼저 벽체에 ARC (경량 콘크리트 블럭)을 쌓는 작업부터 시작이 되었습니다. 본래는 벽돌로 조적을 쌓게되지만 시간과 비용등을 생각해서 ARC를 선택하였습니다. 사진과 같이 ARC 블럭을 벽면에 쌓습니다. 스튜디오의 차음을 위해서 기존 벽에서 약간 거리를 두어 ARC 블럭을 쌓고. 그리고 또 약간의 거리를 두어서 ARC 블럭을 쌓습니다. 모든 벽은 이렇게 기본적으로 ARC 블럭이 두번씩 둘러지게 되지요. ARC 블럭사이에 공간이 있는 것이 참으로 중요합니다. 메인부스와 드럼부스사이의 벽면도 ARC 로 만들었습니다. 많은 인원이 투입이 되었기 때문에 70평정도의 공간을 이틀만에 블럭쌓기가 완성이 되더군요^^ 드럼부스의 시창은 최대한 크게 만들었고 방음문들에도 모두 큰 유리를 넣어서 시야 확보가 자유롭게 할 계획입니다. 위 사진은 콘트롤룸입니다만 콘트롤룸의 경우는 ARC를 2중으로 하지는 않고 한번반 쌓았습니다. ARC 위에는 합판을 댄후 사진처럼 각재를 대고 사이에 흡음재를 넣습니다. 단단한 콘크리트 벽돌과 그리고 부드러운 흡음재를 벽 모두에 넣어서 각기 다른 소리들이 차음이 될 수 있도록. 전대역에 대해 차음이 될 수 있도록 하는 것이지요. 첫번째 사진의 부스역시 ARC마감위에 합판을 설치하고 각재를 대고 흡음재를 넣고 그위에 합판과 석고보드로 마감을 합니다. 이번 오디오가이 레코딩 스튜디오에서 가장 많이 신경을 쓴 부분은 다름아니라 바닥입니다. 지인분들이 하는 주변에 많은 스튜디오들에서 녹음을 하다보니 소리가 좋은 곳은 반드시 바닥이 아주 튼튼하다는것을 알게 되었습니다. 아무리 룸이 넓고 내부의 음향적인 처리가 잘 되어있더라도. 바닥이 튼실하지 않으면 소리가 탁하고 배음이 없는 소리가 난다는것을 알게 되었지요. 그래서 바닥은 우선 나무로 틀을 짜고 거기에 위 사진처럼 아주 단단한 방진고무와 흡음재를 넣고 합판을 올립니다. 이 사진은 메인 홀과 드럼부스의 벽면과 바닥의 기본공사가 끝난 모습니다. 우측 얇은벽은 창고로 사용하려고 내부에 별도로 만든터라 벽을 두껍게 하지는 않았습니다. 스튜디오의 벽면은 아래와 같이 되어있습니다. ARC 블럭 2장 + 합판 + 각재와 흡음재 + 다시 합판 + 석고보드 2장 벽을 한번에 아주 두껍게 만드는것보다 손이 많이 가더라도 이렇게 각기 다른 성질을 지닌 여러가지 매질의 구조로 벽을 여러번 하는 것이 전대역별로 훨씬 더 고른 차음효과를 얻을 수 있습니다. 이렇게 기본적인 공사를 하면서 벽체는 양 옆으로 40cm 가량 바닥은 지금 상태에서만 15cm가량이 올라와서 처음에 아주아주 크게 느껴졌던 저의 스튜디오의 크기가 한결 줄어들었습니다ㅜ.ㅜ 그래도 메인 홀의 사진에서 보여지는 것보다는 큰 편입니다. 길이가 세로 10미터 가로 6미터 드럼 부스도 세로 세로 5미터 가로 6미터 컨트롤룸은 가로 세로 7미터 6미터 그밖에 아주 작은 십자가 모양의 보컬부스도 있고. 휴게실 및 사무실에도 마이크 패널과 큐앰프등을 설치해서 5명의 연주를 동시에 녹음할 수 있도록 준비해두었습니다. 특히 휴게실과 메인홀 사이에도 커다란 시창과 유리가 달린 방음문이 들어가고 사무실에도 유리가 달른 방음문이 들어가기 때문에 휴게실에서 악기를 연주하더라도 15미터 멀리 떨어진 드럼부스에서의 연주자의 모습도 정확하게 볼 수 있게 만들었습니다. 그럼 다시 돌아와서 위의 마지막 사진은 무엇일까요? 바로 바닥에 들어가는것인데요 기본적으로 방진고무와 흡음재위 합판을 설치하고 무거운 철판을 바닥에 바둑판 모양으로 가지런히 둡니다. 바닥은 메인 홀 및 드럼부스 컨트롤룸. 심지어 휴게실까지 녹음 부스로 사용할 것이기 때문에 이와 같은 방법으로 공사를 하였습니다. 위 철판이 바닥에 설치된후 케이블 배선을 위한 배선재들을 곳곳에 설치하고 바로 위에는 바닥에 콘크리트를 새롭게 부어서 바닥을 다시 만듭니다. 하하하^^ 그래서 바닥이 기본 건물과 완벽하게 플로팅이 되어있는 구조로 만드는것이지요. 어제 바닥에 새롭게 콘크리트를 깔고 마르기를 기다리고 있답니다. 케이블 배선역시 콘크리트 사이로 들어가게 되는데. 케이블 역시 진동에 영향을 받는 부분이기 때문에 기본배선은 진동에 노출하지 않는것이 좀더 좋다고 생각합니다. 이렇게 공사를 한후 본래는 벽면에 다시 흡음재를 넣고 마감을 하려 했는데 원체 조용한 동네라 벽은 이제 된것 같고. 지금의 부스와 홀 사이즈에 나오는 소리가 참 마음에 들어서 벽체는 지금 구성에서 내부 마감을 하기로 하였습니다. 부스와 홀은 모두 패브릭을 전혀 사용하지 않고 모두 확산시켜서 만들 계획이고 특히나 메인 홀은 스튜디오 치고는 잔향이 상당히 길도록 만들 계획입니다 이렇게 스튜디오의 공사를 하고 있습니다. 그래도 처음 스튜디오를 만들었던 17년전에는 녹음부스도 동네 목수분께 부탁해서 나무로 가볍게 만들고 벽에는 그냥 살구색 계란판 흡음재를 집접 붙여서 만든것에 비해서 참 많은 변화가 있는 것 같습니다. 그동안 여러 좋은 스튜디오들에서 녹음을 많이 해보면서 내가 스튜디오를 만들면 어떻게 만들어야 겠다..평소에 많은 생각을 지니고 있었기 때문에 진행이 빠르고. 또 재미있기도 합니다. 이제는 잠시 스튜디오의 전원 부분에 관해서 스튜디오에 기본적으로 380V 10K 의 전기가 들어옵니다. 이번에는 전기를 3가지로 분류 하였는데요. 사무실용. 아날로그 기기용. 디지털 기기용. 각 방의 모든 콘센트에는 이렇게 사무실용(냉난방기와 그밖에 핸드폰 충전이나 전기를 사용하는 사무용 기기들) 과 아날로그 디지털의 전원자체를 기본적으로 아예 분리하였습니다. 사무실용은 아예 별도의 분전반을 만들어서 그곳에서 배선을 하고 메인 브레이커에서 AVR을 통한것은 디지탈용으로. 아날로그 쪽 전기는 과감하게(?) AVR을 사용하지 않기로 결정했습니다. 기본적으로 380V가 들어오기 때문에 여기서 230V를 만들 수 있어서 기본적으로 모든 전기는 230V (사무실용은 220V) 각 방마다 이렇게 사무용. 아날로그. 디지털을 분리함과 동시에 컨트롤룸의 콘솔의 경우는 전용으로 전원을 끌어와서 사용을 할 계획입니다. 전기공사 하시는분 입장에서는 왜 이렇게 번거롭게 하는지 참 의아하실수도 있는데도 저의 요구에 흔쾌히 응해주셔서 즐겁게 하고 있습니다.^^ 여기까지 하는데 금방 공사가 진행된것 같은데 벌써 공사를 시작한지 보름이 시간이 흘렀네요. 12월5일에 기본적인 공사가 끝나고 기기들 세팅이 될 계획인데요.(아무래도 세세한 마감들때문에 좀더 시간이 걸리지 않을까 합니다.) 다음에는 완성왼 바닥과 내부 마감의 진행내용에 관해 사진과 함께 다시한번 올리도록 하겠습니다~